Manuela Vellés

Alicia regresa a la casa de su madre, la posesiva Victoria, en coma profundo, que sobrevive porque está conectada a una máquina. Hasta ahora estaba bajo los cuidados de Sara, su otra hija, y de una enfermera que acude por las noches. La recién llegada está acompañada por su familia, compuesta por Mikel, su marido, y por la pequeña hija, Nora, que comienza a sentir una fascinación insana por la anciana enferma. Puesta de largo del catalán Denis Rovira van Boekholt, cuyos tres cortos anteriores, Ángel, Lazarus Taxon y El grifo han tenido una buena acogida en el circuito de festivales especializados. Él mismo ha coescrito el guión, con Daniel Rissech y Michel Gaztambide, ganador del Goya por No habrá paz para los malvados, que adapta una novela del británico Ramsey Campbell, al que curiosamente sólo se adapta en España, pues sus obras habían dado lugar hasta ahora únicamente a dos largometrajes patrios, Los sin nombre, de Jaume Balagueró, y El segundo nombre, de Paco Plaza. No le falta talento al emergente realizador, que aprovecha la iluminación natural grisácea de las localizaciones asturianas en las que ha rodado para componer una atmósfera sugerente. Consigue también un arranque prometedor, al centrarse en describir las relaciones familiares de los personajes, todo indica que pretende construir un film cocinado a fuego lento al estilo de Hereditary, con imágenes turbias que recuerdan al cine de Guillermo del Toro. Por desgracia, no consigue dar entidad a los personajes, pese a los esfuerzos del reparto, principalmente de la siempre admirable Manuela Vellés (Alicia), y Maggie Civantos (Sara), mientras que la niña, Claudia Placer, da la talla. Por el contrario, poco pueden hacer Emma Suárez (la madre) bajo una espesa capa de maquillaje, y el insulso Alain Hernández, en la piel de un marido que no tiene ninguna hondura. El desastre absoluto sobreviene cuando arranca el tercer acto, una sucesión de gritos, sustos para impresionar a adolescentes, y cuchilladas incoherentes que llegan a provocar carcajadas involuntarias; el film resulta únicamente recomendable para incondicionales del género.

El bombero Marcos, viudo que cuida de Lola, su pequeña hija, está de baja tras un acontecimiento traumático, que le ha producido la incapacidad de reconocer sus emociones. Cuando miente asegurando que el doctor le ha permitido volver al servicio, no logra evitar que un muchacho se suicide, así que como consecuencia acaba pasando una temporada en un psiquiátrico. Allí llama la atención de la psicóloga Luna, que poco a poco pone en duda el tratamiento que recibe por parte del Dr. Durán. Ibon Cormenzana tiene detrás una brillante carrera como productor, con títulos como Blancanieves, de Pablo Berger, o la interesante cinta reciente Viaje al cuarto de una madre, a través de su compañía, Arcadia, pero no firmaba como director desde el fallido entretenimiento familiar Los Totenwackers, de 2007. Su nuevo trabajo supone el primer largometraje español de Rakuten TV, plataforma digital creada en España, pero que pertenece ahora a la potente web japonesa de ventas. Técnicamente impecable, resulta llamativa la calidad de la música de Lucas Vidal (que ha llegado a trabajar en Hollywood con Fast & Furious 6). No se quedan atrás los actores, bien elegidos, sobre todo Manuela Vellés y la niña Claudia Placer, que ya despuntó en Verónica, o los más episódicos Carlos Bardem o Andrés Gertrúdix. Como protagonista, Roberto Álamo convence y hasta emociona en un papel complicado, pero resulta llamativo su problema de dicción, no se entiende lo que está diciendo en algún momento clave. Atrapa en su arranque, pues parte de una idea con muchas posibilidades, ¿cómo puede desenvolverse en su trabajo o en sus relaciones personales alguien incapaz de empatizar? Pero sobre todo engancha la relación del personaje con su hija, lo más interesante de la cinta. Por desgracia, deriva hacia un relato de sanatorio mental, y de ahí a una especie de thriller, punto en el que fracasa por completo por culpa de un guión inverosímil, lleno de agujeros, que hasta da por supuesto que el espectador es español, conoce de sobra qué es el 11M, y reconoce visualmente la estación de Atocha. Por suerte, tiene una secuencia final estupenda, en la que el realizador vuelve a dar con el tono, recuperando el tema de la paternidad, del que no debía haberse alejado ni por un momento. Con sus pequeños errores, se trata de un drama intimista no exento de interés.

Irlanda. El profesor Samuel Salomon vive un buen momento, tras la publicación de una novela está de moda en el campus universitario. Pero la estudiante con la que mantiene un idilio no soporta que lo mantenga en secreto, se siente un entretenimiento pasajero, por lo que acaba suicidándose cortándose las venas en el baño. Mientras intenta superar el trauma, comienza a soñar con otra mujer que también muere de forma violenta, esta vez en una vieja mansión como parte de lo que parece un sacrificio ritual. Para su sorpresa, descubre que la televisión da como noticia ese mismo suceso. Nuevo trabajo en inglés del especialista en terror Jaume Balagueró, al que siempre se le han dado mejor los filmes en español. Quien haya seguido su filmografía estará de acuerdo en que Los sin nombre, Para entrar a vivir y [Rec] superan con creces a Darkness y Frágiles, quizás correctos, no es que ruede mal en la lengua de Shakespeare, pero menos espontáneos y frescos. Lo vuelve a intentar con una adaptación de la novela “La dama número 13”, de José Carlos Somoza, donde ha ejercido como coautor de un guión que curiosamente cambia la localización española por Dublín. Las musas nunca dejan de lado al barcelonés, por lo que crea una tenebrosa ambientación, imprime el ritmo adecuado y logra que cumpla el reparto, que combina a estrellas del cine español (Leonor Watling y Manuela Vellés en roles muy secundarios), con internacionales (Joanne Whalley, el mismísimo Christopher Lloyd, doctor de Regreso al futuro, y Franka Potente, que le ha cogido gustillo al género tras el miedo que daba en Expediente Warren: El caso Enfield). Sólo resulta un poco dudosa la elección de Elliot Cowan, actor aceptable, conocido sobre todo por la serie Da Vinci’s Demons, pero al que le falta carisma para interpretar al protagonista. Se baraja una idea central interesante, ¿y si las musas que según la mitología griega inspiran a los escritores tuvieran en realidad oscuras intenciones? Por desgracia, no aprovecha las posibilidades del planteamiento. La trama arranca bastante bien, pero no acaba de estar bien construida, y algunos derroteros del relato no llevan a ningún sitio. Pero sobre todo, acaba matándola su exceso de convencionalismo –todo suena ya a mil veces visto– y la escasa identificación que logran sus personajes con el público. Contra todo pronóstico, en el duelo post saga de los zombies catalanes, sale vencedor Paco Plaza, cuya Verónica funciona mejor que esta película.

Los años de la Segunda Guerra Mundial. Aunque España se mantiene neutral, una mina de wolframio en Galicia, donde trabajan presos políticos entre otros, provee del preciado mineral a la Alemania nazi, lo que trae pingües beneficios a la zona. Pero dos hermanas muy distintas, Manuela y Candela, tomarán conciencia de que el wolframio sirve para construir armas, y respaldarán los intentos de una resistencia extranjera clandestina de sabotear la explotación minera. Intento hispano de contar una historia al estilo de las de la Francia ocupada en la Segunda Guerra Mundial,a cargo del debutante en el largo Simón Casal. Está inspirada vagamente en hechos reales. Pero no lo parece. Acumula tópicos, entrega personajes estereotipados, no logra ocultar un presupuesto justito, y resulta poco creíble en muchas de las situaciones planteadas y en su historicidad. Una lástima, pues podía ser un producto digno, aparte de que el paraje natural donde se ha rodado es impresionante. Ni la Manuela medio meiga y Matahari aficionada, ni la Candela protectora de judíos –a pesar de que "el cura dice que son los que mataron a Jesús"–, convencen, a pesar los esfuerzos de Marián Álvarez y Manuela Vellés. Y se yerra el tiro al mostrar una España asimilada a la Francia ocupada por los nazis, donde se supone que están cazando judíos, como Pedro por su casa, y en que se podría extraer la falsa conclusión de que el franquismo los entregaba a los alemanes.

Adaptación de "Bodas de sangre" de Federico García Lorca, escrita originalmente para la escena en 1932, plantea con pasión el desgarro del amor, cuando se ve dominado por el deseo y las dudas. La trama es sencilla, dos novios se disponen a casarse en un pueblo innombrado, aunque han existido tensiones entre las familias, el tirón de la tierra y la sangre, lo que también ha afectado para que ella no haya seguido los dictados de su corazón, que la inclinaban hacia Leonardo. Pero el día de la boda, los disimulos y apariencias estallan, la incapacidad para el compromiso se impone, y con ello la tragedia. La zaragozana Paula Ortiz es sin duda una gran admiradora de la obra de Lorca, y además presta atención primordial a la belleza de los planos, un gusto esteticista que ya demostró en su debut, De tu ventana a la mía. Aquí ha concedido gran importancia al entorno, el paisaje, hasta el punto de no conformarse con rodar en los yermos de los Monegros, sino que también ha querido utilizar las caprichosas montañas de la Capadocia turca. Además, jugando con la metáfora de la artesanía cristalera, plantea simbolismos de realidad deformante y cortante como un cuchillo. De todos modos algo hay de artificioso en el conjunto que no acaba de funcionar. Tal vez la decisión de usar la literalidad del texto de Lorca, o la demora en los juegos amorosos y escenas íntimas, quizá algunas reacciones histéricas con la tragedia que se masca. Están además mejor los actores veteranos en sus papeles secundarios que los muy populares gracias sobre todo a la televisión Inma Cuesta, Álex García y Asier Etxeandia.

Alberto Márquez y Ana Ribera se han querido desde niños, pero las barreras sociales les separan. Él es el hijo mayor de Rafael, dueño de las madrileñas galerías Velvet de alta costura, y destinado a continuar el negocio familiar. Ella, huérfana, vive con su tío Emilio, jefe de dependientas, y se ha convertido en modista. Tras años sin verse porque Alberto fue enviado a Londres a estudiar, con idea de que olvidara a Ana, su regreso en 1958 para la presentación de la colección de la nueva temporada reavivará la llama del amor. Ramón Campos, Gema R. Neira y Teresa Fernández Valdés entregan una serie cortada -nunca mejor dicho, en una serie sobre el mundo de la moda- por el mismo patrón que Gran Hotel. Situadas ambas series en épocas parecidas, y con aire folletinesco asumidamente popular, presentan las diferencias de clase capaces de imposibilitar un amor -aunque aquí ella la de más baja extracción social-, un negocio familiar con dificultades económicas, un estilo glamouroso, personajes de rasgos semejantes, y algunos secretos familiares con muertes incluidas, que añaden algo de intriga. En cualquier caso la fórmula en su arranque funciona. Velvet supone un importante esfuerzo de producción, y el primer episodio tiene una estructura narrativa con flash-backs bien trabado, aunque se abusa de la partitura musical, y un recrearse excesivo en algunas escenas que parecen mirarse el ombligo. El reparto es excelente, tanto en lo relativo a los veteranos -José Sacristán, Aitana Sánchez-Gijón, Tito Valverde- como en los jóvenes -Miguel Ángel Silvestre, Paula Echevarría, Cecilia Freire-, en los principales como en los secundarios, e incluso en la figuración.

Tras una exitosa carrera como cortometrajista, pues ganó diversos premios en festivales como el Cinema Jove, el vigués Alejandro Marzoa salta al largo con la comedia dramática Somos gente honrada. Él mismo se ha encargado de escribir el guión con Miguel Ángel Blanca, colaborador de sus cuatro cortos –ambos forman también parte del conjunto musical Manos de topo–, y Juan Cruz, el codirector de Tapas. Somos gente honrada tiene como protagonistas a Suso y Manuel, dos padres de familia cincuentones, amiguetes de toda la vida, que atraviesan una difícil situación económica. Durante una de sus habituales jornadas de pesca, encuentran casualmente un paquete que contiene diez kilos de cocaína. Si lo venden sacarán una cantidad de dinero que solucionará sobradamente sus problemas, pero no saben nada de narcotráfico. Recurren a Luis, yerno de Manuel, policía con los contactos adecuados... Marzoa se revela como un prometedor cineasta con cosas que contar, pues Somos gente honrada gira en torno a la importancia de las relaciones familiares y de amistad, que sobreviven a los desencuentros y las decisiones equivocadas que se toman en la vida. El film –que recuerda en algunos puntos, sobre todo en su enfoque de la corrupción, a la serie Breaking Bad– funciona sobre todo porque los personajes resultan cercanos y humanos. A Marzoa se le puede achacar cierta falta de ambición, pues todo acaba resultando excesivamente sencillo y predecible. Gran labor del reparto encabezado por Paco Tous (Suso) y Miguel de Lira (Manuel), que componen a dos tipos sencillos reconocibles en la actual sociedad española. Mientras que Unax Ugalde –el agente de la ley– cumple, saben a poco los trabajos de Manuela Vellés y la poco conocida pero impresionante profesional Marisol Membrillo, veterana secundaria de series como Cuéntame cómo pasó.

Javier Fesser apadrina un film colectivo de cuatro diferentes realizadores hasta ahora cortometrajistas o poco experimentados en el terreno del largometraje. Han rodado otras tantos segmentos con varias interconexiones, acompañadas por un prólogo, y un epílogo rodado por el propio Fesser. El nexo de unión de las diferentes historias de Al final todos mueren es la inminente llegada a la Tierra de un meteorito que acabará con la Humanidad. Etéreos, la parte de Javier Fesser, es muy superior al resto. Visualmente impecable, presenta a dos astronautas que desde el espacio se disponen a convertirse en privilegiados testigos del fin del mundo. Absolutamente hilarante, demuestra que al realizador lo que se le da mejor con diferencia son los cortos cómicos. 42 días antes del impacto está dirigido por Javier Botet, actor de físico peculiar con síndrome de Marfan, que ha obtenido un inmenso prestigio en el ámbito del cine de terror, por personajes monstruosos en cintas como [Rec] y Mamá. También interpreta al protagonista, un asesino en serie que dejará escapar a la chica a la que ha secuestrado si supera una curiosa prueba. Dura y desagradable, aunque crea una atmósfera sugerente, tiene poco interés, y acusa un evidente exceso de metraje. En 13 días antes del impacto, Roberto Pérez Toledo, responsable de Seis puntos sobre Emma, cambia el tono radicalmente, pues ha rodado una especie de comedia romántica sobre un grupo de jóvenes, que ante la inmente llegada del apocalipsis se lanzan a declararse a las personas de las que se han sentido durante mucho tiempo profundamente enamoradas. Con algún momento divertido, acaba siendo extremadamente ligero. Dirige 8 días antes del impacto Pablo Vara, autor del desconocido thriller de ciencia ficción DHA: Dos horas antes. Tiene como personajes centrales a los integrantes de un grupo de amigos que se reúnen para cenar por última vez, pero acaban acogiendo a una chica perseguida que porta lo que parecen ser cinco entradas para algún tipo de búnker que puede significar la salvación. Supera el nivel de los otros, sobre todo a nivel interpretativo, porque cuenta con las siempre sorprendentes Manuela Vellés y Macarena Gómez. Aunque se resuelve de forma un tanto fácil, adquiere cierta tensión dramática por el dilema moral al que se enfrentan los protagonistas, que se plantean robar los tickets de la recién llegada. El hasta ahora únicamente cortometrajista David Galán Galindo se encarga de 3 horas antes del impacto, sobre un librero dedicado a los comics que se encuentra con una embarazada. Es el fragmento más original, y a pesar de su ligereza está lleno de hallazgos divertidos y referencias a la cultura popular.

Lucas está muy enamorado de su novia Eimish, con la que lleva viviendo dos años. Pero quizá no acaba de tener claro lo que supone el amor, y tal vez ella tampoco. Un día él vuelve a su apartamento madrileño y encuentra una nota de despedida. Intuye que ha podido irse a Berlín a reencontrarse con un antiguo novio, de modo que sin dudar se lanza a su búsqueda, lo que supone el inicio de un viaje no sólo físico sino al fondo de sí mismo, en el que los seres más allegados a Eimish, a los que no conocía, jugarán un importante papel. Sorprendente película de Ana Rodríguez Rosell, guionista y directora, que entrega algo muy parecido al famoso cine "indie" estadounidense, que tanto gusta a otra mujer cineasta española, Isabel Coixet. Rodríguez Rosell, con ritmo pausado y logrado equilibrio, se las arregla para crear en Buscando a Eimish una atmósfera perfecta de búsqueda de la felicidad, a la que empuja el deseo de amar y ser amados, propio de cualquier persona con los pies en el suelo. Con buen montaje paralelo de las escenas de Lucas y Eimish, incluidos los saltos temporales, todo fluye con gran naturalidad, bien respaldado por un reparto perfecto, brillan Óscar Jaenada y Manuela Vellés, pero también Emma Suárez, Jan Cornet, Carlos Leal, Clara Wurnell y Birol Ünel. Inteligente coproducción hispanoalemana, nada en la trama de Buscando a Eimish suena a artificial o a impostado lo que, obligado es reconocerlo, tiene mucho mérito, pues ideas como el accidente o las numerosas llamadas al móvil, por poner dos ejemplos, podía haber lastrado la narración, cosa que afortunadamente no sucede.

Viriato ha dejado de ser un humilde pastor, tras convertirse en el líder de los rebeldes que se enfrentan a los invasores romanos. Aunque durante el invierno se detienen las batallas, con la llegada de la primavera se deshielan los caminos y los romanos vuelven a la guerra. Segunda entrega de la serie española que recrea libremente la historia real de Viriato.

Primer largometraje del director colombiano establecido en Galicia Luis Avilés Baquero, que hasta ahora había ejercido como asistente de producción en la serie Galicia exprés, dirigió anuncios y videoclips, y fue responsable del corto A Subela, de 2002. Avilés Baquero también figura en los títulos de crédito como coautor del argumento. Álvaro abandonó precipitadamente su localidad natal en Galicia, tras un trágico suceso, y se estableció en Suiza, donde se convirtió en dueño de un taller mecánico. Pero decide regresar a su pueblo, para asistir al entierro de su padre, tras recibir una llamada de su hija Mar, con la que no ha tenido contacto durante todo este tiempo. A pesar de la hostilidad de los vecinos relacionados con su pasado, Álvaro intentará iniciar un acercamiento a su hija, y ayudar a Xosé, su hermano, que atraviesa dificultades. Pero atropella con el coche a una mujer que presumiblemente ya estaba muerta en medio de la carretera, y que ejercía la prostitución en un local que pertenece a la actual pareja de su esposa, la madre de Mar, a la que abandonó. Como le retiran cautelarmente el pasaporte mientras llegan los resultados de la autopsia, y tiene que suspender el viaje de regreso temporalmente, tratará de invertir el tiempo en esclarecer por qué murió la prostituta. El punto de partida tiene posibilidades, y Avilés Baquero logra interesar más a los espectadores con la parte dramática y todo lo referente a la reconciliación familiar que con los elementos de thriller. Ésta resulta a todas luces decepcionante, y el film acaba naufragando. Pese a que cuenta con un reparto muy solvente, que incluye a los todoterreno Emilio Gutiérrez Caba, María Bouzas y Luis Zahera, el cineasta debutante no acaba de sacarles tajada, mientras que la joven Manuela Vellés (Caótica Ana) no logra resultar creíble en ningún momento.

Siglo II antes de Cristo. La Tierra que los romanos llamaron Hispania está poblada por los iberos, gente sencilla, pastores, que viven en armonía. Pero los planes de conquista del imperio alteran su existencia, se produce un baño de sangre, con muertes de los seres queridos y bienes esquilmados. Liderados por Viriato, lucharán por su libertad. Ambiciosa serie televisiva de Antena 3, parece clara la apuesta por las distintas cadenas por vistosas producciones de época, piénsese en la exitosa “Águila roja” con la que “Hispania” tiene bastantes puntos en común. Porque está claro que el rigor histórico no es una preocupación primordial de sus creadores, sino que la cosa está más cerca del puro entretenimiento, una “de romanos” de planteamiento bastante elemental. Es decir, por un lado está la existencia idílica y pastoril de los hispanos, y por otra el afán de expansionismo y poder de los romanos, que quieren esclavizar a los otros. Se produce el inevitable choque, libertad frente a dominio, y entre medias no faltan las subtramas románticas de rigor. Está claro que se pueden sacar defectos: en los nombres de los personajes, que no pueden calificarse de iberos o lusitanos, en algunos modos de expresarse, o en acentos, piénsese en el deje de Juan José Ballesta. O que de momento –con apenas tres capítulos no se puede hacer un juicio definitivo– no hay grandes sorpresas argumentales, y que se juega de modo facilón con la violencia y la sensualidad. Pero se agradece el empeño por tratar de hacer un producto televisivo de calidad. Son un acierto de casting Roberto Enríquez como el protagonista, y Lluís Homar como decadente y morboso villano romano. Por supuesto abundan los rostros “guapines”.

Segundo largometraje de Miguel Ángel Vivas tras el prometedor pero fallido thriller Reflejos. Obtuvo el premio a la mejor película y al mejor director en el Fantastic Film Fest, de Austin, y también se proyectó en Sitges, donde algún crítico señaló que era “la película más bestia” de todo el certamen. El propio Vivas ha coescrito el guión, que recupera los viejos esquemas de Horas desesperadas, Funny Games y otras películas de familia secuestrada por banda de criminales. Jaime y Marta, matrimonio de alto nivel adquisitivo, se mudan con su hija Isabel a una lujosa casa de una urbanización de las afueras. Pero antes de la primera cena en su nueva morada, una banda de brutales criminales de Europa del Este irrumpe en el lugar y los tres son secuestrados con gran violencia. Sus captores quieren que Jaime saque dinero del cajero del banco junto a uno de ellos, mientras sus compinches mantienen retenidos a su mujer y a su hija. El director se luce con esmerados planos secuencia, y crea una enorme tensión a lo largo de todo el metraje. Su historia resulta especialmente terrorífica porque recrea una realidad que constantemente aparece en los medios de comunicación: los violentos robos en residencias de lujo llevados a cabo por bandas organizadas de delincuentes procedentes de las antiguas repúblicas comunistas. Además, Vivas ha elegido muy bien al trío protagonista. Aunque tanto Fernando Cayo, como Ana Wagener realizan un buen trabajo, se luce especialmente la joven Manuela Vellés, cuyo personaje acumula experiencias desagradables, hasta quedar casi en estado de shock. Aunque Vivas mantiene a lo largo del metraje un estilo más sugerente que explícito que le funciona a la perfección, resulta innecesariamente brutal y sangriento al final, quizás porque busca impactar o llamar la atención, lo que ahuyentará del film ael público más sensible, y además, hace que la película pierda fuelle. Aún así, Vivas es un profesional de inmenso talento que dará de qué hablar.

Versión española de la serie británica Life on Mars. Cuenta con el protagonismo del excelente actor Ernesto Alterio, bien acompañado por Manuela Velasco (Rec). La historia se centra en el inspector de policía Samuel Santos, quien un buen día sufre un accidente de tráfico y se ve transportado en el tiempo, hasta el año 1977. En esa situación, se ve degradado en su trabajo pues se encuentra a las órdenes de un jefe despótico y tendrá a su vez que resolver diversos casos criminales, pero usando, claro está, métodos antiguos. Además intentará buscar una explicación a su fantástico viaje al pasado. Sólo una compañera de la comisaría parece creer su historia. La serie, bien dirigida e interpretada, no tuvo el éxito esperado y sólo se mantuvo en antena una temporada, con un total de 8 capítulos. Pese a ello, su calidad está muy por encima de la media de otras series españolas.

Camino, de Javier Fesser, se basa en hecho reales, el caso de Alexia González-Barros, una niña que murió de cáncer con 14 años, educada en una familia cristiana, y actualmente en proceso de beatificación. El guionista y director utiliza la historia auténtica reescribiéndola a su gusto -poca sensibilidad demuestra en tal sentido con los familiares que sobreviven a la pequeña-, para contar el terrible drama de la niña Camino, donde lo más terrible no parece la enfermedad que padece, problemática que se trata de modo más colateral de lo que sería razonable, a pesar de la inclusión de escenas casi gore de las operaciones de columna, sino la religión, presentada como potencial fábrica de personas fanáticas e inhumanas, manipuladora de las conciencias, y forma de insano escapismo. Lo paradójico es que Fesser maneja como alternativa para afrontar el dolor lo que, adoptando su punto de vista, no deja de ser “otro” escapismo, el de la fantasía, escenas oníricas con la familia feliz, en un contexto menos asfixiante, un “cielo” con florecillas, el niño del que se ha enamorado, flechazo instantáneo, ratoncitos que escapan de sus jaulas... Así que, patética conclusión, al final no tenemos nada a que agarrarnos ante el sufrimiento. Film militante y desequilibrado, sostiene que “cada uno se convence de lo que quiere”, ya sea de la religión o de la existencia de un enanito. De ahí el irónico, cruel juego de confusiones, en que unos interpretan como señales de santidad lo que para la niña es un amor infantil. Fesser rechaza la religión, tal “escapismo” no lo aprueba porque lo interpreta, de modo reduccionista, como impuesto desde fuera a machamartillo. Y dirige sus golpes al Opus Dei, “los malos” de la peli. Esta institución católica se (des)dibuja con prolijos y grotescos detalles, cuyo interés argumental es discutible. No hay que olvidar que Fesser proviene del cine de la caricatura y el esperpento, ahí están El sedcleto de la tlompeta, Aquel ritmillo, La gran aventura de Mortadelo y Filemón, El milagro de P. Tinto. Y al abordar un drama basado en la realidad, no evita lo caricaturesco, que chirría ostentosamente. El director se equivoca en la larguísima duración de la película, poco justificable, y no casa con suavidad los pasajes realistas con los oníricos, algo subrayado por la desacertada partitura musical. Fesser debía haberse decantado por el dramón puro y duro o por el formato de cuento, pero quiere nadar entre esas dos aguas y fracasa en el intento. Los actores hacen un trabajo esforzado, pero sus personajes son muy esquemáticos, la madre fanática, el padre “calzonazos”, la hermana “captada” por el Opus Dei, los sacerdotes “funcionarios”... Se salvan las niñas, Nerea Camacho, que interpreta a Camino, y su simpática amiga, de notable desparpajo.

Ana vive con su padre en una cueva en Ibiza. La joven es pintora, y ambos viven con un estilo algo hippy. Justine, una extranjera, advierte el talento de Ana, y le ofrece trasladarse a Madrid, donde apadrina una especie de comuna donde se forman jóvenes artistas. Aunque le cuesta separarse de su progenitor va para allá. Allí conoce a Said, un sarahui muy especial, que estudia cinco carreras nada menos... Y comienza a tener unas extrañas experiencias, que gracias a unas sesiones de hipnosis, se revelan como sucesos vividos en existencias pasadas. El guión se estructura como una cuenta atrás, semejante a la usada en las sesiones de hipnotismo, y la entera narración adopta un tono de que se está abordando algo muy, pero que muy importante. Y la pregunta que surge es: ¿Hay que tomarse en serio la película de Julio Medem? Él parece ponerse muy circunspecto a la hora de hablar de vida y biología, de moléculas y genes que portan la historia de nuestros antepasados, de pueblos que sufren (el sarahui y los nativoamericanos), de guerra y paz... Pero todo ese componente seudomístico, mitológico, esotérico o como se le quiera llamar, traspasa en demasiadas ocasiones la frontera de lo ridículo. Ya decía Chesterton que cuando se deja de creer en Dios, se acaba creyendo en cualquier cosa... Se nos quiere pintar a Ana –que toma el nombre y algunos rasgos de la hermana del director, fallecida en accidente de tráfico– como un espíritu libre, una "diosa" representante de no sé qué eterno femenino. Hay muchos brochazos que al formar parte del espíritu creativo de la comuna, no sabe uno si tomarlos como declaraciones de Medem, o patochadas (con perdón) de los aspirantes a artistas. El film da bandazos (esa definición de la amiga de Ana, de gran 'sutileza' antropológica, de que "los hombres son todos unos violadores, y las mujeres unas putas"), su grandilocuencia pedante resulta excesiva incluso para el espectador más indulgente. La visión del amor es pobre, y la insistencia en el erotismo sigue la estela de Lucía y el sexo. Luego está "la gran cagada" (dicho con ánimo puramente descriptivo, no peyorativo) en la risible puya contra la guerra, de la que, ya se sabe, tienen la culpa los yanquis, faltaría más. De este modo Medem ejecuta una nueva incursión en el terreno político, como hiciera en La pelota vasca, aunque esta vez en el terreno de la ficción. ¿Qué queda al final? Poco más que el envoltorio. Hay un inteligente uso de las cámaras de vídeo de alta definición, utilizada en distintas partes del globo. Medem usa una Sony HD 950 que da una buena calidad de imagen, y que sin duda habrá abaratado el rodaje. Y destaca la desconocida Manuela Vellés, que con su aire risueño e ingenuo ayuda a que la "caótica" Ana sea un poco menos caótica.