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Biografía

Jean-Claude Carrière

Jean-Claude Carrière

88 años

Jean-Claude Carrière

Nació el 19 de Septiembre de 1931 en Colombières-sur-Orb, Hérault, Francia

Premios: 1 Festival de San Sebastián

Una luz en la sombra

04 Abril 2018

Un guionista no suele llamar demasiado la atención en una película entre el gran público, siempre pendiente de las estrellas. Jean-Claude Carrière afirmaba al recibir su Oscar honorífico que los de su oficio son “muy a menudo los olvidados, los ignorados, como sombras que atraviesan la historia del cine”. Sin embargo sus muchos libretos a lo largo de casi seis décadas han arrojado luz acerca de la condición humana en muchas y valiosas películas.

Jean-Claude Carrièrre nació en Colombières-sur-Orb, en la región francesa de Languedoc, en 1931, en una zona conocida por sus viñedos. Pero siendo un adolescente se traslada a la ciudad, Montreuil-sous-Bois, donde sus padres, de extracción modesta y sin estudios, se ocuparán de regentar un café. Chaval despierto, enseguida se interesa por las humanidades, y tras terminar el instituto, cursará estudios universitarios de literatura e historia, aunque será la primera la que enseguida ocupe su tiempo, escribir le apasiona, hasta el punto de que publica su primera novela, “Lézard”, con sólo 26 años. Le seguirán muchas, por ejemplo entre 1957 y 1959 publica media docena, un ritmo de producción asombroso, a Frankenstein. Pero persona polivalente e inquieta culturalmente, también le interesa la ciencia y la filosofía, nada del mundo le es ajeno. Y le llama la atención el cine, de modo que al principiar los 60 codirige y coescribe varios cortometrajes cómicos en compañía de su buen amigo Pierre Étaix, influenciados por Jacques Tati. El surrealismo, sin duda, le atrae.

Por eso, conocer al español Luis Buñuel, le cambia la vida. En 1964 coescribe con él Diario de una camarera, donde también tiene un pequeño papel como actor, una faceta interpretativa a la que volverá intermitentemente a lo largo de su carrera profesional, pero siempre en papeles pequeños, en el caso que nos ocupa como sacerdote. Con el cineasta maño comparte una fructífera relación profesional, la diferencia de edad, treinta años, no es un impedimento. Buñuel llegará a dejar escrito en sus memorias que, de los 18 escritores con los que ha trabajado, es con el que se siente más identificado. Su comentario acerca de esencial en un guión se aplica perfectamente a Carrière: “el interés mantenido en una buena progresión, que no deja ni un instante en reposo la atención de los espectadores”, y es que para Buñuel una película “nunca debe aburrir”. De modo que con él escribe los guiones de Belle de jour (1967), La Vía Láctea (1969), El discreto encanto de la burguesía (1972), El fantasma de la libertad (1974) y Ese oscuro objeto del deseo (1977), dos de ellos nominados al Oscar. La estatuilla dorada se le resistirá, también cuando es considerado por adaptar al novelista húngaro Milan Kundera en La insoportable levedad del ser (1988), con Philip Kaufman, aunque finalmente recibirá un Oscar honorífico a toda su trayectoria en 2006.

Intelectual que hunde sus raíces en Europa, directores de Europa del Este, cuando ésta se encuentra bajo la bota comunista, acuden a él como eficaz colaborador. Con el checo Milos Forman aporta su pluma en Juventud sin esperanza (1971), Valmont (1989) y Los fantasmas de Goya (2006), mientras que con el polaco Andrzej Wajda hace lo propio con Danton (1983) y Los poseídos (1988), a partir de una obra de Fiodor Dostoievski.

No tiene ningún problema en adaptar textos literarios de calidad, al contrario, de modo que con Jean-Paul Rappeneau entrega una maravillosa Cyrano de Bergerac (1990), según el clásico de Edmond Rostand, con Gérard Depardieu inmenso protagonista, y la adaptación de una novela más reciente, El húsar en el tejado (1995). Tremendamente popular será El regreso de Martin Guerre (1982), que adapta una novela de Janet Lewis, sobre las dudas de identidad de un hombre que vuelve de la guerra, y que tendría remake americano. Con el alemán Volker Schlöndorff se atreve hasta con Marcel Proust en El amor de Swann (1984), tras acometer El támbor de hojalata (1979), Palma de Oro en Cannes, según la novela de Günter Grass, y Círculo de engaños (1981), y luego El ogro (1996), que adapta a Michel Tournier.

Lo cierto es que el vitalista Carrière nunca para de trabajar, y no sólo en cine, también escribe poemas y ensayos, y obras teatrales. Resulta asombroso ver su nombre asociado a un centenar largo de películas, muchas notables, nunca se encuentra frívolamente inmerso en ningún proyecto. Un policíaco en sus manos, será notable, como ocurre con La piscina (1969), de Jacques Deray. Con directores españoles, además de con Buñuel, trabaja con Luis García Berlanga en Tamaño natural (1974), y más recientemente con Fernando Trueba en El artista y la modelo (2012). Colabora con el japonés Nagisa Oshima en Max, mi amor (1986), y con el hongkonés Wayne Wang en La caja china (1997). Codo a codo con su compatriota Louis Malle hizo El ladrón de París (1967), y dos décadas después, Milou en mayo (1990); mientras que con Jean-Luc Godard escribió Salve quien pueda, la vida (1980). Y en estos momentos está ultimando At Eternity's Gate, una mirada al pintor Van Gogh tras su acercamiento a Goya con Forman, que dirige Julian Schnabel.

Carrière está casado con la escritora iraní, Nahal Tajadod, que ha traducido al francés poemarios del cineasta compatriota Abbas Kiarostami. Precisamente nuestro guionista tuvo una de sus breves apariciones actorales en una de sus películas, Copia certificada (2010). Con ella tiene una hija. Además acogió en su hogar a la actriz iraní Golshifteh Farahani varios años, casi como si fuera una suerte de hija adoptada.

Sobre el cine de hoy en día, se quejaba en entrevista-almuerzo con Carles Geli en El País: “Se rige hoy por una ley innoble: la falsificación de la acción, que no está ya en la pantalla sino en la cámara; falta imaginación y trabajo en los guiones”.

Ganador de 1 premio

Filmografía
Le sel des larmes

2020 | Le sel des larmes

Van Gogh, a las puertas de la eternidad

2018 | At Eternity's Gate

El pintor y director Julian Schnabel (La escafandra y la mariposa) entrega una película muy personal que indaga en el arte pictórico y más exactamente en la búsqueda de la belleza como programa de vida. Para mostrar esa íntima faceta humana se acerca a la vida de Vincent Van Gogh, uno de los pintores más universales y cuya controvertida existencia ha dado ya pie a numerosos libros y películas, recuérdese el clásico El loco del pelo rojo o la más reciente Loving Vincent. Van Gogh, a las puertas de la eternidad recorre los principales hitos de la vida del artista: su traslado de París a Arles; su estancia allí con Paul Gauguin; sus diversos internamientos en hospitales mentales; la automutilación de su oreja; los desvelos de su querido hermano Theo; su traslado a Auvers-sur-Oise. Pero el guión de Schnabel, escrito en colaboración con Jean-Claude Carrière y la debutante Louise Kugelberg, usa los hechos únicamente para adentrarse más y más en el interior del personaje. El director de Basquiat no centra su atención en la obra, sino sobre todo en el pintor, en los anhelos y fantasmas de un Van Gogh que se sabe presa de un don celestial, un estado casi de ansiedad y estupor por el que percibe la eternidad en la naturaleza, para él sinónimo de Dios, Belleza absoluta. El director quiere enfatizar esa urgencia artística con movimientos nerviosos de la cámara, vibraciones impacientes, que al espectador pueden resultar ligeramente molestos en algún momento. Con profusión de primeros planos e imágenes subjetivas, también asistimos a correrías del pintor por los campos, mirando al cielo, a las plantas, al horizonte, mientras suena con fuerza el piano de Tatiana Lisovkaia, al tiempo que se nos va mostrando la mente del artista cada vez más inestable, más insegura. El film puede resultar pesaroso y podría decirse que produce ante todo una "impresión" sobre Van Gogh, no tanto un itinerario vital, por lo que gustará especialmente a personas con sensibilidad artística interesados en la psicología del pintor holandés. Para tal fin, el actor escogido se antoja sencillamente perfecto, pues Willem Dafoe da el tipo de persona contradictoria, reflexiva, inquietante, sublime. Está bien acompañado por una platea de actores de primer orden que en algunos casos sólo cuentan con unos segundos en pantalla, entre los que destacan Oscar Isaac (Gauguin), Rupert Friend (Theo), Emmanuelle Seigner (Madame Ginoux) o Mathieu Amalric (Dr. Gachet).

6/10
Un hombre fiel

2018 | L'homme fidèle

Segunda película como director de Louis Garrel, de nuevo con su protagonismo dando vida a un personaje llamado Abel, como el de su primer film, Los dos amigos. Consiste en una pequeña pieza de cámara, de estructura impecable, en cuyo guión ha intervenido también un peso pesado de la escritura cinematográfica, el colaborador habitual de Luis Buñuel Jean-Claude Carrière. Se trata de una cinta muy francesa, deudora del cine de la nouvelle vague, y muy concretamente del de François Truffaut. Sigue al indolente Abel, plantado por su pareja Marianne, que se va a vivir con quien era su mejor amigo, Paul, está esperando de él un hijo. Ocho años después, Paul muere repentinamente. Y Abel y Marianne retoman su antigua relación, entre las suspicacias del niño Joseph, el hijo de ella, que asegura que la madre envenenó a Paul; y las de Ève, hermana pequeña de Paul, que siempre estuvo obsesivamente enamorada de Abel. La película está bien llevada, se sigue con interés, y capta una instantánea de esta sociedad nuestra poblada de adultos inmaduros, los pensamientos de Abel, Marianne (Laetitia Casta) y Éve (Lily-Rose Depp), recogidos con una voz en off, junto a sus decisiones y acciones, impulsivas y poco razonables, son buena muestra de ello.

6/10
Amante por un día

2017 | L'amant d'un jour

Jeanne acaba de romper con su novio, en el que cree detectar una fría indiferencia hacia ella, el amor se ha acabado. De modo que llega intempestivamente de noche a casa de su padre Gilles, donde se entera de que éste tiene una relación con una joven de su edad, Ariane, alumna suya en la universidad. Intimista y parsimoniosa cinta en blanco y negro sobre el desencanto y los altibajos del amor de Philippe Garrel, que recuerda al cine de François Truffaut y la nouvelle vague, aunque a estas alturas hacer una película de acuerdo a esos parámetros estéticos, no deja de ser algo así como caer en la “ancienne nouvelle vague”. El cineasta coescribe el guión con su actual esposa Caroline Deruas, y con el veteranísimo Jean-Claude Carrière, lo que puede ayudar a entender esa mirada lánguida, como de complicidad ante los derroteros que puede tomar el amor, somos poca cosa, buscamos estar satisfechos, la felicidad, pero ésta se escurre fácilmente de las manos, creemos controlar nuestros sentimientos e inclinaciones amorosas, pero nada más lejos de la realidad, se nos viene a decir. En poco más de una hora, Garrel sabe desarrollar con habilidad su historia, con personajes perfilados con solidez, que fácilmente se dejan llevar por la inclinación del momento, y cuya filosofía vital fácilmente es puesta a prueba y pierde cuando llega la hora de aplicarla. El trío principal de actores, Éric Caravaca, Louise Chevillotte y Esther Garrel –hija del director y de su anterior esposa Brigitte Sy– encarnan bien la indolencia que se supone a sus personajes, junto a la agitación que llega cuando sus esquemas saltan en mil pedazos, y es que, está comprobado, la vida siempre nos sorprende.

6/10
El artista y la modelo

2012 | El artista y la modelo

La Francia pirenaica ocupada, en los años de la Segunda Guerra Mundial. El anciano escultor Marc Cros compone su obra en el campo, en una cabaña, lejos del mundanal ruido. Antaño su musa era Léa, su esposa; pero ahora encuentra la inspiración en Mercè, una joven española huida de los campos de refugiados de la guerra civil, a la que concede abrigo y dinero a cambio de que pose desnuda para él, en busca de atrapar y plasmar en piedra la idea perfecta para una obra maestra. Fernando Trueba aúna fuerzas con el octogenario guionista Jean-Claude Carrière, quien ha desarrollado su carrera junto a cineastas de la talla de Luis Buñuel, Volker Schlöndorff, Milos Forman o Louis Malle. La idea de El artista y la modelo es recoger con la precisión del entomólogo el trabajo del artista, idealmente abstraido de los avatares históricos de su tiempo, para crear algo bello y hermoso a partir de una modelo. Rodada en blanco y negro, sin partitura musical y con sonidos naturales muy trabajados, se procura ante todo la sobriedad, con una parsimonia no apta para todos los espectadores. Por ello no se nos aturulla con detalles innecesarios sobre los personajes, de modo que las apariciones de un miembro de la resistencia, los niños curiosos, la sirvienta de pueblo, el marmolista, o el oficial alemán, están muy medidas; incluso da la sensación de que con el cura los coguionistas se han mordido la lengua para no distorsionar el dibujo del edén donde el artista crea. Y pese a todo... Jean Rochefort hace un gran trabajo actoral en El artista y la modelo, el intérprete se encuentra en plena forma con sus 82 años. La historia exige los desnudos de Aida Folch, y es evidente que no hay gratuidad en las escenas al efecto, la idea es mostrar la belleza del cuerpo femenino en esa chica sencilla que inspira, sin empalagos o buscando la comercialidad. Los pasajes de la modelo posando y el artista creando se repiten hasta la extenuación, pueden cansar, aunque sea con la intención de envolver al espectador en una determinada atmósfera. Algunas piezas encajan mejor –el alemán que no responde al estereotipo–, otras no tanto –el fugitivo del maquis–. ¿Puede permanecer impertérrito el artista ante su modelo? ¿Hay en la vida algo más para el artista que crear arte? ¿Se puede ser buena persona sin comprometerse? Algunas de estas preguntas aletean en el film, suavemente, y sin respuesta clara; y tal vez así deberían haber permanecido, planteadas sin el brusco final, inesperado, casi irracional; o tal vez demasiado racional, pero definitivamente sin eso tan importante llamado amor.

6/10
Memoria de mis putas tristes

2012 | Memoria de mis putas tristes

No ha tenido suerte en el cine Gabriel García Márquez, cuyas grandes novelas suelen dar lugar a adaptaciones decepcionantes, como en los casos de El amor en los tiempos del cólera o Crónica de una muerte anunciada. Se salvan pocas, en todo caso El coronel no tiene quien le escriba, mientras que su trabajo más importante, "Cien años de soledad", sería casi imposible de llevar a la pantalla. Memoria de mis putas tristes adapta una novela tardía muy menor, por lo que al menos no cuenta con el lastre de que se vaya a comparar con un texto magistral. La acción de Memoria de mis putas tristes comienza en 1960, cuando un veterano periodista conocido como el Sabio decide regalarse para la noche de su 90 cumpleaños un encuentro sexual con una mujer virgen, que le proporciona Rosa Cabarcas, una anciana meretriz. Aunque finalmente se encuentra con la chica presuntamente dormida, y se limita a acostarse a su lado, el ya nonagenario comienza a obsesionarse con ella, por lo que concertará nuevos encuentros. Memoria de mis putas tristes levantó cierta polvareda cuando una periodista mexicana la acusó de fomentar la pederastia. Y aunque el máximo responsable del film, el desconocido pero muy activo realizador danés Henning Carlsen, ha negado que su intención sea fomentar tal aberración, y asegura que se trata únicamente de una película poética, no aparece en la cinta ningún elemento que sugiera una crítica contra la actitud de su protagonista, asiduo cliente de prostitutas, que acepta irse a la cama con una joven de la que en la ficción se albergan serias dudas sobre si tiene la edad legal para consentir relaciones sexuales. Se ha encargado del guión adaptado nada menos que Jean-Claude Carrière, conocido por sus colaboraciones con Luis Buñuel en títulos como El discreto encanto de la burguesía o Ese oscuro objeto del deseo, pero no logra darle interés a la historia, ni siquiera cuando un crimen dificulta las citas entre los protagonistas. Sus divagaciones en torno al paso del tiempo, y la dificultad para asumir la edad, apenas tienen entidad. Pero el peor lastre de Memoria de mis putas tristes reside en sus desastrosas interpretaciones, pues ni actores de solvencia demostrada como Emilio Echevarría (Amores perros) o Geraldine Chaplin (Doctor Zhivago) parecen haber sido dirigidos de ninguna forma, por lo que se limitan a gritarse entre sí, sin darle ningún matiz a sus frases. Se salva, sin que por ello logre levantar la cinta, la también 'buñuelesca' Ángela Molina, en una breve aparición.

2/10
Los fantasmas de Goya

2006 | Goya's Ghosts

Singular parábola de denuncia de los excesos en que puede incurrir el ser humano, incluso en el nombre de los ideales más sagrados, ya sea Dios, o la libertad, igualdad, fraternidad. La experiencia personal de los estados totalitarios ha marcado profundamente al checo Milos Forman, como prueban algunos títulos de su filmografía, Alguien voló sobre el nido del cuco y El escándalo de Larry Flynt mayormente. Aquí insiste en la condena de la tortura física y psicológica, y de la limitación de pensamiento y libre expresión. Le sirve para ello de excusa la España de Goya, con dos momentos bien delimitados, la caída de Carlos IV, y la invasión napoleónica a la que seguirá la restauración borbónica, en los que el pintor aragonés es observador privilegiado de la realidad del cambio de siglo. El film, financiado con capital español en su totalidad y con muy buenos técnicos hispanos en su equipo, tiene un empaque notable, como de título que desearía concurrir en los Oscar. La puesta en escena es excelente, y también el trabajo de los actores, o la visión de la creación pictórica de Goya (estupendo Stellan Skarsgård), y su presentación como alguien que vive en su nube artística, pero con capacidad de tomar el pulso a su época, aunque sea a palos. Hay que reconocer además, a Forman y a su coguionista Jean-Claude Carrière cierta apertura de mente, atrapada en el personaje de Javier Bardem, primero inquisidor implacable inconsecuente con sus ideas (la violación de una prisionera), luego adalid implacable de la revolución, que trataría de ser el reflejo de dos extremos. Pero el film tiene una pega, importante: la desgracia que acontece a la Inés compuesta por Natalie Portman, todo un lastre. Se diría que la sombra de la imprecisión histórica, que ya le afectó en Amadeus, persigue a Forman. Resulta poco verosímil, cercano a lo risible, que alguien pueda dar con sus huesos en la cárcel por el simple hecho de no ingerir carne de cerdo una noche en una posada; más en una época, casi principios del siglo XIX, en que la Inquisición ya no era lo que había sido; tampoco se entiende que la violación de fray Lorenzo carezca de los elementos traumáticos normales en un caso de esas características.

6/10
Reencarnación (2004)

2004 | Birth

Anna está triste. Su marido, al que tanto amaba, ha muerto, y su pena no parece admitir consuelo. Pero el tiempo pasa, y está a punto de casarse con alguien que parece un buen hombre, aunque tampoco está excesivamente enamorada. Y de pronto, entra en su vida un chiquillo que se empeña en decir que él es su marido muerto, que se ha reencarnado bajo la piel de un chaval. Lo que parece una broma de mal gusto, podría ser algo más… Aunque el reparto del film es de campanillas, resulta difícil mantener viva la verosimilitud de lo narrado. Las escenas ‘románticas’ entre Nicole Kidman y el jovencito Cameron Bright son difíciles de creer, aunque tal vez el espectador dispuesto a suspender durante todo el metraje su incredulidad…

2/10
La caja china

1997 | Chinese Box

El 30 de junio de 1997, China recuperará su soberanía sobre Hong Kong e impondrá su régimen. En este marco, John (Jeremy Irons) es un periodista que padece una irremediable leucemia. Sabe que va a morir, pero no puede evitar su amor por la bella Vivian (Gong Li). Cuando sabe que le quedan pocas semanas de vida, decide afrontar sus sentimientos. Vivian conoce lo que John siente por ella, pero vive atormentada por el inconsciente futuro que le ofrece su novio Chang (Michael Hui), que duda casarse con ella porque conoce su oscuro pasado como prostituta. A medida que se acerca la fecha de la devolución de la colonia a China, Vivian y John viven su apasionada historia de amor. Un tremendo drama amoroso, firmado por el director de El club de la buena estrella y Smoke. Su peculiar estilo se mezcla con un carácter documental, que trata de ser una crónica de esta señalada fecha. Así, la reciente historia de Hong Kong se funde con las vidas de unos personajes llenos de incertidumbre. La pareja formada por Irons y Li es un gran atractivo. Una película tan romántica como dramática y desesperada.

5/10
El ogro

1996 | Der Unhold

Abel (John Malkovich) es un inadaptado social que consigue su lugar en el mundo "respetable" gracias al régimen nazi. Abel sólo se relaciona con los niños, con los animales y con los marginados. Cuando es acusado de una agresión sexual a una niña, la llegada al poder de los nazis le salva de la condena. Convertido en prisionero de guerra, su deseado destino de integración social se cumple al recibir el encargo de entrenar a 400 jóvenes que formarán parte de la futura élite del Reich. Se trata de una nueva adaptación literaria para el cine de Volker Schlöndorff, que ya rodó con éxito El tambor de hojalata, del novelista Günter Grass. En esta ocasión, se basa en "El rey de los Alisos", de Michel Tournier. Una película rodeada de polémica por el controvertido tema en el que se sumerge. Relato tenso que enseguida cautiva al espectador, en el que el director retrata a un personaje amoral sin ánimo de juzgarlo. La interpretación de Malkovich es magnífica.

6/10
El húsar en el tejado

1995 | Le hussard sur le toît

La acción nos sitúa en el siglo XIX, un agitado período para Europa. Angelo es un joven y ambicioso aristócrata, nacido en Piamonte. Es un brillante coronel de húsares, comprometido con el movimiento de los carbonarios, un grupo de liberales dispuestos a derrocar las monarquías europeas. Debido a una serie de circunstancias, mantiene un duelo, por lo que debe huir y exiliarse. Un tiempo después considera oportuno regresar a su país, y para ello debe atravesar la región francesa de la Provenza. Pero en el camino debe detenerse, ya que la región está siendo asolada por una epidemia de cólera. Las autoridades han impuesto una estricta cuarentena en todo el territorio, y obligan a los viajeros que atraviesen el lugar a detenerse hasta que la enfermedad desaparezca. De nuevo Angelo se mete en un lío, y es acusado de contaminar las aguas de un río que baña la provincia. Debe huir, pero esta vez lo hace acompañado de una bella joven provenzana, Pauline, de la que está enamorado. Basada en la célebre novela de Jean Giono. Atractiva adaptación que mezcla el turbulento estado de ánimo general del período revolucionario del siglo XIX en Europa, con una romántica historia de amor. Destaca la interpretación de Juliette Binoche, siempre deslumbrante. Cuenta con espectaculares escenas de acción y lucha, con una ambientación sugerente.

5/10
La noche y el momento

1995 | The Night and the Moment

La fascinante y atractiva Francia del siglo XIII es el escenario de esta singular película que gira alrededor del amor atormentado y al erotismo. Willem Dafoe (Arde Mississippi, El paciente inglés) da vida a un atractivo escritor, ávido de bajas pasiones y de dar una nueva vuelta de tuerca a la libertad sexual y a las actitudes sociales concernientes al amor. La marquesa, interpretada por Lena Olin (Havana) es una sensual joven dotada de gran belleza y que tiene todas las facultades para excitar los deseos del intrépido escritor. Cada noche, la luna será testigo de pasiones descontroladas y de placeres ocultos, un juego peligroso y arriesgado en el que los dos amantes terminarán por envolverse hasta que llegue la mañana... Como Las amistades peligrosas es ésta una película que explora los límites del amor; se basa en la novela de Crebillon Fils. Sobresale por encima de todo la magnífica ambientación.

4/10
El regreso de Casanova

1992 | Le Retour de Casanova

Nueva desmitificación del mito de Casanova (aunque nada que ver con el tono crepuscular y barroco del film de Fellini), según un guión de Jean-Claude Carrière que adapta una novela de Arthur Schnitzler. Para ello, nada mejor que contar con el protagonismo de otro galán venido a menos como Alain Delon, cuya presencia en pantalla fue veneno para la taquilla durante los años 90, después de haber sido el actor favorito del público. El film mantiene un tono distendido y eficaz en cuanto a sus decorados y vestuario. Un Casanova de mediana edad vaga errante y sin dinero por las tierras de Francia hasta que las autoridades italianas le den permiso para regresar a su hogar veneciano. Un día encuentra a un viejo amigo que le invita a su casa, pero una vez allí Casanova descubre que la mujer de su amigo fue una de sus numerosas conquistas.

4/10
Jugando en los campos del señor

1991 | At Play in the Fields of the Lord

Martin y Hazel son dos misioneros enviados a un remoto lugar de Sudamérica. Su tarea es la de convertir a los nativos de la zona, un trabajo nada fácil. Los misioneros tendrán encontronazos con otros religiosos de distintas confesiones además de con los propios nativos, que ya han demostrado en más de una ocasión su capacidad violenta. La problemática de la trama tiene puntos en común con La misión, aunque la película de Roland Joffé de 1986 es de una calidad superior.

4/10
Milou en mayo

1990 | Milou en mai

Émile vive con su madre en el campo, apartados de todo. Ella muere de repente por lo que él tiene que organizar el funeral. Llama a todos su familiares para que acudan, pero Francia vive tiempos convulsos, pues es mayo de 1968.

6/10
Cyrano de Bergerac

1990 | Cyrano de Bergerac

El gascón más hábil, valiente y letrado ha nacido con una lacra contra la que no puede luchar: ¿es pobre?, ¿es innoble?, ¿es antipático?. No, ¡es feo! No hay nadie que maneje mejor la espada que Cyrano, tampoco tiene igual en el arte de la versificación, la oratoria o el galanteo. Y sin embargo, Cyrano es también un hombre quisquilloso y atormentado debido a un defecto físico del que se siente avergonzado: su descomunal nariz. Su desdicha llegará al máximo cuando renuncie al amor de Roxane y decida ayudar a su rival Christian a conseguir el favor de ella. Jean-Paul Rappeneau firma una nueva versión del clásico de Edmond Rostand, tras la protagonizada por José Ferrer en 1950. Desde el primer duelo en el teatro hasta su bello y agridulce final, la película está mimada en su puesta en escena, en su finísimo humor y en cada una de las rimas del guión, sin olvidar la monumental interpretación de Gérard Depardieu. El Globo de Oro logrado en 1991 no puede ser más certero... ¡Y al finalizar... os hiero!

7/10
Valmont

1989 | Valmont

Valmont es un libertino conde de la aristocracia francesa del siglo XVIII que tiene como amante a la marquesa de Merteuil. Ambos se dedican a un contínuo juego de seducción entre los salones de palacio y su ambición llegará más lejos cuando Valmont propone una apuesta a Merteuil, que es conseguir conquistar a una sencilla y respetable dama que acaba de quedarse viuda. Nueva versión de la novela de Choderlos de Laclos 'Las amistades peligrosas', que fue filmada por Milos Forman un año después de la famosa película de Stephen Frears. En esta cinta el protagonismo se lo llevan un cínico Colin Firth y una casquivana Annette Bening. Destaca también el trabajo de Meg Tilly y de una inocente Fairuza Balk.

5/10
La insoportable levedad del ser

1988 | The Unbearable Lightness of Being

Adaptación de la obra más famosa del escritor checo Milan Kundera, sobre la tórrida relación de un médico y dos mujeres. Transcurre en la Checoslovaquia de la época comunista, días antes de ser aplastada por los tanques soviéticos en la llamada "Primavera de Praga".

5/10
Hechizo en la India

1988 | La nuit bengali

Allan es un constructor de puentes en la ciudad de Calcuta, en India. Allí recibirá la visita de un amigo, del cual queda enamorada una jovencita del lugar. Por otro lado, Allan sentirá un intenso deseo por la hija de su jefe. La película, basada en una novela del escritor y pensador rumano Mircea Eliade, se enmarca en el 'subgénero' de amores turbulentos en territorios exóticos, con las dificultades de cultura y distanciamiento que le son comunes. Dirige con sensibilidad el escritor y director Nicolas Klotz, quien cuenta con un joven Hugh Grant para el papel protagonista, muchos años antes de dar el campanazo con Cuatro bodas y un funeral.

4/10
Los poseídos

1988 | Les possédés

Adaptación de una novela de Fiódor Dostoyevski. Sigue a un grupo de idealistas revolucionarios, que sueñan con acabar con la tiranía que domina en Rusia. Andrzej la había adaptado para el teatro, y tenía gran ilusión en el film, pero no quedó satisfecho, lo consideraba un fracaso, pues evidenciaba en exceso el origen escénico.

6/10
El amor de Swann

1984 | Un amour de Swann

Volker Schlöndorff osa adaptar parte de "En busca del tiempo perdido" de Marcel Proust. Durante un día seguimos las veleidades amorosas de Swann, en un entorno de la alta sociedad donde va perdiendo crédito.

5/10
Il generale dell'armata morte

1983 | Il generale dell'armata morte

Un general italiano viaja al Norte de Italia, donde en unas montañas intenta rescatar los cuerpos de varios de sus hombres, fallecidos años atrás. Adapta una novela desconocida de Ismail Kadare, que se interpreta como una critica simbólica al régimen estalinista, y su obsesión por conmemorar las victorias y los héroes del pasado. Cuenta con un gran trabajo de Mastroianni, acompañado de actores de altura.

5/10
Danton

1983 | Danton

Tras la declaración de los derechos del hombre, llega el régimen del terror. Es la paradoja de la revolución francesa, que en teoría predica ‘liberté, egalité, fraternité’, pero deja tras de sí un reguero de sangre y cabezas cortadas. El film describe la época del dominio de Robespierre, y su choque con Danton, lo que da pie a un soberbio duelo actoral entre Wojciech Pszoniak y Gérard Depardieu. El cineasta polaco Andrzej Wajda no sólo atrapa con la cámara un pedazo de historia, sino que, rodando en 1983, está ofreciendo una parábola nada velada del movimiento Solidaridad y su choque con el comunismo.

6/10
El regreso de Martin Guerre

1982 | Le retour de Martin Guerre

La Edad Media. Martin Guerre vuelve a casa, pero el soldado está muy cambiado. Tanto, que algunos dudan de si es Martin Guerre de verdad. Intrigante film con Gérard Depardieu, tuvo un "remake" americano titulado Sommersby.

6/10
Antonieta

1982 | Antonieta

Una mujer que prepara un libro sobre el suicidio queda fascinada por la historia de Antonieta Rivas, una mujer mexicana, amante del político José Vasconcelos en los años del gobierno de Porfirio Díaz y la consiguiente revolución. En dos tiempos asistimos a la investigación de esa mujer, y a la vida trágica de Antonieta, que se pegó un tiro en catedral de Nôtre Dame de París. Película de encargo de Carlos Saura, el guión se debe a Jean-Claude Carrière, colaborador habitual de Luis Buñuel, quien también fue candidato a dirigir el film, junto a Arturo Ripstein. Tuvo una pobre acogida, sobre todo en México, donde se consideró que no se ajustaba a los hechos reales. Tampoco Isabelle Adjani parecía la mejor opción para encarnar a la Antonieta del título.

4/10
Círculo de engaños (1981)

1981 | Die Fälschung

Un periodista alemán especializado en conflictos en todo el mundo es enviado a Beirut; allí se enfrenta a una realidad que le hará cambiar su opinión sobre el conflicto en Oriente Medio. Al tiempo, se enamora de una viuda. Adaptación de la novela autobiográfica de Nicholas Born, convertida en guión por Jean-Claude Carrière, quien volvería a colaborar con Schlöndorff en El ogro (1996). Filmada con bastante riesgo para el equipo en las mismas calles de Beirut, su estilo cinematográfico está muy cercano al documental, causando por ello una sensación de realismo como pocas veces se había visto en pantalla. Jerzy Skolimowski ganó el premio del cine alemán al mejor actor secundario.

6/10
Salve quien pueda, la vida

1980 | Sauve qui peut (la vie)

Tras casi una década moviéndose en el documental, Jean-Luc Godard volvió a la ficción con una historia triangular, dos mujeres y un hombre con sus intercambios sexuales, en una situación anímica de profunda desilusión. El cineasta suizo sigue experimentando, y se nota todavía su enorme talento, pero ha perdido la frescura de sus títulos rompedores en los 60.

6/10
El tambor de hojalata

1979 | Die blechtrommel

Un niño nace en la ciudad alemana de Danzig en 1924. Enseguida comienza a demostrar que es extraordinariamente precoz. Cuando cumple tres años, decide dejar de crecer, al mismo tiempo que le regalan un tambor que le habían prometido al nacer. Pasan los años y, a pesar de que madura, sigue teniendo el mismo aspecto físico. Con su tambor, le pone ritmo a los trágicos acontecimientos históricos que contempla. La mejor película de Volker Schlöndorff, uno de los representantes del movimiento conocido como 'Nuevo Cine Alemán'. Consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera en 1979. Adapta fielmente la novela homónima, la más representativa del Premio Nobel de Literatura Günter Grass.

6/10
Laberinto

1979 | L'homme en colère

Un hombre llega a Montreal procedente de París, pues su hijo ha sido asesinado y tiene que reconocer el cuerpo. Sin embargo, cuando le enseñan el cadáver, resulta ser un desconocido para él, alguien que usaba la documentación de su hijo. Su tristeza torna entonces a convertirse en asombro, inquietud y desesperación, pues ignora qué le ha pasado a a su hijo, a quien intentará encontrar por todos los medios. Entretenido film que logra mantener la atención del espectador gracias a la intrincada trama, que va de un lado para otro sin descanso. El protagonismo es para Lino Ventura, uno de los actores fetiche del director Claude Pinoteau, y entre el reparto destaca la presencia de Angie Dickinson, quien al año siguiente haría uno de sus papeles más recordados en Vestida para matar.

5/10
El gang

1977 | Le gang

Pierrot, un huérfano, huye del reformatorio con 13 años. Le cría como un hijo un delincuente, que se queda paralítico en un ajuste de cuentas. Cuando crece, Pierrot monta su propia banda. Protagoniza un intenso Alain Delon.

6/10
Ese oscuro objeto del deseo

1977 | Cet obscur objet du désir

Mathieu, un hombre maduro, narra a sus compañeros de un viaje en tren, su historia amorosa con Conchita, una joven española que vivía en París.  Última película de Luis Buñuel. El cineasta adapta la novela "Le femme et le pantin", de Pierre Louÿs, anteriormente adaptada por Josef Von Sternberg, en The Devil is a Woman, con Marlene Dietrich. Pero Buñuel le imprime un tono muy distinto, de comedia negra, a esta historia, sobre la frustración y el deseo sexual. Fernando Rey es perfecto para el papel, por su porte aristocrático, mientras que para la protagonista femenina, el director decidió utilizar a dos actrices, Carole Bouquet para expresar su lado delicado, y Angela Molina, para encarnar su lado sensual. Las escenas de ambas se entremezclan, sin que se sepa muy bien en muchos momentos por qué ha escogido a cada una.

8/10
La carne de la orquídea

1975 | La chair de l'orchidée

Claire, una joven muchacha, es retenida por su tío, que la encierra en un castillo. Éste pretende quedarse con su dinero. Uno de los menos interesantes trabajos del reputado Patrice Chéreau (Intimidad, La reina Margot), que adapta una novela del especialista en el género negro James Hadley Chase.

4/10
Leonor

1975 | Leonor

El rey Richard, poseedor de un castillo y dueño de un extenso territorio, se queda viudo cuando su querida esposa Leonor muere; pero conoce a Catherine con la que quiere rehacer su vida, y con ella se casa y tiene hijos. Años después, Leonor vuelve misteriosamente. El hijo de Luis Buñuel, que colaboró con su padre en películas como Diario de una camarera, dirige este drama romántico con tintes de fantasía. Destaca el variado reparto de actores europeos.

4/10
El fantasma de la libertad

1974 | Le fantôme de la liberté

Catorce historias distintas, unidas a veces por personajes comunes. El argumento comienza en 1808, cuando las tropas napoleónicas asaltan Toledo. En el momento actual, unas niñas topan con un hombre, con pinta de pederasta, que les ofrece unas sospechosas postales. El padre de una de las niñas se va a la cama y es testigo de asombrosas apariciones inesperadas. Buñuel propone estrambóticas situaciones que critican las convenciones sociales y, como es habitual en su filmografía, también la religión. Filmada cuando el cineasta tenía 74 años, éste incluye muchas anécdotas entresacadas de sus propias vivencias. Destaca el episodio de la Guerra de la Independencia, con el recibimiento de los ciudadanos de Toledo a los franceses al grito de "Viva las cadenas", en alusión a que preferían al absolutista Fernando VII a ser invadidos. Al parecer, el título parece ser un homenaje descarado al Manifiesto Comunista de Marx y Engels, y a su célebre frase de apertura ("Un fantasma recorre Europa").

6/10
La mujer con botas rojas

1974 | La femme aux bottes rouges

Perrot es un millonario que tiene unos gustos muy peculiares en cuanto al arte se refiere. Un buen día conoce por casualidad a Françoise, una escritora que tiene muy poco que "esconder". Perrot se obsesiona con ella y comienza a hacer todo tipo de cosas extrañas. Françoise no se medra y entra en su complejo y excesivo juego. Dirige la cinta Juan Luis Buñuel, hijo del gran Luis Buñuel. Se trata de una coproducción italo-franco-española. La presencia patria queda de manifiesto en varios sectores como el reparto, donde destaca la presencia del estupendo Fernando Rey como el millonario excéntrico.

4/10
Tamaño natural

1974 | Grandeur nature

Desconcertante película que parte de una apuesta que Berlanga hizo con Rafael Azcona sobre la posibilidad de vivir durante un tiempo con un maniquí, lo que dio lugar a un argumento ideal para que el director mediterráneo pudiese llevar a cabo en París sus obsesiones fetichistas. Un cuento triste, romántico y estrafalario, que se aparta del resto de la filmografía del director tanto por su realización como por ese tono melancólico centrado en su personaje central: un médico enamorado de una preciosa muñeca hinchable que se trae de Japón, en un modélico alegato sobre la incomunicación y la soledad. A pesar de que casi todo el metraje transcurre en la casa del protagonista –un melancólico Michel Piccoli–, fue un rodaje bastante complejo en lo que a la muñeca se refiere, ya que Berlanga no acababa de encontrar el tono adecuado para que la historia fuese creíble. Finalmente, tras gastarse un dineral en una muñeca que el director rechazó, y eliminar la posibilidad de rodar con una actriz real, Berlanga encargó varias muñecas consiguiendo el efecto deseado en una de ellas.

6/10
El discreto encanto de la burguesía

1972 | Le Charme discret de la bourgeoisie

Rafael Costa, embajador de la Rapública de Miranda y el matrimonio Thévenot han sido invitados, junto con la hermana de la esposa, a cenar en casa del matrimonio Sénechal. Pero por error se presentan un día antes, por lo que se impone un cambio de planes... Acuden a un restaurante, pero una vez allí, se enteran de que no podrán cenar porque el dueño del restaurante ha muerto y la capilla ardiente está instalada ahí mismo. A partir de un esquema sencillo –un grupo de amigos intenta una infinidad de veces sentarse a la mesa para cenar o comer juntos, sin llegar a conseguirlo por razones variopintas– Buñuel lanza cierta crítica a las costumbres de la clase burguesa. Sin embargo, es su film más amable, suavizado por los constantes recursos al humor, lo que explica que fuera uno de los grandes éxitos del director. Las constantes del genio de Calanda están presentes, como el recurso a los sueños (incluso a dos niveles), los gags surrealistas o su especial interés en reírse de la religión. Es necesario aclarar que no se trata tampoco de un film hilarante, como prometía la publicidad. "El cartel es una boca enorme pintada sobre unas piernas, bajo un sombrero hongo. Yo hubiera fusilado al publicista", aclara Buñuel. El film ganó el Oscar a la mejor película extranjera, en 1972. Fue la primera vez que un español obtenía tan preciada estatuilla, pero la autoría de película era eminentemente francesa.

8/10
Liza

1972 | Liza

Giorgio tiene una obsesión enfermiza con su perro. Tal es así que Liza tendrá que hacer lo inimaginable para conquistar su corazón. Ella quiere sustituir al animal, pero para ello tendrá que llevar collar y correa por orden de Giorgio, sólo así conseguirá ocupar el lugar del can. Compleja película que muestra algunos de los lados más oscuros del ser humano. Resultará dura para algunos paladares. En su favor hay que decir que está protagonizada por dos de los grandes: Deneuve y Mastroianni.

4/10
El monje

1972 | Le moine

Edad Media. Ambrosio (Franco Nero) es un monje muy piadoso y disciplinado, abad de su monasterio, que goza de un enorme prestigio entre sus hermanos religiosos y también entre el pueblo llano, que ve en él un ejemplo sólido de virtudes, especialmente en cuanto a las que se refieren al dominio del cuerpo y de la carne, pues Ambrosio predica con fuerza sobre la castidad. Pero su vida cambiará brutalmente cuando, al ser seducido por una mujer infiltrada en su convento (Nathalie Delon), se sentirá arrastrado por una enfermiza sed sexual, al tiempo que la mujer le irá introduciendo en ritos satánicos. Película, entre el drama y el terror, producida claramente para escandalizar, con el morbo tópico de la depravación sexual entre las paredes de un convento. En este sentido, no está de más recordar que el español Luis Buñuel es el coautor del guión. Aunque la premisa sea un tanto ridícula, el film va volviéndose cada vez más enrevesado, oscuro, metiendo al diablo de por medio, hasta desembocar en un final impactante.

4/10
Funeral en Los Ángeles

1972 | Un homme est mort

Curioso y a menudo críptico thriller de espías, un poco al estilo francés de Jean-Pierra Melville. Un hombre llamado Lucien llega a Los Ángeles procedente de París para hacer un trabajito. En el hotel le espera una maleta con dinero y una pistola. Tras recibir una llamada de teléfono va a ver a un hombre, a quien asesina. Pero, de vuelta al hotel, se da cuenta de que alguien se ha llevado sus pertenencias. El actor francés Jean-Louis Trintignant (Un hombre y una mujer) hace un gran papel protagonista y está bien acompañado por un reparto internacional muy sólido. Dirige con mano firme y sabia el más que competente Jacques Deray (La piscina, Borsalino). Destaca además la música de jazz de Michel Legrand.

6/10
Juventud sin esperanza

1971 | Taking Off

Primera película del checo Milos Forman realizada en Estados Unidos. Pinta con singular agudeza el conflicto generacional padres-hijos en ese país, los primeros investidos de un autoritarismo carente de los necesarios afecto y comprensión, los segundos desorientados, buscando la felicidad donde no pueden hallarla. El film cuenta cómo una joven se ha ido de casa, y el esfuerzo de sus progenitores por dar con ella, que les hace conocer a otros matrimonios en idéntica situación. Hay un sutil sentido del humor, dentro del "paisaje", que no deja de ser altamente dramático, descrito por Forman.

7/10
Borsalino

1970 | Borsalino

François y Roch son dos ladrones de medio pelo que intentan enriquecerse en la Marsella de los años 30. Para ello, se irán introduciendo en los círculos de la mafia, a pesar de ser un mundo corrupto y sanguinario. Jacques Deray dirige esta película sobre la mafia francesa contando entre el reparto con dos tipos que le iban ni que pintado: Alain Delon (La piscina) y Jean-Paul Belmondo (Al final de la escapada). Ambos actores derrochan frescura y chulería en este film por cuyo director fue nominado a los Globos de Oro. El título de la película hace referencia a un tipo de sombreros de fieltro con un lazo alrededor, utilizados por los caballeros en esa época.

5/10
La piscina

1969 | La Piscine

Jean-Paul y Marianne pasan el verano en una casa de campo. Todo marcha sobre ruedas hasta que inesperadamente aparece Harry, un antiguo amante de Marianne, con su hija de dieciocho años. Ni Jean-Paul ni Marianne pueden evitar sentirse celosos. Esta mezcla de drama con cine de intriga fue uno de los grandes éxitos internacionales del cine francés, sobre todo por el tirón de los protagonistas. Y aunque Deray dirige con un ritmo pausado, sus planos crean una inquietante ambientación.

6/10
La Vía Láctea (1969)

1969 | La Voie lactée

Dos peregrinos de la época actual recorren el camino de Santiago comenzando desde una calle de París. En su camino, se encuentran con personajes de lo más variopinto, de distintas épocas, relacionados con la religión cristiana. Por ejemplo, un cura fugitivo, un irreverente cazador que dispara contra el rosario y dos teólogos se baten a espada porque uno está a favor y el otro en contra de la herejía jansenista. Tras los acontecimientos de mayo de 68, se extiende entre la juventud el rechazo hacia todo lo tradicional, que provoca una crisis de valores. Influido por la ideología juvenil, Luis Buñuel vuelve a sus orígenes surrealistas, marcados entre otras cosas por su profunda oposición a la religión, a pesar de haber sido educado en el catolicismo. De ahí nació esta película, la más surrealista del final de su carrera. Muchos elementos del film se antojan poco respetuosos con la religión, como la aparición de Cristo y la Virgen María, incómoda para un público católico. También, sus personajes parecen poner en dudas los dogmas del catolicismo, incluyendo el dogma fundamental de la Santísima Trinidad. Sin embargo, Luis Buñuel demuestra un conocimiento profundo de la religión. Algunos diálogos y situaciones muestran que el director pone en duda la fe, pero no la descarta del todo. Algunos analistas católicos de este film se han mostrado partidarios de este film, porque interpretan de sus imágenes una búsqueda de Dios. Un personaje dice una frase reveladora: "Mi odio por la ciencia y la tecnología acabará por devolverme a la detestable fe en Dios". Parece un pensamiento que expresa la conflictiva relación de Buñuel con la Iglesia, que critica pero no abandona del todo, como expresa su famosa y contradictoria frase: "Soy ateo por la gracia de Dios". El film se sigue con interés por su humor, cercano al de los relatos picarescos de la Literatura española del Siglo de Oro, con personajes estrambóticos como los protagonistas de este film, que encuentran en su periplo todo tipo de situaciones extrañas. También parece un homenaje a Don Quijote y Sancho Panza la relación entre los dos protagonistas.

6/10
El volador de París

1967 | Le Voleur

Comedia en torno a uno de los ladrones más célebres de París: un joven huérfano acogido por su tío que, al crecer, comenzó su carrera delictiva por culpa del amor frustrado con una joven. A partir de aquí fue ganando notoriedad en sus delitos, cada vez más arriesgados. Adaptación de una novela de Georges Darien con guión de Jean-Claude Carrière y Louis Malle, en una de las más ligeras películas dirigidas por éste último. Con evidente dominio del ritmo, un actor ideal como Belmondo capaz de aunar acción (con cabriolas de todo tipo) y comedia, y una lujosa recreación de París, la película acaba siendo todo un festín de diversión y entretenimiento. El público francés aceptó el reto de la farsa y la convirtió en todo un éxito de taquilla.

7/10
Bella de día

1967 | Belle de jour

Severine es una mujer de buena posición social, atormentada por culpa de una mala experiencia en el terreno sexual sufrida cuando era una niña. A veces sueña conque está atada a un árbol mientras es flagelada por los sirvientes de su marido. Mientras pasea por las calles de París descubre la existencia de un prostíbulo conocido como la Casa de Anais. Severine decide ofrecerse como prostituta, a pesar de que no necesita el dinero, prestándose a prácticas denigrantes y sadomasoquistas. Una de las cintas más conocidas y mejor valoradas de Luis Buñuel, por su escandaloso planteamiento, su perfección estética y la fama de Catherine Deneuve, su protagonista. La francesa interpreta un papel similar al de Repulsión, de Roman Polanski, donde era una joven que también había sufrido un trauma por un suceso de la infancia. Al realizador aragonés le fue mejor con otras musas, como Silvia Pinal, que con la actriz francesa, con la que también rodó la célebre Tristana. No está a la altura de sus mejores obras este drama sobre la ofuscación sexual, basada en la novela homónima de Joseph Kessel, que Buñuel se llevó a su terreno, pues en su línea, lanza una crítica al estamento burgués, al que acusa en este ocasión de estar tan desocupado que es el germen de todo tipo de perversiones. Aunque el film es tan explícito que no gustará a los espectadores más sensibles, sus momentos más surrealistas son los más interesantes. Por eso no sorprende del todo que fuera la ganadora del León de San Marcos, en el Festival de cine de Venecia de 1967.

6/10
Hotel Paradiso

1966 | Hotel Paradiso

Feydeau es un autor de teatro que sufre de bloqueo creativo. Pero le bastará abrir los ojos en el París de comienzos del siglo XX, y encontrará inspiración en las clases pudientes con sus problemas amorosos y su increíble indolencia. Sobre todo cuando se organiza un gran enredo en el Hotel Paradiso del título. Divertida comedia basada en una obra teatral francesa, que Peter Glenville maneja con habilidad. En el espíritu del vodevil galo, exprime a un reparto que se siente muy a gusto, donde destaca el siempre genial Alec Guinness.

6/10
Cartas boca arriba

1966 | Cartas boca arriba

Un enloquecido científico traza un plan para controlar a la gente que posea el tipo de sangre cero negativo mediante su ejército de monstruos robóticos. El detective Eddie Constantine tratará de pararle los pies. Insólita coproducción hispano-francesa en la que Eddie Constantine parodia su personaje de Lemmy Caution. El especialista en serie B Jesús Franco contó como coguionista con Jean-Claude Carrière, que ya había iniciado por aquel entonces sus colaboraciones con el gran Luis Buñuel.

4/10
Miss Muerte

1966 | Miss Muerte

Una joven prosigue los estudios de su padre, que trataba de controlar a los seres humanos. Pretende vengarse de los médicos que dejaron morir a su progenitor. Subproducto de género fantástico dirigido por el especialista Jesús Franco, que coescribió el guión con el reputado Jean-Claude Carrière. A pesar de su similitud con otras cintas del realizador, destaca su fotografía en blanco y negro.

4/10
¡Viva María!

1965 | Viva Maria!

Principios del siglo XX. María, antigua terrorista irlandesa, recala en Centroamérica, donde conoce a otra María, que trabaja en un circo. Se unirá al grupo como cantante, e inventará accidentalmente el striptease, lo que aumenta la popularidad del espectáculo. Pero al tiempo la María ex terrorista sigue empeñada en el ideal revolucionario.Comedieta al más puro estilo vodevilesco, con el picante proporcionado por Brigitte Bardot y Jeanne Moreau. Se trata de una de las películas más ligeras del habitualmente circunspecto Louis Malle.

5/10
Diario de una camarera (1964)

1964 | Le Journal d'une femme de chambre

Célestine, parisina de clase baja, emigra al campo, donde trabaja como sirvienta, en la casa de una familia adinerada. La joven se convertirá en objeto del deseo del marido, dedicado por completo a la caza, y el abuelo, un individuo marcado por sus obsesiones fetichistas. Buñuel adapta la novela Le journal d'une femme de chambre, de Octave Mirbeau, que ya había conocido en 1946 una adaptación muy distinta, por parte del maestro Jean Renoir. El cineasta se lleva el texto original a su terreno, pues el film resulta una crítica ácida hacia la clase burguesa.

6/10
Copia certificada

2010 | Copie conforme

No es habitual que el veteranísimo Abbas Kiarostami abandone su Irán natal para rodar sus películas, aunque entre los 37 trabajos que tiene como director se cuenta ABC Africa, documental sobre el sida que filmó en Uganda, acompañado de un asistente. Aunque sus actores suelen ser siempre persas, esta vez ha recurrido a actores europeos. Kiarostami ha utilizado como localización San Giminiano, un evocador pueblo de la Toscana italiana. Cuanto menos sepa el espectador del argumento de esta cinta antes de verla, mejor. Se puede adelantar que un escritor inglés especializado en la percepción subjetiva del arte da una conferencia sobre su último libro en un pueblo italiano a la que acude una galerista francesa, con la que ha quedado a continuación, antes de coger el tren. Haber salido de su país le sirve a Kiarostami para gozar de una enorme libertad, teniendo en cuenta la rigidez censora que el régimen de los ayatolah aplica a cualquier obra de creación. Sin embargo, el cineasta no ha renunciado a su estilo elegante habitual y a la delicadeza que tanto engrandece su cine. Más bien el objetivo era rodar una obra universal, con cuyos personajes pudieran identificarse espectadores de cualquier punto del globo. La francesa Juliette Binoche realiza una deslumbrante interpretación de un personaje con graves carencias afectivas, por lo que el premio de interpretación que recibió en Cannes está plenamente justificado. La actriz ofrece un recital en secuencias como la del restaurante, donde cambia por completo de estado anímico, en el mismo plano. Está muy bien secundada por el sorprendente William Shimell, barítono británico que da el do de pecho, a pesar de que se trata de su primer trabajo en el cine. Kiarostami rueda con sus habituales y complejos planos secuencia, algunos realmente admirables. Recurre también a sus símbolos favoritos procedentes de la cultura persa, como el agua y los reflejos. El libro escrito por el protagonista gira en torno al valor del arte, y concretamente sobre el interés de las copias, que pueden tener importancia en sí mismas, y además, pueden deslumbrar a aquel espectador que se acerque a ellas desconociendo el original. A partir de esta reflexión, Kiarostami habla de las relaciones humanas, y de la percepción de las personas de nuestro alrededor en función de la importancia que se les dé. Por momentos, también parece que está hablando de su cine, que para los críticos es una absoluta genialidad, por lo que les proporciona un enorme placer. Para demostrar que todo depende de los ojos con los que se mire, Kiarostami aplica un giro de guión que cambia la percepción que hasta entonces el público tenía de los personajes. Además, su película tiene tantos puntos en común con cierto clásico que rodó un cineasta con su esposa –mejor no citarlo–, que se diría que estamos casi ante una copia, pero no una copia cualquiera, sino una brillante copia certificada.

8/10
Avida

2006 | Avida

4/10
Buñuel y la mesa del rey Salomón

2001 | Buñuel y la mesa del rey Salomón

Andanzas surrealistas de tres amigos (Dalí, Buñuel, Lorca), en busca de un objeto mítico, y recordadas por un anciano Luis Buñuel. Tras abordar el mundo de la música en Flamenco y Tango, y el pictórico en Goya en Burdeos, Carlos Saura bucea en el del cineasta Buñuel. Intento arriesgado, pues no es lo mismo convertir en arte cinematográfico el baile o la pintura que... el mismo cine. Haría falta que Saura fuera el mismísimo Buñuel para que la película fuera... una película fiel reflejo del complejo, inimitable mundo interior del cineasta.

4/10
La noche y el momento

1995 | The Night and the Moment

La fascinante y atractiva Francia del siglo XIII es el escenario de esta singular película que gira alrededor del amor atormentado y al erotismo. Willem Dafoe (Arde Mississippi, El paciente inglés) da vida a un atractivo escritor, ávido de bajas pasiones y de dar una nueva vuelta de tuerca a la libertad sexual y a las actitudes sociales concernientes al amor. La marquesa, interpretada por Lena Olin (Havana) es una sensual joven dotada de gran belleza y que tiene todas las facultades para excitar los deseos del intrépido escritor. Cada noche, la luna será testigo de pasiones descontroladas y de placeres ocultos, un juego peligroso y arriesgado en el que los dos amantes terminarán por envolverse hasta que llegue la mañana... Como Las amistades peligrosas es ésta una película que explora los límites del amor; se basa en la novela de Crebillon Fils. Sobresale por encima de todo la magnífica ambientación.

4/10
La piedra de la paciencia

2012 | The Patience Stone

Un país innombrado de Oriente Medio, envuelto en una terrible guerra con luchas tribales de las que tenemos escasa información. Una mujer cuida a su marido comatoso, tendido en una habitación, una bala en el cuello le dejó en ese estado. Su casa está en una zona de primera línea de los enfrentamientos. Así que dejará a sus dos hijitas con una tía que se dedica a la prostitución en una zona más segura, y ella acude cuando puede a cuidar de su esposo. Y aprovecha su situación para confesar las ideas que le rondan la cabeza, pues el otro no le puede replicar. Una especie de “Cinco horas con Mario” en versión feminista que critica con dureza al islam. Aunque el director de La piedra de la paciencia es afgano, Atiq Rahimi, que adapta su novela, la adaptación es del francés Jean-Claude Carrière, y también es galo el responsable de la cuidada fotografía, Thierry Arbogast. Lo que nos hace preguntarnos hasta qué punto existe una influencia occidental, pues llama la atención la crudeza con que se habla y se muestra el sexo, y el modo en que se desahoga la protagonista ante su esposo, buscando casi enloquecida una salida que le lleva a emular a su manera la “profesión” de su tía. En cualquier caso el film, de alta intensidad dramática, se ve lastrado por su punto de vista resentido, se trata claramente de un particular ajuste de cuentas con los insensibles mulás o los guerreros que ejercen su machismo de múltiples maneras, al que le falta un punto de necesaria sutileza. Tal vez tenga razón La piedra de la paciencia en sus críticas, pero la pierde por el modo en que expone la historia.

4/10

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