Bruno Coulais

Anodina cinta sobre las conquistas amorosas del célebre mujeriego Giacomo Casanova, que consignó en sus memorias y que han inspirado a cineastas como Federico Fellini o Lasse Hallström. La cinta arranca en Bohemia, donde vive semirretirado escribiendo sus recuerdos; una mujer viene a verle para que le ilustre con clases sobre Aristóteles, aunque le entretienen más los relatos de sus amoríos, donde asegura que todas las mujeres con las que mantuvo relaciones venían a ser la primera y la última. Todas excepto una, Marianne de Charpillon, a la que conoció en Londres y le cambió para siempre. El film de Benoît Jacquot consiste en su casi totalidad en un flash-back que pretende dar cuenta de esa relación tan especial. Pero el director, con sus coguionistas Jérôme Beaujour y Chantal Thomas, pergeñan una plúmbea narración, muy premiosa, donde nunca hay espacio para la emoción. La turbación de un descolocado Vincent Lindon –que interpreta a Casanova,– por una mujer que se supone muy especial y que juega con él –papel a cargo de Stacy Martin, que se estrenó en cine con las cinta cargada de sexo de Lars von Trier Nymphomaniac–, nunca llega a entenderse. Y si se ha intentado entregar algún tipo de fábula seudomoral acerca del cazador cazado o el seductor seducido, al que al fin atrae de algún modo la monogamia, sólo cabe decir que la opacidad de su moraleja es total. Ni con la mejor de las disposiciones del crítico resulta posible salvar esta propuesta de tristes personajes desamorados con pelucas empolvadas y personalidad nula.

Los vecinos de Mêle-sur -Sarthe, pequeño pueblo de Normandía que vive de la ganadería, se han visto profundamente afectados por la crisis que vive el sector, y por la posición de dominio absoluto de la carne extranjera en el mercado nacional. Mientras buscan una forma de protestar que capte la atención, el alcalde recibe una curiosa propuesta de Blake Newman, artista estadounidense que se ha encaprichado de un prado del lugar, donde pretende captar una fotografía de los vecinos posando desnudos. El galo Philippe Le Guay se ha especializado en pequeñas comedias costumbristas, algunas realmente eficaces, como Las chicas de la sexta planta o Molière en bicicleta. Ahora sigue la estela de Full Monty y Las chicas del calendario, títulos corales de planteamiento ligero, con protagonistas corrientes que se desnudan por una buena causa, en el primer caso para denunciar el desempleo, en el segundo por la lucha contra el cáncer. A Le Guay le funciona la jugada a ratos, gracias a su descripción del estado de la Francia agraria, pero también por el buen hacer de actores como François Cluzet, estrella de Intocable, aquí el primer edil, o el todoterreno Toby Jones (Historia de un crimen), como el fotógrafo yanqui. Y también por algún momento ‘capriano’ conmovedor, como la resolución de un conflicto de propiedad. Pero pronto el rey se queda desnudo, por la sobredosis de personajes, algunos poco interesantes, o que poco aportan al conflicto central, o por algunos diálogos o situaciones con poco gancho.

Cuidada adaptación animada de la novela de aventuras de Jack London. En la inmensidad boscosa y con frecuencia nevada del territorio de Yukón, en el Noroeste de Canadá, seguimos las evoluciones de Colmillo Blanco, un perro lobo, desde que es un cachorro hasta el momento en que alcanza una formidable madurez. La película se estructura como un largo flash-back, en el arranque le vemos obligado a combatir con otro can como perro de pelea, pero luego nos retrotraemos a su etapa infantil junto a su madre, y el modo en que va conviviendo con distintos humanos, pero también en libertad. Curiosamente este modo de narrar, en que Colmillo Blanco va pasando de un entorno a otro, con amos distintos –indios cazadores, un matrimonio de colonos, un explotador de perros de pelea…– sería usado en clásicos del western, como la magnífica Winchester 73. La versión de Alexandre Espigares, que debuta en el largo, sobresale por su realismo. Frente a otras cintas de animación que adaptan cuentos y clásicos de aventuras, donde abundan los animales parlanchines, los personajes secundarios que sirven para introducir bromas y las canciones pegadizas con coreografía, aquí se apuesta por la aventura pura y dura, de modo que Colmillo Blanco no habla. Muestra, eso sí, rasgos que le hacen “más humano que los humanos”, a la hora de abandonar la violencia innecesaria, o la capacidad de obedecer mandatos razonables. La idea, con los villanos de la función, es subrayar que éstos muestran rasgos bestiales, mientras que el lobo feroz no lo es tanto, muestra una lealtad que conmueve. El realismo se acentúa en la creación de los paisajes, en una violencia seca y fuera de cámara, y en la filmación de las escenas de un pueblo con humanos recreados con actores con el procedimiento de movimiento y captura digital. Incluso los movimientos de cámara, llamativos en el formato scope, y los planos cortos de las peleas, sobresalen por la sobriedad, que casa bien con los personajes humanos, buenos y malos, descritos con rasgos básicos que funcionan, nobleza, bondad y anhelo de una vida mejor en el primer caso, avaricia desmedida y crueldad en el segundo. La partitura de Bruno Coulais ayuda a subrayar con contención los planteamientos del film. La película es una muestra extraordinaria de ecologismo del bueno. Hay un canto a la belleza de la naturaleza, pero en ésta se incluye también al hombre. En el mundo animal pueden ocurrir cosas terribles –lo natural en el lobo es que mate, y Colmillo Blanco no es la excepción con unas gallinas– y también en el humano –el engaño y la traición–, pero en ambos hay una hermosura que debe ser puesta en valor, respetada y anhelada.

Apollo, saltamontes saltimbanqui, fue una estrella en el pasado, pero ahora actúa en las calles por unas monedas. En su periplo, llega al jardín de bichos gobernado por la reina Margarita, a punto de celebrar una gran fiesta por su cumpleaños. Deseoso de conocerla, por si le permite actuar para ella, se deja aconsejar por una desconocida que le aborda para contarle que por las noches su majestad aparece en un solitario lugar. El recién llegado confía en ella, y parte en busca de la monarca, sin sospechar que quien le ha dado la información es la envidiosa avispa Huguette, prima de esta última, que le ha enredado en un plan para usurpar el trono. El galo Antoon Krings ha triunfado como escritor e ilustrador de libros infantiles, sobre todo con la serie conocida en España como “Bichitos curiosos”. Él mismo aparece acreditado como codirector de esta adaptación animada de la misma, junto al especialista en el género Arnaud Bouron, forjado en la serie de dibujos Le petit Nicolas, entre otras. Consiguen un tono poético, con una enorme carga nostálgica, al evocar a las ilustraciones de cuentos clásicos, con la inestimable ayuda de una inspirada partitura de Bruno Coulais. ¡Vaya bichos! desarrolla muy bien una historia que recuerda a Vacaciones en Roma, con una reina hastiada que se siente sola, y que al huir temporalmente vive un romance con un desconocido que trata de ayudarla. Los personajes tienen un enorme atractivo, y la animación resulta lo suficientemente fluida, aunque llaman la atención sobre todo los cuidadísimos decorados. Concebida tanto para niños como para mayores a quienes les guste la animación, encierra sanos mensajes sobre la fuerza del amor, capaz de imponerse a todo tipo de problemas, y la importancia de cuidar el ecosistema. Pero lo mejor es que ofrece lo que puede ser una interesante primera lección de política para los más pequeños, en torno a la fragilidad del sistema, que pese a que funcione está constantemente amenazado por corruptos individuos, así que no conviene ser ingenuo y dejarse engañar.

El matrimonio entre Pierre y Marie Curie es feliz. Acaban de tener su segundo hijo y se aman de veras. Además, lo emocional y lo intelectual se funden a la perfección ya que han triunfado en el campo científico, hasta el punto de ganar el Premio Nobel. Pero entonces, Pierre muere y salir adelante para Marie se hace cada vez más difícil. No es ni la primera ni la segunda vez que el mundo del cine centra su atención en Marie Curie (1867-1934). Desde el clásico hollywoodiense Madame Curie, protagonizado por Greer Garson, hasta la francesa Los méritos de Marie Curie, con Isabelle Huppert en el papel principal, por citar sólo dos ejemplos, la historia de esta científica ha supuesto siempre un modelo del genio femenino en una época en que el mundo intelectual estaba dominado por los hombres. Con razón el cine y la televisión vuelven una y otra vez a contar las hazañas de esta mujer eminente, la primera persona que recibió dos Premios Nobel, en Física y en Química. Pero la vida de Marie Curie no fue un camino de rosas. Al menos así lo da entender con contundencia la directora Marie Noelle (La mujer del anarquista) en su primera película en solitario, tras la muerte de su marido Peter Sehr cuatro años atrás. La directora francesa afincada en Alemania entrega un biopic casi enteramente envuelto en tristeza, ya que se centra principalmente en los años en que la protagonista, ya convertida en una celebridad mundial, ha de sufrir la repentina pérdida de su esposo, el desprecio de la academia francesa, las dudas sobre su trabajo y sobre todo el acoso de la opinión pública por su relación adúltera con su colega Paul Langevin. Salvo en contadas ocasiones –la más relevante quizá cuando Curie coincide en un congreso con Albert Einstein–, Noelle carga la mano en una recreación pesarosa de la existencia en donde hay poco espacio para la alegría. Formalmente la película está cuidada, sobre todo en el aspecto fotográfico y en el uso de la luz y los claroscuros, lo cual aporta ese típico ambiente de principios de siglo, algo rancio y opresivo, al tiempo que transmite una atmósfera poco respirable en connivencia con el alma de los personajes, una sensación acentuada por esos espacios cerrados del mísero laboratorio, en donde Marie Curie hizo sus descubrimientos. La actriz Karolina Gruszka hace un convincente trabajo protagonista, pero aunque está presente en casi todos los planos su personaje siempre se mantiene distante, en el fondo desconocida, un enfoque que la directora quizá haya equivocado. Tampoco empatizamos mucho con el amante, Langevin, demasiado colateral, mientras que sí tienen mayor credibilidad las iniciales apariciones de Charles Berling como Pierre Curie, papel que vuelve a repetir tras el film de 1977.

Una película de más de tres horas, pero que se pasa en un suspiro. Y es que Las películas de mi vida, de Bertrand Tavernier, cuyo título original es mucho más certero, Voyage à travers le cinéma français, o sea, "viaje a través del cine francés", es una personal declaración de amor del cineasta galo, un recorrido sentimental autobiográfico de las películas de su país que le han marcado y le empujaron a la cinefilia y a la cinematografía. Como decía el director al presentar su film, el cine y su recuerdo rejuvenecen, y él espera que haberlo hecho, le prolongue la vida. Además, citando el epitafio de la tumba de Michael Powell, aseguraba que se reconocía en él: "Profesión: amateur. Aficiones: Hacer películas". El documental comienza con el primer recuerdo fílmico de la infancia de Tavernier, que corresponde a Jacques Becker, una persecución de motos a un automóvil, perteneciente a Dernier atout. De nadie se aprende a valorar más una película que de alguien que hace cine, y a través de la nostalgia de los cines de barrio nos habla de Jean Gabin, Marcel Carné, Jean Renoir, Jean-Pierre Melville, Claude Sautet, Jean Vigo... pero también de autores de bandas sonoras como Maurice Jaubert, o del director maldito al que ayudó a pagar su entierro, Edmond T. Gréville. Cómo se agradece la mirada penetrante de Tavernier, y qué ganas dan de ver las películas que cita. Porque a él no le pasan desapercibidos un movimiento corporal, cómo se complementan en pantalla dos estilos interpretativos totalmente diferentes, el mérito que tiene sostener la duración de un plano... Lo que suscita emoción en el cinéfilo espectador, deseos de ver más cine.

Devi, profesora de Benarés, se encuentra en un hotel con un becario al que dirige su tesis. Pero la policía les sorprende en pleno acto sexual, fuera del matrimonio, lo que en La India tiene graves consecuencias. Esto conduce al suicidio del muchacho. El inspector de policía chantajea a Vidyadhar, el padre de Devi, pidiendo una enorme cantidad a cambio de su silencio, pues la chica puede ir a la cárcel. Mientras, Deepak, un chico a punto de sacarse el título de ingeniero, se enamora de una joven de casta superior, a la que conoce vía Facebook. Segundo largometraje de Neeraj Ghaywan, tras el poco conocido Shorts, que ha sido producido por Francia, lo que le da una enorme libertad para criticar elementos del país asiático, como su rígido sistema de castas, y sobre todo sus leyes represoras contra la mujer, y una sociedad que el cineasta considera hipócrita. Tienen cierto interés documental sus aspectos costumbristas, por ejemplo las imágenes del ghat, escalera de piedra donde se incineran los cadáveres para que las cenizas acaben en el Ganges. Sin embargo, estamos ante una de esas películas en las que el guión está supeditado al mensaje que se quiere divulgar. Los personajes son planos, sus giros resultan un tanto culebronescos, y no acaba de funcionar bien la mezcla de historias, pese a que al final se ha metido un nexo de unión con calzador.

Tras sus premiados documentales Nómadas del viento y Océanos, los documentalistas Jacques Perrin y Jacques Cluzaud siguen deteniendo su sensible y amorosa mirada en la naturaleza en su tercer trabajo, Las estaciones. Pero si antes sus cámaras enfocaron al cielo y al mar, ahora miran a la tierra. Con una mínima narración –con voz de Elena Anaya en la versión española–, que apuntilla un leve hilo conductor de corte ecologista, las imágenes recogen el acontecer de la vida animal en los bosques de Europa, unas espesuras que hace miles de años poblaban todo el continente y que hoy en día, a causa del avance del hombre principalmente, han quedado reducidas trágicamente. En este sentido, el documental supone también un llamamiento claro e insistente, aunque no alarmista, a cuidar responsablemente de nuestro entorno natural, en donde animales y seres humanos han de convivir en armonía. Como no podía ser menos Las estaciones es una película de enorme belleza, ante lo cual no se puede quedar indiferente. Asistimos a una sucesión de esplendorosas imágenes que dan una idea de la efervescencia de la vida animal que a lo largo de las estaciones y los siglos se ha ido abriendo paso en los densos bosques europeos, una realidad viviente casi siempre escondida al ojo humano. Todo tipo de especies son objeto de contemplación por parte de Perrin y Cluzaud, desde grandes mamíferos como los caballos salvajes o los osos pardos, hasta pequeños insectos como el ciervo volante o diminutos arácnidos. Y entre medias jabalíes, linces, tejones, ratones, ciervos, lobos, jinetas, ardillas, serpientes, erizos… y todo tipo de pájaros y aves, también rapaces. La gran variedad de animales que aparecen en pantalla hace que el espectador no se aburra un ápice con sus andanzas, aparte de que el meticuloso montaje procura aportar siempre un punto de emoción, acción o incluso comedia a sus vivencias. Esa faceta se acentúa por medio de la cuidadísima banda sonora, obra del exquisito Bruno Coulais, colaborador habitual de Perrin y Cluzaud. El acabado visual es extraordinario, donde brilla especialmente la nítida fotografía de Eric Guichard, que ofrece con precisión la exuberancia vegetal y las diferencias de color según se suceden las estaciones, a cual más hermosa: sol, lluvia, tormentas, nieve. También resulta impactante en los frecuentes primeros planos de los animales o cuando se trata de captar con enorme agudeza visual a seres diminutos. Algunas escenas son de una factura técnica notable y de entre ellas destacan seguramente las de los ataques de las manadas de lobos, persecuciones captadas con un gran travelling rodado con una destreza enorme, o las asombrosas tomas aéreas de insectos o aves en vuelo. A su vez, llama la atención que para no herir sensibilidades se excluyan escenas de sangrientas, mortales, entre depredador y presa, con la curiosa excepción de aquellas provocadas por la crueldad humana.

Cuando en una ciudad de provincias pierde el tren que debía llevarle a París, el inspector de hacienda Marc conoce casualmente a Sylvie, una mujer que acaba de romper con su marido, con la que tras una larga conversación descubre que se complementa a la perfección. Como él tiene que partir de inmediato, ambos se citan en el Jardín de las Tullerías de la capital unos días después. Pero un problema de comunicación con unos chinos de Marc en su trabajo impide el reencuentro. Éste sigue con su vida habiendo perdido el contacto, y acaba conociendo a Sophie, de la que ignora... ¡que es hermana de Sylvie! Si el espectador está dispuesto a dejarse llevar por el caprichoso libreto y aceptar que "el mundo es un pañuelo", y que en plena era de las nuevas tecnologías los protagonistas no intercambien ni móviles, ni Facebook ni nada de nada, se emocionará con este drama que dirige Benoît Jacquot, conocido por Adiós a la reina. Recupera la temática típicamente francesa del 'amour fou', el amor loco que está a punto de llevar a los amantes a su perdición, pues trae consigo la tentación de dejarse llevar por los arrebatos emocionales y caer en la infidelidad. El realizador impregna un tono muy sobrio a una historia que en muchos momentos amenaza con caer en la comedia o en el melodrama, por ejemplo cuando la actriz principal se abraza a los pies de su esposo en plena calle. También logra un timing ajustado, varias metáforas en la línea del "tren perdido" y un academicismo ejemplar a la hora de mover la cámara, por lo que la historia funciona. Cuenta además con varios de los grandes del cine galo, capaces de elevar por momentos el nivel. A Benoît Poelvoorde le va al pelo un personaje de feo atractivo muy francés, Charlotte Gainsbourg vuelve a demostrar que trabaja bien incluso cuando se aleja de la mente perturbada de Lars Von Trier, y Chiara Mastroianni da el perfil como hermana en discordia. A pesar de la brevedad de su papel, la veterana Catherine Deneuve sobresale como madre de las chicas, que con su mirada lo dice todo.

Martin aspiraba a ser editor de libros en París, pero se volvió a su pueblo en la campiña de Normandía, a ocuparse del negocio familiar, una panadería. Casado y con un hijo adolescente más interesado por los videojuegos, sin embargo no ha abandonado su amor a la literatura, y en el matrimonio de sus nuevos vecinos ingleses cree empezar a ver reproducida en la vida real la historia de "Madame Bovary", de su amado Gustave Flaubert, de hecho se da la coincidencia de que ella se llama Gemma Bovery. Aunque la idea de la novela que adaptan Anne Fontaine y Pascal Bonitzer constituye un buen punto de partida, aquello de que la vida imita al arte, o viveversa, la película se queda en poco más que homenaje sentido a Flaubert –se diría que el personaje de Fabrice Luchini es como su "alter ego" con un punto humorístico de casi enamorado y celoso adolescente–, y su mirada a la burguesa mujer aburrida, que no sabe disfrutar de la vida ni encontrar el verdadero amor. Decididamente la narración se estanca en las escenas eróticas, y algunos pasajes no están demasiado logrados, sobre todo el desenlace, que parece una broma mal contada. Además falta definición a los personajes, que a veces parecen versos sueltos. Luchini y Gemma Arterton están bien, pero los secundarios parecen meros convidados de piedra.

El joven Ben culpa a su hermana pequeña, Saoirse, de la desaparición de su madre, de la que recuerda especialmente que cuando era muy pequeño le cantaba canciones de leyendas tradicionales. Ambos niños viven con su padre en el faro sobre un acantilado de una pequeña isla, hasta que la abuela, preocupada por su seguridad junto al mar, se los lleva consigo a la gran ciudad. Cuando Ben escapa para buscar a su perro, al que han dejado atrás, Saoirse le sigue, lo que supone el inicio de una aventura durante la que descubrirán que la chica es un selkie, hada del mar cuyo canto puede liberar a unos seres mágicos cautivos de una bruja. Primer largometraje en solitario de Tomm Moore, tras rodar uno de los fragmentos de Kahlil Gibran's The Prophet, y codirigir con Nora Twomey la sorprendente El secreto del libro de Kells, con la que Song of the Sea guarda muchos puntos en común, sobre todo su tono, propio del realismo mágico. Aquí se ha buscado aposta un público más amplio y familiar, sin que ello implique infantilizar demasiado la historia, en el sentido de muchas producciones que confunden público infantil con falta de inteligencia. De nuevo, el cineasta echa mano de sus dibujos, aparentemente simples, pero encantadores, que se mueven mediante una animación tan sencilla como eficaz. Sus personajes destilan una enorme humanidad y originalidad, especialmente el perro de los protagonistas. En casi todos los diseños se repiten los círculos, lo que recuerda constantemente a los símbolos celtas. Basándose en fascinantes relatos del folclore que conocerán sobradamente en Irlanda, pero que se hacen completamente accesibles al público profano, Moore habla a los espectadores de cualquier edad de la pérdida de los seres queridos. Aporta una moraleja inteligente sobre la importancia de cada miembro de la familia, incluso de aquellos hermanos o hermanas que a primeras pueden provocar rechazo, o a los que se culpa muchas veces injustamente de situaciones que no han provocado. Emotiva e intensa, especialmente en su tramo final, Song of the Sea se engrandece gracias a la partitura de Bruno Coulais. De nuevo a las órdenes del realizador, también aquí le saca partido a los reconocibles sonidos de la música irlandesa.

Durante unas reyertas en la Francia de los suburbios, un adolescente de origen turco agrede con un cóctel  molotov a un médico de origen armenio, pero no confiesa su delito y acaba siendo  condecorado por las autoridades como salvador del médico.

Ponijao, Mari, Bayarjargal, Hattie. Epembe, Namibia. Tokio, Japón. Mongolia. Oakland, California, Estados Unidos. Cuatro bebés, niñas, en distintas partes del globo, desde su nacimiento hasta que arrancan a dar sus primeros pasos. Tal es el contenido de este singular documental, un sincero canto a la vida y la maternidad dirigido por Thomas Balmès, que ha hecho suya la idea original de Alain Chabat. Las cámaras han seguido a papás y criaturas durante el tiempo mentado, y las muchas horas de filmación han permitido entregar un film de bellas imágenes con momentos muy naturales –aunque se abuse a veces del naturalismo–, que despierta ternura y sonrisas, aunque también consigue agotar. Hay ideas simpáticas, y hasta el más duro puede conmoverse con un bebé al que hace rabiar su hermanito, el reconocimiento de la mamá que acaba de llegar a casa, las experiencias con distintos animalitos mostradas en montaje paralelo. También podemos ser testigos de distintas costumbres, como la de la tribu himba, donde la madre embarazada se unta el vientre con una tintura roja, o aquella otra que se succiona la leche materna de sus pechos, para luego dársela al crío con el biberón.

Jacques Perrin –prestigioso actor y productor de títulos como Los chicos del coro– y Jacques Cluzaud dirigieron Nómadas del viento, uno de los grandes éxitos del cine documental sobre naturaleza del siglo XXI, hasta el punto de que fue nominado al Oscar en esa categoría en 2003. Parecía imposible superar la espectacularidad de esta cinta, pero los cineastas han encontrado un filón submarino en Océanos. Cinco años de rodaje han sido necesarios para elaborar esta cinta que ha costado 50 millones de dólares, lo que le convierte en el documental más caro hasta la fecha. El propio Jacques Perrin es el narrador en la versión original, y aparece en la pantalla con su hijo, el jovencísimo Lancelot, que está descubriendo qué son los océanos. Se suceden imágenes de numerosas especies submarinas: delfines, pingüinos, tortugas, etc. Rodadas con las tecnologías más punteras, algunos momentos impresionantes se quedarán en el recuerdo del espectador, como las bandadas de pájaros que se lanzan en picado al agua para atrapar su comida, el carrito del supermercado que contamina, y convive con las especies marinas, y sobre todo el esfuerzo de las crías de tortugas para llegar al mar antes de ser pescadas. La batalla entre dos numerosos ejércitos de cangrejos llega al nivel de espectacularidad de las contiendas de El Señor de los Anillos. Perrin aprovecha para lanzar un mensaje ecológico en torno a la necesidad de preservar las especies naturales. No necesita lanzar un discurso extenso sobre ese tema, pues sus imágenes son lo suficientemente expresivas. Las acompaña una inspirada música de Bruno Coulais, prestigioso compositor de la partitura de la citada Los chicos del coro. 

Ann es una mujer madura que decide dar un giro radical a su vida cuando comprueba que Thomas, su pareja, le engaña con otra mujer. Ella es compositora de piano y concertista y vive en un lujoso piso, pero decide venderlo todo, cancelar sus cuentas, tirar sus teléfonos y marcharse lejos. Desaparecer en una palabra. Tan sólo mantendrá el contacto con un viejo amigo al que ha vuelto a ver por casualidad. El director Benoît Jacquot vuelve a colaborar con la actriz Isabelle Huppert (Borrachera de poder) en este film bastante soporífero, basado en una novela de Pascal Quignard. " Si quisiéramos resumir la historia –dice Huppert– podríamos decir que el personaje y la película exploran un fantasma universal y bastante simple. ¿Quién no ha soñado con levar anclas, soltar amarras? ¿Convertirse en otro? ¿Cambiar de vida?". Con gran parsimonia vemos los cambios de rutina de la protagonista y los preparativos para su nueva existencia. Pero lo malo es que todo lo que acontece es casi nada y la sola idea de cambiar, de convertirse en otra persona y dejar el pasado atrás, acaba por aburrir. Cine casi minimalista, de una llamativa austeridad en acciones y diálogos, con muchos tiempos de silencio, y donde lo mejor, además de algunos bellísimos encuadres mediterráneos, es el trabajo siempre convincente de la gran Huppert. Lástima que interese bien poco lo que se cuenta. De fondo, queda el triste retrato de unos cuantos personajes solitarios que buscan la felicidad y el afecto, y que sienten un poco como sus vidas carecen de sentido.

Tras algún que otro título de limitado interés, Henry Selick –director de Pesadilla antes de Navidad– recupera la forma con esta vigorosa adaptación de la novela infantil de Neil Gaiman, escritor inglés bien conocido por los apasionados del cómic por haber sido el guionista de ‘Sandman’. El propio Selick ha adaptado el guión, un cuento gótico y de toque siniestro, aunque está claramente dirigido al público infantil. La protagonista se llama Coraline Jones en honor a Carolyn Jones, la actriz que interpretaba a Morticia en la serie La familia Addams. Coraline es un niña que se muda a una mansión gigantesca y centenaria, porque sus padres buscan tranquilidad para poder trabajar, tecleando todo el día en el ordenador. Como éstos apenas tienen tiempo para prestarle atención, Coraline explora las diferentes estancias de la casa, hasta que encuentra una puerta cerrada, que no se sabe adónde conduce. Cuando consigue atravesarla, llega a través de un pasadizo a una casa similar a la suya, donde se encuentra con su ‘otra madre’ y su ‘otro padre’. Éstos son exactamente iguales a sus verdaderos progenitores, pero tienen botones cosidos en lugar de ojos, y la tratan mucho mejor, se desviven por ella, y la agasajan con comida deliciosa y juguetes increíbles. Todo parece mucho mejor en esa realidad alternativa, hasta que Coraline empieza a sospechar que no es oro todo lo que reluce, porque su ‘otra madre’ quiere cambiarle los ojos por botones cosidos... Selick ha usado la misma técnica artesanal –stop-motion, o sea, animación fotograma a fotograma– que usa siempre, con resultados apabullantes, ya que sus muñecos animados parecen tener vida propia y la animación sólo se puede definir de excepcional. El film pasa por ser el primero rodado en stop-motion en alta definición y 3D, si bien también se exhibe de forma convencional. La historia atrapa desde el principio, porque dosifica los detalles de la trama, creando mucha intriga. Además, su ambientación oscura es muy sugerente, y contiene algunas secuencias musicales muy bien resueltas, aunque sin el nivel de Pesadilla antes de Navidad, cuya partitura de Danny Elfman parece haber inspirado a la que en esta ocasión compone –con vibrantes resultados– el francés Bruno Coulais, el mismo de Los chicos del coro, pero en un registro siniestro. Y es que Selick ha impuesto un tono un poco tétrico –quizás más recomendable para niños un poco crecidos y adultos–, con imágenes evocadoras que conectan con los miedos infantiles. Lo compensa sobradamente porque su historia es muy positiva en su tratamiento de las relaciones paternofiliales, contiene sobradas dosis de humor, e invita a pensar a los más jóvenes sobre la necesidad de la comunicación en familia, y de aceptar a las personas con sus defectos y buscar sus virtudes. Además, la historia es una metáfora sobre el valor y la superación del miedo.

Oscurísimo thriller policial, dirigido con pulso vibrante por Olivier Marchal, director francés que fue policía antes que cineasta y que se ha especializado en películas de este género, como bien demostró en su anterior film, Asuntos pendientes. En este caso vuelve a echar mano de uno de los grandes del cine de su país, Daniel Auteuil (Conversaciones con mi jardinero), para protagonizar una desasosegante película centrada en los trágicos acontecimientos que rodean la vida de un policía de Marsella. Schneider es un hombre roto, desecho. El motivo es el horrible accidente de tráfico que han sufrido su mujer y su hija, como consecuencia del cual su esposa ha quedado en estado semivegetativo y la pequeña ha muerto. Schneider (como siempre, formidable Daniel Auteuil) es uno de los más cualificados policías del departamento, pero ahora su continuo estado de embriaguez le está cosechando demasiados enemigos en la policía, hasta el punto de obligar a los de asuntos internos a apartarle del truculento caso que estaba llevando: los sangrientos crímenes sexuales de un asesino en serie. Por otro lado, la joven Justine, traumada por el asesinato de sus padres cuando ella era una niña, entra en un estado de ansiedad cuando le anuncian que el asesino de su familia está a punto de salir de la cárcel por buena conducta. Lo primero que llama la atención en esta película es la sordidez de la historia y, digamos, la 'seriedad' elegida para contarla. No hay concesiones de ningún tipo, de modo que todos los personajes parecen llevar una careta facial que expresa los sufrimientos, problemas y tristezas de su vida. Hay violencia y sobre todo mucha ausencia de amor, y tanto la quemada y contrastada fotografía como la puesta en escena realzan aún más el desasosiego general con unos escenarios cochambrosos, casi 'underground', donde las dependencias policiales no se diferencian en nada a cárceles insanas, a sótanos repugnantes. En realidad, Marchal ofrece una visión terrible de la sociedad, donde apenas hay diferencia entre policías y delincuentes, donde el mal campea a sus anchas por doquier. Pero, sobre todo, carga demasiado la mano en el pesimismo de fondo, en la desoladora falta de esperanza de la historia, cosa que no puede ocultar el efectista resquicio de luz final. Y es que Marchal deja demasiado claro que en este mundo no hay justicia ni redención posible, como si el pecado lo ocupara todo. La imagen del crucifijo ensangrentado es más que elocuente.

Brendan, un aprendiz de monje de tan sólo 12 años, vive en la abadía irlandesa de Kells, que gobierna su tío, el abad Cellach. Es el siglo IX, y están construyendo una muralla alrededor del monasterio por temor a los peligros exteriores, personificados en el pagano Crom Cruach, que siembra el terror en la zona con los ataques de sus hombres. La llegada al lugar del hermano Aldan, que custodia el legendario libro de Iona, estimula la imaginación de Brendan y su deseo de conocer el bosque, fuera del monasterio, donde acaba trabando amistad con Aisling, una jovencita espíritu del bosque. Original película de animación que logró ser nominada al Oscar, toda una hazaña ante la fuerte competencia de Disney, Pixar, DreamWorks, Ghibli y Blue Sky. De hecho, se trata del primer film de dibujos de Cartoon Saloon, compañía cofundada por el codirector Tomm Moore. La trama es muy clásica y arquetípica, la del chico que ha vivido sobreprotegido toda su vida, y que tiene deseos de conocer el mundo. Lo novedoso es el marco de la historia, el folklore irlandés donde no faltan las hadas, junto a detalles históricos de los monasterios medievales y el famoso y precioso libro de Iona, confeccionado en honor a San Columbo. Y sobre todo, el diseño visual, muy original, inspirado en los libros miniados, lleno de colorido, con un inteligente uso de la bidimensionalidad. Hay pasajes especialmente logrados, singularmente el despiadado ataque de los vikingos, elíptico en la violencia, y con momentos muy poéticos; el hecho de que tiene lugar en invierno, da pie a imágenes que se dirían inspiradas en "Paisaje de invierno con patinadores" de Pieter Brueghel el Viejo. La hermosa partitura de Bruno Coulais da más belleza aún al conjunto. No hay pretensión de realismo en los fondos, menos todavía en las escenas de sueños, sino que de alguna forma se sugieren mundos oníricos, de un modo imaginativo, no en balde, la llamada a no ahogar la imaginación es uno de los temas importantes de esta atractiva película. Otra cuestión principal en la historia es el miedo como sentimiento paralizante, capaz de dar al traste con los acciones positivas a que está llamado todo ser humano.

Película inspirada en la misiones del SOE, una organización británica que operó durante la Segunda Guerra Mundial, y que quiere rendir homenaje a las mujeres que jugaron un papel activo en sus actividades. No es novedoso el enfoque, piénsese en títulos como Charlotte Gray. La cosa arranca cuando Louise es requerida por su hermano Pierre para realizar una misión en la Francia ocupada. Aunque ella perdió a su marido en una reciente operación, acepta el nuevo encargo, rescatar a un británico en manos de los alemanes, que conoce detalles del próximo desembarco en Normandía. Reclutará para tan peligrosa acción a otras tres mujeres: una de “vida alegre” y otra que fue novia de un oficial nazi, para que actúen en un espectáculo para los soldados en el hospital donde se encuentra el prisionero; y una tercera que aparenta ser una piadosa cristiana, aunque pronto se va a demostrar que “la carne es flaca”... La filmografía del francés Jean-Paul Salomé (La máscara del faraón, Arsène Lupin) se caracteriza porque dirigirse al gran público, con historias entretenidas, sin demasiadas pretensiones. Aquí quiere esforzarse un poco más en definir a los personajes y sus conflictos, pero tal meta le va grande. Así, el film se puede contemplar como un folletín de espías como hemos visto mil, no pensar demasiado, y disfrutar en lo que se pueda. Pero necesario es advertir que el plan de rescate resulta bastante inverosímil, y lo mismo pasa con el reencuentro del nazi con su novia, bastante disparatado. A lo que se suman algunas secuencias agotadoras de interrogatorios con tortura y vejaciones de los personajes, y la puesta en escena de un suicidio que da vergüenza ajena.

Agradable comedia típicamente francesa, con diálogos y situaciónes cotidianas, frescas y tragicómicas. La historia se centra en Claude Mendelbaum, un científico tímido, que vive presa de la hipocondria y de su poco atractivo. Además acaba de terminar la relación con su novia y se siente perdido. Las cosas cambiarán cuando conozca a Serge, un tipo que representa todo lo opuesto a él. La compenetración entre ambos será fantástica y Claude se propondrá conquistar a una mujer. Destaca el actor Gérard Depardieu.

Thriller a la francesa, protagonizada por el matrimonio en la vida real de los actores Vincent Cassel y Monica Bellucci. Sigue una operación del servicio secreto francés, en la que los agentes descubren la traición de sus propios jefes. El film tiene cierto interés, aunque su ritmo se acerca peligrosamente en algunos momentos a lo plúmbeo. Asegura el director que su modelo han sido las pelis de espías americanas de los 70, del estilo de Los tres días del cóndor y Marathon Man, pero se queda lejos de la altura de esos títulos.

Documental de los creadores de Microcosmos, concebido a lo largo de 6 años. Un cuentacuentos africano, usando el lenguaje de los mitos, explica a su manera el origen del mundo. Subyugantes música y fotografía.

Año 1949. Clément Matthieu, un profesor de música con dificultades para encontrar trabajo, es contratado en un internado de chicos difíciles, donde mano dura y disciplina son las únicas consignas educativas del director Rachin. El recién llegado, un alma sensible imbuido de buena pedagogía, pondrá todo su empeño en ganarse la confianza de los chavales. No permitirá, desde luego, que le tomen el pelo. Pero procurará inculcarles lecciones de tono humano y lealtad, de no ponerles en evidencia innecesariamente, que poco a poco irán calando en ellos. También ayudará, y mucho, su empeño por formar un coro, lo que a los chicos les hará descubrir la belleza de la música, y por extensión, la del mundo que les aguarda más allá de los muros de su escuela. Para dirigir su primer largometraje, el francés Christophe Barratier se ha inspirado en "La cage aux rossignols" –o sea, 'la jaula de los ruiseñores'– de Jean Dréville, un título de 1945 que marcó su infancia. De hecho, la historia toma elementos autobiográficos, pues el director sufrió el divorcio de sus padres, y fue enviado a un internado; y es guitarrista clásico, una formación que recibió en la École Normal de Musique de París. Y el caso es que Barratier entrega un film que reconforta, acerca de la capacidad del ser humano para sobreponerse a las circunstancias más difíciles, siempre que se cuente con una mano amiga capaz de guiarte, en este caso la del entregado profesor Matthieu. Barratier y el coguionista Philippe Lopes-Curval se las arreglan para no ser maniqueos, y saben retratar a un Rachin con matices, convencido inicialmente de que los chavales son incorregibles, pero que también siente la influencia positiva de Matthieu. Ninguno de los chavales es perfecto, el director sabe mostrar los puntos que les hacen sufrir (la visita que nunca se produce de los padres, las dudas sobre el maestro que podría pretender a la madre viuda de buen ver...), y describe el caso de uno concreto, hundido casi sin remedio en un cenagal de brutalidad y delincuencia. Papel estelar en el film juega sin duda la música de Bruno Coulais, sencillamente fascinante. Los temas de la película están grabados por los Petits Chanteurs de Saint Marc en Lyon, y de hecho el solista y actor principal entre los críos, Jean-Baptiste Maunier, es uno de los chicos de ese coro. Una de las canciones, "Vois sur ton chemin", logró estar nominada al Oscar.

Nuevo documental de Jacques Perrin, que produjo Microcosmos, sobre insectos. Esta vez se centra en los largos viajes de las aves migratorias. Perrin y los otros codirectores logran espectaculares imágenes, mediante técnicas de lo más imaginativas. Se diseñaron seis tipos de cámaras especiales, para poder rodar desde aviones en el aire, y se habituó a diversas aves desde su nacimiento a convivir con ellas. Fue nominado al Oscar y al Goya al mejor documental.

En el París prerrevolucionario de 1830 se encadena un triple asesinato. Pura rutina para Vidoq, el más afamado detective de Francia, si no fuera por la alta posición de las víctimas y la extraña forma en que se producen sus muertes. Cuando está a punto de atrapar al asesino, Vidocq pierde la vida en el intento. Mientras la ciudad llora tan gran pérdida, su mayor admirador, el periodista Etienne Boisset, trata de reconstruir sus últimos pasos. Así monta un puzzle de depravación inconcebible, tras el cual está el Alquimista, personaje legendario que cobra monstruosa realidad gracias a la sangre de jóvenes vírgenes. La primera escena ya avisa de emociones fuertes: lucha espectacular entre un enmascarado y su perseguidor. Aún no sabemos nada, aunque reconocemos a Gérard Depardieu, a la sazón Vidocq, antes de ser tragado por las llamas de un gigantesco horno… ¿Acaso no lo veremos más? Pitof no nos roba ese placer. Al contrario, nos lo devuelve una y otra vez con un conjunto de flashbacks, en una trama de muchos matices que va subiendo en intensidad. Ya inoculado en el espectador la intriga maquiavélica, no hay marcha atrás, la fuerza del film nos arrastra por truculentas vidas, por burdeles y fumaderos de opio, por las calles lúgubres de un París “fantástico”, enfatizado todo con el uso de la tecnología digital. Así, una acción trepidante, llena de ritmo entre pasado y presente, salpicada de contrapicados, cenitales, planos subjetivos, finísimo estilismo, claroscuros y demás brujerías fruto del alto conocimiento de las nuevas técnicas de Pitof, se pone al servicio de la historia para dejar boquiabierto al más pintado. Puesta en escena brillante que no oculta, sin embargo, una estructura narrativa lineal pensada para los más despistados, lo cual no quiere decir exenta de sorpresas. Por lo demás, el reparto cumple con lo encomendado en la función, destacándose, por inhabitual, una Inés Sastre de exótica oriental de pega.

Durante unas obras de remodelación en el museo del Louvre, Glenda, una empleada del museo, encuentra en el almacén un viejo sarcófago olvidado, que contiene una momia. Mientras la joven investiga su procedencia, una criatura fantasmagórica llamada Belphégor, comienza a pasearse por las noches por la zona de egiptología, para desgracia de los guardias de seguridad. Un viejo inspector de policía intenta desentrañar el misterio. A pesar de su título, no se trata de una imitación de La momia, estilo La sombra del faraón, sino de la adaptación de un serial de Arthur Bernède, que fue publicado por entregas en los años 20. Este texto originó en la década de los 60 una serie televisiva mítica en Francia. Junto a Sophie Marceau destaca la presencia de Julie Christie, la veterana protagonista de Doctor Zhivago.

Dos investigaciones, aparentemente inconexas, han sido asignadas a dos sabuesos policías. Por un lado tenemos al veterano Pierre, perro viejo en las lides detectivescas, que investiga un violento asesinato ocurrido en una elitista universidad situada en plenos Alpes. Luego tenemos al joven Max, ladrón de coches reciclado en poli intuitivo y amante de las situaciones de riesgo. La profanación de un cementerio, y en concreto de la tumba de un niño desaparecido hace veinte años, es el caso que le ocupa. Las pesquisas de ambos en lugares distantes más de 300 kilómetros les van a encaminar en la misma dirección. ¿Quién dijo que el cine francés es sinónimo de intimismo y largas parrafadas? Los ríos de color púrpura del nuevo cachorro del cine francés Mathieu Kassovitz (El odio) se enmarca de lleno en el thriller de acción, siguiendo la estela de directores galos imaginativos como Jean-Pierre Jeunet o Luc Besson. El film, adaptación de una novela de Jean-Christophe Grangé, reflexiona acerca de la teoría del superhombre de Nietzsche, seguida por los dirigentes de una universidad muy exclusiva a imagen y semejanza de los nazis.

Particular odisea de una mujer estadounidense que se adentra en medio del polvorín del conflicto yugoslavo en busca de su marido, un fotógrafo que ha sido dado por muerto. 1991. Harrison es un reportero de guerra de la revista Newsweek. Su buen hacer le ha valido la fama, pero él está cansado de presenciar tantas muertes y desea retirarse, estar más con su familia y dedicarse a su verdadera pasión: el cuidado de las flores. Antes de su retiro deberá viajar a Yugoslavia para cubrir “los inicios de un conflicto menor”. Harrison promete a su mujer que estará de vuelta para el cumpleaños de su hijo, pero llega la fecha y no regresa. Al poco tiempo es dado por muerto. Sin embargo, su mujer, Sarah, no lo tiene nada claro, y decide viajar a los Balcanes para traérselo de vuelta. Su objetivo es llegar a Osijek, el pueblo donde Harrison desapareció. Chouraqui divide la película en dos partes bien diferenciadas, una de ellas ambientada en América, donde muestra la vida familiar del matrimonio, la relación de Harrison con sus colegas y la posterior incertidumbre de su desaparición. Cuando parece estancarse la narración, ésta da un giro inesperado y nos muestra la escalofriante odisea de un grupo de reporteros en plena guerra civil. Elie Chouraqui no tiene compasión a la hora de mostrar escenas de brutal violencia, con una fascinante puesta en escena que alcanza cotas de gran realismo y es capaz de helar la sangre al espectador (aviso: el asesinato de los niños en Vukovar no es apto para pieles sensibles). A todo este atroz conjunto ayuda la soberbia interpretación de Andie MacDowell, quizá en el mejor papel de su carrera. Las flores de Harrison obtuvo la Concha a la Mejor Fotografía en el Festival de San Sebastián y fue galardonada con el Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC).

Antoine está a punto de casarse con Severine, pero entonces descubre que por quien realmente se siente atraído es por la madre de ella. Ésta le corresponde, y aunque intentan ocultar su amor, todo el mundo se acaba enterando. Ambos acaban viajando juntos a Las Bahamas. Fallida comedia romántica francesa basada en una novela de Jean-Marie Duprez. A pesar de su buen hacer, Catherine Deneuve y Vincent Lindon son incapaces de remontar un guión disparatado, poco imaginativo.

Tinle, el anciano más prominente de una aldea de Nepal, recibe la noticia de que su hijo mayor, el jefe del pueblo, ha fallecido. Además del dolor, esta pérdida es importante ahora que ha de tener lugar la caravana de yaks, que lleva la sal para intercambiarla víveres con otros pueblos. Tinle es el encargado de la elección del sucesor del jefe de la caravana. Precioso film, nominado al Oscar a la mejor película extranjera en 2000, con una fotografía deslumbrante y una visión entrañable y excelsa de la dignidad humana.

Adaptación de la obra de Molière, basada en el personaje mítico de don Juan Tenorio. Jacques Weber no sólo firma el guión y dirige, sino que se reserva el papel protagonista. Las pocas veces que se ha puesto tras la cámara dan idea de que el proyecto le era muy querido. El resultado es desigual. Se aprovecha que la acción transcurre junto a la costa, para ofrecer una hermosa fotografía, responsabilidad de José Luis Alcaine. La idea, que es fiel al original, es mostrar al célebre seductor que no teme ni a Dios ni al diablo, en sus diversas conquistas, asistido por su criado. El que Weber ya tenga cierta edad frente a las hermosas mujeres que son objeto de su atención sirve para subrayar la larga vida de libertino de su personaje, su limitada visión de la vida, que le ha llevado a dedicar toda su vida a la satisfacción de su placeres.

Documental con el que los realizadores Claude Nuridsany y Marie Pérennou tuvieron la curiosa idea de filmar el micromundo de los insectos, con la ayuda de las más avanzadas tecnologías de robótica y óptica, por lo que el espectador parece sumergirse en este pequeño mundo, totalmente desconocido. Durante un día y una noche de verano, los responsables de la cinta filmaron una simple pradera. Este tiempo equivale prácticamente a una estación para los insecto, cuya vida puede ser de varias semanas.

Nueva desmitificación del mito de Casanova (aunque nada que ver con el tono crepuscular y barroco del film de Fellini), según un guión de Jean-Claude Carrière que adapta una novela de Arthur Schnitzler. Para ello, nada mejor que contar con el protagonismo de otro galán venido a menos como Alain Delon, cuya presencia en pantalla fue veneno para la taquilla durante los años 90, después de haber sido el actor favorito del público. El film mantiene un tono distendido y eficaz en cuanto a sus decorados y vestuario. Un Casanova de mediana edad vaga errante y sin dinero por las tierras de Francia hasta que las autoridades italianas le den permiso para regresar a su hogar veneciano. Un día encuentra a un viejo amigo que le invita a su casa, pero una vez allí Casanova descubre que la mujer de su amigo fue una de sus numerosas conquistas.

Tres hermanas se reúnen todos los domingos: Suzanne, que apenas soporta a su marido; Germaine, soltera, que vive en un asilo de ancianos; y Armande, quien vive tranquilamente junto a su marido. Durante el día de los Reyes Magos se reunirán de nuevo y harán varios planes: ir al cementerio, desayunar en un restaurante chino... y visitar a su cuarta hermana, Marie-Louise. Discreta comedia costumbrista francesa, que cuenta con un buen trabajo de las actrices principales.