Maria Bello

Rhiannon es la segunda hija de una familia. Sus padres están distanciados y no reina lo que se dice una perfecta armonía familiar, aunque Rhiannon se lleva bien con su hermana mayor. Además, Nathan, su novio del instituto, no parece hacerle demasiado caso. Sin embargo, un día cualquiera deciden hacer una escapada y pasan unas horas maravillosas. Desde ese momento la vida de la joven cambia rotundamente porque empieza a conocer a alumnos con los que establece una especial conexión. Pronto se enterará de que, en realidad, sus nuevas amistades son una misma persona, A., que cada día despierta en un cuerpo distinto. Adaptación de la novela de David Levithan a cargo de Michael Sucsy, un director que gusta de contar historias de amor nada convencionales, como mostró por ejemplo con su anterior film, Todos los días de mi vida. Seis años después estrena Cada día, de similar aire romántico pero donde se riza el rizo con un argumento absolutamente peregrino y fantasioso. De hecho, el gran problema de este film es que difícilmente el espectador aceptará la premisa sobre la que se asienta la historia. Podría objetarse que, bueno, el elemento fantástico está presente en otras muchas películas románticas y que no pasa nada. Es posible. Quizá todo dependa del enfoque que se adopte. El problema es que aquí Sucsy narra con un tono romántico estándar, emotivo y sensiblero, y justo ahí es donde las cosas no cuadran. Es imposible tomarse en serio el absurdo e incoherente argumento. Probablemente sólo hubiera colado con un tono muy cómico, mágico y disparatado. Con tal lastre es difícil salir adelante. Qué la trama dé lugar de pasada a visiones buenistas y postmodernas acerca de la ideología de género (lo importante es el interior y no el cuerpo en que se viva y bla bla bla) no dejan en el fondo de ser anecdóticas. Pero además el guión abusa de situaciones reiterativas (según el huésped en donde se despierte A.) y apenas hay avance en la historia, cuyo desenlace resulta poco original. Se desaprovechan de este modo posibles derivas secundarias, como la de la relación con los padres, sobre los que se pasa de refilón, con la interesante hermana mayor Jolene o con la amiga Megan. La actriz Angourie Rice (Dos buenos tipos) parece poca cosa, aunque justo reconocer que es expresiva y pone empeño en hacer creíble las reacciones de la protagonista.

Más madera, es la guerra, otra adaptación de trilogía juvenil sobre un futuro distópico, con protagonista femenina, en esta ocasión es Chloë Grace Moretz la que toma el testigo de Jennifer Lawrence y Shailene Woodley, protagonistas de las sagas Los juegos del hambre y Divergente. La quinta ola se basa en el primero de los libros de Rick Yancey, y cuenta con un libreto escrito por guionistas curtidos en lides de ciencia ficción poco halagüeña, Akiva Goldsman (Soy leyenda), Susannah Grant (28 días) y Jeff Pinkner (la serie Fringe). Entre los productores figura Tobey Maguire, cada vez más desconectado de su faceta actoral. Un mal día, la Tierra amenece acompañada de misteriosas naves espaciales suspendidas en el cielo, y conducidas por "Los otros". Su objetivo parece ser ocupar nuestro planeta, pero no se comunican ni manifiestan sus intenciones excepto por la vía de los hechos, en sucesivas olas destructivas: fallo de las fuentes energéticas, fenómenos naturales desbocados, virus letales... De este modo la humanidad se ve diezmada y temerosa de la llegada de la quinta ola. En esta tesitura se encuentra la adolescente Cassie Sullivan, que ve su familia destrozada, y que se ha prometido cuidar de su hermanito Sam. Éste y otros niños han sido reclutados por el ejército, pues considera que la formación de pelotones de jóvenes combatientes es la mejor forma de enfrentarse a los temibles otros. La película es entretenida, con abundante acción y efectos visuales, más el elemento humano pensado para el público "teen", o sea preocupación por la familia, camaradería y atracción amorosa, Cassie estaba chiflada por su compañero de instituto Ben, aunque va a conocer también al guaperas y misterioso Evan Walker. Inicialmente la cinta tiene cierto realismo, en el sentido de plantear que la guerra es la guerra, se cometen errores fatales, hay bajas. Pero en el tramo final no se evitan concesiones más comerciales y sensibleras, y por tanto menos creíbles.

El pequeño Anthony se dispone a pasar el fin de semana con su padre Walt, un buen hombre con poca fortuna, pues tiene problemas con el alcohol, podría quedarse sin casa, y su trabajo de carpintero es precario. Dentro de una semana Anthony hará la primera comunión y recibirá la confirmación, motivo quizá por el que su madre y su nuevo marido hacen un retiro espiritual. Lo que debía ser un tiempo tranquilo y más o menos anodino, se convierte en toda una aventura, pues a Walt le roban la caja de herramientas con la que se gana la vida, y harán todo lo posible por recuperarla. Aunque el título y el punto de partida podrían hacer pensar que el film va a abordar las convicciones religiosas con cierta hondura, en realidad la cuestión de la confirmación se toca de modo ligero, apuntando a que esos temas hay que abordarlos en serio cuando uno se hace mayor, con la mente abierta. De modo que se convierte en poco más que la excusa para un par de bromas tontas, y sobre todo en símbolo de lo que va a suponer un fin de semana de maduración para padre e hijo, que aprenderán a conocerse mejor y a afianzar su relación. Un tema querido para el guionista y director de La confirmación, Bob Nelson, que firmó antes el libreto de Nebraska, que también abordaba una relación paternofilial, aunque en este caso entre un anciano con comienzo de demencia senil y su hijo adulto. En cualquier caso Nelson, que debuta como director, apunta maneras tras la cámara, lleva la historia con cierta soltura, con un telón de fondo de perdedores, gente vapuleada por la vida, con cierta buena intención, que lo hacen mejor o peor, de todo hay en la viña del Señor, podríamos decir. Hay buena química entre padre e hijo, intepretados por Clive Owen y Jaeden Lieberher; curiosamente este chaval estuvo en otra película, St. Vincent, también con elementos católicos, aunque allí con mayor entidad. Todo el reparto está bien muy bien escogido, incluidos la madre, el padrastro, algunos amigos del padre, los prestamistas, un colgado que les ayuda a buscar al ladrón...

Jim White, casado y con dos hijas, y profesor de educación física y entrenador del equipo de fútbol americano de un instituto, se queda sin trabajo, su difícil carácter con unos chicos que se esfuerzan poco le ha jugado una mala pasada. Corre el año 1987 y debe aceptar un nuevo puesto y mudarse con su familia a McFarland, un pueblecito de California habitado sobre todo por inmigrantes mexicanos que trabajan como jornaleros. Será también profesor de educación física, pero una serie de circunstancias le hacen reencontrarse consigo mismo dejando el fútbol y preparando a un grupo de 7 chicos para correr, pues tienen especiales condiciones físicas para las carreras campo a través. Después de Whale Rider y En tierra de hombres, la prometedora directora neozelandesa Niki Caro ha pasado más bien desapercibida. Sin embargo retorna con fuerza dirigiendo esta película basada en hechos reales, un drama deportivo que sabe introducir algo de originalidad a las convenciones de este subgénero tan querido en Estados Unidos. La gran novedad es dibujar la aportación que los inmigrantes hispanos traen a la cultura estadounidense, renovar en los whasp (White Anglo Saxon People, las personas blancas de origen anglosajón) la conciencia de que también ellos vinieron a América desde otros países, a cumplir su sueño americano. La idea está subrayada en el propio título del film, que recuerda que un pueblo donde se habla español, y habitado por personas procedentes de México, es, también, Estados Unidos; y en el uso de una canción al inicio que recuerda que países como Argentina, Uruguay, etcétera, son América, un modo sutil de recordar la cierta arrogancia que supone identificar América con Estados Unidos. El film, producido por Disney, dibuja bien el inicial choque cultural de la recién llegada familia White (ironías de la vida, su apellido se traduce como "Blanco") con los hispanos, para poco a poco encontrar en esa sociedad pobre de personas humildes donde no faltan los problemas, un cariño y darse a los demás que no cambiarían por nada del mundo, y que tiene una de sus cúspides en la fiesta de la quinceañera. La relación del entrenador, un eficaz Kevin Costner, con los chicos, actores desconocidos y casi todos debutantes, está bien trazada, y hay un buen ritmo y gusto en la composición de los planos, por ejemplo en las sesiones de entrenamiento en esos montículos formados por cáscara de almendra y cubiertos con plásticos. Con habilidad la trama incide de modo inteligente en cuestiones educativas de alto interés, como el trabajo en equipo, la unidad familiar, y el espíritu de sacrificio de unos padres, a veces analfabetos, por sacar adelante a sus hijos. El trabajo duro de jornaleros, que también implica a los chicos, es una de las muchas lecciones que el profesor Costner aprende mientras trata de preparar a los chicos para las competiciones deportivas.

Una distinguida y exitosa escritora llamada Tess Thorne (Maria Bello) es víctima de un ataque brutal que casi le quita la vida. Ahora buscará vengarse de cualquier forma. Pasable thriller producido para televisión, basado en una novela escrita por el rey del terror Stephen King (El resplandor). El film transmite cómo en la naturaleza del ser humano confluyen vívidamente sentimientos de miedo y de venganza. Aunque la historia no sea gran cosa, el guión está bien hilvanado y ayudan las buenas interpretaciones, en especial la de Maria Bello (Payback) en el papel protagonista. Cuenta también con la espléndida presencia de la veterana ganadora del Oscar Olympia Dukakis (Poderosa Afrodita).

Michael, escritor ganador del Pulitzer, se encuentra en parís escribiendo una novela. Hasta allí llegará su amante Anna. En Roma un norteamericano que roba diseños de moda entrará en contacto con una mujer rumana y decidirá ayudarla para recobrar a su hija, por la que una mafia de inmigración pide 5.000 euros. En Nueva York, la sufriente Julia y su psiquiatra luchan para que aquélla pueda ver a su hijo, tras serle denegado ese derecho por atentar en el pasado contra la vida del pequeño. Tras el éxito de Crash, el canadiense Paul Haggis demostró ser un director con personalidad en trabajos como En el valle de Elah y con la entretenida aunque más convencional Los próximos tres días. Su fuerte es la escritura cuidada del guión, que procura alejarse de lugares comunes. En este caso vuelve a escribir y dirigir un film a priori ambicioso, que sobre el papel puede interesar por su originalidad, su punto de intriga, su mezcla de historias... Sin embargo, estamos ante la película menos lograda de Haggis, y todo debido a un enfoque de la cuestión –la creación literaria– que por su propia naturaleza acaba por resultar banal, puro oropel, una especie de vacío divertimento que nunca puede ir más allá. Algo parecido sucedía en El ladrón de palabras, por poner un ejemplo cercano en la temática y en el tiempo. Y es que el material de En tercera persona es sumamente inflamable, muy difícil de manejar por muchas piruetas que invente Haggis, y lamentablemente también a él le acaba explotando el guión en la pantalla. Se demuestra una vez más lo complicado que resulta trazar una historia convincente, con fondo y sin trampa, sobre el mundo de la literatura, de los escritores y sus fantasmas (o sus musas), con sus diversos hilos narrativos reales o inventados –¿o todo es pura ficción?–, caminos que se amalgaman hasta donde se quiera con tal de sorprender al espectador. El comienzo de la película es puro desconcierto, con la presentación de personajes en sus distintas localizaciones (Roma, París, Nueva York), aunque tras el exagerado aturdimiento poco a poco las cosas comienzan a serenarse. Las distintas historias avanzan, avanzan, avanzan, hasta que Haggis logra sutilmente entrelazarlas con oficio, todo hay que decirlo. Sin embargo, los cabos sueltos siguen siendo tan numerosos como lo es el desproporcionado afán de dramatizar sentimentalmente cada fotograma. Hay algo que no cuadra (o que cuadra demasiado), las cosas son muy directas, las situaciones son crudas, las coincidencias sorprendentes… Al final el espectador deja de interesarse por los personajes para intentar únicamente dar coherencia al rompecabezas formal que es la película. Y puede que ni siquiera lo consiga. Paul Haggis ha contado con buen material para armar este castillo de fuegos artficiales. Es llamativa la constelación de estrellas que reúne el film, entre los que destacan un Liam Neeson muy diferente de sus papeles de acción y una bipolar Olivia Wilde que sorprende con una repetitiva tendencia a quitarse la ropa. Y hace también un trabajo esforzado Adrien Brody.

Adam Sandler encabezó en 2010 el reparto de Niños grandes, en torno a un grupo de cinco amigos que pasan un fin de semana en un casa en el lago con sus familias. A pesar de su falta de calidad, obtuvo un inusitado éxito en las carteleras (recaudó más de 260 millones de dólares en todo el mundo), por su llamativo reparto, y también por su tirón entre el público familiar, necesitado de películas en las que estuvieran representados todos los grupos de edad. En Niños grandes 2, Lenny Feder ha optado por mudarse con su esposa y sus tres hijos a su pueblo. El último día de curso escolar, Lenny decide dar una fiesta en su casa para sus amigos y sus respectivas familias, pero la jornada será caótica, por culpa de diversos incidentes, como la llegada de un grupo de jóvenes juerguistas de carácter violento. En la secuela vuelve a sentarse en la silla de director Dennis Dugan, que tiene en su contra un lastre importante, cuenta con un guión mediocre que como ocurría en la primera parte, se limita a encadenar gags aislados. Se supone que Niños grandes 2 va dirigida a un público amplio, pero aún así su humor resulta excesivamente gamberro y disparatado. Adam Sandler sobreactúa, al igual que sus compañeros de reparto, de nuevo Kevin James, Chris Rock, Salma Hayek, Rob Schneider, Maria Bello y Steve Buscemi. Entre las nuevas incorporaciones de Niños grandes 2 destaca la presencia de Taylor Lautner, el hombre lobo de Crepúsculo, en un papel de universitario malintencionado, que apenas tiene gracia.

Tras la comida del día de Acción de Gracias, la hijita de Keller sale con una amiguita a dar una vuelta en bici y no vuelven. Comienza una búsqueda angustiosa, pero no dan con el paradero de las crías. Alex, un débil mental que vive en una caravana, se convierte en sospechoso de las desapariciones, pero el detective de la policía Loki no tiene pruebas contra él y debe dejarlo libre. El tiempo pasa y los padres de una y otra niña empiezan a caer por el pozo de la desesperación, un descenso a los infiernos que saca de ellos lo peor: el desánimo, la depresión y la tentación de actuar por cuenta propia, ante lo que se considera inoperancia policial. Podía ser un thriller convencional, un telefilm de esos que sirven de relleno para la sobremesa de una parrilla televisiva. Porque los elementos del sólido guión de Aaron Guzikowski -autor del libreto de Contraband- resultan bastante manidos. Pero el canadiense Denis Villeneuve, en su primera incursión hollywoodiense, sabe llevar la historia a sus intereses confesos de estudiar la naturaleza humana y crear atmósferas, y ello sin renunciar a entregar una película comercial de auténtica intriga, con un final memorable. De modo que con trazos impresionistas, bien respaldado por la fotografía de Roger Deakins, va dando pistas de cómo son los personajes y lo que los mueve, piezas de un puzzle que exigen al espectador que componga la imagen completa, el cineasta no le va a hacer ese trabajo. Así que hay espacio para la sorpresa y los quiebros inesperados, y el efecto de tener al espectador al borde del asiento en todo momento. Gran parte del interés de la cinta estriba en la humanidad de los personajes -que tienen defectos y distan mucho de la perfección-, y en los variados rostros que puede tomar el mal. La idea es que Hugh Jackman y compañía -excelente reparto, muy convincente- pueden ver puesta a prueba su fe y venirse abajo ante una situación límite, hasta una quiebra de sus principios morales, donde se dejen llevar por el individualismo que tanto rige en la sociedad actual, en vez de confiar en los profesionales y en el sistema.

Nathan Harper es el típico adolescente rebelde y guaperas, al que sus padres, por motivos desconocidos, han entrenado para dar patadas y defenderse de potenciales enemigos como nadie. Un día prepara con su vecinita y compañera de "insti" Karen –por la que está coladita– un trabajo de sociología sobre personas desaparecidas... ¡y descubre que él mismo es un niño desaparecido, que sus padres no son sus verdaderos padres! A partir de aquí entra en una espiral donde está envuelta la CIA y todo tipo de agentes dobles, que inician una persecución implacable. Una peli entretenidilla a cambio de no exigir demasiada coherencia. Cierto que la primera media hora es completamente estúpida, parece que estamos ante la típica historia de adolescentes de instituto. Pero de pronto la cosa se convierte en un movidito thriller, y al menos logra que el espectador esté atento a lo que sucede ante sus ojos. Lo que resulta más curioso es ver a John Singleton detrás de la cinta. Quedan lejos los días en que el director afroamericano filmaba el cine combativo de Los chicos de la calle. En los últimos tiempos se ha plegado al cine comercial, y aquí se diría que se toma un poco a broma la historia que tiene entre manos. Por supuesto, saca a Taylor Lautner a pecho descubierto, ya se sabe, marca de fábrica del licántropo de Crepúsculo, pero para los que puedan "odiar" al actor les reserva a modo de guiño una escena en que recibe una somanta de palos. Y el modo nada disimulado en que se presentan pasajes ilógicos –la CIA logrando persuadir a los chicos en una loma que son de los "buenos" e invitándoles a un batido y a una hamburguesa, por ejemplo–, invita a pensar que está cultivando la ironía sin decirlo abiertamente: da a los productores lo que esperan de él, pero mostrando sin ambages su condición de "mercenario".

Han pasado 30 años desde que cinco chavales se convirtieran en campeones con su equipo de baloncesto. Su entrenador les aconsejó entonces que trataran de llevar una vida de la que se sintieran orgullosos, para que cuando el pitido final de su existencia sonara, no se arrepintieran de las decisiones tomadas. Dicho pitido final ha llegado para el entrenador, y los cinco muchachos ya crecidos y con sus respectivas familias, se reúnen en su pueblo natal para darle el último adiós. Nueva colaboración del director Dennis Dugan con Adam Sandler (Zohan: Licencia para peinar), que para el cineasta ha supuesto la consecución de uno de sus mejores trabajos –el listón no es que estuviera muy alto–. La película es una comedia ligera que sigue la línea de otros trabajos de Sandler como Spanglish –de calidad muy superior– en cuanto al carácter de cuento moral, presente durante toda la historia. Lenny (Adam Sandler) es el cabecilla del grupo. Es un exitoso representante en Hollywood pero su familia dista de ser perfecta. Él es un buen tipo y su mujer (Salma Hayek) también, pero se han convertido en unos pijos que han malcriado a sus hijos. Los restantes miembros del grupo también tienen cada uno sus propios defectos familiares. El quid de la película es conseguir que poco a poco se vayan dando cuenta de lo que está mal en sus vidas y sus familias para poder arreglarlo. Las buenas intenciones de la película no quedan diluidas en el tipo de humor empleado. Teniendo en cuenta lo que se lleva en Hollywood en las comedias actuales “Made in Judd Apatow”, ésta resulta más discreta. Aún así, hay bromas escatológicas y sexuales, sin que aparezca ninguna imagen subida de tono. También se utiliza mucho el humor basado en el clásico “slapstick”, que resulta muy eficaz y que tiene su culmen con la aparición del personaje de Steve Buscemi, quien provoca un torrente de carcajadas durante todo el tiempo que está en escena. Niños grandes es ante todo una película para mayores pues el contenido moral va dirigido a ellos. Aún así, los infantes no se irán de vacío ya que en la línea de grandes títulos actuales como Toy Story 3, esta película anima a los chavales a jugar al aire libre, a usar la imaginación y a comunicarse con las personas sin usar máquinas.

Aunque su nombre no es demasiado conocido, John Wells es un peso pesado de la televisión. Ha sido productor ejecutivo y guionista de series de altura, como El ala oeste de la casa blanca y Urgencias, cocreador de la serie Turno de guardia, e incluso ha llegado a ser presidente del Sindicato de Guionistas de la Costa Oeste. En esta ocasión, Wells debuta como director de largometraje con un film también escrito por él que explora las consecuencias de la crisis económica internacional. Casualmente, la trama es una especie de versión americana de Los lunes al sol, pues sigue los pasos de varios trabajadores de los astilleros que se quedan en el paro. La diferencia con el film de Fernando León de Aranoa es que los protagonistas son ejecutivos de sólida posición. La cinta dedica más tiempo a Bobby Walker (Ben Affleck), acostumbrado a jugar al golf, y a presumir de Porsche, que tras encontrarse repentinamente en la calle tiene que acostumbrarse a reducir gastos, se da cuenta de que no se lo rifan las otras empresas como imaginaba en un primer momento, y hasta tiene que reconvertirse ocasionalmente en obrero de la construcción al aceptar un trabajo con su cuñado (Kevin Costner). La cinta también sigue el periplo de uno de sus compañeros, Phil Woodward (Chris Cooper), que aunque dura un poco más en la empresa también acaba despedido, y de Gene McClary (Tommy Lee Jones), su jefe, que también acaba fuera. Se nota la procedencia televisiva del cineasta, pues la realización es más propia de un telefilm de sobremesa. Todo resulta excesivamente convencional y previsible. Los personajes son planos, aunque les insuflan bastante vida los actores, ya que Wells ha contado con un reparto de excepción en el que sobresalen, como era de suponer, Chris Cooper y Tommy Lee Jones, aunque sus personajes están desdibujados. En cualquier caso, la cinta cumple sus objetivos, y avisa de las consecuencias de obsesionarse con las apariencias y el dinero. Además, acaba resultando muy positiva en su reivindicación de la unidad familiar en tiempos duros, y en su reflexión sobre la necesidad de ingeniárselas para seguir adelante como sea.

Normal 0 21 false false false MicrosoftInternetExplorer4 /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Tabla normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin:0cm; mso-para-margin-bottom:.0001pt; mso-pagination:widow-orphan; font-size:10.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:#0400; mso-fareast-language:#0400; mso-bidi-language:#0400;} Bill y Kate conforman un matrimonio corriente, algo anodino, en una crisis que apunta a una posible separación. Las vacaciones con su hijo Sam, que ha pasado su primer año en la universidad, podría ser una ocasión de limar asperezas. Pero pocas horas después de hablar con él, se enteran que un estudiante perturbado ha protagonizado un tiroteo, y después de matar a compañeros y profesores se ha suicidado. A la angustia de si su hijo habrá sobrevivido sigue la terrible realidad de que su hijo es el responsable de la tragedia. Y surge la terrible pregunta del por qué, y de su parte de culpa en la tragedia. Impactante drama del debutante en el largo Shawn Ku. Aunque el film no deje de dar vueltas al mismo asunto, está desarrollado con inteligencia. Desde dejar fuera de campo el tiroteo, a introducir paulatinamente nuevos elementos que ayudan a entender las vivencias de los protagonistas, formidables Michael Sheen y Maria Bello, la película discurre con naturalidad, con momentos fuertes, pero sin efectismos o sentimentalismo facilón. Entendemos y comprendemos las reacciones de los padres, y también las de parientes, compañeros de trabajo, o de las de la poco comprensiva “masa”, o de los medios de comunicación ávidos de noticias morbosas. Ku sabe plantear lo difícil de pasar página ante hechos tan terribles como los narrados, en que la idea de no haber sabido estar ahí como padres, para que el hijo descargara sus problemas, pesa. Evidentemente la solución pasa por esa cosa llamada amor, tan relacionada con aquella otra que responde al nombre de perdón.

Pippa se ha trasladado a vivir con Herb, su marido, a una zona residencial donde domina la gente mayor. El propio Herb, editor, es ya un anciano, que saca bastantes años a su esposa. Mujer complaciente, Pippa trata de agradar siempre a las personas de su entorno. Pero no siempre ha sido así. Mientras somos testigos de su evolución en la actualidad, sucesivos flash-backs nos la muestran primero niña con su neurótica madre, influencia mayor que la del padre, pastor de una iglesia cristiana. Y siguen esas "vidas privadas", que incluyen la estancia, siendo una jovencita, en casa de su tía lesbiana Kate, con la curiosa influencia de la compañera fotógrafa de piso, de gustos sadomasoquistas, o la entrada en su existencia de Herb, en una época en que se atiborraba a pastillas. Rebecca Miller, guionista, directora y autora de la novela "Las vidas privadas de Pippa Lee" –por uno de esos caprichos incomprensibles, la distribuidora española ha singularizado "las vidas privadas"– entrega una historia que gira alrededor de Pippa Lee, con elementos tragicómicos de gran patetismo, que recuerdan a las películas de Noah Baumbach (Una historia de Brooklyn, Margot y la boda), por citar ejemplos recientes en que se describen familias desestructuradas y personajes egocéntricos, y al mismo tiempo con buena cabeza. El hecho de que la protagonista sea sonámbula se convierte en metáfora de tantos "ejemplares" humanos que andan por la vida con los ojos cerrados, sin vivir la vida plenamente. Miller maneja bien la compleja estructura argumental, pero lo que nos entrega resulta bastante deprimente. Pinta gracias a un atinado reparto –estupendos Robin Wright Penn y Alan Arkin– una variada galería de personajes, donde llama la atención el desequilibrio dominante, se echa en falta alguien medianamente normal. Los momentos fuertes, sobre todo la muerte, sirven para el acercamiento catártico, pero queda la duda al espectador de si tal efecto tendrá su prolongación en el tiempo.

Tercera entrega de la saga llamada a resucitar el cine de aventuras de toda la vida, junto con otros clásicos del genero como la tetralogía de Indiana Jones. El especialista en cine de acción Rob Cohen (A todo gas) coge la batuta esta vez, en lugar de Stephen Sommers, director de la La momia y El regreso de la momia, que aquí se reserva la labor de productor. El film sigue el modelo de las dos películas anteriores protagonizadas por el intrépido Rick O'Connell, sólo que se cambia el antiguo Egipto por otra cultura milenaria, la china. Mucho antes de Cristo un malvado emperador quiso gobernar el mundo a su antojo. Experto en la lucha y ávido de poder, logró por medio de artes místicas dominar los cuatro elementos: la tierra, el agua, el aire y el fuego. Pero quería más: ansiaba la inmortalidad. Así que solicitó la ayuda de la bruja Zi Yuan para que le hiciera inmortal. Pero ésta, conociendo su pérfido corazón le lanzó una maldición y le condenó a una muerte eterna junto a su ejército. Ahora, miles de años después, las tornas pueden cambiar cuando Álex, el joven hijo de los O’Connell, convertido en un osado mozalbete, descubra la tumba del llamado Emperador Dragón y ofrezca a una facción de militares chinos la posibilidad de resucitar a su legendario líder, con la idea de dominar el mundo. “Es una película de aventuras, para pasarlo bien, con romance incluido, cosas que explotan, mucha acción y luchas estupendas. Se llama entretenimiento”. Estas palabras de Brendan Fraser definen perfectamente la esencia de la película. No estamos ante la séptima maravilla del mundo, pero será difícil aburrirse con la historia. Rob Cohen, fiel a su filmografía, impone un ritmo endiablado a las batallas, con multitud de planos y ángulos y utiliza muchos más efectos especiales que en los otros filmes. En este sentido hay una mayor presencia de monstruos y criaturas (dragones, hombres de las nieves, etc.) y de las luchas de artes marciales, que aunque son visualmente notables quizá resten algo del aire clásico de la saga, sin duda una de las caves de su éxito. Pero ese tono añejo (el film acontece en los años 40 del siglo XX) sí está presente en los personajes, con sus pistolas y sus metralletas Thompson, y en el tono socarrón del protagonista. Otro punto a destacar es el humor, que aunque quizá no tenga la intensidad de las otras entregas, está muy presente (genial la presentación del protagonista y las posteriores escenas en su mansión), y sigue contando con las tontunas del divertido cuñado Jonathan. Y como viene siendo habitual ya en la saga, el romance se apoya en el hondo sentido de la unidad familiar. Hay tensión entre padres e hijos, primeros amores y una fidelidad que a veces va más allá de la muerte. En cuanto al reparto, la sorpresa más grande es la presencia de Maria Bello (Una historia de violencia), quien sustituye a Rachel Weisz en el papel de Evy, y en su favor hay que decir que no se echa de menos a la actriz inglesa. Y también es una apuesta la inclusión de dos de los más prestigiosos actores orientales: Jet Li (Hero), como el malo de la película, y Michelle Yeoh (Tigre & dragón), que encarna a la bruja buena Zi Yuan. Por último, se estrena con soltura el joven Luke Ford. Su interpretación del hijo de Rick trae a la memoria el reciente personaje de Mutt Williams en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal. Quién sabe..., quizá también se esté preparando el relevo generacional.

En su enésimo intento para desencasillarse como Remington Steele y James Bond, Pierce Brosnan interpreta a un personaje siniestro, que se esconde en el coche del matrimonio formado por Neil y Abby, que se dirigen a celebrar el aniversario del jefe de él, que trabaja en una empresa de publicidad. El personaje de Brosnan aparece de improviso, les apunta con una pistola y les explica que la niñera con la que han dejado a su hija es una cómplice suya que la ha secuestrado, y que no dudará en matarla, a no ser que ellos hagan todo lo que les ordene durante unas horas. Para que comprueben que tienen a la niña, les pasa un teléfono móvil, con el que pueden escuchar su voz. Así que a Neil y Abby no les queda más remedio que someterse a las pruebas más humillantes, como sacar todo el dinero de su cuenta, para entregárselo a su captor, o llevarle en mano al jefe de una empresa de la competencia un sobre con papeles comprometedores que acabarán con la carrera de Neil... Brosnan cumple más o menos, así como sus compañeros de reparto, Maria Bello y Gerard Butler, que empieza a sonar tras el éxito de 300. Pero a pesar de todo, el cineasta británico Mike Barker, que demostró su talento con A Good Woman, parece un pez fuera del agua en el terreno del thriller, como si le hubieran encargado un film que no le interesa, y no consigue imprimirle dinamismo ni tensión. El guión es otro intento de sorprender al espectador con giros supuestamente inesperados, que acaban resultando poco convincentes, lo que empaña su supuesto fondo sobre el sacrificio pro bienestar de la familia. El título en español, Chantaje, es infinitamente menos atractivo que el original, Butterfly on a Wheel (la mariposa en la rueda), tomado de una obra del poeta Alexander Pope, y que hace referencia a la destrucción brutal de una criatura delicada.

La premisa de este film se enuncia en la frase de Jane Austen que se cita explícitamente al principio –"¿No es la descortesía con los demás la esencia misma del amor?"–, y con una ingeniosa secuencia de entrada, encadenado de situaciones muy corrientes en el tecnificado mundo actual –tarjetas de crédito que el lector no lee, billetes que una máquina no "traga", salida del ticket del parking muy lejos de la mano que intenta alcanzarlo, automóviles "inteligentes"...–: aunque los tiempos cambian, las personas son las mismas y sus anhelos de amor, felicidad y estar a gusto permanecen. California. Cinco mujeres y un hombre conforman un club de lectura de los libros de Jane Austen. A lo largo de seis meses, de febrero a julio, irán leyendo las seis novelas de la escritora británica ("Emma", "Mansfield Park", "La abadía de Northanger", "Orgullo y prejuicio", "Sentido y sensibilidad" y "Persuasión"), y la reunión mensual la presidirá cada vez un miembro del grupo. Ellos son: Sylvia, al que su cansado marido Daniel acaba de pedir el divorcio, encaprichado con otra mujer; su joven hija Allegra, lesbiana y aficionada a los deportes de riesgo; Jocelyn, que ha persuadido a Grigg para que se incorpore al club aunque nunca ha leído a Austen, porque quiere emparejarle con Sylvia, aunque él está más interesado por la propia Jocelyn; Prudie, joven y sensible profesora de francés, casada con un patán que sólo piensa en partidos de fútbol, y a la que tira los tejos un guapo alumno; y Bernadette, "alma mater" del grupo, la más avispada y fan de Austen, aunque lleva acumulados seis matrimonios, seis. La trama, adaptación del libro de Karen Joy Fowler, sigue de cerca los avatares sentimentales de los personajes citados y sus alrededores. Jane Austen está de moda. O bien, nunca pasó de moda. 2007 ya vio un acercamiento biográfico al personaje (La joven Jane Austen) y además de las múltiples versiones fílmicas y televisivas de su obra, existe una traslación libre a la época actual, Clueless. Fuera de onda. El título que nos ocupa sigue esta última línea de subrayado de la vigencia del legado de la autora. Vigencia que se explica sobre todo por la finura para captar los pliegues de la psicología humana, masculina y, sobre todo, femenina. Aquí la guionista y directora Robin Swicord sabe tejer las historias amorosas, y que parezcan dignas de Austen, aunque pagando la cuota cultural del momento presente, lo que significa entre otras cosas una historia de amor lésbico, la atracción por un alumno con la diferencia de edad consiguiente, o el divorcio, elementos no presentes, como es de imaginar, en la Inglaterra de la Regencia de Austen. Lo que se agradece es que en la resolución de las historias domine el espíritu austeniano, que ahí haya una cierta lealtad a la escritora. El film está bien llevado, y cuenta con un reparto estupendo. Pueden despistar algunos diálogos, que apreciarán únicamente los conocedores de Austen, porque, al discutir los libros, si uno no sabe quién rayos es Mr. Darcy, por citar sólo a un personaje emblemático, pues acaba un poco perdido cuando se alude a sus acciones; aunque la cosa está elaborada con la idea de que el desconocedor pueda seguir el conjunto en sus líneas maestras. Por supuesto algunas historias interesan más que otras. Puestos a resaltar una nos quedamos con la de Jocelyn y Grigg, que entreverada con la de Sylvia retrotrae a "Emma", pero con elementos contemporáneos muy divertidos aportados por el gusto literario de Grigg, un fantástico Hugh Dancy, actor que está creciendo y "el chico" con más presencia en la película.

A nadie le cabe la menor duda de que los sucesos acaecidos el 11 de septiembre de 2001 conforman de modo indeleble las primeras líneas de la Historia del siglo XXI. El film que nos ocupa, para escándalo de los seguidores del Oliver Stone más polémico, no trata de hacer sesudas lecturas acerca de lo que significó lo ocurrido en tal día. Simplemente, y no es poco, toma ese marco para contar el drama muy personal de dos policías que quedaron enterrados bajos los escombros de una de las Torres Gemelas. John McLoughlin y Will Jimeno habían acudido allí con intención de ayudar a las personas atrapadas en el atentado. Pero poco pudieron hacer, excepto sobrevivir. Con precisión de entomólogo Stone, que se pliega a pies juntillas al guión de Andrea Berloff, describe la angustia de la pareja de policías y de sus familias, que aguardan noticias en el exterior. Y apunta cómo la fe y el recuerdo de sus seres queridos se convirtieron en fuerte acicate para resistir. El film tiene un fuerte sabor clásico, y muestra las diversas caras del heroísmo, sin dar pie a cinismos baratos o a discursos políticos que no venían al caso. La única licencia que se permite Stone en este sentido es la del personaje del tenaz marine que rebusca entre las ruinas, del que se señala su afán de vengar la afrenta sufrida por Estados Unidos, que cumplió alistándose para ir a Irak. Aparte de esta reacción, muy humana al fin y al cabo, tenemos una historia cuyo final conocemos, bien narrada, con interesantes tipos humanos. Destaca por supuesto la pareja de Nicolas Cage (que en el film recuerda a James Stewart, al igual que Kevin Costner parecía un primo lejano de Gary Cooper en JFK) y Michael Peña, mientras Maria Bello y Maggie Gyllenhaal cumplen encarnando a sus sufrientes esposas. Aunque se diría que el director se encuentra menos suelto que en otras ocasiones, todo el arranque de la película, con la idea de la sombra maligna de uno de los aviones y el desplome de las Torres, es más que notable.

Katy, una adolescente rebelde a la que están a punto de expulsar del colegio interno donde estudia, regresa al rancho de Wyoming de su familia, para pasar las vacaciones de verano. Ella desea trabajar en el campo, como su padre, pero éste sueña con que vaya a la universidad. Durante un paseo, Katy encuentra un caballo salvaje, al que intentará domar. Revisión cinematográfica del libro My Friend Flicka, publicado por Mary O’Hara en 1941, y que fue llevado al cine poco después con un adolescente Roddy McDowall. Tuvo tanto éxito que hubo hasta una secuela titulada El hijo de Flicka. Esta nueva versión adapta la trama a los tiempos que corren y cambia al protagonista masculino por Alison Lohman, la niña de Los impostores. Tan predecible como la salida del sol, y aunque parece concebida para niños de otra época, al menos es un producto amable, que lanza una serena apología de valores de los de toda la vida. Excelente fotografía de impresionantes espacios naturales, presuntamente de Wyoming, aunque la cinta está rodada en Nueva Zelanda.

Adelle es una mujer neoyorquina que desea unir a su familia de nuevo. Con esa intención viaja con su hijita Sarah hasta el hogar de su ex marido James, una casa solitaria situada junto a los acantilados del viejo Gales. Pero una vez allí ocurre la peor de las desgracias: mientras hacen una excursión por la rocosa playa, la pequeña Sarah cae al agua y desaparece entre las agitadas olas. Durante días todos los esfuerzos para encontrarla son inútiles. Con el tiempo, bajo el profundo dolor de los padres se revelan también diferentes modos de afrontar tan dolorosa pérdida: mientras James se resigna con la brutal muerte de su hija, la desolada Adelle cree ver una posibilidad de recuperarla en la aparición de una misteriosa niña llamada Ebrill. Por si fuera poco, se entera de que una vieja leyenda local habla de un lugar misterioso llamado “The Dark”, una especie de limbo o dimensión desconocida donde se encuentran los muertos. Una de las más prometedoras estrellas emergentes del cine hollywodiense, la ya no tan joven Maria Bello (La ventana secreta, Asalto al distrito 13, Una historia de violencia), es la encargada de aportar intensidad a una intrincada trama que incluye muertes terribles, sustos a mansalva y apariciones truculentas. Su carita de pena era justo lo que se necesitaba en este film de género, que ofrece todo lo que podemos esperar de él, ni más ni menos, aunque el grueso de la trama hace referencia al mítico “quid pro quo” de los tribunales romanos. De completar la fiesta, eso sí, se encarga el otrora traidor Boromir, es decir Sean Bean, en un ambiguo papel muy de los suyos. La película, adaptación de la novela “Sheep” escrita por Simon Maginn, ha sido dirigida por el canadiense John Fawcett (1968), especializado en películas de terror. Ojito con la escena de la trepanación.

Adaptación con actores de carne y hueso de la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke, a cargo del habitualmente hiperviolento cineasta canadiense David Cronenberg. Y aunque el director, conocido por sus historias de atmósfera malsana, no se corta un pelo en las escenas violentas, está ‘moderado’ para lo que nos tiene acostumbrados. El film arranca con la vida cotidiana de una familia, el matrimonio (Tom y Edie) y dos hijos (Jack y Sarah), en la América profunda. Él trabaja en un bar, y el discurrir cotidiano parece completamente anodino. Pero un día dos gangsters irrumpen en el bar, y contra pronóstico, Tom les planta cara y los liquida. De pronto se convierte en un héroe, el ciudadano anónimo capaz de defenderse por sí mismo. Estrella mediática, su acción atrae a nuevos gangsters. Y es que la respuesta tan contundente de Tom no ha sido fruto de la casualidad. El tipo oculta un pasado oscuro, y su gusto por el gatillo y la violencia, que parecía definitivamente enterrado en una arcadia feliz, pugna por volver a salir a la luz. Se nota el origen ‘comiquero’ de este film, pariente próximo de Camino a la perdición, que sigue los mismos derroteros de esquematismo en la definición de personajes, y de dibujo de una sociedad en que la violencia forma parte del paisaje diario. Y sorprende Viggo Mortensen, en un papel ambiguo, que nos hace olvidar que hubo un tiempo en que fue Aragorn en El Señor de los Anillos. El film tuvo dos nominaciones al Oscar, a guión adaptado, y al actor de reparto, un histriónico William Hurt, como corresponde a su personaje.

31 de diciembre, fun, fun, fun. Marion Bishop, peligroso mafioso que ha asesinado a un policía, es trasladado en un furgón policial con otros delincuentes de poca monta: el yonqui Beck, la pandillera Anna, y el timador Smiley. Pero se ha desatado una tormenta de nieve que impide circular por la carretera, de modo que recalan en la comisaría del distrito 13 de Detroit, a punto de cerrar porque se ha quedado anticuada. Sólo queda allí un puñado de policías al mando del sargento Jake Roenit, oficial traumatizado por una operación fallida. De repente, dos enmascarados atacan a los guardias del autobús. Es el comienzo del ataque de un grupo de tipos que no son lo que parece. Frente a tanta versión estadounidense de los grandes éxitos del cine de terror japonés, en esta ocasión es un cineasta francés, Jean-François Richet (eso sí, coproducido por EE.UU.) el que moderniza un título de culto del cine yanqui de los 70, Asalto a la comisaría del distrito 13, de John Carpenter. Y aunque las comparaciones son odiosas, lo cierto es que Richet compone una vistosa cinta de acción, que sólo se parece al original en el punto de partida y en el nombre de algunos personajes, y que agradará hasta a los incondicionales de Carpenter. Aunque tienen al estereotipo, los espléndidos actores entregan unas composiciones creíbles. Y aunque la historia tiene poco fondo, más allá de la crítica a la corrupción policial, el acabado técnico es modélico, el ritmo trepidante, y la fotografía tenebrista ayuda a crear una atmósfera claustrofóbica.

Inteligente comedia, trufada de cinismo, pero en cuyo fondo late la invitación al espectador a hacerse responsable de sus propias actuaciones, sin esperar a que ‘papá estado’ u otras instituciones decidan por él. La excusa para ello es la industria tabaquera, que tiene en Nick Naylor un excelente relaciones públicas, capaz de llevarse el gato al agua en cualquier debate, entrevista o análisis acerca de los efectos perniciosos de fumar. Nick luce una perpetua sonrisa, y sus argumentaciones suelen ser impecables, porque no niegan los problemas inherentes al tabaco. Además, le encanta departir con otros colegas, a los que toca lavar la imagen de la industria armamentística, o la del alcohol. Divorciado, Nick se esfuerza en impartir lecciones para la vida a su hijo adolescente. Y aunque de planteamientos morales muy limitados, una serie de peripecias que implican a una periodista, a unos activistas antitabaco y a un senador, le harán madurar, siquiera un poquito. El film de Jason Reitman, cuya carrera hasta el momento se había desarrollado en el mundo del cortometraje, hay que enmarcarlo en sus justos términos. No intenta pintar el mundo real, tal y como es, sino que, con trazos asumidamente gruesos, habla de una sociedad excesivamente mediatizada, y por tanto, aborregada. Su divertida ironía recuerda a filmes como La cortina de humo, donde las situaciones hilarantes daban qué pensar. La cita de James Stewart y su Caballero sin espada cuando Nick va a declarar a una comisión del Senado, no es en absoluto casual. Si el film de Frank Capra es la quintaesencia del idealismo, a la hora de gritar bien alto que se hace necesario un cambio del estado de las cosas, Reitman ha preparado una película en la misma dirección, pero ajustada a los tiempos cínicos que corren.

Al guionista (Parque Jurásico, Atrapado por su pasado, Spider-Man, Misión imposible) y director (El último escalón, El efecto dominó) David Koepp le pega adaptar una novela de Stephen King. Si acaso, extraña que no se haya puesto manos a la obra antes. Aquí parte de un material muy ‘King’, truculento, cómo no, que bascula entre el terror y el thriller: escritor deprimido, retirado en una casita solitaria, próxima a un villorrio con el clásico sheriff provinciano; no ha superado la infidelidad de su esposa, que le ha dejado por otro hombre; y para colmo de males, se presenta en su casa un paleto psicótico de Ohio, que le acusa de haberle plagiado una historia. Koepp maneja una historia algo complicada, al menos a la hora de plasmarla en imágenes, y hay que reconocerle el esfuerzo por ser muy visual, singularmente en el plano inicial y en el sorprendente final, alejado hasta cierto punto del tópico. Pero no acierta del todo a la hora de dar pistas sobre ese algo extraño que le pasa al escritor. El reparto está bien, sobre todo Johnny Depp, que lleva todo el peso de la narración, y que ha entendido a la perfección el esfuerzo del director por recrear la atmósfera en la que se mueve un novelista en horas bajas. No obstante domina una sensación de trama demasiado alargada, de que a la postre el film se reduce a un simple ‘cuento asombroso’. Al fin y al cabo se basa en una historia breve de King, "Secret Window, Secret Garden".

Mientras rueda un spot publicitario, el candidato a gobernador de Colorado pesca un cadáver en un lago. Tratando de evitar a toda costa el escándalo (que el candidato quede como ‘el tipo que pescó un cadáver’), encargan a una agencia de detectives que averigüen quién es el muerto, y si algún enemigo político lo ha dejado adrede para dañar las posibilidades de ganar las elecciones. A medida que avanza en sus indagaciones, el investigador Danny O'Brien descubrirá que ‘el enemigo está en casa’. Hábil sátira política, revestida de trama detectivesca, y con el romanticismo al fondo de un antiguo amor, y de la fidelidad a los propios principios. Aunque en el candidato hay paralelismos con el presidente George W. Bush, John Sayles es lo bastante capaz para no caer en la burda caricatura. Así, muestra con mordacidad a un demagogo puro, no demasiado inteligente, hombre de paja manejado por otros que esperan sacar tajada de su triunfo electoral. Y dirige su diatriba a ese clan de explotadores, que hace fortuna manipulando a los votantes con la apelación a su patriotismo, a los valores familiares, Dios, etc. De este modo se fustiga más la hipocresía que las ideas, lo que se constata en el caso de la hermana del candidato, feliz de haber tenido al hijo que pensó abortar. Pero no sólo los políticos salen mal parados: los medios de comunicación son acusados de apostar siempre al caballo ganador, de evitar las cuestiones incómodas que suponen un riesgo. Además hay una interesante subtrama, en que se pinta la miseria de los inmigrantes y los espaldas mojadas, que sin papeles son mercancía de la que se puede prescindir.

¿Existen los gafes, esos tipos a los que si algo puede salirles mal, les saldrá mal? Y en caso afirmativo, ¿es cierto que contagian su mala suerte a los que tienen alrededor? El film que nos ocupa parte de la respueta a ambas preguntas es sí, y que por ello son los empleados ideales para un casino: basta que pululen por ahí, para que se termine la buena racha del cliente más afortunado. Bernie es uno de estos gafes profesionales, y su mafioso jefe está encantado con él. Pero cuando inicia una tórrida relación con Natalie, una camarera, parece que la vida le sonríe, que es feliz. Lo que se traduce en la pérdida de su mala estrella. Y esto es algo que su patrón no está dispuesto a permitir. Es necesario reconocer que la premisa de este film resulta muy original. Además los personajes están bien perfilados por el trío principal de actores, William H. Macy, Maria Bello y Alec Baldwin, este último candidato al Oscar al mejor actor de reparto. Aunque pesa en exceso la carga fatalista de la trama, y la insistencia en unas explícitas escenas de sexo, que ralentizan la historia.

Duro film basado en la vida del actor Bob Crane, célebre por la serie televisiva Los héroes de Logan, una sátira sobre el nazismo. El atormentado cineasta Paul Schrader cuenta las esquizofrénicas peripecias de Crane, quien conjugaba una vida familiar de apariencia normal con su enfermiza afición a grabar en vídeo sus juergas sexuales. Schrader muestra los extremos de degradación a que puede conducir la adicción al sexo.

La vida de seis personajes, entrelazada por un campeonato de karaoke que se celebra en Omaha. A la hora de formar tres duetos tenemos a un padre bala perdida que se reencuentra con su hija, una camarera y un taxista que sueñan con la fama, y a un comercial de vida mediocre que lleva en su automóvil a un ex convicto de voz prodigiosa. El director, Bruce Paltrow, padre de Gwyneth, que tiene un papel en el film, ha tratado de combinar comedia y drama en el hortera mundo del karaoke. Eso sí, considera que esto del karaoke es una audaz metáfora: “En cierto sentido, todos estamos programados para encajar en un ideal. Y hace falta mucho valor para dejar atrás tantas expectativas y lanzarse a buscar algo distinto.”

Una jovencita de campo llega a Nueva York dispuesta a convertirse en estrella de la canción. Pero la vida es dura y sus sueños no parecen fáciles. Para sobrevivir acepta trabajar en un bar como Coyote: lo que significa ropa ceñidita e insinuante y mucho descaro, para encandilar a la clientela. Lo más sorprendente de este film es saber que detrás de él está el productor Jerry Bruckheimer, conocido por títulos de acción como La roca o Sesenta segundos. Cambia de género, sí, pero permanece su deseo de llegar a muchos espectadores, en este caso adolescentes. Así que sirve mucha sensiblería, niñas y niño monos y un montón de música.

"Se acabó lo del buen chico", rezaba la publicidad de la película. Cierto. Mel Gibson se cansó de aparentar ser buena persona en sus filmes. Aunque muchas veces ha dado a sus personajes un toque alocado y salvaje (en Arma letal y Mad Max, sin ir más lejos), siempre era, de alguna manera, "el bueno". Pero en Payback es, sin duda, un antihéroe. Guiado por el afán de venganza (contra su socio en un robo: le traicionó y le dio por muerto, y, encima, se acostó con su mujer), su particular sentido de justicia le pide una sola cosa: que le paguen los 70.000 dólares (ni uno más), su parte en el robo que se torció. El film presenta tipos clásicos del cine negro, bien perfilados aun los que tienen poca presencia. La subtrama romántica (matrimonio con final trágico, un toma y daca con una leal amiga, prostituta) está bien definida, con su toque fatalista. Una novedad en la película es la ironía con que se dibujan las perversiones sexuales. El personaje de Resnick (el socio que traicionó a Porter) es aficionado a las prácticas sadomasoquistas, y este extremo se ridiculiza, se convierte en gag; aunque casi se acaba resbalando hasta el morbo, motivo de chanza. Y es que Payback cae a veces en el exceso. Exceso en la violencia (la escena de tortura), en la banda de mafiosos chinos (parecen salidos de un cómic barato), en la "monometa" de Porter (recuperar su dinero).