Susan Sarandon

La muerte, que lucha con la vida. Panorama tétrico y no excesivamente optimista. Tampoco memorable, ni excesivamente original, sobre el suicidio asistido, es el remake rodado en inglés de otro título que como éste compitió hace unos años también en San Sebastián, el danés Corazón silencioso. Roger Michell es un cineasta británico que ha rodado títulos interesantes, sobre todo la popular Notting Hill, con Julia Roberts y Hugh Grant, aunque también tienen su punto Mi prima Rachel o Le Week-End. Aquí en Blackbird, con el concurso del guionista de Corazón silencioso, Christian Torpe, traslada la trama de ese film a Estados Unidos, que es en esencia la misma. Una mujer con una enfermedad degenerativa ha decidido quitarse la vida, con ayuda de su esposo médico. Y antes de hacerlo convoca a sus seres queridos: su mejor amiga, las dos hijas de personalidad muy diferente, una hiperresponsable, casada y con un hijo que quiere ser actor, la otra con novia –el lesbianismo es una de las leves variantes con respecto al original–. La idea es compartir un fin de semana de despedida, que debe ser emotivo y entrañable, ocasión para limar asperezas, aunque terminarán tirándose los trastos a la cabeza, el necesario momento catártico para que las aguas vuelvan a su cauce y puedan todos, es un decir, descansar en paz. El cuadro que se nos ofrece es de personajes incapaces de encontrar sentido a la enfermedad, al sufrimiento, al dolor. Y el suicidio o muerte digna en tal tesitura se presenta como salida a la amargura existencial, aunque no deja de llamar la atención la paradójica distinción entre suicidios “buenos” –los decididos con cálculo y sin pasión por aquellos cuya salud decae– y los “malos” –aquellos a que empuja la desesperación, porque no se sabe vivir–. Distinción bastante artificial, pero que cabe cuando no existen consideraciones morales bien fundamentadas, el sentido del bien y del mal, y sólo cuenta la libertad individual de elección, actuar sin coacción sería la máxima expresión a que puede aspirar la devaluada consideración de la dignidad de la persona, mientras que a los demás sólo les toca respetar la decisión del otro. El clima relativista en que se inserta la trama tiene un ejemplar botón de muestra en la disparatada idea de celebrar la Navidad fuera de temporada, y por supuesto, sin alusión alguna al acontecimiento que da sentido a esa fiesta. La película tiene un aire decididamente teatral, y lo más destacable es sin duda el capítulo interpretativo. Del reparto la más destacable es Kate Winslet, que compone muy bien a su a priori antipático personaje, pero lo cierto es que todos los demás –Sam Neill, Rainn Wilson, Bex Taylor-Klaus, Susan Sarandon, Mia Wasikowska, Lindsay Duncan, Anson Boon– parecen sentirse cómodos en la piel de sus respectivos personajes.

Nueva creación televisiva del prolífico Ryan Murphy –respaldado por Michael Zam y Jaffe Cohen–que repite la fórmula de crear series con temporadas completamente independientes, pero unidas bajo un paraguas común, tras American Horror Story y American Crime Story, llega Feud, que entregará tramas donde los protagonistas han mantenido una fuerte rivalidad. Para arrancar, recrea las famosas diferencias entre dos grandes actrices de la pantalla, las oscarizadas estrellas Joan Crawford y Bette Davis. Ambas han alcanzado ya una edad, es la era de la televisión, no les ofrecen trabajo, cada una hace lo que puede, con pequeños papeles o interpretando teatro. Entonces Crawford decide buscar material por su cuenta, y da con una novela de terror que podría proporcionar papeles para ella y otra diva, en la línea de Psicosis. Quizá sería la ocasión de trabajar por primera vez con Davis, a quien admira, pero ante la que se siente dolida, piensa que no le ha correspondido reconociendo su talento. El interés despertado en el cineasta Robert Aldrich pone en marcha la producción de ¿Qué fue de Baby Jane?. El propio Murphy dirige el piloto, y consigue una buena ilustración del esfuerzo de rodar buenas películas en una época en que Hollywood, con el viejo sistema de estudios en decadencia, está experimentando una gran transformación. Esfuerzo adicional en el caso de dos mujeres a las que la edad no perdona, con la tiranía de los productores que piden actrices jovencitas. El recurso de incluir declaraciones de actrices, como si estuvieran siendo entrevistas en un programa televisivo, funciona, da al conjunto una estructura original. Llama la atención el excelente reparto, y el logro para que Jessica Lange y Susan Sarandon den el pego emulando a Crawford y Davis, algo a priori no tan sencillo, pero que se consigue con el maquillaje y el buen trabajo actoral.  

Pese a que daba pie al chiste facilón de “Malas madres, pero peor película”, la comedia que se reía de los clichés sobre esposas avispadas y modernas y maridos sosainas, arrasó sobre todo en Estados Unidos, donde este tipo de humor soez causa furor. No extraña que poco más de un año después de su estreno llegue una segunda parte de ambientación navideña, al tiempo que se prepara un spin-off dedicado a los personajes masculinos que se titulará Malos padres. Esta vez Amy, Kiki y Carla reciben la visita de sus respectivas progenitoras, lo que complica todavía más la llegada de ‘la Super Bowl de las amas de casa’, el 25 de diciembre, cuando toca comprar regalos, organizar comilonas, adornar la casa… Deciden rebelarse ante esta situación, recuperando la idea de que estas fiestas tienen que ser divertidas… sobre todo para ellas mismas. Resulta fácil identificarse con la explosión de las protagonistas; posiblemente casi todas las madres habrán pensado en alguna ocasión ‘mandarlo todo a la porra’, en los momentos de hartazgo, pese a que por norma general prevalece el cariño que les tienen a los suyos, por lo que toca sacrificarse. Así que resulta inevitable echarse unas risas con algunos gags, sobre todo los que protagoniza Kathryn Hahn, la madre más alocada, pues se trata de una eficaz cómica. También se lucen las recién llegadas abuelas, encarnadas por tres grandes actrices, Susan Sarandon, madura rebelde-roquera, cuyo personaje se llama Isis (según explica como el grupo terrorista), Cheryl Hines, esposa en Larry David, como una mujer obsesionada en estar junto a su hija, y Christine Baranski, aunque ésta repite al milímetro el papel de madre estirada y dominante de Leonard en The Big Bang Theory. Subyace esa visión tan cínica pero tan moderna de la familia a la que nunca admitirás en público adorar, pero sin la que no puedes vivir. Por desgracia, todo deriva hacia la sal gruesa, una pena porque había material de sobra para un film mejor.

Retirados desde hace tiempo, los supermodelos Derek Zoolander y Hansel Mcdonald han caído en el olvido. Pero el diseñador del momento vuelve a reclutarles para trabajar con Todo, nuevo ídolo de las pasarelas. Mientras, la detective Valentina, miembro de la división de Moda de la Interpol, investiga quién está detrás de la muerte de varios iconos de belleza. Tras el paréntesis de la tragicómica La vida secreta de Walter Mitty, Ben Stiller vuelve a dirigir comedia con la secuela de una de sus películas más celebradas, rodada quince años antes. Zoolander 2 mantiene en parte las críticas del original a la superficialidad del mundo de la alta costura. La secuencia inicial, que muestra el asesinato de Justin Bieber haciendo de sí mismo, marca el tono surrealista y disparatado a ultranza del film, que acumula gags, algunos muy locos, otros tienen su gracia. La simplona trama sirve como mera excusa para un desfile de rostros famosos, que incluye a grandes diseñadores, como Tom Ford y Valentino, y otras figuras de la moda, pero también artistas de otros ámbitos, como los cantantes Sting, Lenny Kravitz, Kanye West, y Ariana Grande, y muchísimos actores, como Billy Zane, Kiefer Sutherland, Demi Lovato y hasta el mismísimo Macaulay Culkin. Por desgracia, la mayoría de apariciones no vienen a cuento, da la impresión de que a falta de ideas Stiller quiere distraer al público con el juego de reconocer a los famosos, en la línea de las secuelas de Torrente. Tiene cierta gracia Penélope Cruz, principal protagonista femenina, mientras que Benedict Cumberbatch resulta desconcertante como modelo andrógina.

Dos años después de enviudar, Marnie Minervini se traslada a Los Ángeles, para estar cerca de su única hija, Lori , guionista de Hollywood. Mujer de sólida posición económica, con grandes habilidades sociales, enseguida hace amistad con el chico de la tienda de Apple, una amiga de Lori a la que ofrece sufragarle su boda, y Rady Zipper, policía retirado por el que siente cierta atracción. Por contra, Lori no parece del todo contenta, pues no tolera algunos comportamientos de su madre, como que entre en su casa sin llamar, o que le intente consolar por la ruptura con su novio. Segundo trabajo como directora y guionista de Lorene Scafaria, tras Buscando un amigo para el fin del mundo.  Resulta evidente que la historia está llena de numerosos elementos autobiográficos, pues habla de las relaciones materno-filiales de una profesional del sector audiovisual con muchos puntos en común con ella misma, y también porque las anécdotas que cuenta transmiten cierta sensación de realismo; parecen bastante sentidos esos roces inevitables con una madre que sin embargo derrocha amor incondicional, y soluciona numerosas cosas. Una madre imperfecta posiblemente no tendría demasiado interés de no ser por el trabajo de Susan Sarandon, que con su composición insufla vida, optimismo y vitalidad a un personaje que sobre el papel suena a demasiado tópico. Las mejores secuencias, como aquélla en la que se cuela de forma accidental en un rodaje, no serían tan brillantes sin ella. Y hasta consigue que cuele la exagerada pasión del personaje por hacer felices a los demás, un poco irreal. En roles más pequeños no desentonan J.K. Simmons, agente apasionado de la música country de Dolly Parton, y Rose Byrne, aunque ésta tiene en contra que su personaje, en teoría trasunto de la propia realizadora, se describe con mucha antipatía, como una egoísta recalcitrante incapaz de ver más allá de sus narices y apreciar el encanto de su madre. Aunque se sigue con agrado, al final Una madre imperfecta se queda en mera sucesión de anécdotas irrelevantes, sin ningún conflicto de peso. De hecho cuando acaba, se tiene la sensación de que daría igual que el film siguiera unos minutos más o se hubiera acabado antes.

El luchador de wrestling Dwayne Johnson se reconvirtió en estrella del cine de acción tras aparecer como secundario en El regreso de la momia. Se ha mantenido en el género, aunque ocasionalmente, ha interpretado también alguna comedia familiar como Papá por sorpresa o Rompedientes. En esta ocasión da un giro importante a su carrera, pues El mensajero (Snitch) viene a ser una especie de thriller, pero con muchos elementos dramáticos y un tono realista, que se basa en una historia real. En El mensajero (Snitch), Johnson interpreta a John Matthews, empresario de éxito del sector de la construcción, divorciado, que ha rehecho su vida con otra mujer. Pero el hijo que tuvo con su primera esposa, Jason, de 18 años, se mete en líos. La policía le detiene con un paquete de éxtasis. El chico se enfrenta a una condena de entre diez y treinta años, aunque la podría reducir si delata a otro narcotraficante. Como no conoce ninguno, el padre habla con la fiscal general para saber si aceptaría que fuera él quien cooperara para detener a algún narco. El mensajero (Snitch) supera la media de calidad de los subproductos que suele interpretar el actor protagonista, con personajes más tridimensionales, y un guión con algo de calado en torno al sacrificio, la unión familiar y a las relaciones paterno-filiales. También es justo reconocer que a pesar de sus limitaciones, y de su evidente falta de expresividad, Johnson se ha esforzado mucho por componer por una vez a un protagonista de carne y hueso, incapaz de las superhazañas que suele realizar en sus películas de siempre, pero que se ve obligado a superarse a sí mismo por su hijo. No realiza un trabajo memorable, pero tampoco desentona. Además, Dwayne Johnson está bien arropado por secundarios tan competentes como Susan Sarandon y Barry Pepper. El veterano especialista y coordinador de especialistas Ric Roman Waugh, reciclado en director con títulos como La sombra del crimen, le da un aire cercano al documental al film, y consigue crear tensión dramática.

Película sobre los últimos días de la vida de Errol Flynn, legendario actor de cine de aventuras, famoso por su afición a las mujeres. El film se centra en su relación con una adolescente, Beverly Aadland, aspirante a actriz sin demasiado talento, pero preciosa, de la que Flynn se enamora o se encapricha, todo depende de cómo se mire. Su madre Florence mirará a otro lado cuando se hace evidente que la relación entre Errol y Bev –o Ninfa, como también la llama– es algo más que el "apadrinamiento" a una prometedora y potencial estrella de la pantalla. Los directores de Quinceañera, Richard Glatzer y Wash Westmoreland, decepcionan en esta mirada crepuscular a Errol Flynn, nunca llegamos a conocer los sentimientos íntimos de la pareja protagonista y de la madre de la jovencita Bev, a pesar de que están encarnados por actores tan solventes como Kevin Kline, Dakota Fanning y Susan Sarandon. Todo se antoja vulgar, previsible y sin demasiado interés, los responsables del film no logran crear las necesarias emociones, ya sea optando por mostrar la sensación de un trágico y desgarrador amor imposible, o denunciando la posible corrupción de menores, por ejemplo. Parece que no se quiere molestar a nadie, y queda un film bastante insulso. Ni siquiera como muestra de "cine dentro del cine" resulta ilustrativo del modo de hacer de Hollywood.

Robert Miller es un poderoso hombre de negocios, casado y con hijos situados en altos cargos de su holding familiar. Pero el momento actual es apurado para Robert, ya que está a punto de cerrar el traspaso de una de sus empresas. En realidad, todo su negocio depende de esa operación, pues ha falsificado las cuentas y el comprador ignora el vacío de capital existente. A la espera de esa importante transacción que lo salve a él y a sus inversores, Robert se relaja a menudo junto a su amante francesa. Sin embargo un serio percance provocará que la policía empiece a investigarle. El fraude es una película más que urde su argumento al amparo de la crisis económica mundial. El director y guionista Nicholas Jarecki, debuta en el largometraje poniendo una vez más sobre el tapete el tema de la doble moral, de la vida falsa de tantos magnates, para quienes las empresas son sólo sus herramientas para adquirir poder, donde el dinero es el ídolo que manda sobre cualquier otra cosa, ya sea la verdad, las personas o la propia integridad. No está demás dejar claro que es esa falta de ética –“así son los negocios”, dice el protagonista– lo que ha llevado a la ruina a países enteros. Funciona en El fraude este tono dramático, con un empresario que se siente entre la espada y la pared, pero también el equilibrado enfoque de thriller policiaco, con esa especie de perro de presa personificado en el detective interpretado con gran soltura por Tim Roth. Por otra parte, el inteligente guión de El fraude se esfuerza por mostrar a un protagonista genuino, muy verosímil, hombre cuyo comportamiento no resultará nada anormal al espectador (casi sentimos pena por él y por lo que le sucede), cuando en realidad debería producir extrañeza y un severo rechazo. En honor a la verdad Richard Gere compone a la perfección el papel de hombre agobiado, de picatoste en horas bajas que casi sin querer se ha ido convirtiendo en un egocéntrico manipulador. Espléndida resulta la escena de la discusión matrimonial (grande Susan Sarandon en el pocos minutos que tiene), donde el cinismo entre la pareja llega al culmen y donde se acaba revelando la inmunda falsedad de tantas vidas que relumbran bajo el oropel del triunfo material.

El joven Dony hace realidad el que se supone es el sueño de todo adolescente: acostarse con su profesora de mates. Pero les pillan y ella va a parar a la cárcel por corrupción de menores, con el añadido de que está esperando un hijo de su alumno. Pasan los años y con su celebridad venida a menos y lleno de deudas, Dony sigue siendo un desastre juerguista, mujeriego y bebedor de cervezas, que podría acabar entre rejas por un problema de impuestos. A no ser que recupere la relación con su hijo –que le dejó sin decir nada y se cambió de nombre en cuanto pudo–, de cuyo matrimonio y condición de broker de Wall Street se entera gracias a una revista. La idea es acudir a la boda, para estrechar lazos. Por empezar por algo positivo, diremos que el título español “Desmadre de padre” está muy logrado, más expresivo que el original “That’s My Boy”. Dicho esto tenemos una nueva comedieta zafia para lucimiento de Adam Sandler, donde bien podríamos decir que los barros de títulos como American Pie y Algo pasa con Mary trajeron estos lodazales. Chistes guarros a cuento del reencuentro entre padre e hijo –éste, el pasmado de Andy Samberg, que ha estado en otras joyas que juegan a banalizar el sexo y el amor, véanse los expresivos títulos de Dime con cuántos y Con derecho a roce–, donde no cabe tomarse en serio supuestas moralejas para mejorar en las relaciones paternofiliales, pues todo es un estúpido canto a la irresponsabilidad y al hedonismo. Por supuesto que Sean Anders, que antes había dirigido otra “joyita”, Sex Drive, logra arrancar alguna sonrisa con el guión del desconocido, por fortuna, David Caspe. Pero no basta para justificar la existencia de Desmadre de padre, un film decididamente “expendable” y mercenario, que juega con las hormonas del potencial espectador adolescente.

En el siglo XIX el dueño de una plantación del Pacífico decide ayudar a un esclavo para que escape. En los años 60 del siglo XX, una periodista quiere destapar un caso de corrupción a gran escala y se jugará la vida. Años atrás el hombre que compuso la más bella sinfonía ve cómo otra persona se apodera injustamente de su obra. En el siglo XXII una joven oriental creada en una cadena de producción es salvada de su esclavizada vida por un miembro de las fuerzas rebeldes. Muchos siglos después una mujer venida del espacio busca la ayuda de otros humanos para evitar la extinción de su raza, etc. Los hermanos Wachowski y Tom Tykwer ofrecen un aturullada película, que entremezcla una enormidad de personajes, diferentes escenarios, épocas y puesta en escena, para transmitir una visión global del mundo de tinte filosófico-esotérico procedente de la voluminosa novela homónima de David Mitchell. Durante la primera hora y media de película (las tres horas de duración son desde todo punto de vista exageradas) el espectador puede quedar absolutamente desconcertado, ante un film muy confuso que amalgama todo tipo de tramas y subtramas en un "totum revolutum". Desde luego el trío de cineastas alcanza cotas altísimas de megalomanía al intentar transmitir con esa estructura poliédrica una especie de visión cósmico-profética de la vida humana que daría sentido al mundo. Pero el peligro de contar esto en imágenes wachowskianas es obvio y la superficialidad campea a sus anchas bajo una supuesta hondura metafísica. Lo más interesante de El atlas de las nubes es que busca hacer comprender que la historia del mundo se puede explicar con la frase "el pez grande se come al chico". A lo largo de las eras, la épocas, los años, siempre habrá una lucha de los pobres contra los ricos, de la libertad contra la esclavitud, del amor contra el odio, de la justicia contra la opresión. Jamás el espíritu humano se rendirá ante cualquier forma de tiranía, y nunca podrá quedar aniquilado ante quienes desean someter bajo su mando a los demás hombres. Siempre ha sido así en cada época: en el siglo XIX, en el XX, y lo seguirá siendo en el XXI. Cada uno es libre de elegir el bando, y así forjará su destino... Hasta aquí vamos bien. No hay derrapes. Pero donde la cosa ya se vuelve muy resbaladiza es en el axioma de que "todo está conectado", la otra idea magna que impera en El atlas de las nubes. La cosa resulta un poquito infantil a la hora de hacer comprender al respetable que las vidas que vivimos tienen su inicio en existencias anteriores y que su prolongación se extiende hasta las futuras formas de ser en que nuestros espíritus se desplegarán a su vez, para seguir así una cadena cósmica de vidas, de experiencias que derivan de los diversos actos libres del pasado remoto. Como las imágenes y la sucesión de historias no siempre funcionan para entregar esta visión pseudopanteísta del eterno retorno, los cineastas no dudan en dejar clarito su mensaje explicitándolo burdamente en las bocas de algunos personajes. La sensación es que los Wachowski y su socio Tykwer quieren erigirse aquí en gurús que ofrecen una salida a los infelices humanos que no nos enteramos de que va la vida. Este limitado y pretencioso planteamiento es compatible con una propuesta visual impactante. La imaginación de los creadores de Matrix está fuera de toda duda y aquí vuelven a dar rienda suelta a esa creatividad. Los efectos especiales desplegados a lo largo de todo El atlas de las nubes son considerables, y merece atención especial el esfuerzo por caracterizar de modo diferente a los mismos actores para en cada una de las historias. Aunque es cierto también que el derroche de maquillaje parece a veces descontrolado. Narrativamente la película es muy ecléctica y los hilos narrativos se reparten por doquier, con transiciones más o menos eficaces. Cada espectador tendrá sus preferencias en cuanto a las subtramas. Tienen su gracia las cómicas vicisitudes de Timothy Cavendish (Jim Broadbent), aunque seguramente las aventuras de Chang (Jim Sturgess) y Sonmi (Doona Bae) en un futuro de ciencia ficción son las más logradas, amén de ser las más entretenidas por sus escenas de acción y su sencilla comprensión, y quizá también porque a Somni es a quien corresponde poner inicio y fin al relato y darle de coherencia al conjunto.

La familia Griffin está alterada pues uno de los tres hijos, el adoptado Alejandro (Ben Barnes), se va a casar con la encantadora Missy O'Connor (Amanda Seyfried), que procede de una familia supuestamente muy católica. El patriarca de los Griffin, Don (Robert De Niro), vive feliz con Bebe (Susan Sarandon) desde hace muchos años, tras su divorcio de Elie (Diane Keaton), y los tres se llevan estupendamente. Elie es la madre biológica de los otros hijos de la familia: Lyla (Katherine Heigl), con problemas matrimoniales, y Jared (Topher Grace), que no encuentra a su media naranja... A toda esta tropa que se da cita en la boda hay que añadir a la madre natural de Alejandro y a su hermana, que viajan desde Colombia para acudir al enlace. Es una verdadera pena que un reparto tan impresionante se dé cita en una película de tres al cuarto como La gran boda. El director, Justin Zackham, destacó como guionista en Ahora o nunca, pero tras las cámaras sus resultados son otro cantar. Debutó en 2001 con la cruda comedia Going Greek y visto lo visto, doce años después, insiste en iguales y fallidos derroteros en su segunda película, en la que también ejerce de productor. El guión de La gran boda es un cúmulo de escenas dispares en torno al inminente enlace matrimonial, protagonizadas por los diversos miembros de esta singular familia. Habrá risas, llantos y secretos que se irán contando a lo largo de la trama, pero Zackman centra el tiro casi siempre en bromas de contenido grosero, usando un lenguaje bastante procaz que desconcierta desde la primera escena. Y aparte de la fijación en los gags sexuales llama la atención el reiterado uso de chanzas en torno a la religión y en particular hacia la Iglesia Católica, sus sacramentos y sus ministros (no es la primera vez que Robin Williams se mete en la piel de un sacerdote con resultados poco satisfactorios). Al final, al margen de un más o menos correcto trabajo de los actores, no queda más que una comedia vulgar y atrevida, muy frívola en sus planteamientos familiares, vacía de contenido y con un desenlace trivial y muy complaciente.

Una activista de los años 60, que participó en un atraco donde murió un vigilante de seguridad, se entrega al FBI después de permanecer 30 años huida de la justicia. Esto permite que un periodista descubra que un respetado abogado, viudo y padre de una adolescente, es en realidad Nick Sloan, también activista perseguido por el mismo suceso. Lo que le obliga, tras entregar la custodia de su hija a su hermano, a una extraña huida, que se diría errática, donde intenta establecer contacto con los camaradas antisistema de antaño. Adaptación de una novela de Neil Gordon a cargo de Lem Dobbs, dirige Pacto de silencio Robert Redford, consigo mismo como protagonista, lo que sólo había hecho en otras dos ocasiones, en El hombre que susurraba a los caballos, y en Leones por corderos. Se trata sin duda de una historia muy de la generación de Redford, aunque no falten algunos roles para actores jóvenes, Brit Osborne, Anna Hendrick y, sobre todo, Shia LaBoeuf. Éste da vida al periodista, y de alguna forma encarna la situación actual con los desafíos heredados de esos idealistas de los años 60, que en desacuerdo con acciones del gobierno de su país, que suponían numerosas muertes violentas, tomaron un camino donde, a pesar de las buenas intenciones, no faltaron, tampoco, las equivocaciones. Para representar a esos luchadores ya envejecidos, que deben preguntarse si las decisiones que fueron tomando valían la pena, Redford a escogido a una pléyade de estupendos actores, donde reconocemos a Susan Sarandon, Nick Nolte, Julie Christie, Brian Gleeson, Chris Cooper, Richard Jenkins, Sam Elliott... La película de Redford no es perfecta, a ratos resulta reiterativa y se estanca; el esfuerzo consciente por no tratar de imponerse al espectador es encomiable, pero como consecuencia a veces le falta un hervor. Pero se agradece su puesta de escena clásica, la cuidada definición de personajes interpretados por actores muy bien dirigidos, y el esfuerzo por tratar temas de entidad, pensando en los desafíos a que se enfrenta la juventud actual, un enfoque que ya vertebraba Leones por corderos. De modo que se recuerda que ciertas cuestiones que conforman la sociedad civil son responsabilidad de todos, y que la lucha por defender las propias ideas –en la arena política o en los medios de comunicación– no debería realizarse a cualquier precio, sobre todo si ese precio consiste en pisotear los derechos individuales de las personas, empezando por el de su propia vida.

Futuro no tan lejano. Frank es un anciano que vive solo en medio del campo, sus hijos adultos no pueden ocuparse tanto de él como quisieran. De modo que le compran un robot, auténtico asistente del hogar, que puede ocuparse de todo tipo de tareas: limpieza, cocina, acompañamiento... Frank se resiste a aceptar esa ayuda artificial, pero va a descubrir en este regalo no solicitado una inesperada compañía, que hasta le rejuvenece en la recuperación de un antiguo “oficio” por el que nunca le pillaron: el de ladrón. Con la ventaja de que el robot no se cuestiona si lo que hace está bien o mal... Original cinta de ciencia ficción, muy creíble y con aire retro que hace pensar un poco en la española Eva. Detrás están dos desconocidos, el debutante director Jake Schreier y su guionista Christopher D. Ford. Aborda con humanidad, buen tino y pocas complicaciones de guión el tema de la vejez y las limitaciones que lleva consigo, incluido cierto complejo de culpa de las familias, que cada vez disponen de menos tiempo para atender a sus mayores. Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon) hace una gran interpretación.

Acercamiento a la trayectoria del doctor Jack Kevorkian, también conocido como el “doctor Muerte” por las prácticas de suicidio asistido y eutanasia en las que participó en el estado de Michigan en EE.UU. con un artilugio de su invención, más de 130 casos antes de que terminara encerrado en prisión. La película se rodó en 2010, un año antes de la muerte de Kevorkian. El film, con libreto de Adam Mazer (El espía) y la dirección del veterano Barry Levinson, procura mantener las distancias acerca del personaje que retrata y su personal “cruzada” asumida como una especie de “misión” a la que estuviera destinado. De modo que lo que vemos es a un personaje para el que sólo vale su criterio personal, un iluminado que se ve como un nuevo Galileo o incluso un defensor de los derechos humanos fundamentales. Soltero, le ayuda su hermana Margo también soltera, y una camarilla de personajes, aprovechando las grietas legales del sistema, y la compasión que suscitan los casos en que participa Kevorkian, siempre personas con graves dolencias que no desean seguir viviendo, y cuyos familiares sufren la presión de ayudarles a terminar con sus vidas. El film no oculta las ambiciones de personas como el abogado Geoffrey Fieger, que ayuda a Kevorkian pero que también piensa en despegar políticamente. Con buenas interpretaciones -empezando por el gran Al Pacino-, y cierta intención casi documental, se trata de una cinta que evita tomar partido, no glorifica a su protagonista, y aunque no le condena explícitamente, las acciones de Kevorkian son bastante elocuentes acerca de una conducta que intenta “jugar a ser Dios”, aunque él se justifique asegurando que los médicos hacen eso todo el tiempo.

Año 2001. Gordon Gekko sale de la cárcel tras cumplir condena por delitos monetarios. Siete años después el ex ‘tiburón’ de Wall Street publica “¿La codicia es buena?”, libro que anticipa la inminente crisis financiera mundial, denunciando que la codicia forma ya parte del sistema legal. Winnie, la hija de Gordon, no se habla con él, odia todo lo que representa, y le culpa de la muerte de su hermano por la droga. Paradójicamente, ella planea casarse con Jake, que trabaja en el mundo de las grandes corporaciones, y que apoya firmemente a una empresa que investiga en energías alternativas basadas en la fusión. Y es que puede que Jake no sea tan diferente a Gordon, pues tras el suicidio de su mentor, cuya empresa estaba en bancarrota por culpa de los rumores del mercado, reclama venganza, pues sabe que tiene nombres y apellidos quien le empujó a quitarse la vida. La codicia en los mercados bursátiles, que conoció un boom en los 80 del pasado siglo, quedó inmortalizada fílmicamente en el Gordon Gekko de Wall Street, personaje que dio a Michael Douglas un Oscar. Con los recientes sucesos de la ‘burbuja’ inmobiliaria y la generación ‘ninja’, había una lógica expectación acerca de qué haría Oliver Stone retomando a Gekko, esta vez con un guión ajeno de Allan Loeb y Stephen Schiff. Vaya por delante que aquí no se trata de explicar la crisis financiera, en tal sentido decepciona su condición de simple e ideal telón de fondo para retomar al personaje del film de 1987, e incorporar algunos nuevos. Late todo el tiempo la idea de si Gekko puede redimirse, ser mejor persona, el mismo planteamiento que escogió Francis Ford Coppola para recuperar a Michael Corleone en El padrino III; y siguiendo la comparación, la otra duda que flota es si Jake será como el hijo de Michael que se dedica a la ópera, un tipo honrado, o como el bastardo de Sony, un gángster destinado a suceder a Michael. Los otros planteamientos que vertebran la trama son el valor del tiempo, capital más valioso que el monetario, y la importancia de aportar a la sociedad cosas tangibles, como podrían ser una nueva fuente de energía, o la dedicación a la enfermería de la madre de Jake. Estamos ante una cuidada producción de estudio, pero a la que falta alma, el hálito del original. Escasea el espacio para la tragedia a lo Shakespeare, y sobra en cambio para el convencionalismo dulzón, de modo notorio en el poco trabajado desenlace. El dibujo de la ‘selva’ de Wall Street y de internet suena a ratos a cliché: el ‘tiburón’ de Josh Brolin, con esa pintura en su despacho de Saturno devorando a sus hijos; o la hija izquierdista Winnie, con su idealista website “La verdad congelada”. Quizá la fortuna de Stone es contar con unos actores que se elevan sobre sus personajes para darles relieve. Carey Mulligan da una gravedad a su personaje, que lo hace creíble, Michael Douglas consigue sostener las evoluciones de un Gekko algo ‘veleta’, Josh Brolin aporta cinismo. Menos credibilidad se observa en un Shia LaBoeuf demasiado ‘pitagorín’, en el científico de Austin Pendlenton, o en la vendedora de pisos de Susan Sarandon.

1973. Los Salmon -un matrimonio con tres hijos- conforman una familia feliz. La hija mayor, Susie, de 13 años, está experimentando su primer amor, pero todas sus ilusiones se ven truncadas por el encuentro en descampado con un extraño, vecino de su misma calle, que con taimadas artimañas acaba matándola. Va a parar entonces a una especie de mundo intermedio, entre la tierra y el cielo, donde sentimientos de rabia, tristeza y venganza dominan su corazón, junto al cariño por la familia y aquel incipiente amor juvenil que ha dejado atrás. Desde ahí se produce una singular relación entre Susie y su destrozada familia, a la que cuesta seguir adelante, entre otras cosas porque no se ha encontrado el cadáver, además de que la policía no tiene ninguna pista de quién podría ser el asesino. Adaptación de la popular novela de Alice Sebold, con guión de Fran Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson, y dirección de este último, o sea, el equipo responsable de la trilogía de El Señor de los Anillos. Jackson demuestra una vez más su increíble pericia como director, sobre todo a la hora de crear tensión, véase el encuentro de Susie con el vecino, o la incursión de la hermana en la casa. También sabe manejar bien las tenues conexiones entre el mundo terrestre y el nuevo 'hogar' de Susie, que se producen de un modo sutil, sin que esto impida que el espectador las detecte; y juega bien al contraste entre lo luminoso, una fotografía de alegres colores, y lo tenebroso. En cuanto a la concepción del mundo ultraterrenal, pueden ponerse 'peros'. Ciertamente hay imágenes poderosas -resultan increíbles esas botellas de cristal, con barcos en su interior-, pero otras son más propias de las típicas postales de Unicef, en algún momento uno tiene la sensación de empacho de efectos digitales. Tiende Jackson con frecuencia a la desmesura, también en el metraje, realmente no había necesidad de que exceder las dos horas de duración. La temática del film y sus desafíos de puesta en escena pueden recordar a Criaturas celestiales, pero sin duda el planteamiento temático es muy diferente, aquí, dentro de la desgracia, priman el amor y la esperanza, la capacidad de asumir la realidad, por triste que sea, el tándem 'crimen y castigo'. Hay acierto en el reparto, donde destacan especialmente la protagonista Saoirse Ronan, o el irreconocible Stanley Tucci, que encarna al asesino. Si resultan ser buenos apoyos Mark Wahlberg y Rachel Weisz como los padres, o Michael Imperioli como el policía, chirría en cambio el exagerado personaje de la abuela, al que da vida Susan Sarandon.

Emotivo film que supone el debut en la dirección de Shana Feste (1976), que también ha escrito el guión, y que obtuvo buenas críticas en el Festival de Sundance. Para darse a conocer, la directora de Los Ángeles ha perfilado una historia que camina por lugares transitados e incluso convencionales, pero que resulta interesante y se ve con agrado, dentro de lo trágico de los hechos que se narran. Tras pasar la primera noche juntos, inmediatamente después de conocerse, los jóvenes Bennett y Rose sufren un aparatoso accidente, a consecuencia del cual Bennett muere. Los padres de Bennett –el hijo perfecto, bueno y simpático– y su hermano pequeño Ryan acogen la noticia con intenso dolor, pero cada cual vive la desgracia a su manera. La dificil aceptación de la ausencia y el sufrimiento que conlleva, así como la tirantez de la convivencia en la familia, se acentúan cuando Rose se presenta un día en casa de los Bennett y dice que está embarazada. Rodada con clasicismo, ritmo correcto y un tono general de buenos sentimientos (lo cual no tiene por qué ser malo), hay en la película un acertado modo de mostrar las diferentes reacciones ante la pérdida inesperada. Y aunque esos sentimientos sean quizá demasiado arquetípicos sin duda son de gran ayuda para conocer a los personajes e interesarse por la evolución de su estado. Para hacer posible la interacción con el espectador Shane Feste ha tenido la suerte de contar con tan buenos intérpretes como Susan Sarandon o Pierce Brosnan (aunque la escena del llanto no convence), pero la película hubiera perdido muchos enteros sin la presencia de la expresiva dulzura de la actriz Carey Mulligan (Una educación), que está espléndida en su papel de Rose.

Ben Kalmen es el dueño de una gran cadena de concesionarios, que se encuentra en bancarrota tras haber sido procesado por estafa. Divorciado, padre de una hija y abuelo de un chaval, ha sido toda su vida un triunfador, seductor empedernido por las noches con cuantas jovencitas le salgan al paso. Pero la vida de Ben es de un enorme vacío y, sin maldad pero con una frivolidad exacerbada, está al borde de arrastrar al abismo lo que más quiere. Los guionistas de Ocean's Thirteen y The Girlfriend Experience, Brian Koppelman y David Levien, ofrecen en Un hombre solitario una severa crítica a un tipo de persona habitual en el mundo moderno, el del triunfador en las esferas de los negocios y las relaciones sociales, y que es incapaz de rehacerse cuando el éxito le da la espalda. La causa es que ee trata en realidad de la persona de clase media alta, tan acomodada al lujo y los caprichos, que ya sólo mira por su propio interés y que en el fondo no puede evitar ser un ególatra patológico. En forma de comedia dramática, la historia sigue la estela de su protagonista (un papel hecho a la medida de un formidable Michael Douglas) y va mostrando poco a poco su patética existencia, que es como una montaña enorme de superficialidad. Los cineastas provocan que el espectador sienta incluso lástima de esta especie de adolescente adulto con severas carencias afectivas, que viaja sexualmente de flor en flor, y que únicamente espera la muerte “cuando tenga que llegar”. Y por el camino va tirando a la basura todo cuanto vale en su vida... Filmado con clasicismo y buen ritmo, la película reúne a un elenco de actores formidable –aunque la contribución de la mayoría sea prácticamente un cameo–, entre los que destaca la jovencita Imogen Poots.

Brady y Bill Kincaid son gemelos idénticos, pero sus personalidades no pueden ser más distintas. Brady vive en Little Dixie, un pueblo de Oklahoma, y se dedica a cultivar marihuana. Bill, por su parte, desapareció de allí diez años atrás y ha llegado a ser una eminencia universitaria en filosofía clásica. No quiere saber nada de su familia –hermano y madre–, a quienes considera unos colgados que arruinaron su juventud. Pero con una estratagema, Brady conseguirá que su hermano regrese. En realidad le necesita para llevar a cabo un plan radical para librarse de sus deudas. Cuarto largometraje tras las cámaras del actor Tim Blake Nelson, cuyo mejor papel hasta la fecha sea seguramente el del preso tarambana de O Brother! Aquí dirige y escribe una historia con sabor muy personal, ambientada en su estado natal –Oklahoma– y en la idiosincrasia de sus gentes, y enfrentando esa vida con el contraste “cultureta” de la Universidad de Brown, en donde a la sazón también se graduó el propio Nelson. Otros aspectos de su universo están presentes, como la inclusión de una subtrama judía –recordemos que Nelson dirigió La zona gris, amargo film sobre el holocausto–, con un eficaz e histriónico personaje interpretado con maestría por Richard Dreyfuss. Hojas de hierba –homenaje explícito a Walt Whitman– es una comedia dramática, con más drama que comedia, que habla de la vida provinciana y de desacuerdos familiares permanentes en el tiempo, a la par que suelta su granito de arena a favor del mundo de la marihuana y su cultivo. Personajes esperpénticos, matones, y otras vidas que pululan por ahí se dan cita en una historia en verdad leve, tragicómica, tejida de cotidianidad, con un argumento desconcertante, que no acaba de cuajar porque sencillamente parece arbitrario y no sabe muy bien a dónde dirigirse. Visual y narrativamente hablar de Hojas de hierba es, por lo demás, hablar del cine de los hermanos Coen, porque las situaciones y planos definitorios del film son puramente coenianos, con el surrealismo y exceso de películas como Sangre fácil o Fargo. Escenas como la entrevista con Rothbaum, la aparición del dentista o el ataque con ballesta son muestras de ello. En el plano actoral hay que destacar el doble esfuerzo Edward Norton al dar vida a los gemelos y la luminosidad de Keri Russell en los pocos momentos que la vemos en pantalla.

Desde pequeño, Speed Racer sueña con dedicarse a las carreras de coche, como el resto de su familia, pues su padre es diseñador de bólidos, y su hermano, Rex, un piloto de gran éxito. En lugar de concentrarse en sus exámenes, Speed sueña que su pupitre es un fórmula uno que adelanta a los demás, y espera ilusionado el momento en que suene la campana para poder irse con su hermano, que le lleva a dar vueltas por el circuito. La carrera de Rex se va al traste, al ser acusado de hacer trampas, y éste se distancia de la familia y muere en un accidente. Muchos años después, Speed debuta como piloto de carreras y demuestra su enorme talento. Royalton, dueño de una gran empresa, le ofrece una tentadora oferta para que corra para él, a pesar de que el padre de Speed siempre ha desconfiado de los grandes patrocinadores. Otro apabullante espectáculo visual de los hermanos Larry y Andy Wachowski, creadores de Matrix, que esta vez adaptan en imagen real Meteoro, una serie de carreras automovilísticas que pasa por ser la primera de animación japonesa que se emitió en España, mucho antes de que Marco buscara a su madre en Argentina. Con su extrema fidelidad al original, los hermanos ofrecen un giro radical que desconcertará a sus seguidores habituales. Han optado por un tono familiar que contrasta con la oscuridad de sus anteriores trabajos, que son Lazos ardientes, y la trilogía de Neo, Morpheo y compañía. Inspirados en las imágenes sesenteras de la serie original, los Wachowski han filmado con una estética kitsch y pop muy radical, marcada por los colores chillones y los diseños de videojuegos, que proporciona en todo momento una sensación de irrealidad. Los hermanos tienen una gran imaginación visual que propicia muchos planos potentes, que son el gran valor de la cinta. En este mundo virtual, totalmente recreado por ordenador, encajan muy bien sus personajes, idénticos a los de la serie en su sencillez, pues son todos totalmente esquemáticos: el héroe, el villano sin escrúpulos, etc. Esto da pie a interpretaciones muy poco naturalistas, algunas un poco cargantes, como la de Paulie Litt (Una chica de Jersey), que interpreta a Spritle, el hermano pequeño del protagonista, que se enfrenta con ninjas si es necesario, con la ayuda inestimable de su mascota, un mono que se comporta como un humano. Y es que la trama es premeditadamente pueril, al estilo de las series niponas para niños, donde los futbolistas realizan acrobacias sobrehumanas o los guerreros lanzan rayos con las manos, pues aquí los coches de carreras pueden ejecutar sofisticados saltos para evitar el vehículo que va a colisionar contra él. El plato fuerte son las carreras de automóviles, a las que le falta cierto suspense, quizás porque no llegan a ser creíbles, pero también por cierta confusión narrativa, muy propia del cine moderno. Subyace de la serie original un sano mensaje que critica el juego sucio, la corrupción y los intereses empresariales que a veces enturbian el deporte. También proviene de los dibujos su exaltación de los valores familiares. Estos mensajes prevalecen a pesar de que no parecen del todo sinceros, porque los diálogos tienen cierto tono paródico, como si los Wachowski, también guionistas, quisieran imitar las frases del cine de Tarantino, mucho más ingenioso que ellos.

El holocausto y sus consecuencias han dado pie casi a todo un subgénero cinematográfico. A él pertenece esta película canadiense de Paolo Barzman, un director bregado sobre todo en televisión, en series como Cazatesoros y La zona muerta. Aquí adapta una novela de Matt Cohen, donde Melanie, una mujer judía que vive en una granja en el campo con su marido, profesor universitario jubilado, recibe una noticia inesperada. Jakob, el hombre que la salvó a ella y a Christopher en 1945, cuando ambos eran niños, en el campo de paso de Darcy, en Francia, está vivo. No acabó en Auschwitz, pero sí en el gulag soviético. Conmovida, Melanie acoge en su casa al ahora anciano Jakob, a quien acompaña, por sorpresa, Christopher. Estamos ante una de esas historias de tipos traumatizados, que se sostiene gracias a un reparto excepcional (Susan Sarandon, Christopher Plummer, Gabriel Byrne, Max von Sydow), que ayuda a hacer creíble lo que resulta bastante inverosímil. No hay mucha habilidad en la introducción de breves flash-backs en blanco y negro de la época del campo; tampoco se entiende esa especie de historia de amor frustrado entre Melanie y Christopher, y los elementos de locura –se quiere presentar cómo el dolor ha afectado a los personajes– tienen un punto disparatado que no está bien hilado en la trama. Suenan pretenciosas las palabras, repetidas en dos ocasiones –“Si me preguntas si creo en Dios, debo preguntarte ‘¿Cree Dios en mí?’”–, y a las que dan ganas de apostillar, “¿debería?”. Quizá lo más sugerente es el momento en que se descorre levemente el velo de cinismo del marido, para señalar el sufrimiento de las personas que parecen no tener derecho a sufrir, al compararse con las que han sufrido horrores del calibre del holocausto y el gulag.

Seann William Scott saltó a la fama por la saga de American Pie, marcada por el constante recurso al humor zafio. No es de extrañar que le hayan puesto como protagonista de este film, muy en esa línea, aunque resulta mucho más extraña la presencia de sus dos ilustres compañeros de reparto, nada menos que Billy Bob Thornton y Susan Sarandon. Esta vez, Scott interpreta a John Farley, que fue un niño obeso, maltratado por el señor Woodcock, el sádico profesor de educación física que le humillaba continuamente. Con el paso del tiempo, Farley logró recuperar la autoestima. Su experiencia al superar los malos recuerdos del pasado dio lugar a un libro de autoayuda que le ha convertido en un autor de éxito. Pero cuando vuelve a su ciudad natal, descubre que su madre, que se quedó viuda hace tiempo, ha iniciado una relación con el señor Woodcock, que volverá a denigrarle como antaño. El prometedor punto de partida podría haber dado lugar a situaciones divertidas, que propiciasen algún ligero apunte sobre la superación personal y la capacidad de perdonar. Pero el debutante Craig Gillespie no puede superar los defectos de un guión que pretende hacer reír a base de chistes muy simplones, casi siempre en torno al sexo.

Otra película más de las muchas por llegar sobre la guerra de Irak. La dirige Paul Haggis, y aunque no alcanza el nivel de su oscarizada Crash, es un título valioso, bien resuelto y con momentos conmovedores. La película sigue a Hank, un antiguo policía militar, al que comunican que su hijo Mike, un marine destinado en Irak que había regresado a Estados Unidos, no se ha presentado de vuelta a su cuartel. Temiendo que se haya metido en algún lío, Hank viaja a Fort Rudd, y una retahíla de dolorosas realidades van a convencerle de que su país está aquejado de una grave dolencia moral. Haggis entrega una historia inteligente, que inicialmente sigue las convenciones del thriller de investigación en ambientes militares, piénsese en títulos como Algunos hombres buenos, Basic, En honor a la verdad, La hija del general… Pero el cineasta sabe dar otra vuelta de tuerca a la cosa, para hablar de los efectos que tiene la guerra en Irak en unos jóvenes que en principio son buenos chicos, pero que terminan convertidos en unos tipos insensibles, embrutecidos, hundidos en la violencia, la droga y el sexo, para los que la noción de que la vida es algo sagrado ha perdido validez. Esa bandera de Estados Unidos izada al revés dice mucho, Haggis se las arregla para, sin aspavientos, criticar la política de la administración Bush en Irak y la indiferencia de sus conciudadanos, y hacer una llamada de urgencia al cambio. ¿Es injusto Haggis en lo que dice? El caso terrible y sembrado de detalles sórdidos que cuenta, que se dice inspirado en hechos reales, puede conducir a la generalización. La guerra embrutece siempre, pero se diría que el miedo a los atentados que caracteriza a la actual, la presencia del terrorismo, convierte “impepinablemente” a todos sus protagonistas en desalmados. Y Haggis parece decir que esto es más la norma que la excepción. Tommy Lee Jones está genial con su rostro rocoso, que cada vez le acerca más a un Clint Eastwood envejecido. Su personaje resulta clave como guía del descenso a los infiernos que propone el film, porque él es un patriota, ama a su país y a su familia, cree en Dios. Es un gran profesional –cuántas chapuzas saca a la luz en el trabajo de la policía, y qué bien construida está la relación con la inspectora–, sobrio –qué bonito el detalle de cómo “plancha” los pantalones, o recomienda la medias contra el frío–, enamorado de su mujer.

Giselle es una jovencita que forma parte del mundo fantástico de los dibujos animados. Su vida es, tal y como se dice, “de cuento”, vive feliz con los animalitos del bosque, canta con preciosa voz los anhelos de su corazón y espera casarse con el príncipe Edward. Sin embargo, la malvada reina no quiere perder su trono y con malas artes destierra a la prometida de su hijo al mundo real. Y ahí, en pleno corazón de Manhattan aparece Giselle, convertida en un ser de carne y hueso y por supuesto más perdida que carracuca. Y es que en Nueva York la vida no es precisamente “encantadora”, los problemas surgen por doquier y nada se arregla con un simple sortilegio. Y las cosas se ponen aún más complicadas cuando recibe ayuda de un tal Robert, un atractivo abogado, divorciado y con una hija pequeña. Disney apuesta por este entrañable cuento para toda la familia ante la proximidad de las fiestas navideñas. Y si apuntaban al éxito, el tiro les ha salido excelentemente dirigido. Uno cree estar viendo una película de dibujos animados muy clásicos y, de repente, zas, se encuentra en pleno Broadway con la 42. Pero es que la historia atrapa, es original, tiene momentos divertidos y enternecedores, y el equilibrio entre fantasía y realidad es sencillamente magnífico, de modo que el resultado no es ni pueril para espantar a los adultos ni por supuesto demasiado serio para no engatusar a los más jóvenes. El guión de Bill Kelly introduce con discreción y tino diversos elementos de cuentos clásicos, como “Blancanieves y los siete enanitos”, “La bella durmiente” o “La Cenicienta”, y traslada personajes imaginarios al mundo real con simpática destreza (y nada menos que a través de la alcantarilla de Times Square). En este sentido resultan excelentes los efectos especiales, sobre todo en las apariciones de la simpática ardilla Pip y de los demás animales, y hay que hacer mención a las canciones del film, alguna interpretada con llamativas coreografías, como la extraordinaria “That's How You Know”, cantada y bailada en pleno Central Park. Se nota, en fin, que Kevin Lima (Tarzán), especialista en comedias infantiles, se siente cómodo con esta bella fábula sobre el amor, pues mima las imágenes (las transiciones con el libro son excelentes), introduce con soltura preciosos detalles llenos de sentido y, ante todo, tiene la suerte de contar con un reparto extraordinario para que el experimento no se le vaya de las manos. De todas maneras, es la bella pelirroja Amy Adams, nominada al Oscar por Junebug, la que brilla con luz propia a lo largo de todo el film. Tiene un no sé qué de ingenuidad y un gesto risueño de frescura tan desbordante que es imposible no caer presa de su hechizo.

Reconstrucción de la historia real de la millonaria Doris Duke y su mayordomo de los últimos años, al que acabó legando toda su fortuna, para sorpresa de propios y extraños. Tras la muerte de su padre, acaecida cuando ella tenía 13 años, Doris Duke heredó una gran fortuna y el imperio tabacalero American Tobacco Company. Tiene a su servicio a Bernard Lafferty, un mayordomo homosexual con problemas con el alcohol. Bob Balaban, actor de títulos como La joven del agua y también prolífico director, aprovecha el talento de la pareja protagonista, magníficos Susan Sarandon y Ralph Fiennes. Realmente su trabajo es lo mejor de la anodina cinta. Babalan admite que ha imaginado cómo fue la relación entre Doris y Bernard, a falta de información de primera mano, y pinta a la primera como a una mujer adinerada, en continua actividad, dotando de fondos a fundaciones y organizaciones caritativas; pero que al tiempo está muy sola, y paga a un morenazo cachas para tener sexo con él. Mientras que sobre Bernard planea la ambigüedad, la sombra de la duda de si pretende manipular a su ama. Quizá la mayor debilidad del film sea el interés de lo que se cuenta, pues una vez planteada la situación –la exigente dama tiene un mayordomo complaciente, que adivina siempre sus necesidades–, todo consiste en abundar en la triste vida de los protagonistas.

Entretenido y tramposillo thriller, a cuento de Sophie, una madre de familia angustiada. Ilustradora de cuentos infantiles, felizmente casada y con dos niñas, sufre un bloqueo creativo desde que falleció su madre. Desde hace algún tiempo tiene además la sensación de que alguien entra en su casa y le quita objetos como fotos de sus seres queridos. Los hechos han coincidido con la entrada en su vida de Mara, una joven informática, que trabaja codo con codo con su marido. A medida que transcurre el tiempo, más síntomas de locura muestra Sophie, que se obsesiona con la idea de que Mara es la intrusa que perturba su hogar. Film australiano de atractivo reparto, donde destacan Susan Sarandon y Sam Neill. Crea una atmósfera inquietante, pero suena un poco a tomadura de pelo que transcurrida más de una hora de metraje la directora y guionista Ann Turner se saque de la chistera un dato, la maternidad de Sophie cuando era adolescente, para justificar lo que nos está contando.

Siguiendo la estela de Casi famosos, el cineasta Cameron Crowe transita de nuevo por una historia nostálgica y sentimental, con ribetes autobiográficos y estupendo acompañamiento musical. Todo arranca con un joven ejecutivo al borde del suicidio tras saberse que la multinacional donde trabaja va a perder millones de dólares, debido a su errado diseño de un calzado deportivo. Una llamada al móvil le salva la vida: su hermana le anuncia entre lágrimas la repentina muerte de su padre, que estaba visitando a unos parientes en la otra punta del país. Él se hará cargo de las gestiones funerarias, y en el camino conocerá a un ‘ángel’ (la azafata de su avión, flechazo rápido al corazón), y descubrirá el encanto de la gente sencilla en una idílica ciudad, lejos del mundanal ruido. Crowe parte de una excelente idea, la de la añoranza del fallecido progenitor, para quien el protagonista nunca tenía tiempo, muy ocupado en cuestiones que al final se revelaron banales. La idea de un viaje del protagonista, no sólo físico sino espiritual, a la tierra de sus ancestros, es simpática, y la apoyan bien los secundarios, reflejo de una vida buena y sencilla que el personaje de Orlando Bloom ignora por completo. Pero el director y guionista se complica la vida en esta narración clásica de aires caprianos con un metraje excesivo y algo arrítmico, y con personajes mal definidos (la madre, desaprovechada Susan Sarandon, patética en el discurso en memoria del marido). Orlando Bloom confirma lo que ya apuntó en Reino del cielo: no tiene fuste para sostener una historia. Menos mal que está la encantadora Kirsten Dunst, para echarle un cable. Alguno podría creer que la ciudad de Elizabethtown no existe, que es un invento de Crowe. Pues ese tal estaría muy equivocado. El lugar es auténtico, y se encuentra a 70 kilómetros de Louisville, en Kentucky. Lo cierto es que Crowe no conocía Elizabethtown, y fue buscando un lugar adecuado para rodar como dio con ella; le agradó tanto la ciudad, que incluso decidió que diera nombre a la película.

Un herrero que construye puentes, casado con la hacendosa Kitty, mantiene una relación con Tula, una mujer más joven. Comedia musical de John Turturro (Illuminata), chillona y extravagante, donde el director se sale de la norma y muestra a unos personajes casi caricaturescos. Protagonizan James Gandolfini (Los Soprano), Susan Sarandon (El aceite de la vida) y Kate Winslet (Sentido y sensibilidad), entre otros.

Seis personas son condenadas injustamente por unos delitos que no han cometido, pero que les llevarán al corredor de la muerte. Tras varios años en la carcel, son declarados inocentes y puestos en libertad. Drama que toca un tema muy candente en Estados Unidos, la justicia y como a veces un error en ella puede quitarle la libertad a una persona durante años.

Chazz Palminteri es conocido sobre todo por su faceta de actor duro, pero aquí se pone tras la cámara para contar varias historias cruzadas en vísperas de Navidad. La publicista que sufre porque su madre padece alzheimer, los novios que rompen, el camarero tronado, el tipo cuya mayor ilusión es pasar las fiestas… ¡en un hospital! Todo sirve para componer una galería de tipos humanos interesante, encarnados por un magnífico plantel de actores, donde se deja ver nuestra ‘Pe’ Cruz.

Alfie Elkins es un joven británico, chófer de coches de lujo en Manhattan, que dedica todo su tiempo a seducir mujeres de cualquier edad y condición. Se considera todo un especialista en el tema, que sabe exactamente qué hacer para cautivar al sexo opuesto. El especialista en adaptaciones modernas de clásicos del cine Charles Shyer (El padre de la novia, Tú a Boston y yo a California) versiona esta vez la película, basada en una obra teatral de Bill Naughton, que lanzó a la fama hace cuarenta años a Michael Caine. Le sustituye el pluriempleado Jude Law, que compone una versión metrosexual del personaje, que en el fondo sigue siendo un caradura sin escrúpulos, cobarde ante el compromiso, que amparándose en su supuesta falta de maldad no duda en dar rienda suelta a sus instintos más bajos, incluso con la novia de su mejor amigo. Y aunque el film no resiste la comparación con el original, logra dotar de cierta simpatía al personaje, a la vez que se expresa con claridad su falta de horizontes vitales.

Padre de familia, abogado, con dos hijos, que sólo tiene motivos para ser feliz… no es feliz. El día de su cumpleaños, pese al ambiente festivo que impregna su casa, no puede evitar la sonrisa forzada de quien acepta una celebración convencional. Las cosas cambiarán gracias a un rostro triste como el suyo: el de una profesora de una academia de baile, a quien ve cada día, tras el cristal de una ventana, desde su vagón de metro. Un día se apea, y casi sin pensarlo se apunta a clases de baile. Oculta la decisión a su familia, y lo que al principio era curiosidad por una atractiva mujer se convierte en pasión por el baile, y alegre camaradería con alumnos y profesores. Película perdidamente romántica, y que no se avergüenza de serlo, remake de un film japonés de 1997, firmado por Masayuki Suo. Su apuesta la acerca al acaramelamiento, pero la presencia de un director con personalidad, Peter Chelsom, evita el peligro, real, del ridículo. Sin ambigüedades, se señala que los problemas en casa no se arreglan ‘liándose’ con la vecina de enfrente. Pero el motivo para superar las personales insatisfacciones, la afición por el baile, no deja de ser endeble, aun aderezado con lo que éste propicia: nuevas amistades y un redescubierto aprecio a lo que tiene, una familia estupenda. Hay un acierto completo en el reparto, tanto en el trío protagonista (Gere, López, Sarandon) como, y quizá más, en los personajes secundarios (Stanley Tucci, inesperado bailarín latino; Lisa Ann Walter, bailarina de ‘peso’; Richard Jenkins, el detective…).

Continuación de la saga de ciencia ficción creada por Frank Herbert en "Dune", adapta sus otros libros "El mesías de Dune" e "Hijos de Dune". Sigue describiendo el enfrentamiento entre las casas de los Atreides, los Hakonnen y los Corrino, con sus abundantes intrigas palaciegas y rebeliones de los frenen, a cuento del negocio de la especia de los gusanos en Dune, y del tesoro del agua. Entre los elementos que conforman la narración se cuenta el esfuerzo por dar descendencia al emperador Muad'Dib, o sea, Paul Atreides, que acabará teniendo gemelos; o la curiosa resurreción de Duncan. Resumen de tres horas de una lujosa miniserie televisiva (el original dura casi cuatro horas y media), la trama puede ser algo enrevesada y árida para los no iniciados en el universo Herbert, sobre todo por un vocabulario y elementos que no se explican por sí mismos. Destaca la hermosa partitura musical de Brian Tyler, y la dirección artística, fotografía -gran uso de las cámaras de alta definición- y efectos visuales -ganadores de un Emmy-, deudores de los avances de los últimos años, en títulos como la nueva trilogía de La guerra de las galaxias o la de El Señor de los Anillos. Es mejor el segundo tramo, cuando los gemelos ya están creciditos, con una profecía de maldición de un 'Predicador' que provoca la inquietud en el pueblo.

La doctora Jerri Nielsen abandona su residencia en Ohio y viaja hasta el Polo Sur para ayudar en una expedición médica. Allí, en medio de ese mundo gélido y hostil, se dará cuenta de que tiene cáncer. Correcto telefilm basada en hechos reales y protagonizado con mucho oficio por Susan Sarandon. El guión adapta el libro de la propia Nielsen, y tras las cámaras se sitúa un eficiente Roger Spottiswoode (Los niños de Huang Shi).

El vehículo que debía transportar a una feliz novia a la iglesia, se convierte en coche mortuorio que traslada sus restos al cementerio. La vida de 4 personas (la difunta, sus padres, y el novio) ha dado un vuelco radical, de la noche a la mañana. Una bala perdida la alcanzó, y las cosas ya no serán lo que debieron ser. No ha habido boda, cierto, pero los “suegros” de Joe Nast le habían acogido ya como a un hijo. Todo estaba hablado, y la idea era que el malogrado marido trabajara codo a codo con su suegro. Ideales truncados, un cuento de hadas hecho mil pedazos, que se complica más por un hecho que Joe no se atreve a desvelar. Él y su novia habían anulado su compromiso. No estaban seguros del paso que iban a dar, y tenían intención de comunicar su decisión a los padres de ella, cuando la muerte frustró el plan. Ahora Joe se encuentra en una encrucijada. Tiene miedo a aumentar el dolor de los padres de la difunta, pero su silencio alimenta una espiral de afecto y atenciones de las que no se cree merecedor. E incluso suponen una planificación no deseada de su vida, que debiera discurrir por los cauces elegidos por él responsablemente. Junto al drama del joven protagonista, el dibujo de los padres de ella (magníficos Dustin Hoffman y Susan Sarandon), con sus inesperadas manías y los mundos que se construyen para evadirse de la realidad cotidiana, no sacan al espectador de la historia; y ayuda a perfilar una buena subtrama, una historia de amor maduro, construido día a día, donde el “cansancio” del otro no sirve de excusa para dejar de amar; o la de los problemas de comunicación con la hija. También tiene entidad el dilema del joven Joe (la carrera de Jake Gyllenhaal va a más): se describe bien un modo de hacer que teme lastimar al otro, en que la falta de sinceridad en el momento oportuno complica las cosas; ese miedo a que te retire el saludo quien hasta entonces te apreciaba, sólo por hablar a las claras, pesa sobre muchas personas, lo que hace más dolorosa la inevitable revelación de la verdad. En este caso cuando el amor llama a la puerta del protagonista.

En su alocada juventud a finales de los 60, Vinnie y Suzette era dos chicas que estaban un día en un concierto de rock y el otro también, alternando con las estrellas, ingiriendo alcohol, y corriéndose todo tipo de juergas. Pero el tiempo pasó, y cada una siguió su camino. Suzette lleva una vida mediocre, pero al menos parece que se lo pasa bien. Mientras que Vinnie se convirtió en Lavinia, se casó y tuvo dos hijos: en teoría, una mujer feliz y de buena posición, pero en realidad una amargada burguesita, cuyos lazos con el marido y los retoños son más bien endebles. El reencuentro de las viejas amigas reactiva las vidas de ambas. Según Bob Dolman, director y guionista de la película, “la idea de la libertad y de la responsabilidad era parte parte de lo que tenía pensado muy al comienzo, cuando trataba de definir a los dos personajes: nuestras vidas toman dos caminos y en parte deseamos nuestra libertad, pero también queremos la responsabilidad que llega a medida que avanza la vida”. O sea, que llega el momento de sentar la cabeza, pero también hay que saber pasarlo bien, viene a decirnos el sesudo Dolman.

Igby (Kieran Culkin) es un chaval de 17 años, listo y agudo y pegado con el mundo. Su madre (Susan Sarandon) es una neurótica que ya no sabe que hacer con su hijo, al que expulsan de todos los colegios, todo lo contrario que su hermano mayor, Oliver (Ryan Phillippe). Su padre, por su parte, se encuentra recluido en un psiquiátrico. Igby logrará escapar de las garras y el control materno cuando se instale en un loft en donde vive la guapa Rachel (Amanda Peet), amante del padrino de Igby. Comedia cínica, contruida a base de diálogos y situaciones más o menos forzadas, típica de urbanitas neoyorquinos cuyo cerebro está un poco descacharrado. El personaje central es claramente heredero de Holden Caufield, el protagonista de "El guardian entre el centeno". Irá dando tumbos de un lado a otro, en busca del amor, del equilibrio en su vida, de encontrarle algún sentido a su existencia. Un jovencito listo e inadaptado a los egoísmos con que ha sido educado. El resultado es meritorio, se deja ver aunque no entusiasma. Kieran Culkin y Susan Sarandon fueron nominados a os Globos de Oro.

Malcolm es un niño superdotado que intenta llevar una vida normal, a pesar de que su familia es bastante peculiar. Hal, su padre, es un excéntrico individuo, mientras que Lois –la madre– está obsesionada con controlar a sus hijos y se pasa el día gritando. Francis, el hermano mayor, se pasaba el día desobedeciéndola, por lo que al final, ella le envió a una academia militar. Reese, otro de los hijos, es violento y descerebrado, mientras que Dewey, es un niño dotado para la música. El más pequeño es Jamie, que a pesar de ser un bebé, es bastante rebelde. Original y creativa serie que consta de 151 capítulos, emitidos a lo largo de 7 temporadas. El ritmo es dinámico, y los gags bastante ingeniosos. Obtuvo un gran éxito, y sus responsables decidieron cancelarla cuando estaban en la cima, porque los actores infantiles habían crecido demasiado para seguir rodando más episodios.

Tercer trabajo como director de Stanley Tucci (secundario en títulos como Camino a la perdición o Sucedió en Manhattan, y responsable de Una gran noche y la inédita The Impostors), también escrita, protagonizada y producida por él. En una sutil crítica al materialismo, Tucci adapta el libro homónimo donde el periodista norteamericano Joe Mitchell relata la singular historia real de Joe Gould. Se trata de un excéntrico escritor y erudito al que el reportero conoció en los años 40, que vivía como un mendigo, rodeado de amigos bohemios. A pesar de ser licenciado por Harvard, Joe Gould prefería vivir “del aire, el amor propio, las colillas, el café de cowboy, los bocadillos de huevos fritos y el ketchup”. Además, dedicaba su vida a un curioso y ambicioso proyecto, un libro que iba a ser el más extenso de la historia. “Historia oral de nuestro tiempo” era una transcripción de relatos de la gente que había conocido en las calles, tipos en su mayoría desencantados por la obsesión con el dinero, que ha echado a perder “los viejos tiempos”. Mitchell se sentía tan fascinado por la figura de Gould que publicó un perfil sobre el personaje en The New Yorker, tras lo que el mendigo adquirió una gran popularidad.

Charlotte es una aburrida ama de casa que está pensando en dejar a su marido. Su vida pega un vuelco al convertirse en rehén de unos atracadores. Cuando conoce los motivos de su acción, ella empieza a advertir que hay cosas en la vida que merecen la pena. Entretenida 'road-movie' que conjuga drama y comedia. De su reparto hay que destacar a la espléndida Susan Sarandon (que por cierto, ya dio vida a una anodina maruja en Thelma y Louise, otra 'road-movie').

Este film dejó claro que debíamos de prestar atención a un tipo larguirucho, de sonrisa algo cínica y mirada fría y perspicaz que responde al nombre de Tim Robbins. Tras Ciudadano Bob Roberts y Pena de muerte, vuelve a ponerse tras la cámara y se descuelga con una película coral fascinante y conmovedora, dura y amable, crítica y mordaz, una apología ideológica sobre la libertad de expresión artística en el Broadway de finales de los años 30. En plena crisis económica los estudios teatrales luchan por salir adelante gracias al Federal Theater Project, un programa destinado a reactivar el trabajo de los actores. Un joven director llamado Orson Welles pone en marcha una obra musical llamada Cradle Will Rock, del compositor Marc Blizstein. Sin embargo, el proyecto será censurado por el gobierno, que ve en sus inquietudes sociales un alarmante alegato filocomunista. Robbins diseña un fresco histórico, muy bien ambientado, por donde se pasean personajes reales como Welles, Nelson Rockefeller o el magnate mediático William R. Hearst, junto a otros “casi” reales. El combinado conforma un completísimo hervidero de caracteres, magistralmente humanizados por una plantilla de intérpretes que, salvo algún caso aislado, hacen gala de talento extraordinario. El guión es simplemente encantador, inteligente y acuchillado. Y el maravilloso desenlace deja en el aire una pregunta no apta para cobardes: ¿cuál es mi precio? Con Abajo el telón Robbins se ha convertido en un creador genuino, lo que se dice un tipo peligroso: nada de “montajes” para la galería, ni moralinas intelectualoides. Arte puro, y por tanto subversivo, provocador, bello.

Adele y Ann. Madre separada e hija. En contra de los deseos de Ann, ambas abandonan el pequeño pueblo de Bay City en Wisconsin, rumbo a Beverly Hills. Contra lo que podría considerarse normal, Ann, de 14 años, es una chica madura, con deseos de echar raíces en un sitio: amigos, novio... Mientras que Adele vive en una nube de fantasía, y piensa que las cosas les van a ir mucho mejor: seguro que surge un buen trabajo y un “príncipe azul” para encauzar las cosas... El director, Wayne Wang, explica que le gustan las “historias humanas simples, especialmente las historias familiares. A cualquier otro lugar trata de la familia, de la gente, de la dependencia, de la independencia, del amor y del odio. Trata de cómo crecer. Me sentí como si estuviera haciendo el camino con las protagonistas, y me gustaron de verdad esos personajes.” Para Susan Sarandon, “lo más interesante de mi personaje es que está haciendo las cosas equivocadamente, aunque con buena intención”. Minentras que Natalie Portman creyó ver en Ann rasgos autobiográficos: “Era muy extraño. Mientras rodábamos pensaba que en menos de un año iba a vivir algunas de las cosas que le pasan a ella: prepararse para la universidad y vivir por mi cuenta.”

¿Cine negro a la antigua usanza? La película, con un tono crepuscular presente incluso en su mismo título ("twilight" significa "crepúsculo"), cumple con muchas premisas del género. Harry Ross, ex policía, trabaja como detective privado. En su último caso –devolver a Jack Ames su hija adolescente, fugada con el novio–, resultó herido. Prácticamente retirado, Harry vive en la lujosa casa de los Ames –gente del mundo del cine–, donde es una mezcla de amigo y "chico de los recados" de lujo. Harry ocupa una extraña posición en esa casa: confidente y compañero de las partidas de póker de Jack –enfermo de cáncer–, a la vez está secretamente enamorado de Catherine, su hermosa mujer. Cumpliendo un encargo de Jack, Harry se ve envuelto en un chantaje, relacionado con la extraña desaparición, años atrás, del primer marido de Catherine. Se agradece una película con el sabor del cine negro más clásico. Aunque quizá al film le falta algún punto o giro nuevos, capaces de fascinar. Un detective maduro, aficionado al alcohol, que está perdiendo facultades; un triángulo amoroso; un chantaje; unas fronteras más que borrosas entre lo que está bien y lo que está mal; y algunas sorpresas que no lo son tanto. Robert Benton (Kramer contra Kramer, Ni un pelo de tonto), con ayuda de su guionista Richard Russo, maneja con soltura estos elementos tradicionales, a los que añade sexo y violencia, más contemporáneos. Benton apuesta fuerte por sus actores y no se equivoca: todos están en su sitio, y son los que sostienen el relato. Demuestran además una muy bien llevada madurez. Paul Newman es un perfecto perdedor; Susan Sarandon encarna bien a la mujer que no se decanta con claridad por los que la pretenden; Gene Hackman da vida a un personaje incómodo, el marido; Stockard Channing es la policía veterana, que ama a Harry; y se recupera a James Garner, como antiguo detective.

Tuccio es un autor de teatro, ansioso por escenificar una de sus obras. Querría contar con una de las más importantes divas del momento como protagonista. Pero la cosa no es tan sencilla. El actor John Turturro dirige su segunda película, una mirada irónica y amorosa a la vez al mundo del teatro. La búsqueda de la inspiración y la facilidad con que surgen las relaciones amorosas son diseccionadas por Turturro con agudeza. Entre el reparto destaca Susan Sarandon, en un pequeño papel. Asegura el director que sus referencias a la hora de hacer el film han sido La regla del juego de Jean Renoir y Las zapatillas rojas de Michael Powell. Casi nada.

Drama familiar al que hay que acudir pertrechados con abundantes kleenex. Luke y Jackie están separados desde hace algún tiempo. Sus dos hijos, la adolescente Anna y el pequeño Ben, viven con Luke y con Isabel, la novia del padre. Los sentimientos de los chicos hacia Isabel, sobre todo los de Anna, no son demasiado favorables. En cambio, adoran a su madre, que les mima y demuestra su cariño hasta la extenuación. El caso es que un mejor conocimiento, y la aparición de un cáncer que golpea a Jackie cambian las cosas. Chris Columbus cambió de tercio, tras sus comedias Solo en casa o Señora Doubtfire, y se mete de lleno en un drama. Aunque el tema de la familia, y concretamente el de los efectos del divorcio, coincide con el segundo film citado. Pese a que el guión podía estar mejor trabado (hasta cinco aparecen acreditados, entre ellos Ronald Bass), el film tiene a su favor un reparto de primera división. Ed Harris es un simple comparsa, pero el duelo entre Julia Roberts y Susan Sarandon merece verse.

Original documental que recoge secuencias de famosas películas de la historia del cine, y la evolución a lo largo de ésta del tratamiento de la homosexualidad, así como los cortes de la censura y los problemas y curiosidades surgidos entre los actores. Dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, se basa en un libro escrito de Vito Russo. El reparto es interminable, compuesto de estrellas como Tony Curtis, Whoopi Goldberg y Tom Hanks.

Una monja recibe una carta. Un asesino, condenado a muerte, quiere verla. Hablan y hablan, a veces no muy amablemente. Hay mucha rabia y cinismo en el condenado. Pero la monja le escucha siempre y hace todo lo posible por ayudarle y comprenderle. Quizá es inocente, aunque su culpabilidad es más probable. La apelación se acerca. Y pronto verá que el cuadro al que se enfrenta no estará completo si no visita a los familiares de las víctimas. Sin utilizar trampas ni efectismos, Tim Robbins consiguió con Pena de muerte, su segunda película como realizador, un tremendo alegato en contra de la pena capital. Es elogiable la visión objetiva de lo que hay alrededor de una ejecución legal. Interpreta a la religiosa Susan Sarandon, en una de sus más memorables composiciones –ganó el Oscar–, mientras que Sean Penn realiza una sobrecogedora actuación como el presunto asesino.

Susan Sarandon (Thelma y Louise, Mujercitas) da vida a Meg, una madre de siete hijos, que está atravesando una crisis. Con sus hijos ya mayores y distanciada de su marido, la idea de la separación le ronda por la cabeza. La situación cambia cuando se le notifica que su hijo mayor ha sido víctima de un atentado terrorista en el cuartel de Oriente Medio donde estaba destinado. El suceso reúne a toda la familia, comenzando una tensa espera de más noticias, en la que cada miembro de la familia hará examen de su comportamiento en el pasado, saliendo reforzada la unión familiar. Película basada en la novela de Ellyn Bache. Está dirigida por el famoso director teatral Robert Allan Ackerman, que debutaba en el mundo del cine con este film. Ackerman logra hacer un detallado retrato de los personajes, en el que sin lugar a dudas destaca Susan Sarandon en el papel de madre abnegada. Tensa espera mezcla acertadamente elementos dramáticos, costumbrista e incluso algún golpe de humor. El resultado de todo ello es brillante.

Narra la historia de cuatro hermanas, interpretadas por Winona Ryder, Trini Alvarado, Kirsten Dunst y Claire Danes, que viven felices junto a sus padres. La vida familiar se ve perturbada cuando su padre es llamado a filas, y tiene que incorporarse enseguida para luchar en la Guerra de Secesión. Las cuatro hermanas y su madre, interpretada por Susan Sarandon, deben enfrentarse solas a la vida. Cada una tiene un carácter diferente, pero se llevan de maravilla. Introduciéndonos en su vida, conocemos la sociedad de Estados Unidos a mediados del siglo XIX, las costumbres y la forma en que se desarrollaban las relaciones. Una entrañable película basada en la famosa novela de Louisa May Alcott. Realiza una eficaz recreación de la época a través de estas cuatro jovencitas. Pone de relieve los valores positivos del amor familiar y la honestidad. Cuenta con actrices de primera línea, como la entonces emergente Winona Ryder o la portentosa Susan Sarandon.

Un atrevido muchacho de 11 años se encuentra en el bosque a un abogado que, antes de suicidarse, le revela los secretos sobre un turbio asesinato y el lugar donde se encuentra el cuerpo de un senador desaparecido. La mafia se entera de lo sucedido y trata de eliminar al niño, mientras que un fiscal, interpretado por Tommy Lee Jones, quiere desentrañar de una vez por todas los hechos. Una abogada con una fuerte personalidad, interpretada por Susan Sarandon, intenta proteger al niño de unos y otros. Un emocionante thriller en el que el crimen y la acción de la justicia se mezclan con la inocente visión de un niño indefenso. Tommy Lee Jones, como implacable fiscal, está soberbio, y Susan Sarandon, especializada en la defensa de causas difíciles, aporta dramatismo y tensión a la historia. La trama se va desenmarañando poco a poco y no sin dificultades. Cuenta con todos los ingredientes del buen cine de suspense y acción.

Debut en la dirección del actor Tim Robbins, que hace una acendrada crítica del tantas veces circense mundo de la política. Para ello sigue la campaña del ciudadano Bob Roberts del título, un tipo que se presenta al Senado por el partido republicano, y que originalmente era cantante de canciones folclóricas, que se integran en la banda sonora del film.   La película no es ciertamente original, sigue la estele de los populistas protagonistas de Un rostro en la multitud y El candidato, que se llevan a la gente de calle, pero que realmente no tienen un programa nítido para mejorar las cosas en la sociedad. Robbins no sólo dirige, sino que firma el guión, protagoniza, y compone él mismo las canciones de su personaje. Ha contado con la intervención de muchos actores conocidos para pequeños papeles, en el fondo, cameos.

John le Tour, es un traficante de drogas que trabaja a las órdenes de una mujer. Sus clientes son jóvenes "yuppies" y turistas europeos que frecuentan los "garitos" de moda de la ciudad de Nueva York. Un día, uno de sus clientes aparece muerto y la polícia comienza una investigación sobre las actividades de John. Paul Schrader (guionista de Taxi Driver) dirige este thriller, que nos introduce en el mundo de los bajos fondos de la ciudad de Nueva York. Al cuidado dibujo de tipos humanos se suma el excelente reclamo de la pareja de "actorazos" que encabeza el reparto: Williem Dafoe (Platoon) y Susan Sarandon (Thelma y Louise, El Cliente).

Un chaval sufre una rara enfermedad degenerativa. ¿Habrá remedio? Los doctores dicen que no, pero el amor de unos padres puede ser muy tozudo  Así que por su cuenta se ponen a buscar un fármaco que pueda ayudar al pobre Lorenzo, que así se llama el niño. Emotiva película basada en hechos reales. El australiano George Miller abandona la trepidación de Mad Max para sumergirse en un drama humano sobre fe y coraje. Destaca Susan Sarandon como la madre inasequible al desaliento.

Dos amigas cogen el coche y aceleran hasta que ya no hay vuelta atrás... Thelma y Louise sienten aburrimiento de la vida: una es ama de casa y otra trabaja de camarera; así que un buen día deciden emprender una excursión para airearse un poco. Pero la aparición de un violador cambiará sus planes. El director británico Ridley Scott recuperó su prestigio entre la crítica, tras la decepcionante Legend, con esta "road movie" que explora las frustraciones de dos mujeres que deciden vivir la libertad sin límites. Impecables interpretaciones, ritmo inigualable y Oscar al mejor guión en 1992.

Un joven ejecutivo llamado Max Baron (James Spader) conoce por casualidad a Nora Baker (Susan Sarandon), una camarera algo mayor que él que trabaja en una hamburguesería de segunda categoría. No tenía por qué suceder nada y sin embargo ambos quedan prendados. Max es un publicista de éxito, infeliz tras la muerte de su esposa. Nora, por el contrario, a pesar de haber perdido a su hijo, derrocha entusiasmo por la vida, lo que contrasta con el sórdido lugar en que se mueve. Nada en los dos coincide, ni la edad, ni la clase social, ni siquiera los gustos. Sólo hay algo que les puede unir: el sexo. Pese a ser una película de pocos vuelos, Susan Sarandon da muestras del por qué de su éxito: sabe congeniar la comedia y el drama como nadie. James Spader cierra también un trabajo meritorio en esta historia pasional y diferente, de alto contenido erótico. El film cuenta con una buena ambientación y fotografía, y con una música eficaz a cargo de George Fenton.

Un agente poco ortodoxo, que fue expulsado de la policía, reingresa en el cuerpo para atrapar a un peligroso asesino en serie. El irlandés Pat O’Connor entrega cine de suspense con tono paródico y reparto de lujo.

Loable historia de denuncia del sistema del Apartheid que asoló Sudáfrica durante años, a través de un profesor de raza blanca (Donald Sutherland) que va descubriendo la realidad oculta del país cuando investiga la muerte de su jardinero de raza negra. El filme supuso el regreso a las pantallas del mítico Marlon Brando, ocho años después de su última aparición (en La fórmula), en un breve papel de abogado defensor por el que, simbólicamente, sólo cobró 4.000 dólares (nada que ver con los 3,7 millones de dólares que cobró por Superman) y fue candidato al Oscar como mejor actor de reparto. El film, basado en la novela de André Brink, tuvo ciertas dosis de polémica en su estreno norteamericano ya que terminaba con un hombre de color matando a un sádico oficial de policía.

Película ambientada en el atractivo mundo del beisbol. Narra las relaciones entre Crash Davis (Kevin Costner), un veterano catcher amargado por su pasado; Ebby, el pitcher más rápido entre todos sus compañeros; y la turbadora Annie (Susan Sarandon), sexy animadora del equipo de beisbol. Crash recibe el encargo de sacar a los Bufalos de Durham de la racha más larga de malos resultados que ha tenido en la historia de la liga de Carolina. Para ello deberá emplearse a fondo en el entrenamiento de su estrella más consagrada: Ebby. Pero lograr que la mente y los brazos del rápido pitcher estén más pendientes del juego que de Annie, parece mucho más difícil de los que se esperaba. Tres de los más grandes actores de Hollywood se dan cita en esta película de relaciones y los tres llevan a cabo unas interpretaciones estupendas; y de entre ellos sobresale un Kevin Costner que comenzaba a travesar sus mejores momentos. Gustará a los incondicionales del deporte y de las amistades complicadas.

El maleficio involuntario de un príncipe azul, lanzado por tres hermosas damas del pueblo de Eastwick, hace llegar a esta localidad a un extraño personaje que, poco a poco, va colmando todos sus deseos. Un cuento macabro que muestra un guión algo desordenado y un final con excesivos efectos visuales. Su reparto resulta llamativo, tanto en el trío de mujeres (Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer) como en ese demonio de pelos alborotados llamado Jack Nicholson, que vuelve a ofrecer lo mejor de su repertorio hasta que llega un momento en la trama en que se hace el dueño absoluto de la película y no parece importar nada más. Excelente tanto la fotografía del húngaro Vilmos Zsigmond, espectacular en la creación de la tormenta, como la música de John Williams, en una maravillosa partitura repleta de matices y temas diferentes que fue nominada al Oscar.

En una ambiciosa coproducción entre Francia, Italia y otros países, Hoskins encarna al Duce, desde su juventud. La acción comienza cuando constituye el partido fascista e inicia la célebre Marcha sobre Roma. Se presta especial atención a momentos tan decisivos como su alianza con Hitler, o la traición de sus seres queridos. Cuenta con actores tan renombrados como Susan Sarandon y Anthony Hopkins.

Ambiciosa miniserie que describe la persecución sufrida por los primeros cristianos, en Roma y otros lugares del imperio. Figura como coguionista el escritor Anthony Burgess, y cuenta con un plantel de campanillas. Junto a elementos imaginados para la ocasión, se incluyen pasajes que parten del libro bíblico de los Hechos de los Apóstoles.

Catherine Deneuve interpreta a una vampiresa centenaria que vive gracias a la sangre de sus amantes. Cuando su compañero John (David Bowie) abandona el "oficio" obligatoriamente (su cuerpo se deteriora a marchas forzadas) se encuentra en una situación desesperada y recurre a una peculiar doctora, interesada en el enigma del envejecimiento, con lo que acabará iniciando una relación. Debut en el largometraje de Tony Scott, que posteriormente se caracterizó por títulos más propios del cine de acción como Top Gun. Ídolos del aire o El último boy scout. El film tiene una atmósfera agobiante, que cuadra a la perfección con un argumento sórdido y pesadillesco, muy diferente de la filmografía posterior de Scott.

Lou, veterano gángster de poca monta, vive en Atlantic City, una ciudad que ha perdido el glamour de antaño y se está llenando de modernos casinos. Lou se siente muy atraído por su vecina Sally, que lucha por convertirse en croupier. Por casualidad Lou se verá envuelto en un turbio asunto de drogas junto al marido de Sally, un jovenzuelo irresponsable. Y la mafia está de por medio... Interesante film sobre las aspiraciones humanas, el fracaso y la nostalgia del pasado, del francés Louis Malle. Lo rodó con su mujer entonces, Susan Sarandon.

Acercamiento a la prostitución infantil del francés Louis Malle, a través de un fotógrafo fascinado por una chiquilla. Sirve de base la obra de Polly Platt, situada en el Nueva Orleans de 1917.

Waldo Pepper fue aviador en la Segunda Guerra Mundial pero pasada la batalla sale adelante trabajando como piloto de acrobacias. Su pasión por volar es tal que no le acobarda el riesgo, a pesar de que vive cada día momentos peligrosos en el aire. Al tiempo, se enamorará de la joven Mary Beth. George Roy Hill dirige un título de aviación y muestra los sueños de unos hombres y su amor por volar. Robert Redford encarna perfectamente al ídolo del aire, que antaño fue un heroico aviador, y le acompaña en pantalla Bo Svenson y una joven Susan Sarandon.

Brad y Janet son una pareja que tiene una avería con su coche en una noche de lluvia, y no tienen más remedio que guarecerse en la mansión de Frank N-Furter. Casualmente, el dueño de la casona se encuentra celebrando una reunión de transilvanos que festejan haber creado a Rocky Horror, una criatura cuyo cerebro pertenecía a un delincuente. Esta película de Jim Sharman está considerada una obra de culto y en ella se pone de manifiesto la alabanza por la locura, la diversión, el vicio y el sexo. Los personajes, la mayoría travestis, gays, drag queens... y 'reinas de la noche' en general, son exagerados y estrambóticos, empezando por el protagonista Tim Curry (Scary Movie 2), el actor perfecto para encarnar al anfitrión de este espectáculo lleno de colores, música, pelucas y purpurina. Y en medio de todo, la inocente pareja encarnada por Barry Bostwick y una joven Susan Sarandon.

Adaptación de una novela de Larry McMurtry, "Leaving Cheyenne", desde luego con peores resultados que los obtenidos por Peter Bogdanovich en La última película. Los amores de la Molly del título son disputados por dos chicos de campo en Texas, aunque será un tercero el que se lleve la gata al agua. La nostálgica historia transcurre en tres tiempos, entre 1925 y 1965, y aunque Sidney Lumet se esfuerza, la cosa no acaba de cuajar, algo suena a falso.

Hildy Johnson, reportero estrella del Chicago Examiner, está a punto de dejar su profesión para casarse con Peggy Grant, el amor de su vida. Cuando acude a despedirse, su jefe, un tipo sin escrúpulos, convence a Hildy de que retrase ligeramente su partida para acometer un último reportaje. Consiste en cubrir al ejecución de un infeliz. No está claro si asesinó a un policía, pero con su ejecución el alcalde cree que ganará puntos ante las elecciones. Billy Wilder, que había sido reportero durante su juventud en Viena, disecciona el mundo del periodismo, en esta tercera adaptación de la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles MacArthur, anteriormente llevada al cine por Lewis Milestone y Howard Hawks (que convirtió a Hildy Johnson en una mujer). Aborda con mucho sarcasmo, pero con suma elegancia y diálogos irrepetibles, temas que siguen en voga, como la ética profesional, la injusticia y el juego sucio en el mundo de la política.

Divertimento menor dirigido por el maestro de la comedia a la italiana Mario Monicelli, concebido para que se luzca la protagonista, Sophia Loren, no en vano produce su esposo, Carlo Ponti. El enredo se produce cuando Maddalena, una hermosa mujer italiana, viaja a Nueva York para reunirse con su prometido Michel. El caso es que sus compañeras de trabajo le han regalado una sabrosa mortadela, y los agentes de la aduana le señalan que no está permitida la entrada en Estados Unidos de ese producto. Maddalena, obstinada, no está dispuesta a renunciar a la mortadela, y la actitud de su novio, más contemporizadora, le decepciona. Más solícito con su causa se muestra un periodista, dispuesto a convertir el hecho en 'scoop'; también es bastante amable un agente de la aduana, ejemplo de burgués hijo de mamá.La sensación es que el guión estira sin demasiada inspiración una anécdota, de hecho el propio Monicelli declaró no estar satisfecho del film. Funciona bien el primer tramo en el aeropuerto, que tal vez inspirara a Steven Spielberg con La terminal. Pero una vez en las calles de la “Gran Manzana” todo son gracias fáciles, y un final que tal vez alguno definirá como arriesgado, pero que en realidad se ve venir, colofón feminista frente a unos hombres que no están a la altura de las circunstancias. Loren está muy bien, y vale la pena señalar la fugaz presencia en el film, en pequeños papeles, de Danny DeVito y Susan Sarandon.