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Biografía

Udo Kier

Udo Kier

75 años

Udo Kier

Nació el 14 de Octubre de 1944 en Lindenthal, Cologne, Alemania
Filmografía
The Ark: An Iron Sky Story

2019 | The Ark: An Iron Sky Story

Bacurau

2019 | Bacurau

Una película extraña y con ínfulas de querer decir algo importante, galardonada en Cannes con un Premio del Jurado que compartió con Los miserables. Viene a ser como un violento “Mad Max” de autor a la brasileña. Se sitúa en un futuro próximo y cutre, y la acción transcurre en los alrededores de Bacurau, lugar ignoto de Brasil que no sale en los mapas, donde acaba de fallecer la anciana matriarca Carmelita, lo que ha motivado el regreso al lugar de Teresa. A las honras fúnebres suceden extraños acontecimientos. Un político, alcalde, hace campaña electoral, y ha permitido la llegada al lugar de unos gringos mercenarios, que se cargan a todo el que se les pone por delante. ¿Las razones? ¡Da igual! Son malditos yanquis cerdos capitalistas, a los que les gustan las armas más que a un tonto un chupachups, eso debería bastar al espectador. Si hay niños como víctimas colaterales, pues quizá en alguno surja un escrupulín, pero chiquito, tampoco hay que exagerar. Por supuesto los lugareños se tomarán cumplida venganza. Kleber Mendonça Filho –respaldado en esta ocasión por Juliano Dornelles– sigue la estela de su anterior película Doña Clara (Aquarius) –incluso recurriendo de nuevo a Sonia Braga–, de denuncia de un orden social con el que no comulga acudiendo a la fórmula de la fábula pintoresca, con muchas violencia y algún elemento cercano al realismo mágico, como los drones en forma de platillo volante, o las pastillitas. Parte del cine iberoamericano reciente camina por esta senda logrando filmes muy aplaudidos en festivales, pero que ven muy pocos espectadores, como puede ser la reciente Monos. Incluso la idea de la “mítica” Bacurau hace pensar en Gabriel García Márquez y su Macondo de “Cien años de soledad”. Pero al resultado le falta, y es lo peor que se puede decir en este caso, “magia”, quedando una cinta algo caprichosa, con algunos aciertos parciales capaces de romper el saque al espectador, pero insuficientes para sustentar una propuesta sólida y de verdad hipnótica sobre cómo está el mundo y dónde reside la esperanza para cambiar las cosas.

5/10
The Painted Bird

2019 | The Painted Bird

No te preocupes, no llegará lejos a pie

2018 | Don't Worry, He Won't Get Far on Foot

Pese a lo que pueda parecer a priori, las vidas de ilustradores reales dan juego en pantalla, como lo demuestran American Splendor (2003), Miss Potter (2006) y hasta la española El gran Vázquez (2010). Cuando rodaron juntos El indomable Will Hunting, el desaparecido Robin Williams (a quien se rinde reconocimiento en los títulos finales) propuso al realizador Gus Van Sant que le reclutara para interpretar a John Callahan, dibujante bastante grosero, que recurría al humor negro o a la irreverencia anticatólica sin ningún pudor. El cineasta ha repescado el proyecto tras el fallecimiento del biografiado en 2010, y después de centrarse en capítulos de series, y en un par de trabajos para la gran pantalla (Tierra prometida y  El bosque de los sueñosl bosque de los sueños), que pese a su interés no han tenido ni de lejos la repercusión de sus filmes de antaño. Alcohólico desde los 13 años, Callahan deambula sin rumbo por la vida hasta que conoce en una fiesta a Dexter, un tipo que le propone ir en coche a otra celebración más animada. Al conducir en estado de embriaguez, éste empotra el vehículo contra un árbol, y aunque él sale casi ileso, Calahan no volverá a caminar. La depresión que sigue a este suceso no hace sino potenciar su afición al alcohol, encerrado en su apartamento, hasta que en una visión, su madre, que le entregó en adopción al nacer, le convence de que ha llegado el momento de rehabilitarse. Contará con la ayuda de Donnie, terapeuta homosexual de estética hippy. Se puede tachar a la cinta de reiterativa en algunos momentos, y en otros de volverse tan caótica como el personaje al que retrata. Pese a su tono sarcástico y gamberro, acaba resultando tan positiva como el film de Van Sant sobre el joven genio de las matemáticas, pues el personaje recorre un camino opuesto al de Ramón Sampedro en Mar adentro, pese a haber quedado postrado a una silla de ruedas luchará por su propia superación personal, aquí se impone salir a tierra firme y no ahogarse. No te preocupes, no llegará lejos a pie tiene también interés cuando apunta otros temas, como la necesidad de aprender a perdonar al prójimo, y también a uno mismo. Abundan las escenas que recuerdan la veteranía de Van Sant, algunas sencillas, como cuando a Callahan le rescatan unos encantadores chiquillos patinadores, otras en momentos clave, como un reencuentro con Dexter, o la última en la que aparece con Donny. Joaquin Phoenix, que finalmente ha reemplazado a Williams, ofrece todo un recital, pues su personaje atraviesa un amplísimo arco de evolución. No desmerecen Jack Black (Dexter), en un registro muy alejado de la comedia, su género favorito, ni Rooney Mara, como angelical psicoterapeuta en pocas escenas. Pero resulta especialmente llamativa la labor de Jonah Hill, totalmente irreconocible en el rol de Donnie.

7/10
American Animals

2018 | American Animals

Figlia mia

2018 | Figlia mia

The Mountain

2018 | The Mountain

Dragged Across Concrete

2018 | Dragged Across Concrete

En la ficticia ciudad estadounidense de Bulwark, el afroamericano Henry Johns acaba de salir de la cárcel. En casa, el panorama que se encuentra no puede ser más desolador, su madre se prostituye y mantiene encerrado al hermano paralítico, entretenido con un videojuego. Un colega le propone un “trabajo”, hay que traer dinero al hogar. Mientras, la pareja de policías compuesta por Brett Ridgeman y Anthony Lurasetti acaba de ser suspendida de empleo por seis meses, por exceso de celo, amedrentaron más de la cuenta a unos criminales. Hartos, y con necesidades pecuniarias, planean robar a un camello para hacer frente a las mismas. Pero se encuentran con algo mucho más gordo, el violento atraco a un banco. Craig Zahler, director y guionista, entrega un largo y potente drama policíaco, fiel a las claves estilísticas y temáticas de sus anteriores filmes, los violentos Brawl in Cell Block 99, cinta carcelaria, y Bone Tomahawk, en clave de peculiar western. Con elementos de ambigüedad moral que hacen evocar el cine negro, de algún modo recuerda su propuesta a las películas de Sidney Lumet, al pintar las dificultades a las que se enfrentan las fuerzas del orden y los delincuentes, bandos a veces más próximos de lo que podría pensarse, en que las injusticias del sistema les ponen a prueba y les enfrentan a importantes dilemas; también viene a la cabeza un film infravalorado, El tiempo de los intrusos, interesante cinta en que los personajes también acuden a soluciones heterodoxas para engordar sus cuentas corrientes. Y es que no es fácil llevar una vida honrada, y para prosperar en el cuerpo hay que entrar en el juego del politiqueo, lo que incluye plegarse a lo políticamente correcto, no vayan a tacharte de racista. Zahler pinta así el peso del entorno urbano, de los barrios que no te dejan respirar, y que empujan a la toma de decisiones discutibles, en la búsqueda utópica de una vida mejor. El director imprime al film un estupendo ritmo, y eso que dura más de dos horas y cuarto. Pero se excede en la violencia, lo que incluye elementos gore totalmente gratuitos; y hay algún pasaje que chirría, como el de la madre que tras un permiso tras el naciimento de su bebé, se resiste a volver al trabajo. En cualquier caso, el saldo es muy positivo, pues sabe combinar las escenas de acción –sobre todo el duelo nocturno de vehículos, un furgón y un automóvil, pero también los asaltos y operaciones armadas–, con los pasajes dramáticos que definen a los personajes, con Ridgeman sufriendo por la esclerosis de su esposa, antigua policía, y el acoso en la calle de su hija adolescente, y Lurasetti pensando en casarse. Tanto Mel Gibson como Vince Vaughn dan bien el tipo de policías cansados, el primero canoso y lejos del paradigma de agente alocado que creó para la saga Arma letal. En el otro lado, destaca Tory Kittles, aunque está bien todo el reparto de secundarios, incluidos los actores que llevan capucha gran parte del metraje, y cuya violencia salvaje y sin sentido produce escalofríos.

7/10
Una vida a lo grande

2017 | Downsizing

En un congreso de desarrollo sostenible el científico noruego Jorgen Asbjørnsen presenta un descubrimiento sensacional. La posibilidad de reducir a las personas de tamaño, que traerá consigo enormes ventajas a un planeta que parece estar recorriendo el camino hacia la destrucción: seres humanos en miniatura significa reducción del coste de vida, menor consumo de valiosos recursos naturales cada vez más escasos, reducción en la generación de residuos... Todo parecen ventajas, y pasados unos años empieza a haber por todo el mundo pequeñas ciudades con hombrecitos, varones y mujeres, empresas especializadas publicitan ampliamente el procedimiento de volverse pequeño. Paul Safranek, terapeuta ocupacional, se deja seducir por la posibilidad de ser reducido de tamaño junto a su esposa Audrey, la inversión merece la pena, pues quizá con sus ahorros podrán vivir ya el resto de sus vidas sin necesidad de trabajar, y en el caso de que lo hagan será sólo para estar entretenidos y ocupar el tiempo. Pero cuando se lanzan a la aventura, surgen los miedos y las sorpresas. Original y sugerente parábola de anticipación al futuro que puede aguardar a una humanidad demasiado narcisista, a cargo de Alexander Payne, que vuelve a trabajar en el guión con Jim Taylor, ambos firmaron antes los libretos de Election, A propósito de Schmidt y Entre copas. El tándem Payne-Taylor hace gala de un sabio conocimiento de las grandezas y limitaciones del ser humano con una trama que muestra que, incluso ante un escenario que a priori debería hacer la vida más fácil a las personas, siempre surgen los problemas y las malas prácticas, existe el peligro de la manipulación, el abuso de las tecnologías, y las desigualdades sociales no van a desaparecer por arte de magia, o aquí, mejor dicho, de ciencia. La mirada es inteligente y poliédrica, y las cuestiones planteadas muy sugerentes, aunque quizá no se ha logrado el completo equilibrio argumental, decididamente algunos pasajes son más brillantes que otros. La narración, de algún modo, nos ofrece el punto de vista de Paul, que se identifica con el del espectador –el papel le va al pelo a Matt Damon, con su pinta de buen chico despistado, un boy scout–, y va por tanto del estupor al conocimiento, y pasa por el acostumbramiento a una nueva situación que exige al final, el tamaño no importa, buscar el bien del prójimo como condición imprescindible para ser feliz. Y todo arranca de un modo muy atractivo y ágil, con la presentación del descubrimiento y su progresiva implantación social. La tendencia a convertirlo todo en moda pasajera, o la tentación de anhelar una vida ociosa y vacía, se pintan con habilidad, la crítica social es mordaz. También en lo referente a la escasa solidez actual de los lazos matrimoniales, que pueden ser muy frágiles. Existe un problema en varios momentos de cambio de tono, Payne se arriesga y no acaba de lograr que todo cuadre. Pero se agradece su audacia, que le lleva a evitar simplismos. Los avances científicos más vanguardistas se pueden usar para oprimir a las personas, los cínicos y los aprovechados existen en todas partes, y pese a todo tienen su corazoncito –Christoph Waltz y Udo Kier, pillos contrabandistas serbios–, y aunque está bien aspirar al ideal de una sociedad perfecta, hay que mirar las utopías con un sano escepticismo, que no cinismo. En tal sentido la introducción del atractivo personaje de la activista vietnamita Ngoc Lan Tran –la desconocida Hong Chau, que trabajó con Paul Thomas Anderson en Puro vicio– es un hallazgo, que supone todo un revulsivo en la vida del mediocre Paul, quien empieza a saborear la satisfacción de ayudar a los demás desinteresadamente. La puesta en escena se beneficia de unos muy buenos efectos visuales a la hora de mostrar a seres diminutos en el mundo de las personas normales.

6/10
Brawl in Cell Block 99

2017 | Brawl in Cell Block 99

Cuando Bradley, un ex boxeador, pierde su trabajo y se enfrenta al fracaso de su matrimonio, decide aceptar un empleo como traficante de drogas para cambiar su suerte y brindarle una vida cómoda a su esposa Lauren. Pero justo cuando su situación comienza a mejorar, Bradley se ve inmerso en un tiroteo que acaba llevándole a la cárcel. Durante su reclusión tiene que tomar una serie de decisiones imposibles, para proteger a quienes aprecia. Atrapado en una  espiral de violencia, ser verá obligado a cometer actor terribles para mantener a salvo a su familia.

Nymphomaniac (II)

2013 | Nymphomaniac

Segunda entrega de Nymphomaniac, último trabajo del danés Lars von Trier, dividido en dos volúmenes por razones exclusivamente comerciales debido al largo metraje de la propuesta. Sigue por tanto el esquema apuntado en Nymphomaniac (I) de ocho capítulos, la narración de sus tribulaciones a cargo de Joe, una ninfómana que ha sufrido un violento ataque, y ha sido acogida en su casa por el solitario erudito Seligman. La novedad estribaría en que las perversiones de su adicción al sexo resultan cada vez más truculentas, en este segundo volumen habría espacio para el “ménage à trois” interracial, el sadomasoquismo, la pedofilia y la corrupción de jóvenes, e incluso las relaciones lésbicas acaba metiéndolas el director en ese mismo saco. El conjunto, con imágenes bastante explícitas, es sumamente desagradable, como cabe imaginar. Lars von Trier es un artista con talento, pero le pierde su enorme ego, y la sensación de que en su prodigiosa inteligencia algunas piezas se han desencajado. Ciertas imágenes y pasajes de la película son poderosos, con recursos visuales imaginativos. Pero al tiempo domina una gran pedantería en el toma y daca que mantienen Joe y Seligman, con éste trayendo a colación insufribles comparaciones filosóficas, musicales y religiosas a las historias de aquélla. Resulta irritante cierto tono cínico de superioridad burlona, “yo soy el chico más listo de la clase y vosotros no” podría estar pensando el director danés. A veces da la impresión de que debido al período de “no-entrevistas” que se ha autoimpuesto Von Trier tras su polémicas declaraciones en Cannes acerca de Hitler, el director suple concediéndose con esta película una autoentrevista, haciendo decir a los personajes lo que piensa sobre cuestiones controvertidas, e incluso convirtiéndolos en portavoces de sus propias contradicciones a través de unos Joe y Seligman en discusión. De modo que afirma ser, no antisemita, sino antisionista, larga un peculiar discurso sobre las mujeres sufrientes por culpa de los hombres, o expresa admiración por los pedófilos que no ejecutan sus fantasías. En general Von Trier, director y guionista, muestra amplias carencias en su limitada visión antropológica, sólo en el padre de Joe apreciamos un poco de humanidad más allá del estrecho canuto sexual de la película. No hay explicaciones para la ninfomanía de Joe, la posibilidad del cambio parece descartada, y la apelación en algunos momentos al amor y a las supuestas connotaciones morales del relato son de escasa entidad, se dirían que forman parte del juego del cineasta danés para autojustificarse y dar al amplio espectro de espectadores que reconocen su talento algo que les pueda contentar.

3/10
Nymphomaniac (I)

2013 | Nymphomaniac

Seligman, críptico profesor de origen judío, recoge de la calle a Joe, una mujer tirada en medio de la calle con signos de haber sufrido violencia física. La lleva a su residencia, donde ella le contará con pelos y señales la historia de cómo el desenfrenado deseo sexual que siente desde que era una niña le ha conducido a la perdición. Resulta complicado el análisis de una obra tan errática como Nymphomaniac (I) cuando el film se presenta como una versión “recortada con autorización del director” y como la mitad de un díptico, apelando a no se sabe qué limitaciones de libertad que en realidad parecen meditadas estrategias de marketing (todo apunta a que se pretende vender no sólo la segunda parte, sino también la 'versión íntegra'). En cualquier caso, parece una obra tan viva que posibles giros en su continuación podrían alterar la percepción que ofrece el visionado aislado de esta entrega inicial. Por lo visto en Nymphoniac (I) “autocensurada”, Lars Von Trier se adentra muy a fondo en la mente de una ninfómana, con complejo de Elektra, cuya patología bien podría ser representativa de una sociedad igualmente enferma, en la que las adicciones sexuales compulsivas no permiten tener en cuenta posibles daños ocasionados a otras personas, ni en definitiva el respeto de unas reglas morales. Capaz de alumbrar obras bastante sólidas (Dogville, Bailar en la oscuridad, Melancolía) y otras discutibles (Anticristo, Los idiotas), Von Trier se queda en esta ocasión a medio camino. Por un lado, vuelve a demostrar su capacidad para crear imágenes de enorme potencia, y para sacar interpretaciones desgarradoras, en esta ocasión tanto por parte de actores habituales de su cine (Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård), como de otros insólitos en su filmografía (Shia LaBeouf metido en un berenjenal muy sórdido, Jamie Bell o una Uma Thurman a gran nivel). Quizás desentone en Nymphomaniac (I) Christian Slater, que a pesar de sus esfuerzos no parece la mejor elección como padre de la protagonista, mientras que la gran estrella de la función, la debutante Stacy Martin, demuestra ser buena actriz, pero también una pobre víctima de los desvaríos más truculentos del realizador danés. Angustiosa y desagradable hasta la saciedad, Nymphomaniac no está exenta de cierto interés, en su constatación de que cuando no se cree en el amor (el autor del film no es ni mucho menos un dechado de optimismo) el sexo conduce a una espiral mediante la que el individuo se encierra en su propio hastío y desesperación. Dividida esta primera parte en cinco capítulos (de un total de ocho), sobresale el tercero, en que la protagonista toma conciencia de las consecuencias de sus actos al conocer a la esposa y madre engañada (Thurman). Si bien, el tono surrealista de este segmento podría parecer extremadamente artificioso a parte del público. A Von Trier le pierde sobre todo su afán de escandalizar, con ensoñaciones incestuosas y fragmentos pornográficos muy explícitos que pretenden ser “novedosos”, incluso involucrando a personajes menores de edad que pueden herir hasta a sensibilidades que están de vuelta de todo. También sobra su peligrosa tendencia a volverse discursivo, como cuando se compara el apetito sexual de la protagonista con la música polifónica, una metáfora válida que da juego estéticamente, pero estropeada porque tanto Gainsbourg como Skarsgård parecen a punto de dar una conferencia. Hasta se explica didácticamente, por si alguien la desconoce, en qué consiste la sucesión de Fibonacci.

4/10
Iron Sky

2012 | Iron Sky

Al final de la Segunda Guerra Mundial, un programa espacial nazi secreto evade su destruccion huyendo al lado oscuro de la luna. Durante un largo periodo de absoluto secreto, los nazis logran construir una gigantesca fortaleza espacial con una enorme flota de naves espaciales. Cuando el astronauta estadounidense James Washington (Christopher Kirby) aterriza su modulo lunar cerca de la base secreta nazi, el fuhrer de la luna (Udo Kier) decide que ha llegado el momento de reiniciar la conquista de la tierra antes de lo previsto. Washington intenta explicar a los nazis que su mision es simplemente un truco publicitario del presidente de los Estados Unidos (Stephanie Paul), pero éstos, sin embargo, creen que Washington forma parte de una mision de reconocimiento y augura un ataque inminente de las fuerzas armadas de la Tierra. ¡El cuarto reich debe actuar!

Melancolía

2011 | Melancholia

Justine se casa con Michael en vísperas del fin del mundo, cuando el planeta Melancolía está a punto de colisionar contra la Tierra. La fiesta que sigue a la boda tiene lugar en la espléndida mansión de campo de Claire y John, hermana y cuñado de Justine. Lars von Trier nunca defrauda, o al menos, no del todo, incluso en obras tan discutibles como Anticristo; y eso aunque a veces le dé por acompañar el lanzamiento de sus trabajos con absurdas declaraciones, como la que hizo en este caso en Cannes expresando cierta simpatía por... ¡Adolf Hitler!. Independientemente de semejante “boutade” propia de inmaduro “enfant terrible” al que le gusta provocar, lo cierto es que aquí entrega una poderosa película, que atrapa desde sus primeras imágenes, que anticipan la catástrofe planetaria en ciernes. El director danés divide su film en dos partes claramente diferenciadas, donde concede el mayor peso a uno de las dos hermanas, primero a Justine –Kirsten Dunst, premiada con toda justicia en Cannes–, luego a Claire –fantástica Charlotte Gainsbourg–. Y al hilo de la boda y del tiempo que se va, Von Trier disecciona con indudable pesimismo egoísmos tan típicos del ser humano, miedos e inseguridades. Y es que el planeta Melancolía, o sea, el estado de ánimo a veces manifestado en forma de depresión, continuamente acecha, nos aplana, nos entristece, nos hunde, sin que sepamos explicar por qué; el amor de los seres queridos, aquí sobre todo el fraterno, parece que no nos bastase. Es muy rica y variada la mirada antropológica “vontrieriana” a la ambición de ciertos empresarios, a la amargura de quien proyecta su fracaso matrimonial en sus vástagos, a la simpleza y superficialidad de quien no ve más allá de sus narices, a arribistas y personajes que tras sus falsas seguridades ocultan no miedo, sino auténtico terror a lo que les puede suceder. Qué bien sabe crear Von Trier la atmósfera de la película, la sensación de final. La cámara nerviosa, los personajes crispados, la música de Richard Wagner, el preludio de “Tristán e Isolda”. Hay astucia en escoger a Kiefer Sutherland, alias “Jack Bauer” en 24, tan acostumbrado a salvar el mundo, en una película donde los científicos han anunciado su inevitable final. Y la última escena que cierra el film, que se diría una variación “vontrieriana” muy particular de la transfiguración evangélica en el Tabor –“hagamos una tienda...”–, es de una belleza sublime.

8/10
My Son, My Son, What Have Ye Done

2009 | My Son, My Son, What Have Ye Done

Soul Kitchen

2009 | Soul Kitchen

Comedia ligera de ritmo envidiable del alemán de origen turco Fatih Akin. Sigue las tribulaciones de Zinos, de ancestros griegos, que regenta un restaurante de comida rápida en una nave industrial de Hamburgo. Sufre por la separación temporal de su novia Nadine, que marcha a Shanghai, y ayuda como puede a su hermano 'bala perdida' Illias, ladrón en régimen penitenciario abierto, dándole trabajo como camarero. El acoso de Hacienda, y el encuentro con un viejo compañero de colegio, que desea especular comprándole el restaurante, aumentan sus quebraderos de cabeza. Y la 'guinda' la pone el nuevo cocinero, un chef con pretensiones, cuyos platos no acaban de encontrar acomodo entre unos comensales algo toscos. Akin asegura que este film se lo tomó como una pausa en su trilogía de amor, muerte y demonio, de la que forman parte Contra la pared y Al otro lado. Pero que pudo constatar que su idea de una "película fácil" era sólo eso, una idea, pues tuvo que emplearse a fondo. En efecto, se advierte una gran habilidad y un notable esfuerzo en atravesar una trama que podía ser un simple puro divertimento, de cierta añoranza por el hogar, un lugar de "descanso del guerrero", donde este guerrero sería el protagonista, pero también Nadine, Illias, el chef, la camarera Lucia; a ello alude también el título y nombre del restaurante, Soul Kitchen, Cocina del Alma: necesitamos alimentos espirituales. Hay en el film una buena combinación de humor y emotividad, pero al tiempo es todo muy superficial, epidérmico, con pasajes zafios que un maestro de la comedia habría sabido abordar de otra manera.

6/10
Far Cry

2008 | Far Cry

Coproducción de Alemania y Canadá, pura serie B de acción, en esta ocasión basada en un popular videojuego, sigue los pasos de un hombre de acción, Jack Carver, que debe guiar los pasos de una periodista en una zona de guerra. Protagoniza el conocido actor alemán Till Schweiger.

3/10
Halloween. El origen

2007 | Halloween

Tercer largometraje del músico y especialista en terror Rob Zombie, tras las prescindibles La casa de los 1000 cadáveres y Los renegados del diablo, muy influidas por las películas setenteras de Tobe Hooper, Wes Craven y John Carpenter. Precisamente, Carpenter fue el  responsable de La noche de Halloween, film que ahora revisita Rob Zombie, de forma particular, pues por una parte es un remake del film, pero también es una precuela, que muestra detalles de la juventud del asesino Michael Myers, en una línea similar a Hannibal. El origen del mal, La matanza de Texas: el origen, Batman Begins o  La venganza de los Sith. De esta forma, el film comienza mostrando la desdichada infancia de Myers, en el seno de una familia desestructurada. Su padrastro tiene problemas con el alcohol, la madre es bailarina de striptease y la hermana está obsesionada con mantener relaciones sexuales con su novio. Tras asesinar brutalmente al padrastro y a la hermana, Myers es recluido en un psiquiátrico, donde le atiende el Dr. Loomis, que apenas puede hacer nada por él. Pero años después, Myers escapa del psiquiátrico y regresa a Haddonfield, su pueblo natal, donde desatará el terror. La principal aportación de Zombie es el nuevo look de Myers, con su máscara deshecha y el cabello largo, y además, añade mucha más sangre. Aunque recupera muchas secuencias de asesinatos del original, las filma de forma más violenta, y su asesino es más salvaje y agresivo. Como en sus anteriores películas, Zombie no se autocensura precisamente a la hora de mostrar los detalles más escabrosos. Y sin embargo, no es capaz de producir suspense en ningún momento, pues el espectador sigue el metraje con frialdad, porque apenas tiene tiempo de identificarse con las víctimas. Los actores no son especialmente memorables, aunque cumple con eficacia el veterano Malcolm McDowell, que interpreta al  Dr. Loomis, personaje que bordó en su momento Donald Pleasance.

2/10
La madre del mal

2007 | La terza madre

Sarah Mandy es una joven estadounidense que estudia Arte. Decide viajar a Roma, para ver una exposición de objetos antiguos. Allí queda fascinada por la urna que contiene las cenizas de Mater Lachrymarum, una antigua bruja. Poco después, esta bruja regresa a la vida, lo que provoca que se reúnan todas las brujas del ancho mundo. Además, una ola de violentos asesinatos sacude Roma. Tercera parte de la 'Trilogía de las madres', que fue precedida por Suspiria e Infierno. Cada una de ellas está dedicada a una de las madres, tres hermanas que en los albores del siglo XI inventaron la brujería. El film está protagonizado porAsia Argento, la hija del realizador, y a pesar de sus excesos sangrientos, logra mucho suspense.

4/10
Niños de cera

2005 | Children of Wax

Europa del Este. Las calles están tomadas por dos bandas rivales y violentas que luchan por la hegemonía: los neonazis y los turcos. En la zona dominada por los turcos están teniendo lugar una serie de escalofriantes asesinatos de gente inocente y, aunque en un primer momento, las sospechas recaen en el grupo rival, pronto se darán cuenta de que el responsable es un asesino en serie al margen de los dos bandos. Éstos tendrán que colaborar para darle caza. Oscuro thriller de terror que cuenta con algunos rostros conocidos de producciones de serie B, como Armand Assante y Udo Kier.

4/10
BloodRayne

2005 | BloodRayne

Es lamentable que con semejante plantel de actores se realice una película tan mediocre como BloodRayne, pero, en fin, esa parece ser la seña de identidad de Uwe Boll. Aquí, el director alemán adapta el videojuego del mismo nombre para contar una historia de acción fantástica, con algún toque de humor. La historia tiene lugar en la Rumanía del siglo XVIII y la protagonista es BloodRayne (Kristanna Loken), una damphir –mujer medio humana, medio vampiro– que trabaja para una sociedad secreta encargada de perseguir las amenazas sobrenaturales.

2/10
El fin del mundo en 35 mm

2005 | John Carpenter's Cigarette Burns | Serie TV

Kirby Sweetman posee su propia sala de cine, donde exhibe películas de culto. Además, es un tipo experto en dar con copias de películas que se creían desaparecidas. Un mal día recibe el encargo de encontrar 'Le fin absolue du monde', un film mítico del fallecido cineasta transgresor Hans Backovic, que sólo se exhibió públicamente una vez en el Festival de Sitges. El horror que provocó la proyección, que fue acompañada de varias muertes, llevó supuestamente a la destrucción de la cinta. Pero tal vez exista alguna copia en algún lugar, y a medida que indaga, Kirby se obsesiona más y más con su búsqueda. Entrega de la serie Masters of Horror, compuesta por capítulos independientes, apadrinada por Mick Garris, que reúne a los directores más representativos del cine de terror. Cada uno de ellos dirige un episodio independiente, en la línea de la mítica serie En los límites de la realidad. Aquí dirige el veterano del género fantástico John Carpenter, con un esquema narrativo encaminado a crear una atmósfera inquietante acerca de la maldad que encierra la película de marras, y la influencia del cine por añadidura. Si bien el primer tramo consigue el efecto deseado, al final se cae en un 'festival' gore poco justificado, donde se apunta al diablo como 'productor' de la película maldita.

4/10
Manderlay

2005 | Manderlay

Lars von Trier no engaña. Meses antes del estreno en cines de Manderlay, el controvertido director afirmó en una entrevista publicada en el diario danés Politiken que, tras su película, se crearía “una hermandad entre el Klu Klux Klan y los negros, porque ambos tendrán muchas ganas de matarme”. Estaba claro que el público debía de esperar una nueva dedada de brutalidad y genialidad, a partes iguales. Y eso justamente es lo que encontramos en esta segunda entrega de la trilogía sobre Estados Unidos. El inicio de la historia enlaza con el final de Dogville. Tras abandonar aquella población, acompañada de su padre y de sus matones, Grace (Bryce Dallas Howard) llega a una plantación del sur llamada Manderlay, un lugar donde la esclavitud aún no ha sido abolida. La joven ve con horror cómo azotan brutalmente a un hombre, y, ante esta visión, su buen corazón se estremece y, enfrentándose de nuevo al parecer de su padre, decide quedarse en Manderlay para luchar por mejorar la vida de sus habitantes y devolverles la libertad. Fiel a su estilo y a su inmisericorde visión de la existencia y del ser humano –una extraña mezcla de ternura, comprensión, autocompasión e insana complacencia en sus miserias– el director de Bailar en la oscuridad vuelve a estar a la altura de la genialidad que ofreció con Dogville, si bien es cierto que el resultado no alcanza probablemente la magnitud de la película protagonizada por Nicole Kidman. Quizá tenga algo que ver en ello que la puesta en escena al modo teatral, con localizaciones “imaginarias”, ya no sorprende. Es cierto que sigue resultando alucinante, pero es inevitable que haya algo en la atmósfera del film que suene a ya visto. Por otro lado, los esperados “regalitos” de Von Trier vuelven a golpear al espectador (brutalidad sexual, hipocresía, asesinato, traición), y aunque hay una menor galería de personajes emblemáticos y definidos, la Grace de Dallas Howard sigue resultando tan cercana como fascinante, aunque también de menor intensidad que la de Kidman.

7/10
Paranoia 1.0

2004 | One Point O

Un futuro cercano. Simon, un joven programador recibe un curioso paquete que no contiene nada. No le da importancia, pero empieza a recibir envíos similares cada día. Resulta que una corporación experimenta con un virus que se activa al abrir el paquete, y llena la cabeza de de Simon de mensajes publicitarios. Lo peor es que provoca nocivos efectos secundarios. Jeremy Sisto (hermano de Rachel Griffiths en A dos metros bajo  tierra) protagoniza esta cinta de ciencia ficción, que no necesita de grandes alardes de presupuesto y efectos especiales, para alertarnos de los peligros de los avances científicos descontrolados.

2/10
Sobreviviendo a la Navidad

2004 | Surviving Christmas

Drew Latham es un joven experto en marketing que en Navidad se siente solo, ya que no tiene familia con la que pasarla. Ante la desesperación, decide acercarse a la casa donde pasó su infancia, ocupada ahora por los Valco. Decide contratarles durante unos días para que finjan que son sus familiares. Pero las cosas no son tan fáciles. El punto de partida –que recuerda en cierta medida a la española Familia– podría haber dado lugar a una comedia amable y divertida. Pero el director Mike Mitchell, responsable de Gigoló (1999), no consigue hacer interesante la historia. Y sus constantes chistes soeces apartan el film del público familiar al que se supone que se dirige.

3/10
Modigliani

2004 | Modigliani

La vida de Amedeo Modigliani (1884-1920) fue llevada al cine con éxito por Jacques Becker con el título de Los amantes de Montparnasse, con Gérard Philipe y Anouk Aimée como protagonistas. Ahora, el inglés Mick Davis (El partido) escribe y dirige este nuevo biopic sobre el genial pintor italiano afincado en el París de principios del siglo XX. El film recoge principalmente el último año de la trágica vida del pintor, marcado por su rivalidad artística con Picasso, por su amor por la joven Jeanne y por la enfermedad que le llevaría a la tumba. De buenas a primeras hay dos cosas que sorprenden en el film: la primera es ver a Andy García en el papel protagonista (algo no encaja bien: es como imaginarse a Brad Pitt haciendo de Mozart), pese a que el actor cubano se esfuerza por ser convincente; la segunda es una especie de frecuente anacronismo en la ambientación y la atmósfera creadas por Davis (la limpieza de las calles, el vestuario, el papel de la mujer en la sociedad, etc.). Pero son sólo objeciones de relativa importancia para una película correcta, hecha con esmero y dirigida con eficacia, con alguna secuencia brillante (la noche de trabajo previa al concurso) y ciertos momentos intensos (Jeanne contemplando el cuadro). Por lo demás, aparte del gran romanticismo de la historia, inevitablemente trágica, destaca la oposición-admiración de Picasso con respecto a la integridad artística de Modigliani. Ayuda al resultado el gran trabajo de la semidesconocida actriz Elsa Zylberstein y la emotiva música de Guy Farley.

6/10
Dogville

2003 | Dogville

Tras su celebrada Bailar en la oscuridad, el danés Lars Von Trier prosigue con su búsqueda de los límites del arte cinematográfico. La originalidad de este director quizá raye lo temerario y desde luego su cine no deja indiferente a nadie. A algunos les parecerá pretencioso y cargante y a otros fascinante y genial, pero siempre resultará sorprendente. Y de lo que no hay duda es de que se trata de uno de los directores más audaces del cine actual. Esta vez se atreve a transformar el teatro en cine. Pero, entiéndase, no es que adapte una obra teatral –nada más lejos de la realidad–, sino que filma teatro y logra el milagro de transformarlo en cine puro. Estructurada en un prólogo y nueve capítulos introducidos por un narrador, la película cuenta la estancia de Grace en un pueblo de las Montañas Rocosas. Se trata de una bella, bondadosa y asustada mujer que llega a Dogville huyendo de la muerte. Tras algunas dudas, los habitantes acaban por darle cobijo gracias a la influencia de Tom, que pronto se enamora de ella. Grace quiere devolver la hospitalidad de aquellas gentes y se propone ayudar a cada uno con denodado empeño. Pero, poco a poco, y tras la cada vez más insistente búsqueda de Grace por parte de las autoridades, los habitantes de Dogville comienzan a dudar de la fugitiva y van arrogándose el derecho de disponer de ella a su antojo, hasta convertirla en una esclava. Otra vez Von Trier vuelve a hacer de las suyas: te encandila con imágenes increíbles –Grace en el camión de frutas, por ejemplo– y luego te estruja el corazón sin piedad. Las pasiones humanas, constantes en su cine, se trasladan también a Dogville: la bondad, el sacrificio, el egoísmo, la hipocresía, la traición, la lujuria, la venganza, acaban por dar vida a una parábola bellísima pero funesta y desesperanzadora sobre el ser humano. Somos, parece decir Von Trier, tan ruines y mezquinos que el camino del bien nos está vedado. Así es el brutal pesimismo de esta obra de arte.

8/10
MiedoPuntoCom

2002 | FearDotCom

Un audaz detective de policía y una guapa doctora del Ministerio de Sanidad investigan unas extrañas muertes relacionadas con el mundo de internet. Los cadáveres aparecen con raras marcas en los ojos, como si no hubieran podido soportar lo que han visto. La presencia de Stephen Dorff (Blade) y Natascha McElhone (Solaris) enriquece esta película de terror adolescente que no ofrece mucha verosimilitud en su virtual planteamiento. Algunas escenas macabras erizan los pelos.

3/10
Última oportunidad

2002 | He Sees You When You're Sleeping

El agente de bolsa Sterling Brooks muere en un extraño accidente. Para llegar al cielo deberá redimirse intentando unir a los miembros de una familia. Olvidándose de las truculencias habituales de sus argumentos, en este caso la novelista Mary Higgins Clark  imagina una especie de cuento de Navidad, de hechuras más clásicas y toque fantástico, aunque eso no evite algún momento de tensión. Adaptado a la pantalla con oficio por David Winning, destaca la presencia de la rubita Erika Eleniak (Los vigilantes de la playa).

4/10
Revelation

2001 | Revelation

El Loculus. Una misteriosa reliquia posterior a Cristo, por cuya posesión, a lo largo de la historia, han combatido las fuerzas del bien y del mal. Ahora un arqueólogo la ha encontrado. Y conociendo las pasiones que levanta, decide enterrarla de nuevo. Aunque puede que tal acción no sea una buena idea. Aventuras que amalgaman religión y alquimia, el film cuenta con dos buenos y veteranos actores, Terence Stamp y Derek Jacobi.

3/10
Doble engaño

2001 | Double Deception

Luke hace de escolta de Lisa, hija de un rico y poderoso hombre de negocios japonés. Pero el tío es un poco pardillo, y en una emboscada secuestran a la chica. Pero, ¡sorpresa!, la auténtica chica había sido sustituida por una doble, por si acaso. Y el millonario nipón no quiere pagar el rescate. Con una trama semejante, Kurosawa firmó la magistral El infierno del odio. Aquí el director novel Shundo Ohkawa busca un objetivo más modesto, servir una entretenida peli de acción.

3/10
La sombra del vampiro

2000 | Shadow Of The Vampire

En 1921, el maestro del expresionismo alemán F.W. Murnau acometió el rodaje de una mítica película de vampiros: Nosferatu, inspirada obviamente en el "Drácula" de Bram Stoker, aunque, por problemas de derechos, la historia debía ser alterada y no podía mencionarse el nombre de Drácula. La sombra del vampiro nos cuenta cómo se desarrolló el rodaje. Y especula con la misteriosa personalidad del actor Max Schreck, que hacía de Nosferatu, para lanzar una teoría audaz con un rato de gracia. ¿No sería Schreck un vampiro de verdad? Con tal premisa, asistimos a una película de terror dentro de la cual se cuenta el rodaje de otra película de terror. Aunque la cosa puede sonar liosa, no lo es tanto. De verdad, de verdad. John Malkovich es el director Murnau, un vampiro a su modo, pues no duda en utilizar a un auténtico chupasangres en su peli, con tal de lograr el resultado apetecido; aunque ponga en peligro a todo el equipo. La película la produjo el actor Nicolas Cage.

5/10
Injusta condena

2000 | Red Letters

Dennis Burke es un brillante profesor universitario que, debido a las pasiones que levanta entre sus alumnas, decide trasladarse a California. Allí entablará una extraña relación epistolar con una reclusa condenada por asesinato. Cuando ésta escapa de la cárcel la vida de Dennis dará un vuelco inesperado. Thriller de acción y suspense que tiene como mejor aliado el urdido guión y las caracterizaciones del equipo de reparto. Pero nada de echar cohetes.

5/10
Bailar en la oscuridad

2000 | Dancer in the Dark

Pantalla en negro. Música. Un minuto, dos, ¿tres? Así empieza el último y galardonado film del danés Lars Von Trier. Una de las muchas audacias que se permite. Si nos contaran el argumento, diríamos: “es un melodrama.” Selma Jezkova; inmigrante checa, madre soltera de un niño de diez años; trabaja en una fábrica; se está quedando ciega y, lo que es peor, la enfermedad es hereditaria; su vecino policía tiene problemas; hay una amiga que la aprecia y comprende... Y sin embargo, no parece tal melodrama. Parece la vida misma. Von Trier, a la hora de contar la triste vida de Selma, se agarra, al menos aparentemente, a los principios del movimiento Dogma que él impulsó: ausencia de música, luz natural, espontaneidad... Y mueve la cámara compulsivamente, sin dejarla quieta un momento, como queriendo recalcar el estrés de nuestra época. Y de pronto... ¡milagro! ¡La película se convierte en un musical! Von Trier arroja los principios “dogmáticos” al cesto de los papeles. El director y guionista nos ha preparado un poco –la protagonista es forofa de los musicales de Hollywood–, pero en absoluto para que una noche en una lúgubre fábrica con ruidos anodinos se transforme en un animado número musical. Y es que Selma se evade con sus fantasías musicales de una realidad dura o, mejor, integra esa realidad con su imaginación y dotes musicales, haciéndola mejor, más pura, más como debiera ser. Björk compone y canta de modo asombroso. Los personajes de la película son auténticos. Magníficos Björk, Catherine Deneuve –la amiga fiel–, David Morse –el policía torturado–, Peter Stormare –prototipo de enamorado–, pero también los secundarios como la conmovedora Siobhan Fallon, vigilante del corredor de la muerte, o Jean-Marc Barr, patrón de la fábrica. Y hay conflictos de interés: la amistad mantenida a machamartillo, la custodia de un secreto, la comprensión del dolor ajeno, el sacrificio por el propio hijo... El desenlace, magistral, es el último capítulo que no es el último capítulo si uno no quiere que lo sea. Para entender esto último, ¡no dejes de ver esta joya!

8/10
Juegos de espía

1999 | History Is Made At Night

La CIA y la KGB no se llevan tan mal como parece a primera vista. Al menos dos de sus espías: Harry, americano, que tiene un club de jazz como tapadera, y Natasha, rusa, mantienen una relación amorosa. La aparición de una misteriosa cinta de vídeo podría enfriar su aventura. Este film de producción canadiense y director finlandés, tiene en su haber dos actores muy resultones, Bill Pullman y Irène Jacob, que dan vida a los espías enamorados.

4/10
The Debtors

1999 | The Debtors

Comedia coral sobre un grupo de personajes que se conocen en las mesas de Las Vegas. Gira en torno a la adicción al juego y otros temas. Pero a pesar de la presencia del gran Michael Caine, Catherine McCormack y otros intérpretes solventes, los supuestos golpes de humor no acaban de funcionar, y los personajes carecen de entidad, por lo que el film es completamente fallido.

4/10
Pinocho y Geppetto

1999 | The New Adventures of Pinocchio

¿Quién no ha sido un niño cautivado por las luces de una feria o un parque de atracciones? Pues Pinocho no puede ser menos, y junto a su amigo Lampwick hace novillos para divertirse un rato en una feria ambulante. Como no puede ser menos, se meterá en un buen lío. Hace tres años, Steve Barron firmó un film –titulado Pinocho. La leyenda– sobre las andanzas de Pinocho, con Martin Landau encarnando al entrañable Geppetto. Ahora nos llega una nueva entrega de estas aventuras, donde Landau repite su personaje. Tras la cámara tenemos al veteranísimo Michael Anderson (81 añitos), director de Las sandalias del pescador y de La vuelta al mundo en 80 días; este última ganó el Oscar a la mejor película en 1956.

4/10
El fin de los días

1999 | End of Days

Jericho Cane es un antiguo policía, amargado desde que su mujer e hija murieron a manos de unos delincuentes. Su encuentro con un mendigo chiflado le hace caer en la cuenta de que el fin del mundo puede estar cerca, si no impide que una mujer conciba al Anticristo. A mamporros con el diablo. Así cabe definir el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine de acción. El guión trata de atinar con la fórmula capaz de combinar la pura acción, con elementos de thriller al estilo Seven o elementos diabólicos que remiten a El exorcista. Quizá la mejor secuencia sea aquella en que el diablo (Gabriel Byrne) tienta a Jericho, escalofriante sin necesidad de acudir al efectismo de turno. Aunque el film presenta algunos elementos casi cómicos –un grupo de cardenales en torno a un Papa en silla de ruedas en lo que parece, casi, una reunión de la 'Cosa nostra'; los sótanos de una parroquia ocupados por un montón de curas trabajando en sus ordenadores para impedir el nacimiento del Anticristo; los pintorescos miembros de la secta de "los caballeros Vaticanos"; el diablo acostándose con toda mujer que se pone a tiro…–, su director, el competente Peter Hyams (Capricornio Uno, Atmósfera cero, Timecop), procura darle la mejor consistencia posible. De modo que el entretenimiento está más que asegurado.

4/10
Armageddon

1998 | Armageddon

Un asteroide se dirige hacia la Tierra. En pocos días podría acabar con todo rastro del ser humano, como ocurrió muchos años atrás con los dinosaurios. ¿Qué hacer? Expertos de la NASA, consejeros presidenciales y estrategas militares se devanan los sesos. La única idea que podría funcionar es enviar una nave tripulada hasta el meteorito. Allí habría que hacer un agujero a una profundidad adecuada, e introducir en su interior un explosivo nuclear. La explosión debería romper el asteroide en mil pedazos, que tomaran una trayectoria no mortífera. ¿Pero quién es capaz de hacer un agujero lo bastante profundo para que la misión tenga éxito? ¡Está clarísimo! Expertos perforadores que buscan petróleo en los fondos oceánicos. Y el mejor es Harry S. Stamper (un Bruce Willlis tan duro como siempre) y su equipo. El problemas es que, aunque son muy buenos en su trabajo, son algo "bruticos". No en vano, el director Michael Bay ha definido la película como una especie de Doce del patíbulo del espacio, en referencia al célebre film sobre un grupo de reclusos que realizan una importante misión, enmarcada en la Segunda Guerra Mundial. Acción trepidante desde el minuto uno. El inconfundible estilo de Michael Bay (un bombardeo de planos que apenas duran más de dos segundos cada uno) ayuda a crear ese ritmo apabullante, que deja sin aliento. Así es esta película. Desde la furia incontenida de Bruce Willis al descubrir a su hija líada con uno de sus hombres, pasando por la secuencia en la estación espacial rusa, hasta llegar al asteroide. Y por supuesto que no faltan algunos fragmentos de asteroide, que destruyen ciudades y monumentos emblemáticos de todo el mundo. Si la reciente Deep Impact se centraba en los sentimientos de los personajes, los responsables de Armageddon apuestan sin dudarlo por el espectáculo con enormes dosis de adrenalina. Eso no implica que hayan descuidado el argumento, que ha contado con todo un batallón de prestigiosos guionistas: Jonathan Hensleigh y Scott Rosenberg (Con Air (Convictos en el aire)), Robert Towne (Chinatown, Marea roja), Tony Gilroy (Medidas desesperadas), J.J. Abrams (A propósito de Henry) y Ann Biderman (Las dos caras de la verdad). En el reparto tampoco se han regateado esfuerzos. Al imprescindible Willis hay que añadir a Ben Affleck (coganador de un Oscar por el guión de El indomable Will Hunting), Liv Tyler, Billy Bob Thornton, Steve Buscemi, Will Patton... Un reparto atractivo y a la vez arriesgado, que funciona perfectamente.

5/10
Blade

1998 | Blade

Acción desde el minuto uno. Ritmo trepidante, música marchosa, mucha luz, mucho ruido. Así es Blade, la película que sigue la pista a este peculiar cazavampiros negro, que trata de librar al mundo de la maldición de los vampiros. Sobre todo de Deacon Frost, causante de la muerte de su madre y de que comparta algunas de las características de estos seres de las tinieblas. El cómic de Marvel ha sido adaptado a la pantalla por David S. Goyer, autor de uno de los films del género fantástico más interesante de los últimos tiempos: Dark City. El británico Stephen Norrington, procedente del mundo del videoclip, dirige la cinta. Y ha apostado por dar a Blade un "look" de semivampiro elegante, con clase: gafas oscuras, ropas negras y grises, gabardina flotante en las escenas de acción. En cambio Frost (encarnado por Stephen Dorff) es un vampiro macarra y mal afeitado, con una pinta permanente de colgado; no en vano es muy aficionado a organizar orgías vampíricas. Mucha sangre y efectos especiales salpican a este violento título, que trata de ser fiel a los dictados del cómic en que se basa. Wesley Snipes, el popular actor de color (Sol Naciente, Demolition Man, Pasajero 57) da vida con fortuna al torturado Blade. Aunque no estamos ante un film que exija grandes esfuerzos interpretativos, el actor se muestra inspirado cuando, casi al final, descubre un terrible secreto en torno a su madre. Snipes demuestra además que sus aptitudes como karateka no han perdido fuerza con los años.

6/10
El final de la violencia

1997 | The End of Violence

Un productor de cine que debe su fortuna a las películas violentas, vive en una espectacular finca a las afueras de Los Angeles. De pronto, de modo misterioso, su vida se ve amenazada por dos misteriosos desconocidos. Él huye, receloso de su mujer, que cree que le oculta algo. Los dos desconocidos mueren asesinados, pero el crimen ha quedado registrado en vídeo: un sorprendente laboratorio experimental, situado en una colina, viola la intimidad de las personas grabando en cinta todo tipo de sucesos. La excusa es un genérico "por el bien de toda la sociedad". El alemán Wim Wenders demuestra que es perfectamente posible unir el género del thriller (la emoción persiste a lo largo de toda la película) con la invitación a reflexionar. El film parte de la violencia que fabrica un productor cinematográfico (lo encarna un entonado Bill Pullman) para llegar hasta una violencia real, que afecta al protagonista. Recuerda el planteamiento al interesante título de Lawrence Kasdan, Grand Canyon, el alma de la ciudad. El director no escamotea los horribles efectos que engendra la violencia, y explica sin malabarismos cómo está motivada por el egoísmo, el desprecio del individuo, la crueldad. Y dibuja con acierto el interesante personaje de la esposa del protagonista (encantadora Andie MacDowell), que desde una posición frívola se asoma al abismo del mal.

7/10
Las aventuras del Príncipe Valiente

1997 | Prince Valiant

En la corte del rey Arturo se encuentra la princesa Ilene, contemplada con arrobamiento por el príncipe Valiente, que la acompañará de camino a celebrar su enlace matrimonial concertado con el príncipe Arn. Pero anda por ahí una bruja que ha enredado las cosas. Adaptación bastante pobre de las aventuras del príncipe Valiente, el cómic creado por Hal Foster. En el film se ve a unos juveniles y entonces desconocidos Stephen Moyer y Katherine Heigl.

4/10
Rompiendo las olas

1996 | Breaking the Waves

Bess, una joven escocesa sencilla e ingenua, pero de bondad extrema, se enamora perdidamente de Jan, trabajador de una plataforma petrolífera. Se casan, y son felices, pero cuando él sufre un accidente y queda paralítico, ella es impelida por su esposo a que se busque un amante, para que pueda seguir ejercitando su sexualidad. Bess acepta la propuesta, pensando que de algún modo, con esa 'entrega' -a ella le repugnan profundamente los encuentros con desconocidos, lo que querría es estar con su amado-, está cumpliendo la voluntad de Dios, lo que tal vez redunde en la curación de Bess. La filmación de esta película, inspirada inicialmente en 'Justine' del marqués de Sade, y en el cuento 'Corazón de oro', y que finalmente dio un peso preponderante al elemento religioso, coincidió con el bautismo de Lars von Trier como católico. Según explicaba el cineasta, "la religión es seguramente una prolongación de los rituales de infancia para evitar que todo derive hacia el caos. En cualquier caso, es obvio que uno no puede ir al encuentro de la religión de esa manera; si lo haces, pasa a ser una cosa más. Mi concepción es la misma que tengo sobre los milagros: no creo en la religión, la espero." Historia de amor intenso cuya totalidad acude a la metáfora de renunciar al propio cuerpo, y con un acercamiento muy dreyeriano (Ordet (La palabra) es una referencia clarísima), su milagroso final es de una enorme belleza.

7/10
Pinocho. La leyenda

1996 | The Adventures of Pinocchio

La película de un clásico de todos los tiempos, el muñeco de madera que se transforma en un niño de carne y hueso. En un mágico bosque de la vieja Italia, un anciano y humilde artesano llamado Geppetto (Martin Landau) encuentra un día un tronco de pino que ha sido abatido por un rayo en medio de una tormenta. Geppetto utilizará el tronco para modelar un muñeco de madera al que llamará Pinocho. Gracias al poder mágico del amor, el muñeco toma vida y se transforma en un muchacho real (Jonathan Taylor Thomas) que empieza a vivir como todos los muchachos de su edad. Pero pronto comienza a correr grandes aventuras y a exponerse a todo tipo de peligros, que tendrá que solventar gracias a la inestimable ayuda de Pepito Grillo y al amor paternal de Geppetto. Entrañable película sobre la inmortal obra de Carlo Collodi, con fascinantes efectos especiales y una interpretación soberbia del gran Martin Landau (Ed Wood). La banda sonora es fascinante. Cine de siempre y del mejor para toda la familia.

4/10
Barb Wire

1996 | Barb Wire

Barb Wire (interpretada por Pamela Anderson) es la dueña de un bar. Ella es una mujer fría que vive en un futuro no muy lejano en el que la tecnología se usa para conseguir las más sofisticadas armas y el país está en guerra civil. Varios hombres se disputan su amor, pero ella no pierde el tiempo con ellos. Tras su triunfo televisivo con la serie Los vigilantes de la playa, la actriz Pamela Anderson dio el salto a la pantalla grande con este filme, que adapta un cómic de la editorial Dark Horse. Aunque explota excesivamente su físico, la actriz resulta creíble en la piel del personaje, que había alcanzado un gran éxito en los Estados Unidos.

2/10
A Trick of the Light

1995 | Die Gebrüder Skladanowsky

Historia de los hermanos alemanes Max y Emil Skladanovsky, anteriores a los archiconocidos hermanos Lumière, y cómo idearon el bioscopio, primera versión del proyector de películas. Su invento proyectaba 8 imágenes por segundo. Wim Wenders (París, Texas, El final de la violencia) dirigió este título y especial documento cinematográfico en 1995, y el propio realizador hace un cameo en el film interpretando a un lechero. Curiosamente, Wenders trabajó poco después en el experimento Lumiere y compañía.

5/10
Johnny Mnemonic

1995 | Johnny Mnemonic

William Gibson transforma en guión un relato propio para el debutante Robert Longo siguiendo estelas muy claras: Desafío total y, en menor medida, Blade Runner, dos títulos clásicos de la ciencia ficción, tanto fílmica como novelada. La idea inicial es sugestiva. En el siglo XXI, los cerebros de algunas personas son utilizados para transportar información: su capacidad de almacenamiento, con las nuevas tecnologías, supera la del soporte óptico o magnético más sofisticado. Johnny Mnemonic es uno de estos disquetes con patas; hacerse con los datos que guarda su cerebro desata una lucha a muerte entre la mafia japonesa y un grupo de resistencia contra el orden establecido. La película entretiene a ratos. El guión es flojo, y en ocasiones acude a personajes tan endebles como injustificados, como el ridículo predicador. El director, al ver que el film se le va de las manos, recurre a lo fácil: ofrecer escenas de acción trepidante, vengan a cuento o no, convenientemente aderezadas con estridente música moderna.

4/10
Ace Ventura: Detective de mascotas

1994 | Ace Ventura: Pet Detective

Ace Ventura es un detective algo chiflado cuya especialidad es rescatar a animales robados. Su próximo trabajo es encontrar al delfín Copito de nieve, mascota del equipo de fútbol de Miami, que ha sido secuestrado en vísperas del campeonato. El caso no será fácil pues tendrá que hacer frente a los obstáculos que se le irán interponiendo por el camino. Jim Carrey hace alarde de un sinfín de muecas, como es habitual en este polifacético actor. Es el primer film de su carrera en el que aparece como protagonista y desde luego dio muestras suficientes de que la comedia es el campo donde mejor se desenvuelve.

4/10
The Kingdom

1994 | Riget | Serie TV

Singular y original serie de televisión, concebida por el danés Lars Von Trier, con el conflicto fe-razón como pilar principalísimo. La acción transcurre en un moderno hospital construido sobre un terreno pantanoso, donde antaño gente sencilla blanqueaba la ropa en las aguas del lugar. Esta construcción de un lugar donde se atiende a los enfermos, que tiene la ciencia y razón como paradigma, contrastaría con las creencias a desterrar de las personas del pasado, y de algunas actuales ancladas en la superstición. Muy curiosamente, esta serie es coetánea de la creación de Michael Crichton Urgencias. Y algunas similitudes hay en la creación de personajes: el director del hospital, el engreído neurocirujano sueco que se lleva los tapacubos de las ruedas de sus coches para que no se los roben, los médicos residentes, enfermeras, estudiantes que gastan bromas macabras con los cadáveres de las clases de anatomía… Pero con un elemento fantástico –a través del hueco del ascensor se escucha el lamento de una niña– y el personaje de una paciente, madre de un celador y de creencias espiritistas, que a modo de una muy particular miss Marple ‘cazafantasmas’, va a contactar con los espíritus que moran en el hospital. El director danés demuestra una enorme creatividad a la hora de acometer de modo inquietante una historia de género para la pequeña pantalla, mezcla imposible de géneros, que al tiempo hace pensar cuestionando la teórica superioridad de la ciencia frente a cualquier otra disciplina, o la visión nietszchiana de la vida. Concebir personajes interesantes, exhibir un vitriólico sentido del humor y reírse de los excesos del cientifismo –la ceremonia de ingreso en una logia es la ‘bomba’–, criticar la deshumanización de la medicina y el modo estúpido en que se trata de corregir tal problema –la operación Brisa Matutina–, son algunas de las cualidades de Kingdom. Además se da la ironía de que los dos disminuidos psíquicos que trabajan de friegaplatos, que actúan a modo de coro griego, saben más de lo que pasa en el hospital, que el resto de personal que pulula por ahí. Y tan pronto se pasa al terror simplemente sugerido, como entran en danza los típicos excesos sanguinolentos del género, o se conciben extravagancias –el 'bebé', las aventuras en la avioneta...– casi surrealistas. Al modo de un Alfred Hitchcock, Von Trier aparece al final de cada episodio haciendo algún comentario. Y sus observaciones –“El artista más ingenioso no es más que una hormiga al lado de Dios”, “Nunca podremos abordar la vida”– demuestran inteligencia, y explican su concepción de la serie como una muy peculiar respuesta a la negación de lo espiritual. Estilísticamente, Kingdom ya presenta muchos de los elementos clave del célebre movimiento ‘Dogma’ –cámara en mano, sonidos reales casi siempre y música incidental mínima­–, a los que suma otras opciones adecuadas para crear la deseada atmósfera de misterio: ángulos de cámara extraños, virado al naranja de todo el metraje, acentuación de los ruidos, sobreimpresiones de los fantasmas, elaboradísimo montaje con cortes de tiempo en las escenas para acelerarlas… Además, Von Trier sabe crear genuino suspense, como en las escenas del ‘asalto’ al archivo hospitalario, o en el baile de tazas de café en la reunión matutina de los médicos.

8/10
Conserje a su medida

1993 | For Love Of Money

Doug Ireland (interpretado por Michael J. Fox) trabaja como conserje en uno de los mejores hoteles de Nueva York. Desde su recepción consigue que a los clientes no les falte de nada e incluso se anticipa a algunos de sus caprichos. Sin embargo, sueña con construir su propio hotel de lujo a orillas del río Hudson. Tiene pensados todos los detalles y únicamente necesita un inversor. Cuando conoce a un hombre de negocios un tanto amoral, cree que puede convencerle para que invierta en su negocio pero, sin embargo, no puede evitar enamorarse de su novia. Entretenida comedia de enredo muy bien protagonizada por Michael J. Fox (Regreso al futuro, Agárrame esos fantasmas). El director Barry Sonnenfeld (La familia Addams) le imprime un ritmo muy ágil.

5/10
Europa

1991 | Europa

Una original mirada a la Alemania de postguerra, a cargo del danés Lars von Trier. Sigue la pista a un joven americano, descendiente de alemanes, que vuelve a su país de origen con idea de ayudar a su reconstrucción. Por mediación de su tío empieza a trabajar en un tren de la línea Zentropa, donde pronto es sometido a presiones de los aliados y los alemanes, para que apoye los intereses de unos u otros. Mientras un grupo subversivo realiza ataques terroristas, él se enamora de la hija del dueño de Zentropa. Con sorprendente acabado visual, deudor del expresionismo, donde cautivan la mezcla de color y blanco y negro, o las sobreimpresiones, Von Trier pergeña una historia muy movida de aires kafkianos, que recuerda que en esta vida se hace obligatorio, en un momento u otro, tomar partido. Inolvidable resulta la voz en off inicial de Max von Sydow contando hasta diez para iniciar el viaje a Europa. El director, con su característico estilo de comunicación travieso y petulante afirmó que había diseñado el film "como una obra maestra. Eso lo decidí por adelantado, antes siquiera de empezar a escribirla."

7/10
Mi Idaho privado

1991 | My Own Private Idaho

Mike (River Phoenix) y Scott (Keanu Reeves) son dos chicos que se ganan el sustento vendiendo su cuerpo a otros hombres por las calles de Oregón. Mike tiene narcolepsia, enfermedad que se caracteriza por provocar un sueño repentino a la persona, y el muchacho está obsesionado con encontrar a su madre a la que no ve desde hace mucho tiempo. Por su parte, Scott es un chico rebelde de familia acomodada, que ha dejado los lujos de su hogar para dedicarse a la prostitución como modo de llevar la contraria a su estricto padre. Los dos muchachos se hacen amigos y decide viajar hasta Italia para ir en busca de la madre de Mike, y por el camino los lazos de afecto se harán tan fuertes que éste comenzará a enamorarse de Scott. Película célebre de Gus Van Sant (Elephant) y crudo retrato de dos jóvenes chaperos homosexuales que viven en un ambiente sórdido de drogas y corrupción. El director imprime su sello particular en la realización de la película, con escenas fuera de lo normal, como los modelos que hablan en las fotos de las revistas. El film recibió varios galardones y River Phoenix ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia.

5/10
Medea (1988)

1988 | Medea

Apasionante adaptación de la obra clásica de Eurípides, a cargo del "enfant terrible" del cine danés, Lars von Trier, tomando pie de un guión del maestro Carl Theodor Dreyer. Sigue a Medea y Jasón en su viaje a Corinto, donde el rey Creonte ofrece la mano de su hija Glauca a Jasón, lo que supone postergar a la madre y a sus dos retoños.Destaca en el film no sólo la fuerza del tema de la venganza, que lleva a pasar por encima de los sentimientos de amor a los hijos, sino las imágenes, el modo visual de contar esta tragedia. El tono es lacónico y sobrio, de riguroso ascetismo si se quiere, pero de gran fuerza; y aunque Von Trier asegura que no ha pretendido imitar a Dreyer, sino seguir su propio camino, seguro que el gran maestro habría quedado satisfecho del resultado alcanzado.

7/10
Epidemic

1987 | Epidemic

Lars von Trier y Niels Vørsel preparan un guión titulado "El policía y la puta" para un productor americano, pero lo pierden accidentalmente. Como lo recuerdan vagamente, comienzan a preparar otro, "Epidemic", acerca de una extraña epidemia que asola a nuestra sociedad; la preparación del libreto se intercala con algunos fragmentos del supuesto film, donde el doctor Messner, interpretado por el propio von Trier, viaja a la zona infectada para intentar salvar a los enfermos. Peculiar film experimental, rodado en blanco y negro en 35 y 16 mm, y con inteligente uso de la obertura del "Tanhaussen" de Wagner, algunas de sus situaciones kafkianas anticipan lo que sería Europa. De resultado irregular, hay algunos pasajes bellos -el doctor en una imagen en que parece que está volando, aunque en realidad pende de un helicóptero, donde viaja su amada enfermera- y algunas ideas ocurrentes -la enfermera enterrada viva-, junto a otros momentos delirantes -el cura que se preparó para su misión en un par de días, el desenlace en una sesión de hipnosis-, en lo que parece una completa quedada, de ésas a las que tan aficionado es el director danés.

5/10
Lola (1981)

1981 | Lola

Un funcionario se enamora de una prostituta sin conocer su "profesión". De este modo se convierte en rival del dueño del burdel donde trabaja ella. Fassbinder compone así un drama desgarrado y de pasiones desatadas.

4/10
Una canción... Lili Marleen

1981 | Lili Marleen

Durante la Segunda Guerra Mundial, la canción "Lili Marleen" se convirtió en símbolo de la añoranza de la paz. Este film del alemán R.W. Fassbinder cuenta la historia de la mujer que interpretó la famosa tonada, una cabaretera llamada Willie, que tiene un idilio con Robert, un hombre que ayuda de forma clandestina a huir a los perseguidos judíos. Las dificultades de tal amor, y el modo en que la radio populariza el tema "Lili Marleen", constituyen la columna vertebral de la cinta más popular del siempre difícil Fassbinder.

6/10
Berlin Alexanderplatz

1980 | Berlin Alexanderplatz | Serie TV

Franz Biberkopf acaba de salir de la cárcel, lugar donde ha permanecido recluido cuatro años por el asesinato de su novia en una violenta discusión. Su reingreso en el mundo real del Berlín de entreguerras no parece que le vaya a convertir en el hombre nuevo que quisiera, seguirá moviéndose entre personas marginales, y sus insanos instintos continuarán bullendo dentro de él. Adaptación en formato de larga serie televisiva de prestigio, de la obra homónima de Alfred Döblin. El escritor alemán publicó "Berlin Alexanderplatz" en 1929, y parece que rehizo la estructura de su libro cuando cayó en sus manos el "Ulysses" de James Joyce. En efecto, también su libro tiene un esquema complejo, donde se recogen los monólogos interiores del protagonista, distintos puntos de vista, noticias de periódico y fragmentos enciclopédicos, canciones... Y el prestigioso cineasta alemán R.W. Fassbinder ha hecho un esfuerzo ímprobo para que la serie, que transcurre en una barriada obrera de Berlín en los años 20, fuera fiel a dicha complejidad. Está presente así la situación social, donde la crisis económica es adecuado caldo de cultivo para el nazismo y el comunismo, y para que personas en circunstancias miserables caigan en la delincuencia o en la prostitución, aun teniendo la determinación de cambiar, como el protagonista. También se pinta un ambiente insano y depravado, donde sorprenden acuerdos como el de Franz con un amigo, por el que acepta seducir a las mujeres de las que se cansa el otro. Tenemos así una historia cuidadísima, fotografiada con mimo -esos ocres y dorados tan contrastatados retrotraen a las escenas evocadoras de la pequeña Italia en El padrino II, al igual que la banda sonora recuerda a la de Nino Rota- y con una verdadera pléyade de actores, entre los que destaca el protagonista, Günter Lamprecht. Eso sí, su enorme densidad, junto al dibujo de personajes vacíos y sin alicientes, consumidos por sus pasiones y un anhelo de felicidad nunca satisfecho, la hacen sólo indicada para espectadores con el estómago adecuado, a prueba de bombas.

7/10
Die dritte Generation

1979 | Die dritte Generation

Peter Lenz, ejecutivo de una multinacional de la electrónica, concibe un elaborado plan para vender equipos informáticos al estado, que compra más cuando se cometen actos terroristas. Por eso, decide contratar a un grupo de locos terroristas, para que éstos simulen el secuestro del propio Lenz. En una de sus películas más desconocidas, Fassbinder abordó el problema de la violencia terrorista y critica la posible utilización interesada del estado del terrorismo para autolegitimarse. El título, traducible como 'La tercera generación' hace referencia a un grupo de antiguos miembros de la RAF, que siguieron en activo tras la desarticulación de esta organización. Fassbinder fue acusado de apología del terrorismo, ante lo que comentó "Yo no tiro bombas, hago películas".

6/10
La mujer del ferroviario

1977 | Boldwieser

Xaver, es un ferroviario enamoradísimo de Hanni, su mujer. Ambos viven en Werburg, pequeña ciudad de Baviera, en la década de los 20. Por su parte, Hanni se siente infeliz en su matrimonio y le engaña con cuanto hombre se cruza en su camino. Xaver se resiste a aceptar la realidad. Intenso drama sobre las relaciones conyugales de R.W. Fassbinder, que adaptó una novela de Oskar Maria Graf. El cineasta describe la Alemania anterior al ascenso de Hitler al poder, y logra componer personajes de carne y hueso. El film muestra la tragedia de un hombre capaz de llegar a la más absoluta degradación por amor, para poder mantener a su lado a su esposa.

6/10
Suspiria

1977 | Suspiria

Suzy es una joven americana que viaja hasta Friburgo para ingresar en una academia de danza. Pero nada más llegar suceden cosas muy inquietantes, entre ellas el brutal asesinato de otra joven alumna. Durante su estancia en el lugar, Suzy y su amiga Sara empiezan a comprobar que hay algo extraño en el comportamiento de las profesoras. Dario Argento escribe y dirige una de sus películas más emblemáticas. El aire de serie B y las truculencias sanguinolentas propias del cineasta italiano están muy presentes. Argento acentúa el terror de la historia, de argumento tópico y endeble, con un uso efectista y descarado de una banda sonora ideal y unos decorados asfixiantes y recargados, ricos en colores rojos y figuras geométricas. Entre el reparto destaca la presencia de las viejas glorias Joan Bennett y Alida Valli.

6/10
Historia de O

1975 | Histoire d'O

Por amor a su amante René (Udo Kier), la bella fotógrafa O (Corinne Cléry) se somete a las lecciones sobre todo tipo de prácticas sexuales masoquistas en el castillo de Roissy. Más tarde vivirá una malsana relación de dominación y sumisión con el hermanastro de René, Sir Stephen (Anthony Steel). Adaptación muy explícita de la célebre novela erótica de Dominique Aury.

2/10
Sangre para Drácula

1974 | Blood for Dracula

El conde Dracula está muy débil y necesita sangre de vírgenes para sobrevivir. En compañía de su secretario Anton viajará desde Rumanía hasta Italia en busca de mujeres que sean vírgenes, pues al tratarse de un país religioso piensan que es más fácil encontrarlas allí. Conocerán así a los Di Fiore, una aristocrática familia venida a menos, compuesta por el matrimonio y cuatro hijas casaderas, los cuales viven en una gran mansión destartalada. El conde se presenta allí como si fuera a buscar esposa, cuando lo que en realidad desea es una virgen a quien morder. Pero lo que no sabe es que las jovencitas Di Fiore en lugar de vírgenes son unas golfas que perdieron la virginidad hace mucho y que viven continuamente enfangadas en costumbres depravadas. Extraño film producido por Andy Warhol, entre el drama y el terror, donde el director Paul Morrissey explota gratuitamente un explícito erotismo, con desnudos y morbo en múltiples escenas. Drácula (Udo Kier) es retratado como un ser débil y desdichado, en continuo sufrimiento por no lograr la sangre virgen que necesita. Por lo demás, la ambientación, el cuidado de la planificación y la puesta en escena recuerdan de algún modo a los filmes de Luchino Visconti, incluidos los elementos de elegancia, decadencia aristocrática y vicios sexuales. El director Roman Polanski aparece en un pequeño cameo

4/10
Carne para Frankenstein

1973 | Flesh for Frankenstein

El barón Frankenstein vive en su castillo junto a su esposa y sus pequeños hijos. Mientras él dedica su tiempo a realizar experimentos con miembros de muertos para fabricar seres humanos que logren reporducirse, su mujer, ávida de sexo, utilizará a un joven campesino para sus fines placenteros. El rarito Paul Morrissey usa el mito de Frankenstein para narrar su propia versión, como haría un año después con la superior Sangre para Drácula. Aquí ofrece una recargada ambientación gótica para ofrecer cierta intriga, varios desnudos y escenas de estilo gore, pero con unos efectos especiales tan caseros que resultan risibles. Los personajes interpretan de modo hiérático a sus personajes (lo de Udo Kier llega al extremo), de modo que todo resulta demasiado teatral.

3/10
Las torturas de la inquisición

1970 | Hexen bis aufs Blut gequält

Mirada morbosa y sesgada de los tiempos de la inquisición que recrea algunos casos horribles e injustos en que los inquisidores de un pueblo torturan a gente inocente, acusados de brujería y tratos con el diablo, etc., por despecho, vicio o simple maldad por parte de los responsables de esta institución. El film se recrea en mostrar la corrupción de las altas esferas civiles y eclesiásticas, encargadas de los procesos inquisitoriales. Además se muestran métodos terribles para hacer confesar a los detenidos unas culpas que no habían cometido, los cuales resultan a veces bastante desagradables. La película, dirigida sin demasiada originalidad por Michael Armstrong, reúne dos actores de cierto renombre, un jovencísimo Udo Kier en el papel del inocente conde Christian, y Herbert Lom, en el papel de inquisidor Cumberland.

4/10

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