Alicia Vikander

Lucy lleva varios años en Tokio trabajando como traductora. El hallazgo de unos restos humanos, posiblemente de su desaparecida amiga Lily, motivan un interrogatorio por parte de la policía. Lo que despierta los recuerdos: su relación con el aficionado a la fotografía Teiji, y el modo en que se preocupó por la recién llegada a Japón Lily, que no hablaba una palabra de japonés. Pero también otros más traumáticos, que han acentuado de un modo enfermizo el sentido de culpa, y que pueden explicar sus crecientes celos hacia Lily. Producción de Ridley Scott, que vuelve a Japón tras Black Rain, aprovechando la belleza de ese país del lejano Oriente. Está muy cuidada estéticamente, en los capítulos fotográfico y de partitura musical, Wash Westmoreland sabe crear una atmósfera inquietante. También aprovechando la excusa de los terremotos, temblores de tierra a los que supuestamente sigue una extraña musicalidad, apenas perceptible, que justifica el título del film. Pero también le puede una suerte de petulancia, la cinta parece estar recorrida de unos excesivos aires de película “importante” que le hacen un flaco favor, porque al final uno tiene la sensación de haber contemplado una nadería, con las fotos y el archivo secreto, y sobre todo en el desenlace explicativo, puro cliché. El film está lejos de los resultados de algunas películas a las que parece mirar en lo relativo a personaje femenino confuso, como Picnic en Hanging Rock o Pasaje a la India. Alicia Vikander está correcta, pero su papel no es de los más memorables que se le recuerdan.

La joven Lara Croft se gana la vida como repartidora de un restaurante. Para sacarse un dinerillo extra participa en una extraña competición callejera de bicicletas, pero acaba detenida por la policía. Pagará la fianza Ana Miller, antigua socia de su padre, el desaparecido Richard. Le advierte de que firme unos papeles para darle oficialmente por muerto, pues en caso contrario podría tener problemas con la herencia. Tras aceptar a regañadientes, la muchacha recibe la llave de la oficina de su progenitor, donde encontrará una grabación donde éste detalla lo que estaba investigando cuando no se volvió a saber de él… Resulta tentador tirar del hilo para averiguar más detalles, lo que implica viajar a Hong Kong… Angelina Jolie protagonizó en 2001 la versión cinematográfica del exitoso videojuego Tomb Raider, en un film demasiado ligero, pero que por el tirón del personaje central entre los adictos a las consolas, dio dinero. Por esta razón, no tardó en llegar una secuela, Tomb Raider, la cuna de la vida, de 2003, de similar calidad. Tres lustros después toma la alternativa otra actriz, nada menos que la sueca Alicia Vikander, ganadora del Oscar por La chica danesa. Demuestra una mayor solvencia que su famosa predecesora, por lo que le otorga más humanidad a su personaje, parece más real, se percibe alguna debilidad… Y eso que sobre el papel, pese a que se nota el esfuerzo por describirla mejor, tampoco está muy dibujada. El aún poco conocido realizador noruego Roar Uthaug (La montaña mágica) logra que sus secuencias estén mejor integradas en una mínima trama que las de los filmes de la década anterior, donde se sucedían sin motivo. Y aunque algunos momentos suenan a refrito poco inspirado de las peripecias de Indiana Jones, otras veces se consigue cierta frescura, sobre todo en la carrera ciclista del arranque. Cuenta con algún secundario ilustre, como Kristin Scott Thomas y Derek Jacobi, que sin embargo, casi ni aparecen en el metraje. La disfrutarán los ‘jugones’ por sus homenajes al original, por ejemplo el que ofrece la secuencia de los títulos de crédito.

Albert Einstein es un genio absoluto de la ciencia. Pero se considera en torno a 1915 su época más creativa, con sus experimentos visuales que le permitieron formular la naturaleza también material de la luz y la teoría de la relatividad general. Por supuesto siguió siendo grande después, pero ya no fue lo mismo. Con los directores de cine ocurre lo mismo, o al menos eso podría decirse de Wim Wenders tras el visionado de Inmersión. Esto no es París, Texas o El cielo sobre Berlín, de hace tres décadas, pero se nota que hay un buen cineasta detrás, con un enorme dominio de la cámara. Y que le interesa la historia que tiene entre manos. El amor obliga con frecuencia a sumergirse en las profundidades, lugares oscuros, el hades. Es lo que les ocurre a James y Danielle, que se conocen y enamoran en un hotelito idílico en la costa normanda. Ella es biomatemática que investiga en las profundidades del océano los orígenes de la vida, y a la que aguarda la inmersión en un pequeño submarino, junto a otros dos colegas, al fondo del mar, con riesgo de su vida, hay que recabar datos en una zona donde si algo sale mal, no habrá rescate posible. Él también debe sumergirse en aguas oscuras, las del yihadismo. Espía del servicio secreto británico, con la tapadera de experto en potabilización del agua, será capturado por terroristas radicales que lo someten a mil vejaciones para que confiese su identidad. En uno y otro caso, la fe y el amor, al otro, a la otra, al trabajo, al mundo, les sostiene. Se trata de una película bien realizada, que advierte acerca de dos amenazas bien concretas ante las que el mundo no puede cerrar los ojos, el cambio climático y el cuidado del planeta, y el fanatismo del islam radical. Wenders alterna con acierto el tiempo compartido de los protagonistas, con los pasajes de la separación forzosa que luego viven, en que uno y otra sufren por no poder verse mientras se enfrentan a duras pruebas, aunque vivan una especie de singular comunión, la que permite el amor. Los actores, Alicia Vikander y James McAvoy, saben plasmar bien esas emociones.

Las hermanas Emilie y Ines Thompson se reencuentran después de un tiempo en que habían perdido el contacto. Ambas se dirigen a un lugar innombrado, ubicado en medio de un bosque de un desconocido país europeo. Ines se deja llevar por su hermana. Cuando llegan al idílico paraje Inés conocerá la verdad: Emilie está enferma y en aquella institución piensa pasar los últimos días de su vida antes de morir. Una película bastante deprimente, que aporta muy poco. Somos testigos de las discusiones y tiranteces entre hermanas y el pasado saldrá a la luz. Pero el guión de la también directora Lisa Langseth no resulta en ningún momento estimulante y el lineal desarrrollo no ayuda a generar empatía por lo que estamos viendo. El film trata del suicidio indoloro, la eutanasia en toda regla, pero es incomprensible que se eludan reflexiones sugerentes y apenas sucedan hechos relevantes, al margen de unas cuantas lágrimas por aquí y por allá. El conjunto se salva el desastre completo porque las dos actrices protagonistas, Alicia Vikander y Eva Green, tienen sobrado oficio para hacer bien su trabajo. Pero la película es del todo decepcionante.

Hastiado de su experiencia en la Primera Guerra Mundial, Tom Sherbourne busca tranquilidad y llega a Australia para hacerse cargo de un trabajo bastante peculiar. Se trata de ser farero en el islote de Janus, un lugar inhóspito lindante con la Antártida, justo entre los océanos Pacífico y Atlántico, a cientos de kilómetros de la civilización. Antes de llegar a su destino conocerá a Isabel Graysmark, una joven llena de vitalidad y ambos se enamorarán hasta la médula. Tanto es así que al poco tiempo, ya casados, ella marchará a vivir con él a la solitaria Janus. La pareja esperará con ansia la llegada de un hijo. Sentida adaptación de la novela homónima de M.L. Stedman a cargo del director Derek Cianfrance, que obtuvo una gran acogida con sus dos películas anteriores, Blue Valentine y Cruce de caminos. Vuelve el director de Colorado a indagar en los sentimientos más hondos del corazón humano, capaces de generar enormes conflictos y también acciones de impresionante generosidad. En este caso, unido al amor conyugal se alza imponente el instinto de maternidad, una fuerza femenina de tal magnitud que es capaz de arrastrarlo todo a su paso. Valiéndose de unos escenarios naturales enormemente bellos (el film fue rodado en localizaciones de Nueva Zelanda y Australia), la cámara de Gianfrance ofrece unas imágenes subyugantes de la isla y sobre todo en su primer tramo se opta por la contemplación, por momentos idílicos del amor, una explosión de felicidad que inunda a los personajes acentuada por el delicado e inspirado piano de Alexandre Desplat. Y así hasta que en un “in crescendo” sostenido el núcleo de la trama dé lugar a un derroche exacerbado de sentimientos y desgarros emocionales que desembocan en una suerte de culebrón de alta temperatura afectiva, en donde el dolor, las dudas y la bondad de los personajes darán cabida al egoísmo y la desesperación, pero también al perdón, la renuncia, la asunción de la culpa y la búsqueda de redención. Todo este cúmulo de sentimientos (herencia sin duda de su diseño literario estilo superventas) puede hacerse excesivo, sobre todo hacia el desenlace, pero se muestra con eficacia extraordinaria gracias a unos actores de mucho talento. Lo que en otras manos hubiera resultado de un empalago lacrimógeno inaceptable, en las del trío formado por Michael Fassbender, Alicia Vikander y –en menor medida– Rachel Weisz se convierte en algo tan arrollador como verosímil, de una intensidad melodramática difícil de superar.

Quinta entrega de la saga Bourne, la cuarta con Matt Damon de protagonista, la tercera dirigida y escrita por Paul Greengrass. Repite gran parte del equipo habitual, o sea Christopher Rouse –montador y coguionista– y John Powell –compositor–, más la actriz Julia Stiles, además de sumarse el director de fotografía habitual de Greengrass, Barry Ackroyd. De nuevo, aunque la base literaria son los personajes de las novelas de Robert Ludlum, y más concretamente su agente de un programa secreto de la CIA Jason Bourne, asesino sin memoria, la guerra fría sigue sustituida por cuestiones de geopolítica de fondo más actuales –la crisis financiera y el estallido social en Grecia, la privacidad en internet y la responsabilidad de las compañías tecnológicas y las agencias de seguridad–, aunque siempre dando preponderancia a la intriga y las persecuciones espectaculares y adrenalíticas. Aquí todo arranca con una Nicky Parsons, antigua compañera de Jason Bourne, que colabora con hackers estilo Julian Assange que publican documentos comprometidos de la CIA que ponen al descubierto prácticas poco ortodoxas. En una de sus incursiones en los servidores de los servicios secretos encuentra información relacionada con Bourne, de modo que contacta con él, que lleva una vida retirada lejos del alcance de quienes le manipularon en el pasado. Su cita en Grecia no termina como debiera, y se pone en marcha una persecución implacable supervisada por el director de la CIA Robert Dewey, quien delega gran parte del operativo en su ambiciosa discípula Heather Lee, aunque guardándose un as en la manga, la intervención clandestina del asesino profesional Asset, quien tiene viejas cuentas personales pendientes con Bourne. Todo coincide con las presiones de Dewey para que el joven y brillante empresario tecnológico Aaron Kalloor le dé acceso a los datos de sus clientes, para llevar a cabo un ciberespionaje que considera imprescindible en los difíciles tiempos que corren. Greengrass y Rouse manejan un guión donde conviven una coherencia narrativa básica con los trazos sencillos de los personajes, una intriga desasosegante y un ritmo trepidante. El director de títulos como Domingo sangriento, United 93 y Capitán Phillips sigue fiel a sus principios de entregar escenas realistas, deudoras de su pasado en el documental, pero, rizando el rizo, o sea, con una espectacularidad completamente hollywoodiense, lo que se nota muy especialmente en los brillantes pasajes griegos y de Las Vegas. Así que el resultado es un film muy entretenido y palomitero, donde todos se toman muy en serio su papel, incluidos los actores recién llegados a la saga, o sea, Alicia Vikander, Tommy Lee Jones, Riz Ahmed y Vincent Cassel.

Einar Wegener es un pintor danés de gran prestigio, casado desde hace años con Gerda, también pintora, pero que no acaba de tener el reconocimiento que merece. Un día en que Gerda no puede disponer de su modelo, le pide a su marido que pose para ella poniéndose unas medias y sosteniendo un vestido de mujer sobre su cuerpo. Súbitamente Einar sufrirá entonces una especie shock de identidad y una poderosa personalidad femenina irrumpirá en su interior. Einar se transformará en Lili y el hombre que fue irá poco a poco desapareciendo. Tom Hooper es un director que arriesga. Tiene un descomunal talento para plasmar con perfección sus historias en la pantalla. Así lo ha demostrado una por una en todas sus películas, especialmente en las más complicadas, Los miserables y El discurso del rey. Aquí vuelve a sacar pecho y se atreve con un relato complicado, harto complicado: contar la historia real del primer hombre que decidió someterse a una operación quirúrgica para cambiar su sexo. Adapta para ello un libro de David Ebershoff. Sin embargo, pese al oficio de Hooper, la pieza esta vez se le atraganta y el resultado defrauda las expectativas. El motivo hay que buscarlo quizá en el guión de Lucinda Coxon, al que le falta mordiente y llega a aburrir. ¿Cómo es posible que eso suceda con tema tan delicado? Pues sencillamente porque el conflicto se plantea al inicio de la historia y resto del metraje no es más que un conjunto de situaciones en donde Einar se va feminizando aceleradamente, ante el estupor de su esposa. De modo que no hay más una retahíla de momentos retorcidamente sensuales, a veces de una cursilería espantosa, donde la situación deviene en irreal de tan exagerada, y que provocaría incluso vergüenza si no se acompañaran con los contrapuntos sufrientes, lacrimógenos que viven inevitablemente los dos cónyuges. La chica danesa se inscribe –no podía ser de otra manera– en la ideología de género. “Dios me hizo mujer y sólo tengo que curar la enfermedad de mi cuerpo de hombre”, se llega a decir, dándole la vuelta a la tortilla. Y el film se encarga de hacer ver que eso es realmente lo que es, una mujer. La cuestión es que entonces no es para nada creíble que Einar no sintiese a la Lili que lleva dentro hasta el día en que, por pura casualidad, sufre una verdadera conmoción cuando sus dedos rozan el tul de un vestido de bailarina sobre su cuerpo. Lo que viene después es verdaderamente desorbitado, y por mucho que se incida en el amor a “la persona” –Einar o Lili–, algo completamente admirable, no resultan verosímiles los jugueteos matrimoniales a los que se presta la adorada esposa, tan desconcertada lógicamente como su marido/a. La película gana enteros gracias a la exquisito diseño de producción, en donde Hooper demuestra ser un perfeccionista absoluto. El vestuario y la ambientación son modélicos, y la elegante planificación resalta la cuidadísima fotografía de Danny Cohen, que se esmera en el tratamiento de la luz, de los reflejos, de los interiores. Los actores están bien, pero Eddie Redmayne ya no asombra como en La teoría del todo, además de que sus continuos pucheritos acaban agotando y aportan a su personaje ademanes muy reiterativos. Mucho más sólida está Alicia Vikander (Ex Machina), que transmite mucho sentimiento con su delicado rostro sin resultar forzada.

Las vivencias de la escritora pacifista Vera Brittain en los años de la Primera Guerra Mundial, que plasmó con fuerza en su libro "Testamento de juventud", todo un referente del dolor que trajo consigo la contienda, y que es la base de la película. La cinta describe la fuerte personalidad de Vera, que se traduce en su deseo por ser admitida en la Universidad de Oxford, todo un reto en la época para una mujer, por los prejuicios existentes, también dentro de su adinerada familia. El estallido de la guerra supone un cambio de planes: por un lado viene la experiencia de que los hombres a los que está más ligado –su hermano y dos amigos, uno de ellos su futuro prometido– son llamados a filas, lo que produce un distanciamiento que ella procura salvar, con su cariño y sus cartas; y por otro su disposición a ser voluntaria como enfermera, lo que lleva a un inesperado destino, cuidar a los soldados enemigos alemanes. El director televisivo James Kent dirige con corrección una historia muy oportuna en el momento en que se cumple el primer centenario de la Primera Guerra Mundial. Sabe atrapar el desgarro de unas heridas físicas y morales, mayores de lo que se podía anticipar, sobre todo gracias a la interpretación de la protagonista, la siempre formidable Alicia Vikander. Hay momentos duros e impactantes, como el de la espera de la boda de la protagonista.

En plena Guerra Fría, Operación U.N.C.L.E. narra las hazañas de dos agentes, Napoleon Solo, un ex ladrón reconvertido en súper agente de la CIA; y el agente Illya Kuryakin del KGB, que se ven obligados a cooperar para conseguir llevar su misión a cabo. Su objetivo, poner punto y final a una misteriosa organización criminal que pretende desestabilizar el equilibrio de poder con la difusión de armas y tecnología nuclear, pero la única pista que tienen es la existencia de la hija de un científico alemán que está desaparecido y que es la clave para poder infiltrarse en dicha organización. Tras cuatro años de inactividad, Guy Ritchie ha vuelto y lo hace atravesando el telón de acero con Operación U.N.C.L.E, basada en la serie de los 60, conocida en España como El Agente de C.I.P.O.L. El especialista en thrillers criminales regresa cargado de sus habituales flashbacks y montajes sincopados, que junto a una banda sonora trepidante, consiguen dejar sin respiración al espectador. Esta vez, vemos una versión del director ingles más light, en cuanto a violencia se refiere. Atrás quedaron Lock & Stock o Snatch. Cerdos y diamantes, pero queda una película amena en la que se preocupa más de guiar la comicidad de la acción que de centrarse en la intriga, aunque ésta no deje de estar a un nivel aceptable. Declarado fan del agente 007, con este film el director logra cumplir uno de sus sueños y mostrarnos su particular visión de cómo debería ser una película de espías. El resultado no está nada mal, ha conseguido imprimirle sus señas de identidad dándole alguna vuelta de tuerca al espionaje clásico. A pesar de su duración, casi dos horas, su ritmo continuo y acelerado logra entretener satisfactoriamente al espectador y no defraudarle. Operación U.N.C.L.E recuerda en gran medida a su anterior proyecto, Sherlock Holmes, por la buena fotografía, el excelente vestuario –posiblemente el mejor acierto del largometraje– y la acertada música, pero fallando en algo esencial, la elección de actores. Bien es verdad que Armie Hammer está correcto en su papel de agente ruso con corazón de acero (Illya Kuryakin) o Alicia Vikander, como la clave de la operación –resaltando por encima de sus compañeros–. Sin embargo, Henry Cavill no consigue exprimir todo el jugo a un personaje que podría haber dado mucho más juego. Napoleon Solo, a quien da vida, necesitaba algo más de carisma, y sobre todo una complicidad que no se termina de ver con Illya Kuryakin. El papel destinado en un principio para Tom Cruise y más tarde George Clooney, habría ganado mucho más con alguno de éstos, logrando mejorar el mecanismo ideado por Ritchie que en ocasiones se tambalea debido a esta falta de 'feeling'. 

El maestro Grégory, último representante de la mística orden de los Espectros, recorre el mundo en busca de un aprendiz. Así, acaba reclutando a Tom, séptimo hijo anunciado por una profecía, que tras apartarse de su vida en el campo debe ayudarle con sus poderes a derrocar al ejército de hechiceros de Madre Malkin. Adaptación de la novela del británico Joseph Delaney, que abre una saga compuesta de 16 títulos. Debido a la sobresaturación del género fantástico, y de franquicias juveniles, y a que se publicita como obra de los productores de 300: El origen de un imperio, puede llamar a cierto engaño. Pero aunque no inventa la pólvora, y hasta resulta un tanto liviana, no abusa de los efectos especiales, tiene un ritmo muy ágil, se nota que tiene al timón al realizador ruso Sergei Bodrov (Mongol), y cuenta con un guión lleno de elementos humorísticos y de referencias clásicas escrito por Steven Knight (Promesas del Este), que realiza una pequeña apología de las personas diferentes. No parece casual que se le haya dado el protagonismo a un ya crecido Ben Barnes, recordado por haber sido el heredero del reino de Narnia en El príncipe Caspian y La travesía del Viajero del Alba, pues El séptimo hijo se desarrolla en un mundo mágico con criaturas mitológicas que tiene cierto aire al de la saga inventada por C.S. Lewis. El actor cumple a la perfección, y tiene a su lado como maestro a Jeff Bridges, un tanto exagerado pero que no desentona, y a la gran Julianne Moore, que parece habérselo pasado en grande en su papel de la bruja Madre Malkin.

Con apenas alcanzada la mayoría de edad, JR es "carne fresca" en la cárcel, donde acaba de ingresar por un delito menor. Necesita protección y va a dársela Brendan, un veterano recluso muy aficionado al ajedrez, a cambio de que, una vez cumplida su condena, le ayude a fugarse y dar un audaz golpe, el robo de unos lingotes de oro. La asociación de maestro y aprendiz va a resultar más complicada de lo esperado. Debut en el largometraje del australiano Julius Avery, que entrega una película de corte clásico que combina en la trama drama carcelario y película de robos, articulada a través de la relación estilo paternofilial entre el "pipiolo" que se va curtiendo y el "listillo" que va a terminar aprendiendo algunas lecciones. Tiene algunas partes más logradas que otras: funciona bien todo lo relativo a la cárcel, y el golpe en sí, pero se estanca en la subtrama romántica y en la suerte de "partida de ajedrez" que, se supone, ofrece "giros sorprendentes", y se resuelve un tanto artificiosamente. Y si bien los personajes de JR –el joven Brenton Thwaites visto en Maléfica– y Brendan –un Ewan McGregor correcto– funcionan medianamente, el resto está bastante desdibujado.

Alan Turing, pionero de la inteligencia artificial, sostenía que si una máquina llegaba a ser lo suficientemente avanzada, sus actuaciones difícilmente serían distinguibles de las humanas. Poco después de Descifrando Enigma, biopic del matemático británico, desembarca en las pantallas Ex Machina, un film de ciencia ficción que desarrolla sus hipótesis, en cierta medida inquietantes. El joven pero valioso programador Caleb resulta elegido para realizar una importante tarea en la megacorporación para la que trabaja. Debe trasladarse hasta la remota y sofisticada residencia de Nathan, máximo responsable de la compañía, donde evaluará mediante el test de Turing a Ava, robot dotada de la inteligencia artificial más potente jamás creada. Ex Machina supone el debut como realizador del británico Alex Garland, escritor asociado a la filmografía de su compatriota Danny Boyle, que adaptó su novela La playa, y contó con él como guionista para 28 días después y Sunshine. No sólo en esta última Garland ha destacado en el terreno de la ciencia ficción, pues también fue el responsable del libreto de la notable Nunca me abandones, que versionaba la novela de Kazuo Ishiguro. La enésima revisión del mito de Prometeo engancha desde el principio, y cuenta con una cuidada estética, sugerente en su frialdad, lo que choca con otros guionistas reconvertidos en realizadores, que descuidan la parte visual. Lo mismo sucede con el reparto, muy bien escogido. Básicamente, tres son los actores que copan la mayor parte de la función, el guatemalteco Oscar Isaac, ideal para interpretar a un despótico científico con rasgos del dr. Frankenstein, el irlandés Domhnall Gleeson, demostrando que su eficaz trabajo en títulos como Una cuestión de tiempo no han sido fruto de la casualidad, y la sueca Alicia Vinkander, protagonista femenina de Un asunto real, que aúna atractivo físico con talento. Sin embargo, Garland fracasa un poco en su terreno, el desarrollo del guión, pues se alarga demasiado en algunos fragmentos. En otras ocasiones, los giros son demasiado previsibles. Además, su discurso en torno a la hipotética superación del ser humano por la máquina, y cómo éstas podrían seducir emocionalmente, se queda finalmente en lo ya visto en otros títulos como Metropolis, Blade Runner o Her. Lo mejor, sus advertencias en torno a lo que puede hacer una empresa surgida de un revolucionario buscador, que no duda en usar para sus fines los datos que ha registrado de sus usuarios. Y que conste que el film no nombra explícitamente a nadie.

La historia de WikiLeaks y su principal impulsor, Julian Assange, que hizo temblar a las altas esferas del poder con la publicación masiva en internet, gracias a fuentes anónimas, de actuaciones secretas inmorales o fuera de la legalidad. El film de Bill Condon, que se basa en los libros "Inside WikiLeaks: My Time with Julian Assange at the World's Most Dangerous Website" –del antiguo socio de Assange, Daniel Domscheit-Berg– y "WikiLeaks: Inside Julian Assange's War on Secrecy" –de Luke Harding y David Leigh–, apunta al nacimiento de un quinto poder de rasgos todavía difusos, que habría sobrepasado a los medios de comunicación, por el aprovechamiento de las nuevas tecnologías para propagar desde un website material sensible que atañe al resto de los estamentos de poder, y que podría configurar a una especie de nuevo “perro guardián”, pero también a un “Gran Hermano” de los vaticinados por George Orwell. La idea es que se ha abierto una “caja de Pandora” que lo está cambiando todo. Estamos ante una cinta que maneja abundante información y puntos de vista sobre un episodio de la historia reciente, y el guión de Josh Singer, bregado en la serie televisiva El ala oeste de la Casa Blanca, se las arregla para que no nos perdamos en la maraña de información, y disfrutemos de un relato que puede hacer pensar en Todos los hombres del presidente, o más reciente en el tiempo, y también con la revolución tecnológica bien presente, La red social. Junto a una foto bastante completa de lo ocurrido, hay una buena definición de personajes, y jugadas inteligentes, como la escena final, en que el propio Assange (su “alter ego” Benedict Cumberbatch) opina sobre la película y los libros publicados sobre WikiLeaks. Quizá el principal acierto del film es no erigirse en juez implacable de unos y otros. De modo que se pinta el idealismo que mueve a los activistas de WikiLeaks, aunque sin dejar de señalar el vértigo que les proporciona su recién estrenado poder, que puede conducir a egocentrismo algo despiadado –el retrato de Assange en tal sentido no es demasiado amable, y se apunta a secretos del pasado que habrían marcado su personalidad– o a plantearse la necesidad de marcarse ciertos límites –el dilema de Daniel Domscheit-Berg, al que da vida Daniel Brühl imprimiéndole humanidad–. Se señalan las consecuencias que puede tener la publicación de información confidencial, incluso en lo relativo a poner vidas en peligro. O se plantea la redefinición de los medios de comunicación tradicionales por la llegada de nuevos agentes informativos que operan con reglas nuevas, y ante los que cabría exhibir ciertos estándares de superioridad moral aplicados en el pasado, prácticas como el contraste de la información con varias fuentes y su protección.

Año 1766. Carolina, hermana del rey inglés Jorge III y princesa de Gales, se dispone a contraer un matrimonio concertado con el monarca danés Cristián VII, según los usos de la época. Sólo ha oído decir cosas buenas de su futuro esposo, que es un hombre apuesto, amante de las artes... Pronto va a descubrir que es un tipo libertino y débil, con un punto de locura, y que se encuentra sometido a las decisiones de su Consejo, que en la práctica es quien decide los destinos de Dinamarca. De modo que tras dar descendencia al rey, la existencia de Carolina parece reducirse a criar a su hijo y al encierro entre las cuatro paredes del palacio. Hasta que asoma a las puertas el médico Johann Friedrich Struensee, que cae en gracia al monarca, ignorante de sus ideas ilustradas. Aunque al principio Carolina no congenia con Johann, pronto surgirá la atracción, física, sí, pero también de ideas que mejoren las condiciones en que vive el pueblo. Uno de los méritos del director danés Nikolaj Arcel es lograr una perfecta imbricación entre el drama personal descrito, triángulo amoroso que atañe al rey Cristián, a la reina Carolina y al médico Johann, con el telón de fondo histórico donde bullen nuevas ideas y el deseo de la libertad, de modo que ambas “patas” de la película tienen igual peso, no hay descompensación. De este modo se evita el peligro de caer en el culebrón, pero también el de simplemente ofrecer una serie de farragosos datos históricos. Además, aunque el público danés está familiarizado con la historia contada, Arcel tiene el acierto de pensar en el espectador de otros lares que lo ignora todo sobre el tema, de modo que no se sienta perdido en ningún momento. Algunas películas de corte histórico ponen el acento en el marco donde transcurre la acción, fastuosos decorados, lujoso vestuario, bailes fastuosos... La que nos ocupa cuida notablemente la dirección artística, pero no la convierte en protagonista, simplemente está al servicio de la narración. Dinamarca es un país frío, y dominan los colores apagados y el “mood” invernal. Ello no quita para que se ofrezcan cuidados planos generales del Copenhague de la época, o que las escenas entre las paredes de palacio u otros lugares resulten muy convincentes en su cotidaneidad. Resulta obligado mencionar el gran trabajo de los actores. Madds Mikelsen se ha convertido ya en el rostro más reconocible del cine danés, le hemos visto en títulos como Pusher, Wilbur se quiere suicidar y Después de la boda, además de que ha trabajado en España con Pablo Berger, el director de Blancanieves, de Pablo Berger, en Torremolinos 73. Le dan perfecta réplica los emergentes Alicia Vikander (que está en la nueva Anna Karenina) y el actor de teatro Mikkel Boe Følsgaard.

La Rusia de bien avanzado el siglo XIX. Anna Karenina está casada con un ministro del emperador y tiene un niño, parece el ejemplo perfecto de esposa, que hasta logra el perdón de su cuñada Dolly para Oblonsky, un hermano demasiado aficionado a las infidelidades conyugales. Pero su existencia sin tacha se ve puesta a prueba cuando conoce al hijo de una condesa, el apuesto Vronsky, pues en vez de favorecer su relación con Kitty, hermana de Dolly, acaba sumergida en una seria relación con él, que va más allá de la simple aventura, y desafía las reglas aceptadas de conducta social. Curiosamente esto podría favorecer las pretensiones amorosas de Levin, el mejor amigo de Oblonsky, sobre Kitty. Maravillosa adaptación de la inmortal obra de Leo Tolstoi “Anna Karenina”, que ha conocido múltiples traslaciones a la cine, la más conocida la de Clarence Brown con Greta Garbo como protagonista. La que nos ocupa cuenta con un solidísimo guión del dramaturgo Tom Stoppard –que además de firmar los guiones de Brazil y El imperio del sol llevó al cine su propia obra de teatro Rosencrantz y Guildenstern han muerto–, en el que privilegia todas las tramas que tratan el tema del amor en sus distintas vertientes y con sus diversos dilemas morales, con atención primordial por supuesto a la relación adúltera de Anna Karenina, y siempre fiel al espíritu de Tolstoi. Lo que implica una crítica a las existencias postizas e hipócritas, ante las que pugna el deseo de vivir en plenitud un amor real y verdaderamente sentido, con espacio para la pasión y la ilusión, pero con el precio impagable de incumplir los compromisos adquiridos. Por supuesto, lo que hace de “Anna Karenina” una obra universal es su indudable complejidad y su mirada honesta y nada complaciente, donde la conciencia tiene un espacio, como lo tienen los deberes ya asumidos –conyugales y maternales–, que no se pueden simplemente ignorar. El perdón, la comprensión, el deseo, los remordimientos, el saberse en la presencia de Dios, forman parte de Anna y alrededores ofreciendo una poliédrica e interesantísima panorámica del ser humano, donde Oblonsky es un interesante contrapunto a la protagonista, como Levin lo sería del excesivamente rígido Karenin. Resulta obligado en Anna Karenina mencionar la audaz puesta en escena de Joe Wright (Orgullo y prejuicio, Expiación), que trabaja por tercera vez con su musa Keira Knightley, además de repetir con gran parte de su equipo técnico, además de los productores el director de fotografía Seamus McGarvey, el compositor Dario Marinelli, la directora artística Sarah Greenwood, la diseñadora de vestuario Jacqueline Durran y la montadora Melanie Ann Oliver. Wright concibe su historia como una metáfora del gran teatro del mundo, e invita al espectador a moverse entre sus bambalinas. De modo que muchas escenas transcurren en escenarios teatrales –asombrosa, a este respecto, resulta la carrera de caballos–, produciéndose a veces maravillosas transiciones a escenarios naturales, un efecto que para asombro de propios y extraños, no transmite artificiosidad. Como en otras de sus películas, especialmente Expiación, Wright juega con una feliz fusión de la partitura musical con otros sonidos justificados por las escenas, y ello funciona maravillosamente. Y resulta cuando menos elegante en las escenas donde se da rienda suelta a la pasión. El reparto es espléndido, todos los personajes parecen vivos y comprendemos su comportamiento, sus razones y sinrazones, Stoppard y Wright, de acuerdo con Tolstoi, nos invitan a no juzgarles y mucho menos a condenarles. Knightley hace justicia a Anna Karenina, compone bien un personaje muy difícil, y Jude Law humaniza a su duro marido.