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Biografía

Annette Bening

Annette Bening

62 años

Annette Bening

Nació el 29 de Mayo de 1958 en Topeka, Kansas, EE.UU.

Premios: 1 Festival de San Sebastián

Conociendo a... Annette

02 Enero 2005

Dicen que en Hollywood salen pocos papeles buenos para actrices maduras, pero ella ha bordado bastantes. Encarna mejor que nadie a mujeres opuestas a su auténtica personalidad. Especializada en mujeres egoístas, infieles, inestables y seductoras en el cine, en la vida real es la mujer que hizo sentar la cabeza a Warren Beatty, el solterón de oro de Hollywood. Declara sin tapujos que su interpretación favorita es cuando hace de Winnie the Pooh, en el pasillo de su casa para sus hijos. Así es Annette Bening, una madraza que poco tiene que ver con la malvada marquesa de Martueil, de Valmont o Carolyn Burnham, hedonista esposa de Kevin Spacey, en American Beauty.

Hija menor de Grant, un vendedor de seguros, y de Shirley, cantante ocasional, Annette Francine Bening nació el 29 de mayo de 1958, en Topeka (Kansas), aunque su familia se trasladó pronto a San Diego, donde se crió. De pequeña ni siquiera pensaba convertirse en actriz. “Mis padres no me llevaban al cine, así que no sabía ni que había gente que vivía de esto”, comenta. Era una chica extremadamente tímida, aunque se matriculó en clases de baile. Para poder estudiar interpretación, en el American Conservatory Theatre, Annette se puso a trabajar como cocinera, en un yate de alquiler. En la citada escuela, se enamoró de uno de los profesores, Steven White, con quien contrajo matrimonio en 1984, aunque se divorciaría unos años después. Al finalizar sus estudios, obtuvo mucho éxito en las salas teatrales neoyorquinas, tanto que fue nominada a un Tony, el máximo galardón de la escena estadounidense, por una obra titulada Coastal Disturbances, de 1987.

Mucho tiempo pasó Annette Bening en Hollywood intentando que la escogieran para alguna película. Finalmente le dieron el papel de esposa de Dan Aykroyd en la alocada comedieta Dos cuñados desenfrenados, y poco después aparecía en la serie Corrupción en Miami. Su primer papel importante fue el de marquesa de Merteuil, protagonista de Valmont, adaptación de Las amistades peligrosas por parte de Milos Forman, que hizo un buen trabajo, eclipsado porque se rodó poco después de la famosa versión de Stephen Frears. Este último cineasta no pudo reprimir la curiosidad, acudió a ver la cinta que le hacía la competencia y quedó seducido por Annette Bening, por lo que la reclutó para Los timadores. Con su interpretación de la tramposa Myra Langtry, la actriz obtuvo cierta popularidad, y su primera nominación al Oscar, en la categoría de mejor secundaria.

Poco después de dar vida a la esposa de Harrison Ford, en A propósito de Henry, conoció al actor Warren Beatty, cuando ambos protagonizaron Bugsy, biografía del gángster que fundó Las Vegas. Nadie daba un duro por la relación, por el carácter mujeriego de Beatty, de quien su hermana Shirley McLaine había dicho que ella era la única actriz con la que Beatty no había tenido un romance. Pero la pareja pasó por el altar en 1992, y hasta el momento Beatty y Bening han tenido cuatro niños. Ella tenía auténtica vocación maternal.

“Estoy orgullosa de mi vida privada pero es curioso tener que sentirse orgullosa de algo que es absolutamente normal e instintivo como es el hecho de ser madre; yo siempre he querido tener hijos y ser actriz aunque eso sea difícil de compaginar. Nunca me he planteado mi vida de una forma dividida sino que la necesidad de tener responsabilidades me parece un gran regalo”, ha dicho la actriz, que estos años ha seguido tejiendo una filmografía envidiable. Aunque Un asunto de amor, remake de Tú y yo que Annette protagonizó con su marido, no tuvo mucho tirón, lo compensó con los éxitos de El presidente y Mrs. Wade y Mars Attacks!, y puso los pelos de punta al personal con su papel de escritora infantil en Dentro de mis sueños, una de terror de Neil Jordan. Su papel más reconocido fue el de Carolyn, la mujer infiel de American Beauty, en la que la actriz reflejaba la desorientación de la sociedad moderna, trabajo por el que fue nominada nuevamente al Oscar. Por cierto, que ese año, 2000, acudió a la ceremonia de entrega en avanzado estado de gestación de su cuarto retoño, manteniendo en vilo a medio mundo.  Desde entonces ha mantenido el nivel de calidad, en cintas como Open Range y Conociendo a Julia.

Tiene pendiente de estreno una cinta cuyo título le viene al pelo, Diva, en la que hace de actriz televisiva, y acaba de terminar el rodaje de Mrs. Harris, un thriller basado en un crimen real.

Ganador de 1 premio

  • Premio Donostia
Filmografía
Regreso a Hope Gap

2020 | Hope Gap

Edward toma la decisión de dejar a su mujer Grace tras 29 años de matrimonio. A partir de este momento, cada uno de ellos, a su manera, buscará la forma de rehacer su vida en un pequeño pueblo costero cerca de los acantilados de Hope Gap.

Muerte en el Nilo

2020 | Death on the Nile

La aventura en Egipto de Hercule Poirot a bordo de un glamuroso barco de vapor se convierte en un trayecto aterrador en el que tendrá que identificar al asesino cuando un idílico viaje de novios se torna en una pesadilla de muertes violentas. El siniestro cuento de amor obsesivo y sus letales consecuencias se desarrolla en un clima de peligro y premonición, con giros impactantes que dejará al público con mal cuerpo y con la duda hasta el final sorpresivo.

Capitana Marvel

2019 | Captain Marvel

Karell, valiosa combatiente del ejército de los Kree, raza alienígena enfrentada a los skrull, seres que pueden cambiar de forma. Tras recibir entrenamiento por parte de Yon-Rogg, líder de su escuadrón, acaba en una escaramuza que no acaba bien, y como consecuencia se estrella en la Tierra, perseguida por el enemigo. En nuestro planeta encontrará pistas que le ayuden a esclarecer los fogonazos que le sobrevienen de un pasado que no recuerda, y recibirá la ayuda de un humano, Nick Furia, agente de la organización SHIELD, que no entiende muy bien qué está pasando. Puesto que Elektra, de 2005, fracasó en las taquillas, más por falta de calidad que por ninguna otra razón, han tenido que pasar catorce años para que otra superheroína de Marvel tenga su propio largometraje en solitario. A rebufo del éxito de Wonder Woman, de la competencia, DC, llegan a la pantalla las peripecias del personaje, creado por el guionista Roy Thomas y el artista Gene Colan, en 1968. Supone la primera cinta de la casa que tiene al frente a una mujer, Anna Boden, que la ha codirigido y coescrito con su pareja profesional, Ryan Fleck, con quien por ejemplo había elaborado el guión del film de profesor desorientado Half Nelson, dirigida por el segundo. Geneva Robertson-Dworet (Tomb Raider) ha retocado su libreto para darle agilidad y algo de humor. Se consigue imprimir algo de frescura a lo que no deja de ser una convencional historia del género, sobre todo porque no se muestra cronológicamente el origen de la protagonista, el espectador descubre su origen al mismo tiempo que ella, que sufre de amnesia. También se ha incluido algún giro eficaz, y se le da un aire nostálgico al relato, que transcurre en los 90, con referencias a elementos de entonces como los videoclubs, cibercafés, canciones de Nirvana, etc. Por supuesto, los sofisticados efectos especiales de rigor garantizan la suficiente espectacularidad. Tiene de fondo un mensaje positivo, que ensalza el valor de la perseverancia, lo importante sería seguir adelante, levantándose después de cada caída. Su principal acierto reside en que no carga las tintas en el discurso feminista, se limita a presentar a una mujer independiente, a la que Brie Larson dota sin despeinarse de cierta humanidad, estando a su altura Samuel L. Jackson, como la versión rejuvenecida de Nick Furia, presentado con más humor del habitual, aunque parte de las carcajadas las desata Goose, el gato. Se disculpa que el ritmo sea un poco irregular, y que le falte algo de tensión, porque la Capitana Marvel resulta tan poderosa que no parece que sus adversarios estén a la altura, ni que tenga un tendón de Aquiles.

6/10
The Report

2019 | The Report

Recién graduado en derecho en Harvard, el joven y ambicioso Daniel J. Jones tiene ante sí un futuro muy prometedor. Pronto pasa a formar parte del Comité de Inteligencia del Senado de Estados Unidos. Y la senadora demócrata que preside ese comité, Dianne Feinstein, le encomienda que trabaja en un informe sobre las prácticas de interrogación y detención de sospechosos de terrorismo por parte de la CIA, que se adoptaron tras los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001. Serán años de trabajo, en que un pequeño equipo de personas debe revisar millones de documentos que podrían evidenciar que los servicios secretos estadounidenses acudieron a la tortura para sonsacar a los prisioneros, conculcando su dignidad y derechos más elementales. La postura de la Agencia consiste en señalar que esos métodos de interrogación mejorada habrían logrado información sustancial sobre atentados, y salvado muchas vidas, pero las conclusiones de Jones no corroboran esta idea. Scott Z. Burns, director y guionista al que le gustan las historias basadas en hechos reales, que cuestionan la pragmática y cínica idea de que “el fin justifica los medios” –suyos son los libretos de Efectos secundarios, sobre la industria farmacéutica, y The Laundromat. Dinero sucio, sobre la crisis financiera y los paraísos fiscales–, se mueve como pez en el agua con esta historia que describe minuciosamente la investigación de Jones, y los obstáculos con los que se encuentra, en la CIA, en la Casa Blanca con las administraciones de Bush y Obama, e incluso con su valedora Feinstein, que trata de hacerle ver que a veces hay que llegar a fórmulas de compromiso. También se recuerda varias veces que Jones puede convertirse en un nuevo Edward Snowden, considerado por muchos como un traidor, y que está reclamado por la justicia estadounidense, por filtrar información sobre el programa de vigilancia casi universal que realizaba la CIA. La narración es casi de estilo documental, de hecho nada llegamos a saber de la vida privada de Jones, interpretado por Adam Driver, ni de los otros personajes, más secundarios, ya sea la senadora a la que da vida Annette Bening, los directores y agentes de la CIA, o de los detenidos sometidos a tortura. El desafío del film es lograr que este enfoque no resulte tedioso, y en gran parte lo logra, aunque sea inevitable enterrar al espectador con abundantes datos que pueden serle de difícil digestión. La idea es no dejar duda acerca de la inmoralidad de la tortura, que se muestra con imágenes ciertamente desagradables, incluidas las ya tristemente célebres de ahogamiento simulado. Y mostrar las dificultades para lograr que la verdad salga a la luz, aunque resulte vergonzante; sin dejar de preguntarse si no hay aspectos sobre los que resulta un enfoque más prudente hacer borrón y cuenta nueva. El film tiene la honradez de señalar cómo los obstáculos para reconocer y publicar los errores provienen del campo demócrata y republicano, y deja un resquicio de esperanza recordando que el informe final contó con el respaldo de Feinstein y el republicano John McCain.

6/10
El crimen de Georgetown

2019 | Georgetown

Como la vida misma

2018 | Life Itself

Tras perder a su mujer, Will lucha por mantenerse a flote y acude a terapia. Su trágica historia irá entrelazándose en el futuro con personas de otros continentes. El norteamericano Dan Fogelman se ha labrado poco a poco una sólida carrera. Sus historias tocan a menudo el ámbito familiar de modo positivo, cosa que ha demostrado con los guiones de películas como Enredados o Crazy, Stupid, Love y en series como ¡Vaya vecinos! o la exitosa This Is Us. Ahora se pone también detrás de las cámaras por segunda vez (tras Nunca es tarde) para ofrecer un emotivo drama familiar, de amplio arco temporal, que nos traslada a distintas familias a ambos lados del atlántico para hablar de la tragedias de la vida, del amor y de las paradojas del destino. Fogelman estructura su narración en cuatro capítulos, cada uno de ellos centrado en las vicisitudes, a menudo dramáticas, vividas por personajes distintos. Al principio, esta opción narrativa sorprende un poco, también por el abrupto e inesperado final del primer tramo protagonizado por Oscar Isaac y Olivia Wilde, cuando el espectador todavía no se hace una idea general del film. Luego, poco a poco, se despliega el modo de proceder de Fogelman y nos vamos habituando a la visión de conjunto, al dar paso a la siguiente generación y trasladar la historia de Nueva York a tierras de Andalucía, etc. Como la vida misma resalta una idea clara y original (tomada de la tesis literaria que prepara uno de los personajes), la de que la vida es un narrador poco fiable. Esta afirmación tiene vertientes diferentes, como la de que, obviamente, lo que va a acontecer en el futuro es una incógnita; pero también la de que a menudo calificamos demasiado a la ligera a los héroes y a los villanos, percepciones subjetivas las más de las veces; o la de que la historia de cada individuo (su amor, su felicidad) es fruto de una larga cadena de sucesos anteriores, que pueden ser muy trágicos e incomprensibles pero que alcanzan sentido una vez contemplamos el conjunto. Aunque el metraje de más de dos horas quizá resulte excesivo, el film va claramente de menos a más, en cuanto a emotividad y riqueza de contenido, y el director y guionista apunta claramente a superar los traumas del pasado por medio del amor, de levantarse siempre cuando llegan inexorables los reveses de la vida. Producida por Estados Unidos y España, Como la vida misma reúne a una platea de intérpretes de renombre internacional, tanto americanos, como españoles. Todos están bien en sus roles, pero quizá destaquen, también por su peso en la trama, Oscar Isaac, Olivia Cooke y los españoles Laia Costa y Antonio Banderas.

6/10
La gaviota

2018 | The Seagull

Cuidada adaptación de una de las obras maestras de teatro de Antón Chejov, con personajes bien perfilados psicológicamente y conflictos de entidad que les afectan sobre todo por dirigir el amor y sus elecciones en la dirección equivocada, mandan los celos, la pasión, la resignación y el afán de dominio, que les llevan a labrarse su infelicidad, de la que parece imposible escapar. La acción transcurre en dos veranos separados temporalmente por varios años de distancia, en una casa de campo junto a un lago. En ambos casos se produce la reunión familiar por la llamada de Sorin, gravemente enfermo, de modo que acude junto a él su hermana Irina, famosa actriz de teatro que ha comenzado su declive, y cuyo amante es Boris Trigorin, afamado escritor. Ambos no saben apreciar el teatro experimental que desarrolla Mijail, el hijo de Irina, que representa su amada Nina, quien acabará fascinada en cambio por el recién llegado Boris. A los amores desgraciados se suma el de Masha, enamorada en secreto de Mijail, pero que tal vez se conforme casándose con un maestro local que la ama. Michael Mayer, director de carrera irregular que dirigió hace más de una década Una casa en el fin del mundo sabe que tiene un texto –adaptado para la ocasión por autor teatral ganador del Tony Stephen Karam– y unos personajes maravillosos, y sabe dar el conjunto cierto paso cinematográfico, también añadiendo al conocido subtexto de la frágil gaviota otro tan visual como el del bingo, la lotería de la vida en que nunca se sabe la combinación que te va a tocar, y si va a cuadrar con las expectativas de tu cartón. Como en el original se juega con el fuera de campo o la insinuación en lo relativo al suicidiio. Los actores logran meritorias interpretaciones, desde la herida Nina de Saoirse Ronan, a la madre dominante y cínica Irina de Annette Bening, pasando por el insensible escritor Boris de Corey Stoll, por citar sólo algunos de los más destacados.

6/10
Las estrellas de cine no mueren en Liverpool

2017 | Film Stars Don't Die in Liverpool

El relato sublimado y nostálgico de la historia de amor entre el joven aspirante a actor nacido en Liverpool Peter Turner, de 26 años, y una estrella de cine de Hollywood ya consagrada, Gloria Grahame, ganadora de un Oscar y que le dobla en edad, y que en los últimos tiempos se dedica sobre todo al teatro. Grahame había pasado antes por cuatro matrimonios, uno con el director Nicholas Ray, y otro con un hijastro de éste, Tony Ray, con el que también había una notable diferencia de edad en el momento de casarse. La película, correcta aunque tampoco apasionante, se basa en las memorias escritas por el propio Turner en 1986, poco después de la muerte de la actriz, debido a un cáncer, cubriendo el arco temporal de su idilio entre 1979 y 1981. A pesar de tratarse de un breve período de tiempo, el guión de Matt Greenhalgh juega con saltos temporales, en que caben los momentos luminosos de su primer encuentro y flechazo, con otros en que asoman los nubarrones y surgen los roces, el riesgo de echar al traste su incipiente carrera actoral por parte de Turner, o la aparición de la enfermedad. Tiene especial interés el dibujo de la familia de clase trabajadora de Turner, gente sencilla de Liverpool, y el modo en que la glamourosa relación de su hijo altera sus vidas cotidianas, su humanidad pegada al terreno ofrece un valioso contraste al discurrir vaporoso y como irreal del mundo de la escena. Paul McGuigan, un director correcto (Victor Frankenstein, varios capítulos de Sherlock), tiene la fortuna de contar con buenos actores, tanto para los roles principales –Annette Bening y Jamie Bell contribuyen a hacer creíble el enamoramiento–, como para los secundarios, donde hay nombres ilustres como Kenneth Cranham, Vanessa Redgrave y Julie Walters. La fotografía de Urszula Pontikos, muy contrastada y con abundantes dorados, contribuye al efecto buscado evocador del film

6/10
La excepción a la regla

2016 | Rules Don't Apply

Una mirada nostálgica al Hollywood de los años 60, con una historia de amor triangular alrededor del multimillonario hombre de negocio y productor Howard Hughes, en que están implicados dos de sus muchos jóvenes empleados, el chófer Alden Ehrenreich y la aspirante a actriz Marla Mabrey, que tiene contractualmente prohibido cualquier conato de romance. La idea sería que estamos ante una excepción muy particular a la regla, que tendría un efecto dulcificador en el excéntrico y enfermo Hughes, del que se pone en duda seriamente su equilibrio mental. Warren Beatty llevaba 15 años sin actuar y 18 sin dirigir o firmar un guión. Casi octogenario vuelve al ruedo con una historia de romanticismo exacerbado, no olvidemos que Beatty está detrás de cintas como Rojos. El resultado es irregular, el cineasta quiere entregar una historia evocadora al estilo de El gran Gatsby, pero en tal sentido, y también con Hughes como leit-motif, Martin Scorsese salió mejor parado cuando rodó El aviador. La cinta funciona, prometedora, en sus primeros compases, la relación de creciente confianza entre Alden y Marla, bien encarnados por Haley Bennett y Lily Collins, que dan bien el tipo de persona ingenua, desconocedora del mundo real. También tiene magia el primer encuentro de Hughes (Warren Beatty) con una y otro, separadamente. Pero luego, cuando llegan las complicaciones en las relaciones entre los personajes, su enrarecimiento no está bien plasmado, las cosas resultan abruptamente confusas, y sólo parcialmente se recupera el pulso en el clímax. Da además la sensación de que se ha eliminado metraje. Annette Bening como madre de Marla, desaparece con brusquedad, y los padres y la novia de Alden son meros comparsas. Da pena ver pasar tan fugazmenta a actores de la talla de Ed Harris y Martin Sheen, sin tiempo para componer algo parecido a un personaje.  

5/10
Mujeres del siglo XX

2016 | 20th Century Women

Una película deconstruida, aunque anclada en el año 1979, momento en que el adolescente Jamie vive con su madre cincuentona y separada Dorothea en un hogar un tanto bohemio, que comparte con un hombre, William, y por donde también pululan la joven Abbie, y Julie, una chica de la edad de Jamie, ambos son amigos desde que eran niños. Con tono nostálgico, salpicado de retazos con voz en off que evocan momentos de nacimiento y muerte, se consignan momentos estelares en la vida de estos cinco personajes principales, donde el "mood" lo constituye de algún modo el alma femenina y cambiante en el siglo decisivo del feminismo, o sea, el siglo XX. Mike Mills, que ya llamó la atención con dos filmes singulares, Thumbsucker y Beginners escribe y dirige un film que logró una nominación al Oscar en la categoría de mejor guión original. Logra plasmar esa idea de fragmentación y vidas desorientadas que representa muy bien un sorprendente discurso presidencial de Jimmy Carter. Tenemos así al adolescente Jamie, para quien una madre que no quiere que su hijo repita sus errores, ha señalado como consejeras a dos mujeres, Abbie y Julie, lo que no está tan claro que sea una buena idea: falta el referente masculino, ellas manejan un lenguaje liberado y desinhibido que resulta chocante, y la idea de ir más allá de la amistad con Julie no encuentra un cauce por el que discurrir. Y en el fondo, Jamie echa en falta que sea Dorothea, su madre, la que le guíe. Los actores –Annette Bening, Lucas Jade Zumann, Greta Gerwig, Billy Crudup– están bien, y el uso de la música y algunos efectos visuales –aceleración de las imágenes, deslizamiento de los colores en plan sicodélico– ayuda a atrapar el espíritu de una época de búsqueda de libertad y sentido de la vida, con las inevitables decepciones.

6/10
The Search

2014 | The Search

Nunca es tarde

2014 | Danny Collins

“Nunca es tarde”, (Danny Collins) nos cuenta como un veterano rockero, al que da vida Al Pacino, sigue viviendo una desenfrenada vida de músico, con drogas y una novia mucho más joven que él. El día de su 64 cumpleaños, su vida dará un giro de 360 grados cuando encuentre una carta escrita por un joven John Lennon, que le hará replantearse ciertos aspectos de su vida. En ese momento se dará cuenta que siempre hay una primera vez para una segunda oportunidad, iniciando un duro viaje lleno de emociones y sentimientos donde, el amor es lo único que importa. Inspirada en hechos reales la película cuenta con una estupenda banda sonora con música de John Lennon.

La mirada del amor

2013 | The Face of Love

Nikki, una mujer de mediana edad y madre de una hija que ya vive fuera de casa, se enamora, cinco años después de enviudar, de Tom, un tipo, profesor de arte divorciado, con una curiosísima peculiaridad: físicamente es idéntico a su marido. El canadiense Arie Posin, director de Historia de un secuestro, entrega una comedia romántica cuya trama resulta excesivamente leve y que obliga a suspender la incredulidad del espectador. Todo son variaciones sobre el mismo tema, Nikki aproximándose a Tom, sin desvelar a éste la razón de su interés de un comportamiento más que extraño. Al final, para que la cosa no acabe descarrilando penosamente, todo depende del buen hacer de la pareja protagonista, Annette Benning y Ed Harris, que insuflan verismo a sus personajes. Más difícil lo tienen Robin Willams, en uno de sus típicos personajes de “vecino pasmado”, y Jess Weixler, la hija que se va a presentar sin avisar. Estamos pues ante una cinta de agradable visionado para los espectadores “tiernos impenitentes”, dispuestos a perdonar los agujeros del film con tal de disfrutar de “una película bonita”, y llorar a gusto en un par de ocasiones. Pero La mirada del amor dista mucho de ser una película redonda.

5/10
Ginger & Rosa

2012 | Ginger & Rosa

Ruby Sparks

2012 | Ruby Sparks

Jonathan Dayton y Valerie Faris se enfrentan al inmenso reto de dirigir su segundo largometraje, tras la redonda Pequeña Miss Sunshine, una de las producciones de corte 'indie' de mayor repercusión de los últimos tiempos. Conscientes de que se esperaba mucho de ellos, han tardado seis años en ponerse en marcha. Ruby Sparks refleja precisamente este bloqueo del artista que ha obtenido un gran éxito pero tiene que proseguir con su carrera, a través de su personaje central, Calvin Weir-Fields, que siendo muy joven escribió una primera novela magistral –recuerda al caso de J.D. Salinger–, pero ahora es incapaz de escribir, sobre todo tras ser abandonado por su novia justo a la muerte de su padre. Inesperadamente imagina un personaje, Ruby Sparks, que responde a su ideal femenino, y le inspira hasta el punto de que no puede dejar de escribir sobre ella. Pero un día su creación cobra vida inexplicablemente y se presenta ante él. En un primer momento piensa que está desvariando, hasta que descubre que también pueden verla su hermano-confidente y las otras personas. Dayton y Faris saben de sobra que una de las grandes bazas con las que contaron en su debut fue un inspirado guión de Michael Arndt. Parecen haber esperado hasta dar con un material que les motivara, finalmente un libreto de Zoe Kazan, joven dramaturga y actriz, nieta del realizador Elia Kazan, que fue la amiga pintora del protagonista en Happythankyoumoreplease. Los cineastas le han otorgado el principal papel femenino. Muy seguramente Zoe Kazan desconoce por completo "Niebla", la 'nivola' de Miguel de Unamuno donde su personaje de ficción habla con su creador. En lugar de "Niebla", pesa la sombra de Woody Allen, muy presente en Ruby Sparks, que carece de los diálogos ingeniosos del neoyorquino, pero tiene como protagonista a un intelectual con gafas que acude al terapeuta, y aunque consigue a su mujer ideal, como en Annie Hall, no está contento y corre el riesgo de estropear la relación. Todo gira en torno a un tema tan de Allen como la complejidad de las relaciones de pareja, y la naturaleza caprichosa y variable del ser humano, que cuando se acerca al ideal al que aspira, no se siente conforme. El toque de realismo mágico recuerda a películas como La rosa púrpura del Cairo y Medianoche en París. Por lo demás, en Ruby Sparks se nota el talento de Dayton y Faris por su puesta en escena fresca, muy propia del cine independiente, y porque hablan de la necesidad del apoyo familiar a pesar de las rarezas y particularidades de cada persona. Vuelven a demostrar su habilidad para extraer una gran espontaneidad de los actores, sobre todo en el caso de Paul Dano, que repite con ellos, tras aquel inolvidable aspirante a piloto que había dejado de hablar, y que logra buenos resultados como literato prodigioso en horas bajas. Por su parte, Zoe Kazan demuestra ser la actriz ideal para su irreal personaje. También logran enorme naturalidad Annette Bening (genial como madre ‘new age’), el español Antonio Banderas (su bohemio nuevo novio), el poco conocido Chris Messina (que rodó con Woody Allen Vicky Cristina Barcelona y que aquí es el hermano del personaje central), el veterano Elliot Gould (el psicoanalista) y el británico Steve Coogan (un presuntuoso rival literario). En suma, Ruby Sparks no llega a la altura de Pequeña Miss Sunshine, ni tiene tantas secuencias magistrales, ni funciona tan bien su equilibrio entre fondo y forma y además todo resulta más previsible. Ni siquiera llegará probablemente a tantos espectadores, pues requiere que estén dispuestos a aceptar su surrealista premisa inicial. Pero es un film correcto, que confirma que Dayton y Faris no acertaron por casualidad y merecen ser seguidos.

6/10
Los chicos están bien

2010 | The Kids Are All Right

Nic y Jules son lesbianas y acudieron a un donante de esperma para formar una familia normal. De ese modo tuvieron dos retoños, ahora ya crecidos adolescentes: la joven Joni, que está a punto de entrar en la universidad, y su hermano menor Laser. Los cuatro forman una familia unida, acomodada, tan feliz como cualquier otra, que atraviesa las situaciones corrientes de cualquier familia. Pero, claro, con los años el amor se agrieta un poco, y hay que cuidarlo, tener paciencia y fortaleza para que las cosas no desemboquen en una crisis que eche por tierra la unidad familiar, la vida en común. Es lo normal en todas las familias... Además, como en cualquier familia los hijos adolescentes ya no son tan fáciles de manejar, reclaman su espacio y su libertad de decisión. Tanto es así que un día deciden por su cuenta conocer a su padre biológico, que resulta ser un tipo de lo más agradable y sensato, de modo que se integra poco a poco en la familia. Pero tal situación acaba suponiendo un pequeño terremoto en la convivencia, sobre todo en lo que se refiere a la relación entre Nic y Jules. Apología de la ideología de género, con cuatro nominaciones al Oscar (película, guión actriz y actor secundario), y que además ha recibido numerosos premios de renombre, como el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical para Annette Bening. Dirige el alegato Lisa Cholodenko (1964), quien sin duda sabe de lo que habla, pues es lesbiana y madre de un hijo concebido con esperma de donante. A lo largo de su carrera, Cholodenko ha demostrado que lo suyo son las películas sobre relaciones personales, a menudo tormentosas y difíciles, véase High Art o La calle de las tentaciones. No cabe duda de que la directora californiana tiene gran sensibilidad para ello. Posee capacidad para perfilar caracteres verosímiles, crear diálogos realistas y situaciones de lo más naturales, y en Los chicos están bien destacan las interpretaciones. Lo de Julianne Moore no sorprende, pues es manifiesto su gusto por encarnar a mujeres, digamos, poco convencionales (Savage Grace, Chloe, Boogie Nights...), y desde luego la Bening está fantástica, como tantas otras veces. ¿Pero que hace diferente esta película de otras con temática homosexual, al estilo de Brokeback Mountain, Las horas o Un hombre soltero? Sencillamente que busca obviar cualquier diferencia con cualquier otra familia, es decir, intenta no ser una “película gay” que retrate traumas y dificultades de sus protagonistas. Es más, aquí todo el mundo es de lo más normal, empezando por los hijos, verdaderamente ejemplares, educados y equilibrados (muy sutil la contraposición con sus respectivos amigos, uno loco y violento, y la otra continuamente obsesionada con el sexo). Y ésa es precisamente la mayor defensa de la denominada ideología de género, según la cual la diferencia entre hombre y mujer no existe, de modo que lo que llamamos “género” (es decir, la identidad sexual) no sería más que una traslación nominalista de las cultura social. Cambiemos por tanto la mentalidad de la sociedad y reduzcamos el género –la diferencia entre hombre y mujer– a puro deseo sexual, a pura atracción. El género o la identidad se transforman en “tendencia”, en la “opción sexual” que cada uno elija. Puro juego erótico. Aún así a Cholodenko se le escapan situaciones algo incoherentes, como la inquietud que causan las sospechas por la homosexualidad del hijo o la referencia a la aventura heterosexual de Jules. También hacia el final, el film se deja llevar por situaciones que rezuman almíbar y que no cuadrarían demasiado en otras familias.

4/10
Madres & hijas

2009 | Mother and Child

La película arranca con una joven de catorce años que se queda embarazada y entrega a su bebé, Elizabeth, en adopción. Treinta y siete años después, nunca ha conocido a sus padres biológicos, y una serie de avatares le desligaron de los adoptivos, por lo que se ha convertido en una persona egoísta, que va a lo suyo, abogada de prestigio, y 'devorahombres' que se hizo una ligadura de trompas renunciando así a la maternidad. Por otro lado una mujer mayor, Karen, enfermera, cuida a su madre, enferma de cáncer; está amargada, y parece envidiar la relación que tiene la muchacha que ayuda en casa con su hija; además está un matrimonio negro, con deseos de adoptar, y que deben entrevistarse con una jovencita negra soltera, que vive con su madre, dispuesta a dar su bebé en adopción, aunque antes ha de dar su aprobación a los potenciales padres. El colombiano Rodrigo García se ha aficionado a las historias corales -Cosas que diría con sólo mirarla, Nueve vidas- donde hay entre los personajes, predominantemente femeninos, ciertos nexos de unión, que se van descubriendo a medida que transcurre el metraje. Aquí liga las historias a través del centro de adopción regentado con enorme caridad por unas religiosas católicas, y las subtramas, muy humanas a pesar de ciertos aspectos miserables, tienen que ver con la maternidad, relaciones de madre e hija: generosidad, perdón, saber pasar página, y por supuesto amor, son los mimbres necesarios para alcanzar en tales tesituras la felicidad, superando así mil adversidades y debilidades que nunca faltan. Se le puede reprochar alguna 'trampa', un azar demasiado caprichoso para atar cabos sueltos del guión, pero el conjunto es poderoso, sirve para ver lo mejor y lo peor del ser humano, con una propuesta nítida por lo primero, una mirada esperanzada. Como suele, García cuenta con un espléndido reparto, donde mandan las mujeres -Naomi Watts, Annette Bening, Kerry Washington hacen grandes trabajos-, pero donde también hay tajo para sus compañeros masculinos, especialmente Samuel L. Jackson y Jimmy Smits, éste estupendo aguantando el carácter imposible del personaje de Benning.

6/10
The Women

2008 | The Women

Mary Haines es una diseñadora de modas aparentemente feliz, casada con Stephen, un ejecutivo de éxito con el que tiene una hija adolescente. Pero su mejor amiga, la periodista Sylvia Fowler, se entera de un sorprendente ‘chisme’ en el salón de belleza. Stephen, el marido de Mary, tiene una aventura con una joven dependienta. Sylvia lo comenta con otras dos amigas comunes y llega a la conclusión de que lo mejor es decírselo. Remake adaptado a los tiempos modernos del legendario film Mujeres, de George Cukor, a su vez basado en un texto teatral de Clare Boothe Luce. Mantiene el rasgo más original de la versión antigua, es decir, que no aparecen varones, salvo porque se les cita en las conversaciones. Existe un personaje masculino muy importante –el marido infiel–, pero éste sólo habla por teléfono con su esposa, o se sabe lo que hace porque ellas lo cuentan. Como el modelo original, cuenta con un plantel de grandes actrices. Se echa muchísimo de menos a Rosalind Russell, quizás la que más destacaba, pues ha sido sustituida por Annette Bening, correcta pero no tan brillante como en otras ocasiones. También choca un poco que la amante sin escrúpulos –Joan Crawford– haya pasado a ser Eva Mendes, porque son dos actrices de estilos muy distintos. Por lo demás, Meg Ryan hace lo que puede en el papel de Norma Shearer y aparecen en papeles secundarios actrices muy bien escogidas como Jada Pinkett Smith, Candice Bergen, Bette Midler y Carrie Fisher, que cumplen su cometido. El punto débil es la puesta en escena, un tanto insulsa, de la directora televisiva Diane English, creadora de la amena serie Murphy Brown. Ella misma se ha encargado de la revisión del guión, que entre las divertidísimas réplicas y contrarréplicas de las que parte ha incluido diálogos “modernillos” que carecen de la elegancia debida, y que se dirían influidos por la serie Sexo en Nueva York. También se nota una aguda pérdida de ritmo en la segunda mitad. Sigue al menos vigente su descripción de las relaciones hombre-mujer, y aborda con algo de seriedad, en tono tragicómico, la desintegración familiar y sus consecuencias.

5/10
Recortes de mi vida

2006 | Running with Scissors

Adaptación fílmica de las memorias de Augusten Burroughs, nacido en una familia desestructurada, y cuya educación acabó en manos de un excéntrico psiquiatra. Lo que vemos en la película es una experiencia horrible, que no desearíamos a nuestro peor enemigo. Augusten debe primero pasar su infancia con una madre desequilibrada, con ínfulas de artista poetisa, y con un padre incapaz de manejar la situación, que se quita de en medio. Más tarde, ya adolescente, se irá a vivir por una serie de avatares con su psiquiatra, que se diría más loco que la mayoría de sus pacientes, por sus pretensiones de genio y su desconexión de la realidad; lo que le obliga a convivir también con la rarita familia del doctor Finch, que incluye anciana y rara esposa, hija de rasgos puritanos, otra hija de sexualidad desinhibida… Y más al fondo, un primo homosexual, con el que tendrá una relación. Dirige y firma el guión el poco conocido Ryan Murphy, uno de los responsables de la serie televisiva Nip/Tuck. El tipo se pliega a la narración de esta ‘horribilis’ etapa vital del protagonista donde no existe una educación digna de ese nombre; cuesta adivinar a quién puede interesar conocer lo que se cuenta. El film tiene un buen reparto, la narración es correcta, se plasma la atmósfera opresiva de la que el protagonista, al ser menor de edad, tiene difícil escapatoria… Pero no deja de ser la colección de recortes del título de un tipo y su familia ‘tronada’, que encadena excentricidades que lo máximo que pueden provocar es perplejidad. Quizá sea encomiable la falta de rencor en Augusten, la capacidad de aprovechar los momentos humorísticos de esa etapa para no deprimirse, pero eso no justifica la existencia del film.

4/10
Mrs. Harris

2005 | Mrs. Harris

Extraño thriller producido directamente para la televisión y dirigido y escrito por la debutante Phyllis Nagy. La historia se basa en un libro que cuenta la tumultuosa vida de una mujer con algunos desequilibrios, divorciada y profesora de un colegio, que lleva 14 años siendo la amante del doctor Tarnower, célebre por haber creado la dieta 'Scardale'. La situación de la pareja se deteriorará hasta el punto de que ella decide asesinarle. El elenco de actores y actrices parece algo desproporcionado para este film discreto que recrea diversos males de la sociedad moderna. Protagonismo absoluto para la fantástica Annette Bening (Conociendo a Julia)

4/10
Conociendo a Julia

2004 | Being Julia

Adaptación de una novela del británico Somerset Maughan, el film sigue a una actriz en la cumbre de su carrera. Bella y con talento, radiante en su madurez, Julia tiene un pacto no escrito con su esposo, empresario de teatro: en plan muy ‘british’, displicente y tolerante, cada uno hace lo que le viene en gana a la hora de mantener relaciones íntimas con otras personas. Pero la llegada de Tom, un joven admirador americano, va a alterar este orden de cosas. Julia, halagada por su cortejo, empieza a dar mucho qué hablar en los círculos de sociedad. Y un viejo amigo, que la aprecia, trata de hacerle ver, con delicadeza, que está siendo protagonista de una farsa, donde la vieja que tiene relaciones con el joven sólo puede ser objeto de las risas del público. Y en efecto, cuando entra en liza Sybil, una jovencita aspirante a actriz que querría actuar junto a Julia, Tom inicia con ella una aventura. Exploración del mundo del teatro, al estilo del clásico Eva al desnudo, donde un punto clave de sabiduría es ‘saber envejecer’. El film juega entre el paralelismo evidente entre lo que se representa en el escenario teatral y lo que es ‘el gran teatro del mundo’, la vida misma, en que cada persona interpreta un papel; y ahí, tantas veces, conviven una aparente sinceridad, a veces histérica, con el deseo de guardar las formas. El film, que dirige el húngaro István Szabó, cuenta con brillantes interpretaciones, sobre todo la de Annette Benning. Tiene buen ritmo, y si bien el derrotero de los dos primeros tercios del film resulta previsible, e insiste demasiado en las citas de alcoba, el quiebro que se produce hacia el final es de tal envergadura, que la historia se eleva a alturas insospechas. Nueva y magnífica mirada al mundo de la farándula, donde el humor no oculta las pequeñeces del corazón humano, cuando sigue la aguja del capricho momentáneo.

6/10
Open Range

2003 | Open Range

Cuatro hombres transportan ganado por la ancha pradera. Su relación se basa en la confianza, como aprende Button, el más joven, de origen mexicano, casi sacado del arroyo, e incorporado al grupo del que forman parte Mose, grandullón con aspecto de oso, que mantiene un trato entre paterno y fraternal con Button; Boss, que está al mando, hombre sabio y moral; y White, tipo duro y taciturno, leal, que esconde un pasado dejado atrás gracias al ejemplo de Boss. En un viaje que no debería ser problemático, se topan con la intransigencia de un ganadero que no admite su presencia, y que piensa emplear a un sheriff corrupto para acabar con ellos y robarles el ganado. Se plantea entonces el dilema de entregar o no sus reses para salvar la vida. Pero por una cuestión de principios (hay situaciones en la vida en que no se puede ceder), defenderán su posición, aunque resulte suicida. Kevin Costner vuelve al western. Como director y como actor. Quizá no con la originalidad que exhibió en Bailando con lobos, pero sí con idéntico sentido de la épica y del clasicismo. Grandes espacios, la frontera entre el salvaje oeste y la pujante civilización, música vibrante, hermosos parajes… Todo ese paisaje mítico que construyeron directores como John Ford, Howard Hawks, Georges Stevens y Fred Zinnemann, citados profusamente en el film (Centauros del desierto y Raíces profundas en el secreto anhelo de un hogar, Río Rojo en el transporte del ganado, Río Bravo con la cárcel del sheriff, Solo ante el peligro en la actitud de los habitantes del pueblo…), asoma en todo su esplendor. Pero Costner lo presenta con personalidad propia, dándole nuevas vueltas de tuerca, sin caer en el mimetismo. Y hace una apuesta por la opción de responder con medios proporcionados a la injusticia del otro, junto a una negación radical de la venganza. Se aleja aquí de modelos recientes como Sin perdón; esa ausencia de cinismo puede chirriar en los tiempos que corren, pero resulta una bocanada de aire fresco muy necesaria. El film aprovecha las posibilidades técnicas actuales para presentar las escenas de tiroteos con realismo inusitado, que evitan al tiempo el regodeo en la violencia. Por otra parte, Costner sabe crear personajes de entidad: por ejemplo, Robert Duvall es perfecto para el hombre cuya sabiduría se acrecienta con los años. Incluso los pequeños personajes tienen su atractivo, como el tipo que les guarda los caballos, que se diría un homenaje a los que encarnó el inolvidable Walter Brennan.

7/10
¿De qué planeta vienes?

2000 | What Planet Are You From?

Un lejano planeta está en peligro de extinción. Sus habitantes necesitan urgentemente procrear, y para ello uno de ellos, Harold, es enviado a la Tierra en misión especial. Debe encontrar a la hembra adecuada y ponerse manos a la obra. Pero tiene algunos problemillas con su aparato reproductor. Disparatada comedia marciana de Mike Nichols, con situaciones delirantes. La mayoría de sus gags giran en torno al sexo, por los problemas que su protagonista tiene para relacionarse. El reparto es espectacular. Quizá demasiado, para el resultado final. Pero si uno tiene la risa floja, reirá.

3/10
In Dreams (Dentro de mis sueños)

1999 | In Dreams

Treinta años atrás un pueblo quedó cubierto por las aguas de un pantano. En la actualidad, muy cerca, vive Claire, una ilustradora de cuentos infantiles casada con Paul, y que tiene una hijita. Esta mujer tiene pesadillas recurrentes en las que ve la terribles acciones de un asesino de niñas. De hecho una de sus visiones coincide con el auténtico hallazgo del cadáver de una chica en el pantano. La policía muestra incredulidad cuando Claire habla de sus extrañas pesadillas, pero ella está aterrorizada, sobre todo porque la próxima víctima podría ser su propia hija. Neil Jordan vuelve a contar una historia de terror psicológico (aunque también haya su ración de sangre) donde los sueños y el psicoanálisis tienen cierta presencia. Recuérdese a este respecto sus films En compañía de lobos, Entrevista con el vampiro o Contracorriente. Logra una historia con algunos momentos inquietantes, que se apoya bien en el magnífico trabajo de Annette Bening y Stephen Rea. Quizá cuando la presencia del psicópata se hace más real, el film baja en intensidad, pero en conjunto tiene cierta gracia.

5/10
American Beauty

1999 | American Beauty

Estamos ante una de las películas más cáusticas de la última temporada. Se ha llevado 5 Oscar, en los apartados de mejor película, director, guión, actor y fotografía. Casi nada. La historia la narra un muerto, que explica cómo ha llegado a esa situación. El tipo está casado y tiene una hija. Lleva una vida mediocre y rutinaria. Ha perdido todo interés por su esposa, no existe comunicación con su hija, su trabajo no le satisface. Cuando cae en la cuenta de su vacío existencial, empieza a cambiar de estilo de vida, haciendo todo lo que se le antoja: fumar hierba, dejar su trabajo y empezar nuevo curro en una hamburguesería, hacer musculitos... La situación que le puede llevar a tocar fondo tiene la forma de la mejor amiga de su hija: una auténtica “lolita”, que le está haciendo perder la cabeza a pesar de ser poco menos que una cría. Sam Mendes es un director desconocido, que hasta ahora se dedicaba al teatro. Sin embargo demuestra maneras en esta película, que trata de ser una advertencia sobre el reverso tenebroso del sueño americano. Aunque hay algún exceso caricaturesco, la película pone el dedo en ciertas dolorosas llagas de la sociedad actual. El director explica que “en un país como Estados Unidos, enfermo de incomunicación, donde la gente no se comunica más que por internet, me apetecía contar a través del personaje del joven que hay alternativa, dos opciones: comportarse violentamente o encontrar algo que te fascine y desarrolle tu espiritualidad.” La película ha supuesto el segundo Oscar de Kevin Spacey; antes lo ganó con Sospechosos habituales.

7/10
Estado de sitio

1998 | The Siege

Estados Unidos siempre ha vivido feliz en lo que atentados terroristas se refiere. Hasta que Nueva York empieza a sufrir una serie de golpes mortales con bombas, que obligan a declarar el estado de emergencia. Los encargados de resolver la crisis difieren en el modo de acometerla: Hub (Denzel Washington), de la Fuerza Conjunta Antiterrorista, prefiere no alarmar a la población; Elise (Annette Bening), de la CIA, sigue un juego muy peligroso intimando con los terroristas; mientras que el general Devereaux (Bruce Willis) es partidario de la mano dura. El film sabe combinar una atmósfera agobiante, que va en aumento, con un interesante dibujo de personajes (estupendo el trío protagonista). Como terroristas, se presentan grupos fundamentalistas islámicos, lo que provocó las protestas de algunos grupos árabes.

6/10
Mars Attacks!

1996 | Mars Attacks!

Tim Burton dirige esta comedia de ciencia ficción, que constituye una parodia a la vez que un homenaje a las viejas películas de ciencia ficción de serie B. Burton imprime a toda la película una estética kitsch, inspirada en una colección de cromos de los años sesenta editada por Topps, un fabricante de chicles. Mars attacks! narra la invasión de la tierra por unos extraños marcianos, que no dudan en hacer fosfatina a todo ser viviente que se les pone por delante. Para hacer frente a esta situación, la humanidad cuenta con un disparatado presidente de los Estados Unidos, interpretado por Jack Nicholson, al que acompaña una cursi primera dama a la que da vida la siempre genial Glenn Close. Con este pretexto argumental Burton, aprovecha para criticar la política, el mundo de la televión, la familia tradiciónal americana., el ejército... y lo hace con un humor mordaz y corrosivo. Cuenta para ello con un reparto amplísimo de estrellas: así, a las mencionadas anteriormente hay que añadir un Michael J. Fox, Pierce Brosnan, Danny DeVito entre los actores principales.

6/10
Ricardo III (1995)

1995 | Richard III

Adaptación de la obra de William Shakespeare, la originalidad consiste en trasladar la ambición desmedida de Ricardo III a una Inglaterra de los años 40 del siglo XX, convertida en un estado más o menos fascista. Ricardo irá eliminando a todo aquel que se interpone entre él y la corona.Estéticamente ambiciosa, con escenas bélicas modernas, esto no quita para que el film de Richard Loncraine -mejor director en el Festival de Berlín- suene a excesivamente artificioso. Él y Ian McKellen -éste también protagonista- firman el libreto que adapta la obra del bardo. Había cierto morbo por saber cómo habrían insertado en un contexto moderno la célebre frase "Mi reino por un caballo", y la verdad, 'canta' un poco el momento en que se pronuncia.

5/10
El presidente y Miss Wade

1995 | The American President

Original comedia romántica que tiene como protagonista al presidente de los Estados Unidos y muestra sus dificultades para entablar una relación sentimental. El presidente Andrew Shepherd, viudo, se enamora de Sydney Wade, miembro de un lobby ecologista. Poco después, los índices de popularidad del presidente comienzan a descender, a pesar de la ayuda de sus asesores y ayudantes. Michael Douglas realiza una cuidada interpretación de un presidente que recuerda a la figura de Bill Clinton. La realización corrió a cargo de Rob Reiner (La princesa prometida, Cuando Harry encontró a Sally).

5/10
Un asunto de amor

1994 | Love Affair

Revisitación de la inolvidable historia de amor de Tú y yo, llevada al cine en dos ocasiones por Leo McCarey, en 1939 y 1957. La comparación con estos dos filmes se hace odiosa, a pesar de los esfuerzos del guión de Warren Beatty y Robert Towne. La idea de recontar el encuentro maravilloso en un viaje y la no-cita en Nueva York tres meses después, sólo se entiende viendo a la pareja protagonista, el propio Beatty y Annette Benning, que estaban viviendo su particular y definitiva historia de amor tras su boda dos años antes, que hacía, al fin, sentar la cabeza al primero. La película puso cierre final a la carrera en cine de Katharine Hepburn, por entonces ya enferma, y a la que convenció personalmente Beatty para que abandonara su retiro e hiciera su pequeño papel.

4/10
Caza de brujas

1991 | Guilty By Suspicion

Magnífica y cuidada narración sobre los hechos que conmovieron los estudios de Hollywood en los años 50. El Comité de Actividades Antiamericanas comenzó a perseguir en 1951 a todos aquéllos que profesaban ideas izquierdistas. El objetivo principal de sus ataques fue el mundo del cine. David Merrill (Robert de Niro) es un director de gran talento que cuenta con todos los parabienes de los presidentes de los más grandes estudios del mundo cinematográfico. Pero ahora él está a la cabeza de la lista negra y sólo podrá salvar su carrera de un modo: denunciar públicamente los nombres de amigos y conocidos que compartan las mismas ideas. Hollywood hace en esta película una valiente recreación de una de las épocas más controvertidas de su historia. La lleva a cabo con notable calidad, gracias sobre todo a la enorme versatilidad del gran Robert De Niro.

5/10
A propósito de Henry

1991 | Regarding Henry

Henry Turner (Harrison Ford) es un abogado sin escrúpulos que siembra el pánico en los tribunales de Nueva York. Está dedicado a su trabajo hasta tal punto, que ha dejado de lado a su abnegada esposa y a su pequeña hija. No hay manera de hacerle entrar en razón. Sólo una causa fortuita externa, que parece un aviso divino, será capaz de hacerle cambiar de vida. Un día un disparo se cruza en su camino, y le deja incapacitado para valerse por sí mismo. Sufre una amnesia que le obliga a compartir todo el día con su familia, y a reconstruir su vida. Se dará cuenta de que no se conoce en absoluto a sí mismo, y su esposa le ayudará a enfrentarse a su nueva situación. Un emotivo melodrama en el que Harrison Ford realiza uno de sus mejores papeles. El director Mike Nichols plantea de una forma original la catarsis de un individuo absorbido por su ambición y por la vida turbulenta de la sociedad moderna.

6/10
Bugsy

1991 | Bugsy

Recreación de la vida del famoso gángster Ben "Bugsy" Siegel, que llevó a cabo la realización de Las Vegas, y al que todos conocieron en vida como "el hombre más peligroso de América". Cuando Bugsy llegó a Hollywood para llevar su imperio de la mafia a la costa Oeste de los Estados Unidos, quedó absolutamente admirado de la ciudad y rendido a los piés de una fascinante y misteriosa mujer conocida como "The Flamingo". Allí, en medio de un lugar nuevo e inhóspito para él, Bugsy lo arriesgó todo, su dinero y el de sus compañeros del hampa, e incluso su propia vida. Sólo tenía ojos para ver realizados sus sueños. Magníficamente ambientada, esta película es toda una lección de glamour y fascinación. Warren Beatty (Esplendor en la hierba, Rojos, Dick Tracy) firmó uno de sus mejores papeles, y conoció a la que sería su esposa, Annette Bening, dejando atrás para siempre su fama de donjuán. El director Barry Levinson (Rain Man) consiguió dos Oscar para este cuidadísimo film.

6/10
Postales desde el filo

1990 | Postcards From The Edge

Meryl Streep interpreta a una mujer algo desequilibrada y, para colmo, adicta a la cocaína. Debido a su inconsecuente comportamiento, ha echado a perder la costosa producción de la película de un prestigioso director, interpretado por Gene Hackman. Esto provoca que, aunque ha pasado por una difícil cura de desintoxicación, se crea una mala fama por la que nadie quiere contar con ella para sus proyectos cinematográficos. Dennis Quaid, interpreta a su íntimo amigo, que también ha dejado de confiar en ella. Se da cuenta de que sólo le queda su madre, interpretada por Shirley MacLaine, que da la casualidad de que también fue una estrella del cine venida a menos por culpa de su afición al alcohol. Aunque están muy distanciadas, esta situación límite les obliga a acercarse. Ambas tratan de llevar una vida normal juntas. Se trata de una adaptación de la novela de Carrie Fisher, que también firma el guión. El duelo interpretativo entre Streep y MacLaine se salda con un excelente resultado para ambas partes. Una historia emotiva que engancha desde el principio. Narrada con realismo e ironía, cuenta con unos diálogos llenos de audacia y la mar de ingeniosos. Recomendable.

4/10
Los timadores

1990 | The Grifters

Un timador de poca monta que ha crecido en la calle recibe una tremenda paliza en un bar. Su madre le salva de una muerte segura. Se trata de una mujer muy posesiva que se entromete en la relación de su hijo con su novia. Precisamente será esta joven la que les proponga trabajar en equipo en una serie de golpes cada vez más ambiciosos. El realizador británico Stephen Frears es capaz de adentrarse en todos los géneros. Así lo ha demostrado con dramas como Las amistades peligrosas o comedias como Héroe por accidente. En esta ocasión probó con éxito con el thriller en un filme, producido por Martin Scorsese, que contó con un reparto de excepción. La trama se basa en la novela homónima del gran Jim Thompson.

6/10
Valmont

1989 | Valmont

Valmont es un libertino conde de la aristocracia francesa del siglo XVIII que tiene como amante a la marquesa de Merteuil. Ambos se dedican a un contínuo juego de seducción entre los salones de palacio y su ambición llegará más lejos cuando Valmont propone una apuesta a Merteuil, que es conseguir conquistar a una sencilla y respetable dama que acaba de quedarse viuda. Nueva versión de la novela de Choderlos de Laclos 'Las amistades peligrosas', que fue filmada por Milos Forman un año después de la famosa película de Stephen Frears. En esta cinta el protagonismo se lo llevan un cínico Colin Firth y una casquivana Annette Bening. Destaca también el trabajo de Meg Tilly y de una inocente Fairuza Balk.

5/10
Dos cuñados desenfrenados

1988 | The Great Outdoors

Con idea de pasar unas vacaciones familiares, respirando aire puro y disfrutando de la naturaleza, Chet (John Candy), un campechano y bonachón padre de familia, decide irse de vacaciones con toda su tropa a una cabaña de un pueblecito de Minessota perdido en el bosque. Nada más llegar, recibe la visita inesperada de su pedante cuñado Roman (Dan Aykroyd), que también viene con su mujer y sus dos hijas a pasar unos días. Durante las vacaciones un sin fin de odiseas y situaciones inesperadas les irán sucediendo. El desaparecido John Candy nos regala situaciones hilarantes en esta comedia familiar con verdaderos momentos llenos de comicidad, como el del esquí acuático en el lago. Aparece, además, Annette Bening en uno de sus primeros papeles, antes de demostrar su talento. Agradable para pasar un buen rato en familia.

4/10

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