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Biografía

Melanie Lynskey

Melanie Lynskey

43 años

Melanie Lynskey

Nació el 16 de Mayo de 1977

Criatura celestial

23 Junio 2011

Decir que la “criatura celestial” Melanie Lynskey descendió a los infiernos tras brillar en Criaturas celestiales parece excesivo, pero lo cierto es que esta expresiva morena fue a parar al limbo en cierto modo, hasta que se reinventó con una buena carrera como actriz secundaria.

Había una vez dos muchachitas que dieron el golpe bajo las órdenes de Peter Jackson interpretando a dos asesinas adolescentes en Criaturas celestiales (1994). Una se llamaba Kate Winslet, se subió al Titanic, y alcanzó innegable fama además de un Oscar años después por The Reader (El lector). ¿Y la otra? La otra respondía al nombre de Melanie Lynskey, y aunque ha seguido adelante hasta la fecha con su carrera actoral parece evidente que su nombre resulta mucho menos conocido.

Melanie Jayne Lynskey nació el 16 de mayo de 1977 en New Plymouth, Nueva Zelanda. Y su debut en la pantalla fue de la mano de su compatriota Peter Jackson en la mentada Criaturas celestiales, donde junto a Winslet ofrecía un retrato escalofriante de una jovencita atrapada en sus malsanas ensoñaciones hasta el punto de convertirse en una asesina; el film estaba basado en hechos reales, y realmente sorprendió a propios y extraños. Melanie fue escogida entre 500 candidatas, y el director aseguró que le había decidido su aspecto enigmático.

Melanie, o Mel, como es conocida familiarmente, podía haberse lanzado de cabeza a una carrera de actriz con sus 16 años, pero en cambio prefirió tomarse las cosas con calma, y dedicarse a estudiar arte y literatura inglesa en la Universidad de Wellington. Lo que no impidió que Jackson le diera un papelito de figurante en Agárrame esos fantasmas (1996). Terminados los estudios, marchó a Los Ángeles, decidida a ser actriz. Atrás quedaba una idea anterior a su debut en las pantallas, de ser crítica de cine. Y se apuntó a una revisión del cuento de la Cenicienta, Por siempre jamás (Andy Tennant, 1998), donde le acompañaron otras actrices que deberían haberle servido de inspiración, como Drew Barrymore, Anjelica Huston e incluso Jeanne Moreau. Pero lo cierto es que llegó un tiempo de “vacas flacas”, su trabajo en Criaturas celestiales quedaba demasiado atrás, y le tocó estar en películas muy poco estimulantes como Cero en conducta (1999). Se apuntó a títulos exóticos -The Cherry Orchard (1999), adaptación europea de la obra de Chejov- y tuvo un papel menor en el popular film de “chicas cañón” El Bar Coyote (2000). Rodando en 2001 Rose Red, miniserie basada en la obra de Stephen King, conoció al actor Jimmi Simpson, con quien se casó en 2007.

De modo que su carrera cinematográfica, a diferencia de la de Kate Winslet, discurría con papeles secundarios, como en el thriller La desaparición de Embry (2002) y Sweet Home Alabama (2002), donde su presencia en este segundo film quizá la justificaba el encuentro previo de la actriz con Tennant en Por siempre jamás. Algunos títulos eran interesantes, como El precio de la verdad (2003), pero la verdad que justamente le tocaba admitir es que le correspondían roles de poca entidad. Hasta que tuvo la suerte de ser requerida para la exitosa telecomedia de Charlie Sheen Dos hombres y medio (2003). Allí fue hasta 2007 Rose, la vecina de los protagonistas, y su rostro se haría tremendamente popular y aún aparecería luego en episodios aislados como estrella invitada. Otras series de la pequeña pantalla donde se ha visto a Lynskey son The Shield, L y Drive.

Quizá Melanie, con su aspecto frágil y desorientado, no invita a que se le concedan papeles protagonistas, pero lo cierto es que la actriz se las ha apañado para estar en grandes películas de grandes directores. Las más destacadas son Banderas de nuestros padres (Clint Eastwood, 2006), Up in the Air (Jason Reitman, 2009), Un lugar donde quedarse (Sam Mendes, 2009) y ¡El soplón! (Steven Soderbergh, 2009). Ahora acaba de rodar Leaves of Grass, junto a Susan Sarandon, y sobre todo, Win Win, ganamos todos, estupenda película de Thomas McCarthy donde borda el papel de madre egoísta con un problema de adicción.

Filmografía
Mrs. America

2020 | Mrs. America | Serie TV

Serie planteada claramente como diatriba contra Phyllis Schlafly, activista conservadora de St. Louis. La acción comienza en 1972, cuando el poder legislativo de Estados Unidos aprueba la Enmienda de Igualdad de Derechos o Equal Rights Amendment (ERA). Schlafly, también madre de familia casada con un influyente abogado, llega a la conclusión de que este supuesto avance podría acabar perjudicando a las mujeres, y destruyendo a la familia tradicional. De ahí que se lance a elaborar una serie de boletines, y a impartir charlas exponiendo su punto de vista, para evitar que la mayor parte de estados ratifiquen la ERA, condición indispensable para que entre en vigor. Dahvi Waller (guionista en series como Mad Men) escribe y aparece acreditada como creadora de esta miniserie de 10 capítulos para Hulu, donde precisamente su trabajo quizás suponga el punto más débil. Sobre todo, se muestra claramente partidista, no se intenta entender el punto de vista de los republicanos. Se arremete contra Schlafly, a la que muestra como una pobre desgraciada contradictoria, que defiende que la mujer no está discriminada, pero que por ejemplo asiste a una reunión en la que le piden que sea la que tome notas, por ser la única mujer, o su esposo la obliga a mantener relaciones sexuales cuando ella está agotada. Se describe en cambio sin aristas a sus oponentes, representantes de la segunda ola del feminismo, como Gloria Steinem, fundadora de MS Magazine, la escritora Betty Friedan o Shirley Chisholm, primera afroamericana elegida para el Congreso. Se trata no obstante de una serie con cuidada reconstrucción de la época, y con una realización notoria, se llevan el mayr mérito Anna Boden y Ryan Fleck, en su proyecto inmediatamente posterior a Capitana Marvel, pues se han responsabilizado de cuatro de los diez capítulos. Resulta muy eficaz que los tramos en los que aparece Schlafly estén rodados en un estilo tradicional y más academicista, y los del resto de mujeres, cámara en mano, con un toque más moderno. También se han esforzado mucho los miembros del reparto, en especial Cate Blanchett, en el rol protagonista, pero también John Slattery (su marido), Rose Byrne (Steinem), Elizabeth Banks (la feminista Jill Ruckelshaus), o James Marsden (el diputado Phil Crane), todos ellos tan eficaces  que por momentos consiguen que no se note que sus personajes estén torpemente descritos sobre el papel.

5/10
Castle Rock

2018 | Castle Rock | Serie TV

1991. En la pequeña localidad de Castle Rock el sheriff Alan Pangborn investiga la desaparición del niño Henry Deaver, que aparece once días después de extraviarse sin recordar qué ha ocurrido. 27 años después, el chico ha crecido, convirtiéndose en abogado que trata de sacar a sus clientes del corredor de la muerte. Volverá a su lugar natal tras mucho tiempo de ausencia para ayudar a un recluso de la prisión de Shawshank, que ha sido confinado en el sótano tras el suicidio del alcaide. Cuando triunfaba Perdidos, muchos críticos señalaban la influencia en aquélla de la literatura de Stephen King, que por otro lado escribió algún artículo en el que se declaraba seguidor de la serie. Ahora, uno de sus creadores, J.J. Abrams se alía con el celebérrimo escritor en una producción que mezcla elementos de su obra. La jugada recuerda a la británica Dickensiana, que hacía lo propio con Charles Dickens, con la diferencia de que allí resultaba fácil reconocer a todos los personajes. En Castle Rock no está tan claro de dónde viene cada cosa, un lector que más o menos conozca la obra del rey del terror identificará muchas referencias, por ejemplo uno de los personajes, la sarcástica historiadora local Jackie Torrance, debe ser de la misma familia que Jack Torrance, personaje que inmortalizó Jack Nicholson en El resplandor. De la misma forma, se puede recordar que en la prisión de Shawshank transcurría “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, relato que dio lugar a Cadena perpetua, que la ciudad de Castle Rock –que da título a esta producción– aparece en “Cujo”, “La zona muerta”, “La mitad oscura” y “La tienda”, y que en las dos últimas el sheriff del lugar era Alan Pangborn, que aparece aquí, salvo en el prólogo, ya jubilado. Se puede relacionar a un par de actores con adaptaciones del escritor, en concreto aparecen Sissy Spacek, protagonista de Carrie y Bill Skarsgård, el payaso maléfico de It. También cuenta con una atmósfera opresiva y se incide en temas con los que el de Maine parece obsesionado, como la infancia problemática, la llegada del mal absoluto o el ofuscamiento religioso. Por lo demás, recuerda mucho al mayor éxito catódico de Abrams por la abundancia de enigmas que se ramifican a partir de la trama principal, y por sus numerosos saltos en el tiempo. Por desgracia, no tiene el mismo poder de fascinación, y abundan los altibajos de ritmo. André Holland (Moonlight) realiza un buen trabajo como el recién regresado Henry, que vertebra la acción, al frente de un reparto coral más o menos acertado.

5/10
Ya no me siento a gusto en este mundo

2017 | I Don't Feel at Home in This World Anymore

Una película singularísima, con humor negro algo macabro, de corte existencialista, pues a la postre viene a proponer una reflexión acerca de la condición humana, el hartazgo ante la rutina y la falta de delicadeza de las personas. Ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance. Sigue a Ruth, enfermera que es testigo de la muerte de una paciente rabiosa y diciendo obscenidades. Luego se encuentra con que la casa donde vive sola ha sido asaltada, le han robado el ordenador y la cubertería de plata que heredó de su abuela, y la policía no parece tomarse la cosa demasiado en serio. De modo que es ella la que toma cartas en el asunto, haciendo indagaciones varias. Le ayuda un vecino que le enervaba sobremanera, al dejar las heces de su perro por cualquier sitio, pero que resulta ser un compañero fiel y con sentido de la justicia. El film supone el debut en la dirección del actor Macon Blair, visto en Blue Ruin. Imprime a la narración un tono algo surrealista y grotesco, con algunos elementos gore y personajes algo friquis pero que se hacen querer. Protagoniza la neozelandesa Melanie Lynskey, que debutó a las órdenes de Peter Jackson en Criaturas celestiales, y le secunda Frodo Bolsón, o sea, Elijah Wood.

6/10
The Changeover

2017 | The Changeover

La intervención

2016 | The Intervention

Togetherness

2015 | Togetherness | Serie TV

Serie urdida por los hermanos Jay y Mark Duplass, éste también con presencia actoral, al igual que ocurre con Steve Zissis, que ha intervenido en los guiones. Siguiendo la estela de sus trabajos para el cine, aborda con ácido humor la vida familiar y sentimental de una familia –matrimonio con dos niños–, la hermana de la esposa, y el mejor amigo del marido, aspirante a actor. La idea es mostrar que lo de sacar adelante un hogar puede dar paso a la rutina en la vida de pareja, y los niños convertirse en insoportables. Tales premisas dan pie a un humor entre cínico y patético, en que la sexualidad conyugal ha sido sustituida por sucedáneos de placer en solitario. Lo mejor es el timing y un reparto que se encuentra a gusto en sus roles, pero la mirada antropológica resulta muy pobretona.

5/10
They Came Together

2014 | They Came Together

Happy Christmas

2014 | Happy Christmas

Goodbye to All That

2014 | Goodbye to All That

Hello I Must Be Going

2012 | Hello I Must Be Going

Las ventajas de ser un marginado

2012 | The Perks of Being a Wallflower

Charlie acude por primera vez al instituto. Es un chico inseguro, reconcentrado, tímido. Su mejor amigo se ha suicidado poco tiempo atrás y él ha pasado una temporada en una clínica psiquiátrica. Aún tiene vacíos de conciencia y va vertiendo su interior en una carta imaginaria a su amigo fallecido... Sus miedos irán desapareciendo poco a poco cuando conozca a varios compañeros del instituto, sobre todo a la guapa Sam y a su simpático hermanastro Patrick. Ella arrastra un pasado de abusos, mientras que él es gay y mantiene una difícil relación con un chico. Con Sam, Patrick y otros colegas más bien frikis, Charlie vivirá diversas experiencias (drogas, espectáculos underground, alcohol, etc.) y se sentirá vivo por primera vez. Además conocerá el valor del cariño y la amistad. El escritor y cineasta Stephen Chbosky (guionista de Rent y la serie Jericho) lleva a la pantalla su propia novela, de gran éxito en Estados Unidos. Las ventajas de ser un marginado, un drama que encierra turbios acontecimientos que pueden marcar una vida para siempre, tiene sin duda varios puntos de interés. Quizá un acierto considerable es haber dado el enfoque adecuado. Salvando en todo momento la explicitud desagradable Chbosky se las arregla para dar a conocer eficazmente el mundo de una serie de jóvenes poco convencionales, cuyos traumas acaban uniéndolos como un imán. Lo hace remarcando la hipersensibilidad del protagonista (y, por extensión, también de sus amigos), quien guarda un secreto pasado que le ha convertido en un ser inadaptado, inseguro, confuso. Desde luego llega al espectador el modo en que el protagonista reflexiona acerca de su presente, de su aquí y su ahora, haciendo hincapié en que no se trata de una adolescente sublimación de los sentimientos, de algo superficial que se mirará con desdén en la vida adulta, sino de una situación real, dolorosa, exaltada, triste o feliz, pero siempre vivida consciente e intensamente (ese “somos infinitos” que se repite como un leitmotiv). El modo respetuoso de acercarse a los más serios problemas que pueden acuciar a tantos jóvenes desorientados es el motivo por el que esta película sea quizá un poquito más redonda que tantas otras que miran las problemáticas del mundo adolescente con cierta displicencia. Es innegable asimismo que Las ventajas de ser un marginado es una denuncia del terrible daño que ciertas acciones adultas pueden ocasionar en la niñez. Todo tiene consecuencias. A la vez hay mucha sutilidad a la hora de mostrar cómo se puede ayudar a salir a un joven de una difícil situación. Ejemplo preclaro es la presencia de ese profesor de literatura, buen profesor, que en tan sólo un par de escenas sabe calar el potencial de un alumno y a la vez darse cuenta de su dificultad para encontrarse a sí mismo. También funcionan las breves palabras del hermano mayor, que resulta sincero y sobrio. En este sentido, es algo extraño que los padres queden demasiado de lado, aunque siempre estén ahí, pendientes pero sin atosigar, al igual que la hermana. Y, por supuesto, la amistad es un camino seguro. Que las tribulaciones del protagonista hagan mella en el público se debe en gran parte al meritorio trabajo de Logan Lerman, que borda su desorientación existencial con un personaje que despierta ternura y cercanía, y que confirma que su buen papel en El tren de las 3:10 no fue una casualidad. También destaca, y mucho, la fenomenal Emma Watson, cuyo provenir se antoja exitoso, alejada definitivamente del rol mágico de Hermione Granger.

6/10
Win Win, ganamos todos

2011 | Win Win

Mike Flaherty es abogado de una pequeña población, felizmente casado, con dos niñas. En sus ratos libres entrena al equipo de lucha libre de un instituto. Enredado en dificultades económicas con las que no quiere preocupar a su esposa, acepta ser el tutor legal de un cliente anciano con principio de demencia senil, lo que supone unos ingresos extra. Un día se presenta Kyle, el nieto adolescente del anciano, con dificultades en casa, su madre soltera está en un programa de desintoxicación. Los Flaherty acogen en su hogar al chico, mientras Mike descubre que tiene ahí un diamante en bruto, Kyle tiene talento más que sobrado para la lucha libre. El actor Thomas McCarthy prueba su enorme talento para el guión y la dirección de películas, demostrado anteriormente en Vías cruzadas y The Visitor. Deslumbra lo fácilmente que fluye la narración de esta película, que combina elementos de drama, comedia y cine deportivo, sin que se imponga claramente ninguno de estos géneros. El cineasta sabe plantear conflictos de entidad, todos resumibles en la importancia de superar egoísmos y prejuicios para ocuparse generosamente de los demás, con la idea clara de que, como culminaba la película Con faldas y a lo loco, “nadie es perfecto”, a lo que podríamos añadir, “en todos podemos encontrar rasgos positivos, aunque no falten las manías y defectos”. Y al tiempo, toda la narración esta sembrada de pequeños detalles que la dotan de una agradecible credibilidad, mientras la lucha libre sirve de metáfora acerca de las peleas cotidianas que corresponden a todas las personas. El film es modélico en la construcción de personajes, con unos actores perfectamente seleccionados y dirigidos. Parece claro que McCarthy vierte en la película su propia experiencia familiar en los miembros de la familia Flaherty –estupendos Paul Giamatti y Amy Ryan, más las niñas–, pero además compone con acierto a los amigos del protagonista –estupendos secundarios Jeffrey Tambor y Bobby Cannavale–, a la abogada –Margo Martindale– y a los componentes de la familia desestructurada –el abuelo Burt Young, la hija Melanie Lynksey, el nieto Alex Shaffer, que debuta como actor–.

8/10
Buscando un amigo para el fin del mundo

2011 | Seeking a Friend for the End of the World

Un lugar donde quedarse

2009 | Away We Go

Burt y Verona han decidido unir sus vidas, formar algún día una familia. Aunque ella no quiere oír hablar de la palabra 'matrimonio'. Las cosas se aceleran cuando Verona descubre que está embarazada. A la hora de sacar adelante su hogar, contaban con la ayuda de los padres de Burt, que no viven lejos de su casa en Colorado. Pero reciben la noticia de que se van a vivir dos años a Europa. Como nada les liga a Colorado, deciden visitar a parientes y amigos en distintas ciudades (Fénix, Tucson, Wisconsin, Montreal, Miami), tratando de ver cuál sería el mejor lugar para echar raíces. Lo que les permite ver con nuevos ojos las distintas situaciones familiares, e interrogarse con más seriedad acerca de cuál debería ser su proyecto de familia. Pequeña película de Sam Mendes sobre el desafío de formar y sacar adelante una familia, un tema recurrente en su filmografía, de modo meridiano en American Beauty y Revolutionary Road. Aquí, a pesar del tono ligero del guión de Dave Eggers y Vendela Vida, que sigue un esquema que recuerda a Flores rotas de Jim Jarmusch, no se trata con menos rigor la cuestión, aunque sí con más optimismo. De modo que se pintan las relaciones de pareja con las contradicciones propias de la modernidad. Así, puede haber más franqueza al hablar de su vida íntima, pero también mayor zafiedad; y botón de muestra elocuente de las abundantes paradojas es la decisión sentimental de Verona de no casarse -Burt sí querría-, aunque el compromiso de permanecer juntos, hasta que la muerte los separe, aparezca bastante firme, desde luego más que el de algunos matrimonios a los que visitan en su periplo de búsqueda del lugar donde quedarse a que alude el título. En tal sentido el 'catálogo' de familias mostradas es interesante: están los padres mediocres e insensibles, que no temen herir la sensibilidad de sus hijos con comentarios inoportunos y nada constructivos; aquéllos cuya fortuna permite seguir un estilo de vida falsamente espiritual, con originalidades que les permiten creerse más o menos superiores; el matrimonio amigo de Montreal, que no pudiendo tener hijos -ella ha pasado por dos abortos naturales-, han llegado a adoptar hasta cinco retoños; y el hermano al que de pronto su mujer ha dejado, y que sabe que nunca podrá dar a su hijo la educación completa que merece, por la ausencia materna. Son distintas 'fotos' de la vida conyugal, y de las responsabilidades que conlleva la paternidad y la maternidad, que hacen madurar a los protagonistas -atinados John Krasinsky y Maya Rudolph-, para tomarse muy en serio el futuro que les aguarda.

6/10
¡El soplón!

2009 | The Informant!

Steven Soderbergh es uno de los directores más prolíficos del panorama actual. Poco después de finalizar su díptico sobre Ernesto ‘Che’ Guevara, el realizador ya tenía listo el drama The Girlfriend Experience, y después ha dirigido esta reconstrucción de una apasionante historia real. Para ello, se ha basado en un libro de Kurt Eichenwald sobre Mark Whitacre, un personaje de lo más curioso. Ejecutivo de la empresa agrícola Archer Daniels Midland (ADM), Mark Whitacre estaba felizmente casado, y su carrera iba viento en popa a toda vela. La empresa generaba cada vez más beneficios, pues su jarabe de maíz se utiliza en cientos de productos industriales. Cuando se pone en contacto con dos agentes del FBI para denunciar que su compañía está siendo saboteada, les contará a los agentes que ha sido testigo de prácticas corruptas por parte de su propia gente. Resulta que ADM ha conspirado a nivel internacional para unificar precios con la competencia, una práctica ilegal. Decidido a demostrar que esto es cierto, Whitacre se convierte en informador del FBI, y se ofrece a llevar una grabadora o una cámara oculta en su maletín para captar conversaciones que avalen su historia. Como es habitual, el propio Soderbergh demuestra su brillantez visual, ya que ha ejercido como director de fotografía bajo el pseudónimo de Peter Andrews. En esta ocasión, imita la estética del cine de los 70, con imágenes que recuerdan a thrillers sobre conspiraciones de la época, que le sirven también como modelo en cuanto al tono, como Todos los hombres del presidente o Los 3 días del cóndor. Es obvio que los planos de El Soplón llaman la atención en un primer momento, pero poco a poco queda claro que los recursos visuales de Soderbergh son un poco impostados. ¿Por qué sino homenajea a los 70 en una película cuya acción transcurre en los 90? Más preocupado por la forma, que por el fondo, Soderbergh trata la historia con cierta frialdad, una característica muy presente en la mayoría de su cine. Y aunque incluye alguna valiosa reflexión sobre la corrupción, y la mentira, lo cierto es que al final parece quedarse un poco en la superficie. El Soplón es un poco decepcionante, sobre todo porque el planteamiento promete más intriga de la que hay, y diálogos ingeniosos en plan Ocean’s Eleven, y finalmente se va por otro camino. Se salva con creces Matt Damon, irreconocible tras engordar para el papel unos 15 kilos y dejarse bigote, con un aspecto muy parecido al verdadero Whitacre.

5/10
Up in the Air

2009 | Up in the Air

La breve pero interesantísima carrera de Jason Reitman ha ido en línea ascendente hasta el punto de que rozó el cielo con la inolvidable Juno. Ahora demuestra que se va a quedar ahí, que no le ha “sonado la flauta” por casualidad, y que no todos los méritos de su anterior película son de la divinizada guionista Diablo Cody. Mientras los trabajos siguientes de Cody (Los Estados Unidos de Tara y Jennifer's Body) no han llegado a la altura, Reitman por su parte se consagra como un interesante cineasta que tiene mucho que aportar. Y deja bastante claro que tiene un estilo único de hacer tragicomedia para indagar en temas que importan. El punto de partida recuerda en cierta manera a Gracias por fumar, la prometedora opera prima del director. Aquí también tenemos a un protagonista carismático, que encara con entusiasmo un trabajo de lo más desagradable. Y es que Ryan Bingham (George Clooney) trabaja en una empresa especializada en recortes financieros y se dedica a despedir empleados. Bingham tiene respuesta para todas las reacciones posibles del individuo despedido, y es capaz de hacerle intuir un camino a seguir, de hacerle ver aspectos positivos. Como consecuencia de su trabajo, Bingham se ha pasado la vida tomando aviones para recorrer la totalidad del territorio estadounidense, lo que le ha impedido tener una vida, pues ni está casado, ni tiene hijos, y sus únicas familiares, sus dos hermanas, apenas le conocen. La vida de Ryan está a punto de cambiar por completo cuando una recién llegada a su empresa, la jovencísima Natalie, propone que a partir de ese momento despidan a la gente por videoconferencia, sin salir de la oficina. El propio Reitman es coguionista de esta adaptación de una desconocida novela de Walter Kirn. Los diálogos son brillantes, y acumula secuencias de altura –nunca mejor dicho–, como la conversación sobre tarjetas de crédito en el momento en que el protagonista conoce al personaje de Vera Farmiga, algunos de los despidos, la ayuda que presta Bingham en la boda de una de una de sus hermanas, etc. Aparte de todo eso, Reitman es especialista en sacar jugo a buenos actores colocados en papeles que les van al pelo, como a George Clooney, que con su gracia habitual logra que caiga bien su personaje, a pesar de sus miserias y elementos negativos. El actor de Urgencias se luce bastante mostrando su evolución interior. Le secundan una estupenda Vera Farmiga –el alma gemela que encuentra el personaje de Clooney en su periplo– y la desconocida Anna Kendrick (Crepúsculo) –la joven Natalie– que compone un personaje bastante sólido y no quedará relegada al olvido. También cuenta el director con secundarios de peso, como Jason Bateman –de nuevo a sus órdenes tras Juno–, y el últimamente de moda Zach Galifianakis, en un breve papel. Up in the Air arranca carcajadas, y también emociona, al mismo tiempo que hace pensar sobre la necesidad de las relaciones humanas. Y también es una crítica –no exenta de cierta acidez– de las dificultades para relacionarse en el mundo moderno, donde las comunicaciones se han desarrollado más que nunca, y sin embargo existe cierta incomunicación. Donde se da la paradoja de que te pueden despedir a través de las cámaras o se puede mantener una relación o cortarla a través de los mensajes del teléfono móvil.

8/10
Hojas de hierba

2009 | Leaves of Grass

Brady y Bill Kincaid son gemelos idénticos, pero sus personalidades no pueden ser más distintas. Brady vive en Little Dixie, un pueblo de Oklahoma, y se dedica a cultivar marihuana. Bill, por su parte, desapareció de allí diez años atrás y ha llegado a ser una eminencia universitaria en filosofía clásica. No quiere saber nada de su familia –hermano y madre–, a quienes considera unos colgados que arruinaron su juventud. Pero con una estratagema, Brady conseguirá que su hermano regrese. En realidad le necesita para llevar a cabo un plan radical para librarse de sus deudas. Cuarto largometraje tras las cámaras del actor Tim Blake Nelson, cuyo mejor papel hasta la fecha sea seguramente el del preso tarambana de O Brother! Aquí dirige y escribe una historia con sabor muy personal, ambientada en su estado natal –Oklahoma– y en la idiosincrasia de sus gentes, y enfrentando esa vida con el contraste “cultureta” de la Universidad de Brown, en donde a la sazón también se graduó el propio Nelson. Otros aspectos de su universo están presentes, como la inclusión de una subtrama judía –recordemos que Nelson dirigió La zona gris, amargo film sobre el holocausto–, con un eficaz e histriónico personaje interpretado con maestría por Richard Dreyfuss. Hojas de hierba –homenaje explícito a Walt Whitman– es una comedia dramática, con más drama que comedia, que habla de la vida provinciana y de desacuerdos familiares permanentes en el tiempo, a la par que suelta su granito de arena a favor del mundo de la marihuana y su cultivo. Personajes esperpénticos, matones, y otras vidas que pululan por ahí se dan cita en una historia en verdad leve, tragicómica, tejida de cotidianidad, con un argumento desconcertante, que no acaba de cuajar porque sencillamente parece arbitrario y no sabe muy bien a dónde dirigirse. Visual y narrativamente hablar de Hojas de hierba es, por lo demás, hablar del cine de los hermanos Coen, porque las situaciones y planos definitorios del film son puramente coenianos, con el surrealismo y exceso de películas como Sangre fácil o Fargo. Escenas como la entrevista con Rothbaum, la aparición del dentista o el ataque con ballesta son muestras de ello. En el plano actoral hay que destacar el doble esfuerzo Edward Norton al dar vida a los gemelos y la luminosidad de Keri Russell en los pocos momentos que la vemos en pantalla.

4/10
Park

2006 | Park

Película coral que sigue las andanzas de personajes variopintos en un parque de Los Ángeles. Desde April, que piensa seriamente en suicidarse, a un tipo y su amante, más la esposa y una amiga que los vigilan, hasta unos jóvenes compañeros de oficina que charlan animadamente en una furgoneta. El caso es que sus andanzas son demasiado vulgares, no interesan demasiado. Después de hacer un corto en 1995, el guionista y director Kurt Voelker debuta en el largo sin mucha fortuna.

4/10
Dos hombres y medio (4ª temporada)

2006 | Two and a Half Men | Serie TV

Alan intenta afrontar su dramático divorcio. Decide intentar rehacer su vida, y empieza a citarse con mujeres por internet. Por su parte, Charlie tiene un encuentro con su difunto padre. Y el pequeño Jake se ha cansado de sus posters de Harry Potter y ha decidido poner otros nuevos con chicas de buen ver. Cuarta temporada de la divertida telecomedia que ha relanzado la carrera de Charlie Sheen.

5/10
Banderas de nuestros padres

2006 | Flags of Our Fathers

Primera parte del díptico ofrecido por Clint Eastwood sobre la Guerra del Pacífico, que se completa con Cartas desde Iwo Jima, rodada también en 2006. La producción es de Steven Spielberg, muy interesado con todo lo que tiene que ver con la Segunda Guerra Mundial, como demostró con Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler, El imperio del sol y la serie televisiva Hermanos de sangre. Los guionistas Paul Haggis y William Broyles Jr. adaptan el libro escrito por James Bradley y Ron Powers, el primero de ellos hijo de uno de los veteranos que participó en la toma estadounidense de la isla de Iwo Jima. Y lo hacen con una estructura ingeniosa, donde alrededor de la célebre foto de los soldados americanos plantando la bandera, se alternan los pasajes actuales de un investigador que recaba información sobra esa imagen, con otros de los preparativos bélicos que culminarán con la conquista de Iwo Jima, más aquéllos en que los supuestos supervivientes de la histórica foto participan en una gira patriótica por su país para vender bonos de guerra. Eastwood sigue demostrando una increíble energía creativa a sus 76 años. Marcado por ese tono desesperanzado que recorre toda su filmografía, aquí aborda el horror de la guerra, y cuestiona la noción de héroe y la manipulación mediática, tomando pie del hecho de que la famosa foto en que se planta la bandera no se corresponde con el momento en que realmente se hincó en tierra por primera vez. Lo que lleva a unos errores de identidad acerca de quién está o no en la foto, que sirven para poner sobre el tapete la idea de heroísmo, tan frecuentemente manoseada y magnificada; no niega Eastwood los comportamientos heroicos, pero los concibe como parte de la cotidianeidad, pueden surgir inesperadamente, y no tienen por qué tener continuidad. El film se fija sobre todo en los soldados relacionados con las dos banderas, lo que sirve para atrapar una realidad poliédrica y compleja, que muestra personalidades muy diversas, y para abordar el problema del racismo. A tal respecto, y aunque todos los actores están sobresalientes, descolla Adam Beach encarnando a un soldado de origen navajo.

8/10
Dos hombres y medio (3ª temporada)

2005 | Two and a Half Men | Serie TV

Nuevas aventuras de una de las familias más peculiares de Malibú. En la casa playera del vividor Charlie siguen de visita su hermano Alan y su hijo de 11 años, Jake. Protagoniza la serie Charlie Sheen (Platoon).

4/10
El precio de la verdad

2003 | Shattered Glass

El paso de caballero jedi a periodista de éxito podría habérsele atragantado al joven Hayden Christensen, el que fuera hace años Anakin Skywalker en El ataque de los clones. Pero la emergente estrella ha pasado la prueba dramática con creces. Aquí su papel tiene también un lado oscuro, aunque ahora es tan real como la vida misma. Stephen Glass es un periodista de la prestigiosa revista norteamericana The New Republic. Sus artículos demuestran que es un reportero de raza, con un sexto sentido para extraer la noticia a pie de calle, un maestro del olfato para estar en el sitio justo en el momento preciso y que luego tiene el talento crear opinión entre los lectores. Sin embargo, su artículo “El paraíso del Hacker” causa un escándalo en el The New Republic cuando un periódico de la competencia acusa a Glass de mentiroso y Chuck Lane –un compañero recién ascendido a director– se ve en la tesitura de confiar en la honradez de Glass o perder el apoyo de todo su equipo. El debutante Billy Ray evita cualquier “originalidad” tanto de forma como de contenido que desvirtúe esta sólida película, basada en hechos reales. El metraje discurre de modo lineal, prácticamente sin sorpresas. Y justamente ahí radica su fuerza, en su planteamiento sin fisuras, en su mirada digna –y por eso, ética– al mundo del periodismo, algo extensible también a cualquier otra actividad de los seres humanos. Y tanto Hayden Christensen como Peter Sarsgaard dan la talla con creces.

6/10
Dos hombres y medio

2003 | Two and a Half Men | Serie TV

Charlie Parker, el típico solterón inmaduro, se ve obligado a convivir con su hermano, que se acaba de divorciar, y el hijo de éste. Charlie Sheen protagoniza una telecomedia que todavía se sigue emitiendo en Estados Unidos.

4/10
La desaparición de Embry

2002 | Abandon

Katie es una brillante estudiante universitaria, a punto de terminar la carrera. Mientras se plantea su futuro más inmediato, con sus primeras entrevistas de trabajo, la visita de Wade, un detective, la deja inquieta. En efecto, el agente investiga el paradero de Embry, un antiguo novio de la chica, que desapareció sin dejar rastro hace ahora dos años. Las indagaciones coinciden con señales, inequívocas para Katie, de que Embry está vivo y la espía. Esforzado thriller, con el protagonismo reservado a la veinteañera Katie Holmes, una actriz de talento probado en Retrato de April. La trama del film, basada en una novela de Sean Desmond, descansa en un par de sorpresas, en apariciones casi espectrales, y en el conato de romance entre la joven y el investigador. Razonablemente entretenida, aunque está lejos de inventar la pólvora.

4/10
Sweet Home Alabama

2002 | Sweet Home Alabama

“Sweet home Alabama, where skys are so blue (dulce hogar Alabama, donde el cielo es tan azul)”, decía la famosa canción de Lynyrd Skynyrd que da título a esta comedia romántica. Aunque algunos recuerdan su tierra con tanto cariño, siempre hay quien se avergüenza de sus raíces. Es el caso de Melanie, que al convertirse en diseñadora de moda en Nueva York, cree que la mirarán mal por proceder de un pueblo pequeño. También piensa que perderá puntos con su prometido, un auténtico soltero de oro forrado de billetes. Pero para contraer matrimonio con él, antes debe pedirle el divorcio a su marido, un rústico sureño que se resiste a perderla. La nueva comedia de Andy Tennant (Ana y el rey) se convirtió en un éxito sorpresa en Estados Unidos. Entre otras razones, esto se puede explicar quizás porque todos hemos conocido alguien que vuelve a casa después de algún tiempo y se cree superior a los demás, pero poco a poco se da cuenta de que no se puede renunciar a lo que uno es. La joven Reese Witherspoon sigue demostrando que no escoge cualquier papel, mientras que la veterana Candice Bergen,  parece dispuesta a regresar al cine, pues recientemente también la vimos en Miss Agente Especial.

5/10
El Bar Coyote

2000 | Coyote Ugly

Una jovencita de campo llega a Nueva York dispuesta a convertirse en estrella de la canción. Pero la vida es dura y sus sueños no parecen fáciles. Para sobrevivir acepta trabajar en un bar como Coyote: lo que significa ropa ceñidita e insinuante y mucho descaro, para encandilar a la clientela. Lo más sorprendente de este film es saber que detrás de él está el productor Jerry Bruckheimer, conocido por títulos de acción como La roca o Sesenta segundos. Cambia de género, sí, pero permanece su deseo de llegar a muchos espectadores, en este caso adolescentes. Así que sirve mucha sensiblería, niñas y niño monos y un montón de música.

4/10
Cero en conducta (1999)

1999 | Detroit Rock City

Cuatro estudiantes de instituto. Harán lo que sea para conseguir entradas para un desparramente concierto de rock’n roll de Kiss. Lo que significa que se enfrentan con las autoridades académicas, unos padres siempre a por uvas y tal y cual. La acción transcurre en una noche gracias a la cual Lex, Trip, Hawk y Jam ya no serán los mismos debido a sus experiencias, en las que no faltan el sexo y el alcohol. El director considera que la película es una mezcla de American Graffiti y Rock ‘N’ Roll High School: “Para los adultos que crecieron en los 70, era el tipo de historia que podían ver con nostalgia y orgullo en aquella época. (...) Y los adolescentes no han cambiado demasiado de los 70 a los 90. Siguen tratando de diseñar su propia vida, de establecer su identidad en contraposición a la de sus padres.” 

4/10
The Cherry Orchard

1999 | The Cherry Orchard

Adaptación de la obra de teatro de Anton Chejov "El jardín de los cerezos", a cargo del cineasta chipriota Mihalis Kakogiannis (1922), el cual se encarga de expandir y condensar a su modo el texto del clásico ruso, aunque procurando conservar toda la fuerza emocional del original. La historia, ambientada en la Rusia pre revolucionaria, se centra en el retorno de Madame Ranevskaya a sus tierras rusas después de una estancia en el exilio en París. Así, tendrá que vérselas con el nada fácil mundo aristocrático de la zona, encabezado por su hermano disoluto Gaev y su hija Varya. Protagoniza la dama de los ojos de ensueño, Charlotte Rampling (Recuerdos).

5/10
Por siempre jamás

1998 | Ever After

Los hermanos Perrault, autores de una de las versiones del cuento La cenicienta, son convocados por una dama, que les va a explicar quién era la dueña de cierto zapatito que... ¿Un film más sobre el viejo relato? Sí... y no. Se trata de una versión muy femenina, donde tiene gran fuerza la historia romántica. Por otro lado se le da un aire más realista, dejando de lado hechizos mágicos y hadas madrinas; permanecen, eso sí, el príncipe enamorado, y las egoístas madrastra (gran villana de Anjelica Huston) y hermanastras. La película muestra a una Cenicienta llamada Danielle, fuerte y con personalidad, culta, cuyo libro de cabecera es Utopía de Santo Tomás Moro. Esta visión feminista la capta al vuelo Drew Barrymore, estupenda protagonista. Andy Tennant, director de la muy estimable Sólo los tontos se enamoran, sabe quedarse en el punto justo para no caer en lo grotesco: de modo que cuida también los personajes masculinos: el príncipe, que tiene inquietudes y cierta personalidad, pero que necesita un guía; y Leonardo Da Vinci, un preceptor que ya quisiéramos haber tenido algunos. La ambientación medieval es para caerse de espaldas.

6/10
Criaturas celestiales

1994 | Heavenly Creatures

Nueva Zelanda, década de los 50. Juliet Hulme y Pauline Reiper, interpretadas por Melanie Lynskey y Kate Winslet, son dos adolescentes que comienzan una apasionada amistad, en la que comparten su gusto por la fantasía, la literatura y la escritura. Su inagotable imaginación les conduce a una aventura en la que sus fantasías toman forma real. Poco a poco, alimentadas de su universo propio, las dos amigas se van separando de la realidad. Sus padres, preocupados por su dependencia mutua y su inusual relación, las separan. Pauline y Juliet se ven forzadas a tomar medidas extremas para seguir unidas. Basada en un hecho real, que conmovió a todo el país de Nueva Zelanda. Una emocionante historia en la que se ponen en juego los sentimientos, y se cuestionan los límites de la libertad en una sociedad aparentemente abierta. Destaca la fortaleza interpretativa y la personalidad de Kate Winslet. Una película que estremece por la rotundidad de lo que cuenta y la crudeza de lo que se narra.

7/10

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