Samantha Morton

Con visión preclara, J.K. Rowling se ha dado cuenta de que las andanzas de Harry Potter y demás compañeros de Hogwarts necesitaban pisar el freno, unas merecidas vacaciones, aunque no renuncie a su abordaje, recientemente lo ha hecho en una exitosa obra de teatro. Pero está claro que ese universo mágico permite otras aproximaciones, y es lo que la escritora británica acaba de hacer, partiendo de su libro homónimo, “Animales fantásticos y dónde encontrarlos”, una enciclopedia que remedaba un libro de texto que Potter manejaba durante su aprendizaje en Hogwarts. Estamos ante la primera película de lo que se anuncia como una pentalogía, cinco títulos. Y es la propia Rowling la firmante en solitario de un guión que presenta mimbres sólidos, su debut en estas lides está logrado. Corre el año 1926. Newt Scamander es un eminente zoólogo, que estudia y recoge animales fantásticos que sus colegas magos no acaban de entender, pues les tienen un miedo que les impide aproximarse a ellos con actitud abierta y científica. Acaba de llegar a Nueva York, con su maleta llena de raras criaturas, pero se le escapan unas cuantas, lo que pone muy nerviosos a los magos americanos –entre ellos uno de sus líderes, Percival Graves–, muy aprensivos frente a los nomajs –el término estadounidense para los muggles, la gente normal sin poderes mágicos–, pues hay un grupo que se autodenominan como los segundos salemitas, y que en su particular caza de brujas denuncia su perversa existencia, aunque los poderosos no les creen. Y sin embargo Newt encontrará un colaborador en Jacob Kowalski, un nomaj que trabaja en una fábrica de conservas, aunque su sueño es abrir una pastelería. También interactuarán con las hermanas Goldstein, Tina y Queenie, la primera agente de magos caída en desgracia, la otra belleza ingenua con la que Jacob tendrá una inesperada química. Mientras intentan recuperar los animales fantásticos extraviados, se desatan fuerzas oscuras, existe un poderoso mago malo, Gellert Grindelwald, en paradero desconocido. Tras la breve pausa en su habitual inmersión en el universo Rowling –cuatro títulos harrypotterianos–, que le permitió dirigir La leyenda de Tarzán, David Yates vuelve, y en principio está comprometido con la dirección de los próximos filmes de la saga. Desde luego supone un acierto iniciar un tipo de aventuras completamente nuevas, con personajes distintos, en esta ocasión mayoritariamente adultos. Y las primeras impresiones son, nunca mejor dicho, fantásticas. Eddie Redmayne compone bien a su personaje protagonista, como si hubiera tomado a su Stephen Hawking de La teoría del todo, y le hubiera dotado de un aire tímido y de sabio despistado. Y también Dan Fogler está muy bien como el nomaj Jacob, supone una novedad dar tanto peso, con un simpático punto cómico, a alguien sin poderes mágicos. También resultan interesantes las dos hermanas Goldstein, compuestas por Katherine Waterston y Alison Sudol, y el resto de secundarios funcionan bien. La trama de aventuras fantásticas es muy ágil imaginativa, y permite imbricar cuestiones como la segregación, la convivencia, el respeto a los diferentes, la importancia del conocimiento, la manipulación, el ejercicio del poder, el uso de los dones que uno posee, etcétera. Y llama poderosamente la atención el capítulo de los efectos visuales, realmente alucinantes: tanto la recreación del Nueva York de la época con gran profusión de detalles en calles, edificios y vehículos, como el realismo de animales muy peculiares, el juego que da la maleta, etcétera, un verdadero festín para los sentidos.

Adaptación de la conocida obra teatral de August Strindberg a cargo de la cineasta noruega Liv Ullmann, que traslada la acción a Irlanda, seguramente para justificar el rodaje en inglés y un atractivo reparto, con grandes trabajos de Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton. La directora y adaptadora de la obra se empeña en dar al film empaque cinematográfico, moviendo a los personajes por la casa señorial donde transcurre la acción, mostrando brevemente la infancia de la protagonista, y recurriendo a la imagen del río para entregar un bello plano final que remite a un célebre cuadro prerrafaelita. La señorita Julia se ha criado en soledad en la señorial casa de su padre el barón, su madre murió siendo ella niña. En una noche de san Juan, en que los criados celebran su baile, ella participa y aprovecha para aproximarse a John, un atractivo lacayo, novio de la cocinera de la casa, Kathleen. Ella se mueve entre la ingenuidad y el deseo provocador, mientras que él trata de contener sus impulsos, sabedor de la insalvable barrera social que los separa. Ullmann sabe desplegar con intensidad los temas de la obra –clases sociales y determinismo, desconocimiento del mundo tal vez culpable, manipulación...–, pero sin olvidar los desgarradores dramas personales capaces de conmover, y una violencia y pasión que son más psicológicas que físicas, pero que golpean con fuerza. Y gracias a las interpretaciones de los actores, logra que nos compadezcamos de los personajes, que sintamos sus desdichas un poco nuestras. La selección musical de piezas clásicas, con especial recurso a Schubert, resulta muy adecuada.

Un matrimonio vive en su casa con su hijo enfermo. Tienen todo controlado para el chaval esté siempre completamente aislado. Pero cuando una nueva vecina sugiere que el joven que puede tener una vida mejor, las cosas comienzan a desmadrarse. El director de Henry, retrato de un asesino entrega uno de esos densos dramas desasosegantes, con atmósfera insana y trazas de película de terror. Funcionan a la perfección para ello las interpetaciones inquietantes de Samantha Morton y Michael Shannon, dos grandes actores.

Un veterano de la guerra de secesión americana llamado John Carter se ve transportado misteriosamente a Marte, donde también se libra una contienda civil entre distintas facciones. Allí es recogido por unos larguiruchos nativos y la distinta gravedad le permite dar saltos espectaculares. Y aunque está desengañado en lo referente a tomar partido por alguien, su encuentro con la bella princesa Dejah Thoris, de aspecto humano, le hará recapacitar. Pues el rey Tardos, el padre de Dejah, ha convenido un matrimonio con el agresor de su pueblo para preservar la paz. John Carter es una adaptación de la primera entrega de la "Serie de Barsoom" de Edgar Rice Burroughs, autor más conocido por sus novelas de Tarzán. Son aventuras a la vieja usanza -una línea que Disney parece haber decidido explotar a fondo, tras el éxito de la saga Piratas del Caribe, y títulos como Prince of Persia: las arenas del tiempo-, y que sin duda inspiraron a George Lucas en su saga La guerra de las galaxias, visto este film se diría que hay un intercambio de influencias entre el mentado cineasta y el legado Burroughs, y ahora la adaptación se tomaría su revancha, pues muchas criaturas y el look desértico de Marte recuerdan a las galácticas películas. El resultado es simplemente correcto, un entretenimiento bastante naif, con escaso sentido del humor y que deja frío. Decepciona un tanto Andrew Stanton, director de joyas pixarianas como Buscando a Nemo o WALL·E, puestos a comparar, ha salido mejor librado Brad Bird de su salto de la animación a una historia con actores de carne y hueso con Misión imposible: Protocolo fantasma. Para empezar, le cuesta situar enseguida al espectador en esta demasiado larga película, con sus saltos desconcertantes de Marte a Nueva York, de aquí al lejano Oeste, y luego otra vez a Marte; que tal planteamiento esté justificado por el desenlace, cerrar el círculo, no parece razón suficiente, pues sencillamente descoloca. Luego existe un problema con el reparto, con desconocidos muy sosos y poco carismáticos en los principales papeles. La idea parece haber sido la de hacer el gasto en secundarios con salarios razonables y, sobre todo, en los espectaculares efectos especiales, donde hay que admitir que las muchedumbres de marcianos o las maquetas de las naves están bastante conseguidas.

Nueva York, época convulsa. El capitalismo no vive sus mejores momentos, y la vida de los que se han enriquecido con el sistema corre serio peligro. Es el caso del preboste Eric Packer, joven que se mueve en la cúspide del poder, y que decide recorrer la ciudad de punta a punta en su larga limusina blanca, con intención de procurarse un corte de pelo. En el lento trayecto -una visita presidencial, un entierro y otros múltiples eventos- departe con unos y otros, y hace diversos altos en el camino. Adaptación de la novela homónima de Tom DeLillo, el propio David Cronenberg ha escrito en solitario el guión de Cosmópolis, además de dirigir. Aunque hay ideas que visualmente dan juego -la limusina como una especie de burbuja insonorizada, donde el protagonista se aísla de lo que ocurre afuera, en el mundo-, lo cierto es que Cronenberg se equivoca manteniendo los largos y afectados intercambios verbales entre los personajes, prácticamente calcados de la obra de DeLillo, que agotan a pesar de su aparente brillantez, la sensación de que son pronunciados como si se estuvieran definiendo grandes verdades universales sobre las que se sostiene el mundo acaba resultando ridícula. Parece claro que la elección de un correctito Robert Pattinson en el papel principal tiene subtexto, Cronenberg nos estaría describiendo en Cosmópolis a un arrogante "vampiro" capitalista que chupa la sangre al mundo, que está entregado a las pompas del poder y el dinero, y se mueve por pulsiones sexuales recurriendo a una violencia fría y brutal cuando lo estima necesario. El resto de personajes son absolutamente episódicos, da pena ver a Juliette Binoche en un papelito sin interés, por citar un ejemplo. El cineasta canadiense imprime a Cosmópolis una atmósfera malsana y una frialdad gélida tan típicas en su filmografía, aunque aquí la limusina no llega a jugar el papel perverso de los autómoviles de Crash (1996). A la hora de describir a un Packer banal y decadente, Cronenberg no puede evitar incluir alguna de esas escenas repulsivas que tanto le gustan, como el momento en que le da por dispararse en la propia mano.

La trayectoria existencial del autor teatral Caden en Nueva York. Casado y con una hija, prepara una nueva y ambiciosa obra, en cuyo contenido resuena su tragicómica vida de un modo asombroso, hasta el punto de que será difícil distinguir donde está la realidad y dónde la ficción. Así, vemos a Caden envejecer, sus tribulaciones sentimentales, en lo que se convierte su encantadora hijita, y al final, el horizonte de la muerte. Como en todo el cine del guionista Charlie Kaufman, que aquí debuta como director, estamos ante una obra inclasificable, coherente con su filmografía, que puede adorarse o provocar una tremenda irritación, aunque nadie podrá negar el talento de quien la ha pergeñado. Como el título indica, se acude a la figura retórica de la sinécdoque, tomar la parte por el todo, para señalar que una obra de teatro, o una vida entre millones, puede ser representativa de Nueva York, del artista, o del mundo entero. Así que las afecciones de salud de Caden, su decadencia física, su relación con distintas mujeres, conforman un arquetipo de la vida como absurdo en que uno desarrolla sus propias cualidades. El gran mérito de Kaufman, al igual que hiciera en los guiones de filmes como Cómo ser John Malkovich o Adaptation. El ladrón de orquídeas, es el trazado de la metahistoria de un modo ingenioso y medianamente coherente. Maneja un estupendo reparto encabezado por el gran Philip Seymour Hoffman, y sólo cabe reprocharle, tras el asumible artificio, su visión puramente ridiculesca del ser humano.

Apasionante biopic de Ian Curtis, joven vocalista del grupo Joy Division. El film sigue su trayectoria desde la época de adolescente escolar, pasando por sus primeros pasos musicales, que compatibiliza con el trabajo en una oficina de empleo, hasta que la muerte le alcanza prematuramente en un momento difícil en lo personal, pero magnífico en lo profesional. La película se basa en el libro escrito por quien fuera su esposa, Deborah, y llama la atención la mesura de la narración y el magnífico ritmo. Aunque se describen situaciones difíciles y de crisis, incluida la infidelidad de Ian con Annik Honoré, una fan, la mirada es objetiva y desapasionada, lo que no es, para nada, sinónima de fría. Hay un esfuerzo serio por acercarse al personaje y tratar de entenderle, sin juzgarle frívolamente, ya fuera para excusarle o para condenarle; y para ello resulta muy acertada la opción de la fotografía en blanco y negro,La película muestra el enamoramiento juvenil de Ian y Deborah, con una proposición matrimonial inusualmente temprana. Y sigue la evolución de la banda, las influencias de otros grupos, las incursiones promocionales en la televisión, el padrinazgo de un promotor que cree en Joy Division... Todo acompañado, por supuesto, por las canciones en cuya letra Curtis vuelca toda su creatividad, y que presentan mucho de autobiográfico, pues contienen ideas muy personales sobre los altibajos anímicos -a Curtis se le diagnostica una epilepsia sin tratamiento definitivo, con la que debe aprender a convivir; al cantante le cuesta amoldarse al amor de la vida conyugal, con una esposa ama de casa, y una hijita, y en cambio le atrae Annik, que disfruta con los conciertos...- y son expresión de su alma de artista. A diferencia de otros enfoques de bandas, que cargan la mano en lo feísta, en los aspectos más sórdidos de la profesión, aquí late una mirada romántica aunque no exenta de aristas, y se tiene la sensación de estar ante algo bastante próximo a la realidad. El reparto está a la altura, desde la única conocida del reparto, Samantha Morton, en el papel de la esposa, al desconocido Sam Riley, que atrapa bien el tormento interior del artista que, como dice en una de sus canciones, empieza a ver que está perdiendo el control. Dirige la cinta el holandés Anton Corbijn, hasta ahora conocido sólo por sus vídeos de distintos grupos musicales, como U-2 o Metallica.

En 1998 el director indio Shekhar Kapur rodó Elizabeth, reconstrucción de los primeros años del reinado de Isabel I, personaje que ha dado lugar a múltiples series televisivas y películas de calidad. A pesar de su vistosa reconstrucción de la época, el film se recuerda únicamente porque dio a conocer a nivel internacional a la australiana Cate Blanchett, que fue nominada al Oscar, y que hoy en día se ha convertido en una de las grandes estrellas del siglo XXI. Nadie esperaba ansiosamente que nueve años después se hiciera una secuela, aunque quedaba mucha vida de la monarca por retratar. Cate Blanchett vuelve a ponerse en la piel de la protagonista, que se siente atraída por Walter Raleigh, un corsario dedicado a desvalijar barcos españoles con la aprobación de la reina. Como su relación con un plebeyo sería mal vista, no le confiesa su amor, pero con el fin de enterarse de sus andanzas y mantenerle cerca, le envía a Bess, su dama de confianza, para que se gane su amistad. La reina no ha previsto que entre ambos surgirá la pasión. Mientras, sir Francis Walsingham, máximo asesor de la corte, descubre que María Estuardo ha puesto en marcha una conspiración para asesinar a Isabel I. Pero el principal obstáculo al que tiene que enfrentarse la corte británica es Felipe II, el rey de España, a punto de enviar a la Armada Invencible. Shekhar Kapur reincide en la ampulosa planificación de la primera parte, llegando a resultar excesivo en momentos como aquel en el que la cámara rodea la figura de la reina inmóvil, más propio de un anuncio ‘marciano’ de perfumes. Ha contado con medios suficientes para poner en marcha una convincente ambientación, decorados y vestuarios lujosos y secuencias navales impresionantes. Además, ha logrado que repita la citada Blanchett, y el siempre excelente Geoffrey Rush, que encarna de nuevo a sir Francis Walsingham. Algunos de los recién llegados están a la altura, como la casi desconocida australiana Abbie Cornish (Bess), Clive Owen (Raleigh), que cada vez está más en forma, y Samantha Morton (María Estuardo) que es una actriz nada desdeñable, aunque andaba un poco dispersa desde En América, de 2002. No está al mismo nivel el español Jordi Mollà. Su composición caricaturesca de Felipe II, y su acento extrañísimo, da al traste con cualquier pretensión de verosimilitud de la película, y acentúa los principales defectos del film, que se ha dejado llevar por los tópicos de la leyenda negra que proviene del siglo XVI. Mientras que la reina de Inglaterra es una mujer moderna, astuta, culta, tolerante en materia religiosa a pesar de su fervor anglicano y que aconseja que se trate bien a los nativos americanos, Felipe II es un individuo siniestro, católico ofuscado, intolerante y cruel. Es todo tan maniqueo, que resulta difícil creerse nada. Se entienden perfectamente las reacciones negativas que ha suscitado el film en Estados Unidos. Allí, los críticos le han dado tantos palos que han desbaratado por completo las supuestas opciones de nominaciones al Oscar de las que se había hablado antes del estreno. Especialmente duro fue Desson Thompson, en ‘The Washington Post’, que dijo que la relación entre Elizabeth I y Walter Raleigh es tan ‘simple’ y ‘postmoderna’, que parece que han acudido al show de Oprah Winfrey.

Nueva Zelanda, 1868. Una guerra de conquista de los británicos. Sarah, la hija de un colono, se ha enamorado de un nativo maorí. Fruto de su relación nacerá un niño, pero el padre fallece de una enfermedad. Dejada atrás por su familia, Sarah se esfuerza en educar a su hijo, pero éste será secuestrado por los maoríes, que le educan como uno de los suyos. Sarah hará lo inenarrable para dar con el paradero de su hijo; incluso poner sus dotes de curandera al servicio del lider maorí rebelde. El neozelandés Vincent Ward (The Navigator. Una odisea en el tiempo, Más allá de los sueños), con una corta filmografía tras de sí, se ha asegurado un puesto entre los cineastas con inquietudes, que no se conforman con contar cualquier cosa. Aquí describe el desgarro de unos personajes –Sarah (Samantha Morton) y su hijo, pero también su amigo irlandés que combate para los ingleses (Kiefer Sutherland), y el maorí explorador (Cliff Curtis)–, que ven su corazón y su lealtad divididos entre dos culturas diversas, que quieren obligarles a tomar partido. Con un aire tranquilo, que recuerda en parte a El nuevo mundo de Terrence Malick, Ward plantea una historia dramática que, aunque algo plomiza, interesa. La cosa está enmarcada en un precioso paraje selvático, por el que discurre el río Wanganui al que alude el título del film. Parece que el rodaje fue problemático, porque la actriz principal enfermó, y por las rarezas de Ward, que no terminó el rodaje, y quien ya en el pasado, con su libreto de Alien 3, desconcertó a sus productores.

Joe Rose un profesor universitario de mentalidad racionalista, que piensa que cosas como el amor se reducen a pura química. No obstante es lo que hay, según su punto de vista, y por ello tiene idea de proponer matrimonio a Claire en un día de pícnic. No va a ser posible. La fatalidad quiere que en la pradera a la que han acudido ocurra un fatal accidente; un abuelo y su nieto pierden el control de su globol aerostático, y varios testigos del hecho intentan ayudar. El resultado es la muerte de un hombre, que dio su vida por salvar al crío. Este hecho va a desencajar la ordenada vida de Joe. Uno de los testigos, Jed, se convierte desde entonces en una especie de sombra de Joe, mezclando su fe religiosa –está convencido de que es un señal todo lo ocurrido– con una especie de admiración-atracción que tendrá imprevisibles consecuencias. Roger Michell (Notting Hill, Al límite de la verdad) entrega una muy apañada adaptación de la novela de Ian McEwan "Amor perdurable". Como es habitual en el escritor, un formato de thriller desasosegante le sirve para ahondar en la psicología de los personajes, enfrentados a temores inconfensables, y que no acaban de conocerse a sí mismos. Daniel Craig demuestra ser un gran actor. El futuro James Bond tiene tablas, y su composición de un personaje en crisis, al que se le viene abajo su cosmovisión, es muy buena. Rhys Ifans, el 'impresentable' amigo de Hugh Grant en Notting Hill tiene también un papel complejo, y la personalidad poliédrica de Jed se le podía haber ido de las manos –el último giro de su carácter se nos antoja excesivo–, cosa que no ocurre. Se trata de un film que invita a la reflexión acerca de temas como la confianza, el amor, la generosidad, el sacrificio, la trascendencia o la autosuficiencia.

Revisitación de las aventuras de la perra Lassie, basada en la obra de Eric Knight, cuya versión fílmica más conocida es la de 1943, con unos jovencitos Roddy McDowall y Elizabeth Taylor. Detrás de la que nos ocupa está el británico Charles Sturridge, célebre sobre todo por su magnífica serie televisiva Retorno a Brideshead. La trama se sitúa en vísperas de la II Guerra Mundial, y como ocurría en títulos como La Sra. Miniver, acentúa las diferencias de clase social. El duque de Rudling vive en su magnífica mansión campestre, y le acompaña su nieta, llevada ahí en previsión a un conflicto bélico que se adivina próximo. Paseando por el pueblo ambos ven a una magnífica perra collie, Lassie, y el duque hará una oferta de compra a sus dueños. Gente humilde, al principio rehúsan en atención al cariño que tiene su hijo al animal, pero las penurias económicas –la mina local de carbón cierra sus puertas– obliga a la venta. Sin embargo Lassie se revelará con una perra muy fiel a su joven amo, y como una consumada maestra en fugas intentará una y otra vez volver junto a él. Agradable película familiar, a la que al tiempo se le imprime un aire realista, sobre todo en lo concerniente a la fotografía. La escena de arranque –una cacería de zorros que acaba en la mina– resulta improbable, pero sirve bien para establecer el abismo que separa a pobres y a ricos, y que va a propiciar la separación de Lassie de los suyos. El film está sembrado de buenos sentimientos, como cabe imaginar. Pero a la vez hay buenos momentos humorísticos –Lassie en el juzgado–, y escenas de cabriolas bien coreografíadas. Destaca el emotivo episodio en que Lassie es acogida por un enano feriante. Hay un acierto en el reparto, sobre todo en los papeles de los adultos, aunque como cabe imaginar la perra protagonista es la reina de la función.

La historia de un personaje auténtico de la Inglaterra del siglo XVII, en tiempos de la Restauración. John Wilmot (1647-1680), segundo conde de Rochester, estaba casado con la rica heredera Elizabeth Malet, pero su estilo de vida libertino e iconoclasta le condujo a mantener relaciones con numerosas amantes, hasta que se encaprichó con la actriz de teatro Elizabeth Barry; al rey Carlos II le hacían gracia sus modos desinhibidos, pero tanta extravagancia acabó chocando con el monarca. Cuando aplica su talento literario a una obra subversiva, se colma el vaso de la paciencia del rey. El film es una especie de confesión de Vilmot, quien nos invita a no tenerle demasiada simpatía, ante una vida egoísta que sólo busca satisfacer su propio placer. Pero a medida que conocemos su trayectoria, vemos que tras ese `demonio´ hay un hombre, con sus flaquezas, pero a quien se puede compadecer. El conde ve en la actriz, no sólo un objeto de deseo, sino alguien que podría llegar a la cima de la interpretación, siempre que esté bajo su protección. El modo de proceder de ella, le afectará decisivamente. Curiosamente, y tal hecho es histórico, Wilmot acabó arrepentido de su vida disoluta, por lo que este duro film, no apto para todos los paladares, acaba adquiriendo un formato de `vida no ejemplar´, excepto en el tramo final. Cabría decir que el conde de Rochester ha tenido que rebozarse en el fango para descubrir el atractivo de una vida limpia. Johnny Depp hace una gran composición del personaje, con momentos tan memorables como el de su comparencia en el Parlamento, cuando ya está gravemente enfermo.

En un futuro cercano, nadie puede entrar en las gigantescas megalópolis sin un permiso especial. La clonación humana está permitida, pero el Código 46 prohíbe tener hijos a las personas cuyo ADN sea similar, pues serían familiares genéticos. En tal contexto, William, un hombre casado, inspector de una compañía de seguros, va a Shanghai para investigar el caso de unos falsificadores de papeles para circular entre ciudades o salir al exterior. Pero allí se enamora de María, la supuesta falsificadora. La policía acabará acusándole de violar el Código 46. La ciencia ficción es un género ideal para las reflexiones éticas o filosóficas, pues se puede componer un guión que especule sobre los peligros a los que puede llevar en el futuro cualquier tipo de práctica actual. Blade Runner y Gattaca advertían de los riesgos de la manipulación genética. Y aunque las comparaciones son odiosas, recupera el tema el prolífico cineasta británico Michael Winterbottom, en una cinta que en principio intenta ser tan reflexiva como los títulos citados, lejos de los espectáculos de acción tipo Matrix o Star Wars. Empeñado en labrarse la filmografía más heterogénea de la historia del cine, el autor de In this World y Wonderland advierte de un aspecto inusitado de la clonación, el riesgo de mantener relaciones incestuosas sin saberlo. Prescinciendo de grandes efectos especiales, Winterbottom construye una atmósfera inquietante, y aunque el desarrollo resulta escabroso y bastante frío para tratarse de una historia de amor, abre interrogantes curiosos e interesará a los puristas del género.

Johnny, Sarah, y sus dos hijas, Christy y Ariel. Esta familia católica, de origen irlandés, llega a Estados Unidos como turistas, aunque su intención es quedarse a vivir allí. Lo que no resulta fácil. Se instalan en un destartalado edificio de una barriada neoyorquina, donde abundan los drogadictos y demás especímenes raros, auténticos monstruos de este cuento de hadas urbano. El padre desea trabajar como actor, pero no es tan sencillo. Y conseguir unos dólares para ir tirando cuesta lo suyo. Mientras transcurren los días, las niñas sienten curiosidad por un vecino negro, que es pintor. Y en el ánimo de todos pesa la ausencia de Franky, el hermano pequeño, que murió tiempo atrás. El irlandés Jim Sheridan articula su historia a partir de recuerdos personales: él también fue emigrante en los Estados Unidos, y pudo soportar los momentos difíciles gracias a lo unido que estaba a su familia. Y le proporciona un punto de vista infantil, el de una de las niñas, que siempre lleva consigo su cámara de vídeo digital. El director de Mi pie izquierdo y En el nombre del padre logra que una mezcla explosiva (realismo y magia), funcione. De este modo entrega escenas de intenso dramatismo, como la de la feria, en que el padre se empeña en ganar a toda costa un peluche de E.T., símbolo de la añoranza de un hogar; los momentos en que es puesta a prueba la fe de los personajes; o la del desenlace, de intenso lirismo. Desentona en cambio la escena de cama, que rompe con la coherencia de mantener la mirada infantil. El reparto está estupendo, y no extrañan por tanto las nominaciones a los Oscar de Samantha Morton y Djimon Hounsou.

Cuando en 1983 un joven Tom Cruise rodaba Risky Business conoció a Steven Spielberg y surgió entre ellos un amor a primera vista. Desde entonces, el protagonista de Top Gun buscaba un proyecto para trabajar con él. Los años pasaron como una exhalación y así hasta que en 1999 llegó a manos de Cruise una historia que le pareció fascinante y se la envió a Spielberg. Éste la leyó y quedó maravillado. Había nacido Minority Report. La película está ambientada en el año 2054, en la ciudad de Washington. El modo de impartir justicia en el planeta ha progresado considerablemente, pero por senderos peculiares y bastante sinuosos. El caso es que ahora los crímenes no se cometen, son impedidos antes de que se produzcan y las personas son encarceladas por ser criminales en potencia. La clave de esta práctica es la existencia de tres personas denominadas pre-cogs (abreviatura de pre-cognoscentes), instrumentos de la todopoderosa organización Pre-Crimen, de la que el agente John Anderton (Tom Cruise) es su principal líder. Sin embargo el departamento de Justicia piensa que en Pre-Crimen puede haber errores y que algunos inocentes han podido ser arrestados, y para investigarlo envía hasta allí al agente Danny Witwer (Colin Farrell). Anderton, por el contrario, cree fervientemente en su empresa y se refugia de la soledad en su trabajo, como si fuera un bálsamo para dolor que años atrás le produjo la pérdida de su único hijo. Pero su fe en Pre-Crimen se esfuma cuando uno de los pre-cog profetiza que en el plazo de 36 horas él mismo asesinará a una persona que ni siquiera conoce: el cazador se convierte en presa y dispone de muy poco tiempo para descubrir la verdad. Si ya desde la trilogía de Indiana Jones Steven Spielberg demostró ser un maestro en películas de acción y más tarde hizo lo propio con el drama humano en La lista de Schindler, ahora se supera a sí mismo y ofrece un trepidante thriller de ciencia ficción, asentado sobre planteamientos que remiten directamente a cuestiones filosóficas y morales. La película es mucho más que un divertimento, que lo es, y ahí reside su grandeza. Y por encima de la atmósfera a lo Blade Runner, de los encomiables efectos visuales y de un guión sin fisuras, se alza la imponente figura de Tom Cruise, un tipo que aguanta cámara como nadie y que demuestra una vez más que es un actor como la copa de un pino.

Año 1939. En Palestina está naciendo un nuevo país. Personajes lánguidos deambulan ante nuestros ojos, como el matrimonio formado por Dov, un arquitecto llamado a la guerra, y Samantha, que entable relación con un librero; o los parientes de Estados Unidos, un hermano y el padre enfermo. Amos Gitai adapta "Homely Girl", una novela de Arthur Miller, y el propio dramaturgo hace una breve aparición en pantalla.

Frank se enfrenta por primera vez al mundo real cuando su madre le echa de casa. Consigue alojamiento de Kenny, que regenta un hostal. A cambio le pide ayuda para vengarse del tipo que dio una paliza a su hermano, dejándole en silla de ruedas. Mark Addy, el gordito de Full Monty, protagoniza otra comedia británica, donde interviene también Samantha Morton, la sorprendente sordomuda de Acordes y desacuerdos.

Con Acordes y desacuerdos Allen rinde un homenaje explícito a su muy amado jazz. La banda sonora de sus películas siempre la ha presidido esta música, pero aquí inventa a Emmet Ray, un guitarrista de jazz de los años 30 supuestamente legendario, del que diversos personajes auténticos, incluido el propio Allen, cantan su talento. Con un esquema narrativo que recuerda a Toma el dinero y corre y Zelig, el director salpica el relato de declaraciones de personas que evocan la figura de Ray, su egocéntrica personalidad y su personal aportación al jazz. Entre medias, se desliza la historia del guitarrista, sobre todo en su vertiente amorosa. Y es aquí, sobre todo, donde Allen acierta de pleno. Pocas veces se ha visto contada de modo más sentido una historia de amor. Allen demuestra una prodigiosa sensibilidad. Para empezar, define a sus personajes a las mil maravillas. Ray es un egocéntrico. Con talento, va a lo suyo. A su bola. Sean Penn le presta cuerpo y alma, y consigue el milagro de que amemos a este personaje. Somos incapaces de guardarle rencor, aunque se lo gane a pulso. El amor pasa a su lado en forma de Hattie, una chica muda. Ella no es demasiado inteligente. Bonita, ingenua, luminosa, dulce, sensible... Una joya, a pesar de que no pueda hablar. El director nos presenta a otras mujeres importantes en la vida de Ray, como la Blanche de Uma Thurman, pero el corazón de esta película es la historia de amor con Hattie que tiene un antes y un después. El reencuentro con Hattie es causa de dos de las mejores secuencias que ha dado nunca la cámara de Allen, verdadera poesía con mayúsculas. El director coge de improviso el corazón del espectador y lo estruja sin misericordia. De pocas maneras se puede expresar mejor el gran error de Ray. Con su otro amor, la guitarra entre sus manos, Allen nos habla también de lo que puede ser una disyuntiva en la vida del artista. Si uno se viera forzado a elegir, ¿qué debería ir antes, el amor o el arte?

Cuando Iris pierde a su madre, fallecida por cáncer, queda absolutamente desubicada. Sus únicos sustentos anímicos son su hermana Rose –por la que su madre sentía un cariño especial– y su novio Gary. Sin embargo, la tristeza honda empieza a hacer seria mella en Iris, que inicia una espiral de autodestrucción, gastando dinero, robando y dándose a una libertina y peligrosa ninfomanía. Duro film de debut de la directora Carine Adler, quien narra una historia agobiante que recrea el infierno interior de una joven cuando todo su mundo se desmorona en el plazo de un mes. Sexualmente muy explícita, la pelicula puede resultar desgradable para muchos espectadores, debido también a su look apagado y sucio, underground, con rodaje con cámara al hombro. Protagoniza una jovencita y desinhibida Samantha Morton (En América) en su primer trabajo hecho directamente para el cine.

Adaptación televisiva de la novela de Charlotte Brontë. La actriz Samantha Morton es Jane Eyre, que llega a la mansión de Mr. Rochester para ocupar el lugar de gobernanta. Pero una tragedia pesa sobre el señor de la casa.

Adaptación televisiva de la conocida novela de Jane Austen, realizada casi a la par de la que protagonizó Gwyneth Paltrow, y para muchos claramente superior. Narra la historia de Emma, una joven que tras considerarse artífice de la boda de su mejor amiga, la señorita Taylor, planea emparejar a los solteros de la ciudad de Highbury, una pequeña y pacífica localidad inglesa. No obstante, pronto comprobará que sus conocimientos acerca de los sentimientos del prójimo son tan escasos como los que ella tiene de su propio corazón. La versión de Diarmuid Lawrence es muy fiel a la fuente original, y atrapa esa increíble plasmación del alma femenina de la que era capaz Austen. En esta ocasión es Kate Beckinsale la que juega a Celestina con su composición de Emma, y verdaderamente se mueve como pez en el agua en los aspectos humorísticos de su personaje. El resto del reparto es muy atinado, pero destaca especialmente Mark Strong.