George Fenton

Remake estadounidense de la película noruega Uno tras otro, a cargo de su mismo director, Hans Petter Moland, conocido por haber dirigido Redención. Los casos del Departamento Q. Sigue a Nels Coxman, supuesto ciudadano ejemplar, casado y con un hijo adulto, Kyle, que trabaja con su máquina quitanieves despejando las carreteras en lo más crudo del crudo invierno. Cuando Kyle es asesinado por una banda de narcotraficantes –estaba en el lugar equivocado, su compañero de trabajo Dante tenía trato con ellos–, la familia Coxman queda hecha añicos, pero Nels se muestra tremendamente resuelto y metódico a la hora de vengarse de los responsables, no acepta la versión oficial de que murió de sobre dosis. Irá escalando, peldaño a peldaño, en dar pasaporte a los que tuvieron que ver con el deceso de Kyle, hasta dar con el líder de ese grupo criminal, Viking, divorciado y con un niño, de carácter cruel y veleidoso, que se equivocará de enemigo, hasta desatar una guerra con los indios de la reserva con los que estaba asociado en el negocio del narcotráfico. Mientras, una policía local, Kim, empezará a darse cuenta de lo que pasa, mientras su veterano jefe, le ruega que se tome las cosas con calma. Alguien ha debido pensar que Liam Neeson es el actor ideal para encarnar a personas normales que desatan los demonios que llevan dentro cuando les infligen daño, momento en que deciden castigar al contrario con algo incluso más allá del clásico “ojo por ojo”, su venganza va a ser terrible. No en balde protagonizó una trilogía que se tituló precisamente Venganza. Un referente ineludible en tal sentido es sin duda Charles Bronson con su saga El justiciero de la ciudad. El actor hace pues su trabajo sin despeinarse mucho, encarnando a un antihéroe monolítico. Aquí tenemos una historia que el desconocido Frank Baldwin ha trasladado a Estados Unidos, introduciendo elementos locales como los indios, con mucha violencia gráfica y un tono de humorada negra y toques surrealistas –véase la escena en la morgue– que emparentan Venganza bajo cero con el universo Fargo imaginado por los hermanos Coen, y con la violencia paródica de Quentin Tarantino. Aunque, nunca mejor dicho con tanta nieve y temperaturas gélidas, el resultado es bastante más frío, se mira todo con mucha distancia, resulta difícil implicarse emocionalmente. Incluso el posible elemento tierno que podía introducir el hijo de Viking, amante de la música de Bach, que juega con los gorilas asesinos de su progenitor, y que acaba haciendo migas –algo que cuesta creerse– con Nels, te deja gélido, aunque sea lo más parecido a la inocencia que nos propone el film, como contrapunto al modo de proceder de los demás personajes. Moland sabe rodar con buen ritmo, de modo que las casi dos horas de metraje se siguen bien, con el macabro recuento de los muertos violentamente, tan abundantes como en un spaghetti-western de Sergio Leone, y una retahíla de motes –Speedo, Esquimal, Limbo, Santa, Wingman...– correspondientes a variopintos matones. La fotografía con paleta de colores fríos, correspondiente a los parajes nevados, con escenarios como el del cementerio, con las lápidas recortándose contra un cielo tan blanco como la propia nieve, está muy conseguida.

Las tribulaciones de la familia Turner, el matrimonio y dos hijos, un adolescente conflictivo con inclinaciones artísticas, la otra una tierna niña que sufre por las crecientes tensiones que desgarran el hogar. Y es que con una situación económica precaria, Ricky y Abbie, víctimas involuntarias de la crisis financiera de 2008, se dejan el alma a la hora de traer el jornal a casa, y no pueden prestar a su prole toda la atención que quisieran. El primero ha comenzado a trabajar en una empresa de mensajería como repartidor de paquetes, lo que supone empeñarse hasta las cejas para disponer de una furgoneta, y andar corriendo de un lado para otro para cumplir con los plazos de entrega. Mientras que ella, que ejerce de cuidadora de enfermos y discapacitados, muchos ancianos, ha tenido que renunciar a su automóvil. De modo que le toca desplazarse en autobús para atender a personas en situación de dependencia, a las que muchas veces falta un cariño que ella comportándose como si fuera su propia madre. Nueva muestra de cine social donde repiten colaboración el director Ken Loach y el guionista Paul Laverty. Con actores no profesionales muy convincentes, ponen el dedo en la llaga de una sociedad progresivamente deshumanizada, en que el trabajo esclaviza, con condiciones laborales a menudo indignas, que degradan y ponen en peligro lo que debería ser un oasis de paz y descanso al final de la jornada, el hogar familiar. La denuncia es oportuna, porque tiene una base real, pero no se logra sortear una sensación de que se cargan las tintas, con un efecto “bola de nieve” donde las dificultades y desgracias se acumulan de modo que se antoja excesivo, y con un personaje concreto, el jefe de Ricky, algo caricaturesco por su falta de consideración hacia sus empleados en la búsqueda de la máxima eficiencia. En cualquier caso, Loach y Laverty demuestran una gran habilidad narrativa, creando secuencias de gran calado dramático, que logran conmover, e introduciendo momentos en que se apunta lo que podría ser una feliz convivencia familiar en condiciones normales -la noche del sábado con emergencia felizmente resuelta, o la jornada laboral compartida por el padre y la niña casi como si fuera un juego–, o la humanidad de una paciente o un compañero de trabajo que trata de ayudar.

Una película de espías a la vieja usanza. De estructura clásica. Académica. Previsible tal vez. Pero que se ve bien, no molesta demasiado, y contiene buenas interpretaciones. Se inspira en un caso real y esta estructurada por el proceso de detención de la anciana Joan Stanley (Judi Dench), y subsiguiente interrogatorio, se le acusa de espionaje, de haber proporcionado secretos sobre el programa nuclear británico a los soviéticos tras finalizar la Segunda Guerra Mundial. Entremedias se intercalan los pasajes juveniles de Joan (Sophie Cookson), cuando logra dedicarse a lo que le apasiona la ciencia, al tiempo que movida por su ideales frecuenta círculos comunistas. Allí conoce a otros jóvenes apasionados por cambiar el mundo, como el hombre que ama, Leo, y Sonya, su prima, ambos exiliados comunistas de origen judío. Trevor Nunn, forjado en la Royal Shakespeare Company y el Royal National Theatre, que ha dirigido, y cineasta competente aunque nunca brillante en títulos como la shakespereana Noche de reyes, lleva la intriga con buen pulso, pero sin nunca apasionar. Como sucede en la reciente Los archivos del Pentágono, se introducen momentos que critican las discriminaciones sufridas por la mujer en la época, que resultan demasiado obvios, casi risibles, la servidumbre a lo políticamente correcto no ayuda.

Los últimos días del jefe indio Toro Sentado, cabecilla de los indios sioux. Recluido en una reserva en Dakota, los meses antes de morir asesinado se asoció con la pintora Catherine Weldon con el objetivo de obtener un retrato del mítico guerrero que había participado en la masacre de Little Big Horn, la batalla contra el séptimo de caballería del general Custer. Ambientada en los últimos años del siglo XIX, la película intenta recuperar el romanticismo de una época pretérita en que las tierras de norteamérica no tenían dueño –"son de Dios", dice Toro Sentado– y en la que la vida natural estaba reservada sólo para quienes eran capaces de soportar los rigores de la naturaleza. Hay en la película de Susanna White (Generation Kill) mucha ternura por el jefe sioux, caracterizado aquí con la esperada nobleza, pero también evita la tentación de dejarse llevar por un exagerado maniqueísmo mostrando al hombre blanco como un ser aborrecible. Simplemente los tiempos cambian, es inevitable. Y ese modo de vida salvaje ha llegado irremediablemente a su fin. Hay clasicismo en el rodaje y en la contemplativa planificación de la directora, quien sabe trasladar con oficio un guión sencillo pero interesante de Steven Knight. El reparto está bien escogido y todos hacen un correcto trabajo, aunque destacan Jessica Chastain, Michael Greyeyes y Sam Rockwell.

En dos ocasiones ha ganado Ken Loach la Palma de Oro en Cannes, después de concurrir y ganar premios en otras ocasiones en ese certamen. Con El viento que agita la cebada quizá quisieron asegurar que al fin se llevaba el premio gordo del Festival, pues no se trataba de su mejor película, ni de las más definitorias de su filmografía. En cambio Yo, Daniel Blake, cuyo guión firma su colaborador habitual, Paul Laverty, podemos asegurar que es un título Loach al cien por cien, con muchas de sus mejores virtudes y también con algunas de sus debilidades, cuyo tema de fondo es la dignidad humana que se sobrepone a mil y un obstáculos de una sociedad deshumanizada. Sigue las tribulaciones del personaje mencionado en el título, Daniel Blake, viudo cercano a los sesenta años, buen profesional como carpintero, pero que recientemente sufrió un ataque al corazón. A las dificultades burocráticas para el reconocimiento de una minusvalía que avala su médico, se suma la dificultad de acceder a otra vía para obtener un subsidio, la del paro. Blake se enfrenta a una máquina funcionarial deshumanizada, que lejos de dar seguridad social, aplasta a las personas atendiéndolas malamente, o dando por supuesto que todos han de ser expertos en el manejo de herramientas informáticas u otros métodos que las “bondades” de la vida moderna nos han traído. Aunque estas dificultades pesan, el buen corazón de Blake sigue estando dispuesto a ayudar a la gente con la que se topa, como el es caso de una joven madre soltera, recién llegada desde Londres a Newscastle, y que tiene que sacar adelante a dos criaturas en medio de grandes dificultades. El espectador empatiza enseguida con el protagonista y los obstáculos que debe sortear en su vida cotidiana, porque cualquiera ha conocido situaciones kafkianas de estilo parecido. Loach y Laverty hablan del buen fondo de las personas, pero también de lo fácilmente que podemos caer en la depresión o en la miseria material y espiritual, por las trabas de un ambiente social adverso, un sistema que no piensa en las personas, considerándolas puro número. La narración funciona, los actores, empezando por Dave Johns, hacen muy bien su trabajo. Quizá le pesa un poco al film cierto maniqueísmo, o cargar un poco las tintas de un modo fatalista con un truco final previsible, justificable, tal vez, pero que se ve venir a la legua. En cualquier caso es un film que hace pensar, y que invita a construir entre todos, personalmente, una sociedad más justa.

Tras la muerte repentina de su marido, Eva teme la soledad. Tiene una hija con la que no congenia y su único consuelo es el cariño de su mejor amiga, Maddie, que recientemente ha sido engañada por su esposo. Ambas se hacen compañía, se ríen y le quitan hierro a los problemas. Cuando por un error Eva recibe 5 millones de dólares del seguro de vida de su marido, ambas deciden hacerse juntas un viajecito de placer para gastar dinero y pasarlo “como reinas”. El destino elegido será España, más exactamente Gran Canaria. Pero un trabajador de la compañía de seguros irá en su búsqueda para enmendar el error. Comedia ligerita e intrascendente, cuya anodina dirección por parte de Andy Tennant (Exposados) deja al descubierto el único punto fuerte: disfrutar del trabajo de dos leyendas de la interpretación, la octogenaria Shirley MacLaine y la septuagenaria Jessica Lange, aquí convertidas en colegas y cómplices de aventuras. Se lo pasan bien y son divertidas, la verdad, aunque sus peripecias sean de lo más inverosímiles y tontorronas. El planteamiento de Como reinas es, como puede apreciarse, bastante simplón, una versión más del tópico último viaje–desfase–diversión antes de que la vida se esfume. Lo malo es que el desarrollo tampoco es que resulte demasiado original y eso que el guión introduce un significativo giro de la trama (que de todas maneras se ve venir de lejos). Funciona el inicio, con la reunión en casa tras el funeral, algunos gags aislados, y la subtrama del detective de la aseguradora que va en busca de las protagonistas. Por lo demás, sorprende la presencia de Demi Moore en un papel secundario de hija superficial e infeliz, claramente desaprovechada, mientras que tiene gracia la aparición de algunos actores españoles, como Julián Villagrán o Santiago Segura, este último en un papelito caricaturesco de mafioso de tres al cuarto.

Una nave alienígena intercepta una sonda enviada por la NASA con información sobre el planeta Tierra y los seres humanos. Antes de destruir la Tierra y acabar con la raza humana, los alienígenas –un consejo de extraños y parlanchines seres– deciden hacer una prueba: otorgarán poderes de Dios a un hombre elegido al azar. Si hace el bien con sus poderes perdonarán al planeta, si hace el mal, lo destruirán. Los poderes recaerán sobre Neil, un profesor de primaria que sueña con ser novelista y que está enamorado de su vecina del piso de abajo. El miembro de los Monty Python y director de películas emblemáticas como Los caballeros de la mesa cuadrada o La vida de Brian, el británico Terry Jones, entrega una comedia de ciencia ficción de planteamientos muy simplones y con tono de fábula gamberra y plagada de escenas humorísticas, con gags fáciles y un pelín en el límite del buen gusto propio del chalado grupo británico. La verdad es que tiene su punto que los cinco miembros de los Monty Python –John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Michael Palin y el propio Terry Jones– pongan voces precisamente a los aliens, deseosos de hacer añicos a la raza humana, a quienes ven como seres tontos e inferiores. Y en el film hay escenas especialmente divertidas, como esas que recogen los deseos caprichosos de Neil cumplidos “ipso facto” o la persecución “adorable” que sufre el amigo indio del protagonista. Ni que decir tiene que el tópico argumento de Absolutamente todo resulta bastante previsible, dentro del aire de cuento moral sobre el uso que debe hacerse de los propios talentos, algo similar de lo que ocurría en la estadounidense Como Dios. La elección como protagonista del simpático payasete Simon Pegg es bastante acertada, mientras que en el lado femenino la dulce Kate Beckinsale se limita a ser mera comparsa, aunque cumple. Por último, en su último papel en el cine Robin Williams pone voz a uno de los personajes principales, el de un perro caradura que adquiere racionalidad y que ofrece algunos de los momentos más desvergonzados y alocados.

Prestigioso director teatral, procedente de una familia dedicada a la escena desde varias generaciones, Nicholas Hytner tiene algún largometraje estimable en su haber, como La locura del Rey Jorge, que supuso su debut en cine. En esta ocasión se pone al servicio de una de las grandes damas de las tablas británicas, Maggie Smith (quizás la más veterana estrella en activo en la gran pantalla, junto a su compatriota Michael Caine), en la adaptación de la obra de Alan Bennett, que Hytner ya estrenó en el Queen's Theatre de Londres, con la misma intérprete. El autor del texto reconstruye libremente la extraña relación de amistad que mantuvo con Mary Shepherd, anciana sintecho que primero aparcó su destartalada furgoneta en su misma calle, en el barrio londinense de Camden. Ante las quejas de los vecinos le pidió como favor dejarla temporalmente en el patio de su casa. Pero lo que iba a ser temporal se alarga cada vez más... Rodada en los escenarios reales donde ocurrió la historia original, de puesta en escena sencilla, y bajo presupuesto, todo está al servicio de la protagonista. Ésta realiza un trabajo de primera categoría, construyendo un personaje excéntrico, algo caradura pero que siempre mantiene la elegancia, bastante gruñona pero en el fondo entrañable. Estamos ante uno de esos filmes que cuesta mucho imaginar con otro actor. La rodean correctos actores, como el también grande del teatro Alex Jennings, en cine el Príncipe Carlos en La reina, que aquí encarna al citado Bennett, en un papel doble, pues el dramaturgo –del que se sugiere su homosexualidad– mantiene un diálogo constante consigo mismo. Más secundario, Jim Broadbent sabe exagerar sin desentonar en su interpretación de un tipo un tanto fisgón. El film mantiene un cuidado equilibrio entre drama y un humor sarcástico muy inglés, que tira con bala pero sin caer en la vulgaridad.

Leitrim, Irlanda, 1932. Terminada la guerra civil, los campesinos y la gente humilde de una comunidad rural viven una vida casi de esclavitud, y se les niegan los derechos más elementales. Cuando James Gralton (Barry Ward) regresa de sus diez años de exilio en Estados Unidos, (a donde tuvo que huir por motivos políticos), la esperanza de los pobres recobra ánimo. Se reencontrará con su antiguo amor, Oonagh (Simone Kirby), ahora casada, y volverá a poner en marcha un antiguo local social que fundó diez años antes, un lugar para reunirse y charlar, para dar clases pintura, de poesía, para bailar y escuchar jazz, una música prohibida... El local de Jimmy pronto será visto con malos ojos por las fuerzas vivas, la policía y la Iglesia local, una provocación que ha de ser sofocada, pues puede ser el comienzo de peligrosas conspiraciones comunistas. Una película social cien por cien Ken Loach, para bien y para mal. Para bien, en cuanto a la calidad de la narración y la humanidad de los personajes, con una mirada tierna y solidaria al acercarse a sus sufrimientos y su situación social; para mal, en cuanto a la falta de matices a la hora de enfrentar política y socialmente a las personas, un maniqueísmo un tanto superficial y simplista que reduce la entidad de la historia y su objetividad. A partir de una obra teatral de Donal O'Kelly, y con su guionista habitual, Paul Laverty, Loach vuelve a acercarse en este film a la historia de Irlanda, un país por el que el director británico parece sentir un sincero afecto y afinidad. En efecto, aquí recrea una etapa de su historia que ejemplifica la injusticia ancestral que ejercieron los poderosos hacia los más humildes. Inspirada en hechos reales, durante la época del “terror comunista”, Jimmy’s Hall puede verse como una continuación de El viento que agita la cebada, en donde Loach contaba la guerra civil en Irlanda entre pro-ingleses y partidarios de la independencia. Justo después, en 1932, Loach coloca la llegada de su protagonista, un hombre caído entonces en desgracia y que ahora llega del exilio. Jimmy Gralton es así como un “mesías” secular que puede devolver la esperanza a los irlandeses que se han alineado al margen de los que han preferido acomodarse bajo el paraguas de la poderosa Inglaterra. Entre estos últimos están los terratenientes y la Iglesia, claro, que se convertirán en los grandes enemigos de todo lo que representa Jimmy, enemigos por tanto de la vida auténtica, libre, bucólica. En este sentido, Laverty y Loach retratan a una Iglesia y a unos sacerdotes mezquinos y oportunistas, situados al margen de los que sufren las más flagrantes injusticias, clérigos anquilosados y asustadizos para los que cualquier reunión sin el visto bueno de la parroquia es sinónimo de contubernio comunista, una Iglesia que se atribuye el derecho exclusivo de dispensar la educación y la cultura, impidiendo el desarrollo de quienes no comparten sus opiniones. Al margen de que plasme una época donde estas cosas pudieran suceder, no deja de ser un enfoque tan increíblemente reduccionista que hoy en día resulta burdo, chusco. Y ese sesgo ideológico se apuntala por el retrato que Laverty hace de ambos bandos, unos absolutamente perfectos y buenos, gente maravillosa y sin fisuras, y los otros malvados, insensibles y crueles. Los actores, poco conocidos, hacen buenos trabajos, y la banda sonora a cargo de George Fenton es meritoria.

Un Londres futurista. Qohen -que no Quinn- es un genio de la informática, que vive en una iglesia abandonada, haciendo programas para una gran corporación que trata de tranquilizar a sus clientes, para que la existencia les sea más llevadera. Y anda muy angustiado por las presiones que padece para demostrar el llamado “teorema cero”, que permitiría descubrir el sentido de la existencia con un cien por cien de seguridad, o lo que es lo mismo, con un cero por ciento de posibilidades de equivocarse. Y aunque logra resultados por el 99 y pico por ciento, aquello no es suficientes. Terapias telefónicas, la tentación de los placeres carnales o paraísos virtuales no acaban de lograr calmar el agobio de Qohen. Otro delirio fílmico de Terry Gilliam, quien ya hiciera integrado en Monty Python treinta años atrás El sentido de la vida, en aquel caso en clave disparatadamente cómica. Aquí recrea con barroquismo exuberante la imaginería de la capital de Inglaterra dentro de unos años, con un Christoph Waltz pasado de rosca, al que rodean personajes a cada cual más estrambótico, desde el fantasmal jefe encarnado por Matt Damon, al supervisor David Thewlis, la psicóloga telefónica Tilda Swinton y la “experta en placeres” Mélanie Thierry. Con un guión del totalmente desconocido Pat Rushin, seguramente Gilliam quiere hacernos en The Zero Theorem, dentro del contexto psocial ostmoderno, un sesudo planteamiento existencial sobre Dios -véase el crucificado descabezado de la iglesia-, y las cosas que nos permiten hacer la vida más llevadera. Pero lo que entrega es un pastel bastante indigesto, con pasajes francamente aburridos, y algún que otro personaje rozando el histrionismo. Doce monos y Brazil eran filmes en la misma línea, pero el cineasta lograba un equilibrio que aquí se le escapa.

A estas alturas ya no se sabe qué se puede esperar al acudir a ver una película del veterano realizador británico Ken Loach, con guión de su colaborador habitual Paul Laverty. Tras romper el saque por completo con la optimista e hilarante Buscando a Eric, reapareció su lado desesperanzado y fatalista habitual en Route Irish, dura denuncia de las atrocidades cometidas por contratistas privados en la guerra de Irak. Contra todo pronóstico, La parte de los ángeles, su duodécima colaboración conjunta, ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes, vuelve a enlazar con la comedia que contaba con el astro futbolístico francés. La acción de La parte de los ángeles transcurre en Glasgow, donde varios impresentables son condenados a cumplir horas de servicios comunitarios por diversos motivos. Un borracho de pocas luces que saltó a las vías del tren cuando iba como una cuba, una cleptómana, y diversos perdedores se ven obligados a pintar, recoger basuras y realizar diversas tareas a las órdenes de Henri, un educador aficionado a la cata de whisky de calidad. Henri prestará especial apoyo a Robbie, un joven de baja estatura pero extremadamente violento, que a punto de convertirse en padre está deseando regenerarse, pero topa con todo tipo de problemas, entre ellos la oposición firme del progenitor de su novia, que no quiere ni verle. Laverty y Loach no renuncian a sus personajes marginales con nulas perspectivas, marca de la casa, ni a su estilo realista de siempre, cercano al documental. Abordan un tema de enorme interés, la posibilidad de regeneración de los delincuentes, sin ocultar las extremas dificultades que hacen muy difícil que esto suceda, como un entorno social en contra, escasa cualificación laboral, tendencia a reincidir, etc. Pero en La parte de los ángeles imperan las risas (sólo cabe reprochar algunos excesos escatológicos), se muestran inusualmente positivos y optimistas al confiar en la capacidad humana de autosuperación, e incluso confían en la familia como apoyo fundamental para los peores momentos. Como es habitual, Loach escoge actores espontáneos, muchos de ellos desconocidos, que parecen tener lazos en común con los roles que les toca interpretar. Es el caso del debutante Paul Brannigan, veinteañero que en la vida real ha pasado de hooligan (la cicatriz que exhibe es real) a padre responsable, y que se perfila como promesa de Hollywood, ya que posteriormente ha fichado para rodar como protagonista Under the Skin, con Scarlett Johansson. Actúa con gran espontaneidad, como la mayoría del reparto, en el que destaca la presencia de algunos actores que repiten en el universo Loach, como William Ruane (Felices dieciséis, El viento que agita la cebada), o el gran John Henshaw, que ya fue MeatBalls, vitalista cabecilla del grupo de amiguetes del personaje central de la comedia con Cantona. La parte de los ángeles describe con gran humanidad e incluso ternura a sus pintorescos personajes y llega a ser emotiva. Además, la mayor parte de la trama se desarrolla en el mundillo de las destilerías de whisky de Escocia, terreno que resulta lo suficientemente fresco e interesante.

Nicole y Milo se casaron tremendamente enamorados, pero aquello duró poco. Ella se dedicaba en cuerpo y alma al periodismo de investigación, y sus caracteres empezaron a chocar. El resultado fue el divorcio, y él perdió su puesto en la policía, de modo que acabó trabajando como 'cazador de recompensas', lo que consiste en trabajar para un tercero, y capturar a personas sobre las que pesa una orden de 'busca y captura' por no presentarse ante la justicia. Ése va a ser justo el caso de Nicole, que metida en una exclusiva de tipo criminal, no ha comparecido ante la juez. De modo que le toca a su ex marido detenerla. Lo que tal vez sirva para que surja de nuevo la chispa del amor. Andy Tennant es un director especializado en comedias románticas. Ninguna es del todo memorable, pero resultan razonablemente 'apañadas' Por siempre jamás y Hitch. Aquí demuestra de nuevo su escaso fuste, pues la parte de intriga no casa bien con la de puro enredo. Eso sí, cuenta con una pareja que desprende simpatía y química, y a la que se le da bien el género, la que componen Jennifer Aniston y Gerard Butler. Ellos son los que aguantan una trama mal hilvanada, con su carisma pero también con el recurso algo trillado de su 'sex appeal'. Hay pasajes graciosos -la entrada en el club de golf es tronchante-, pero también torpeza manifiesta -el paso por 'El Rincón de Cupido' es una muestra de algo prometedor a lo que no se saca todo el rendimiento-. También llama la atención una serie de personajes secundarios que, a pesar de su potencial cómico, parecen metidos 'con calzador', o para ser más exactos, 'con teléfono móvil'.

Simpática película de Ken Loach, con su guionista habitual Paul Laverty. Sigue a Eric, un cartero algo deprimido por su vida personal: su segunda mujer le ha dejado, y sus dos hijastros son unos jovenzuelos irresponsables que le van a meter en líos; por otra parte, la hija que tuvo de su primer matrimonio le pide que cuide a su bebé, lo que va a propiciar el reencuentro con la esposa original, Lily, a la que abandonó en un auténtico ataque de pánico. En efecto se casaron jóvenes, cuando ella quedó embarazada, y la presión paterna de que estaba arruinando su vida propició la deserción. Ahora sólo cuenta con el apoyo de sus colegas carteros, amigos de verdad... y del mismísimo futbolista Eric Cantona, que a modo de amigo imaginario, le da consejos para enderezar su rumbo. Supone una auténtica novedad que Loach incorpore un elemento casi mágico a su cine. Porque Eric Cantona, interpretado por sí mismo, deviene en una especie de ángel de la guarda, con función comparable a la que ejercía el de la clásica ¡Qué bello es vivir!. El fútbol se convierte en metáfora de cómo debe abordar Eric sus problemas, en tal sentido tiene importancia la confesión del jugador de que el momento del que se siente más orgulloso en su carrera deportiva, es aquel en que dio un pase de gol a un compañero. Dicho lo anterior, hay que decir que director y guionista no renuncian al realismo y naturalismo típicos de su cine, que se ven sobre todo en las conversaciones entre los amigos carteros. Quizá no acaban de casar del todo las dos historias principales -la segunda oportunidad matrimonial y los problemas con matones de los hijastros-, pero la presencia de Cantona sirve de puente que disimula el problema. El desenlace, aunque sea un poco de vodevil, tiene su gracia, es capaz de provocar la sonrisa amable y resulta optimista.

A Matthew McConaughey le fue bien con Sahara (2005), adaptación de una novela de Clive Cussler. Por eso, le han cortado a la medida esta producción, que imita al milímetro el mismo esquema, pues mezcla aventuras, comedia y romance. También remite inexorablemente al film Tras el corazón verde, surgido a rebufo de En busca del arca perdida. Esta vez, el actor interpreta a otro buscador de tesoros submarinos, Ben ‘Finn’ Finnegan, obsesionado por encontrar el tesoro que transportaba un navío español hundido en el siglo XVIII. Pero como el viejo barco que utilizaba se ha ido a pique, necesita la ayuda del multimillonario Nigel Honeycutt, que viaja con su hija en un lujoso yate en el que trabaja la esposa de Finnegan, que acaba de divorciarse porque éste parece más preocupado por sus tesoros que por ella. Finn tiene que darse prisa, antes de que le arrebaten el botín otros individuos que le pisan los talones. Se trata de una producción convencional, que haría aguas por todas partes si no hubieran puesto como capitán a Andy Tennant, director de Hitch, de 2005, que llevaba un tiempo en el dique seco, pues desde ese año sólo ha hecho el episodio piloto de una serie televisiva, The Wedding Album, que no debió salir adelante. El cineasta enriquece este encargo, pues por ejemplo ha colaborado en el guión, lo que se nota en algunas réplicas con cierto ingenio, y en personajes con aspectos divertidos, que caen simpáticos. Esto compensa en cierta medida que se recurra a veces a golpes de humor grosero o detalles soeces, que pueden ahuyentar al público familiar, lo que no se acaba de entender en un film cercano al cómic. Por lo demás, las secuencias de acción de Tennant funcionan, pero no son increíblemente espectaculares. McConaughey aguanta el tirón, aunque es posible que otros actores le hubieran sacado más jugo a su personaje, y está al frente de un reparto lleno de nombres solventes, como Kate Hudson o Donald Sutherland. Funciona muy bien su apuesta por las relaciones familiares padre-hija (Sutherland y Alexis Dziena) y marido y mujer (McConaughey-Hudson).

Ken Loach no engaña. El suyo es un cine social, de indisimulada carga ideológica, que se pone al mundo por montera para denunciar la injusticia allí donde cree que la hay. Le pierde a veces la visceralidad y la falta de matices, producidas en parte por la indudable pasión con la que trata sus amados temas, en compañía de su fiel guionista Paul Laverty. En esta ocasión, Loach aborda las odiseas que toca vivir a inmigrantes de países del Este, a la hora de salir adelante y trabajar en Gran Bretaña. Y está más comedido que en otras ocasiones. El film sigue a Angie, que trabaja en una empresa especialista en captar trabajadores cualificados provinientes de Polonia. Tras soportar una actitud vejatoria de uno de sus superiores, acoso sexual puro y duro, abandona la empresa, y decide montar con su amiga del alma Rose un negocio similar, aunque indudablemente a menor escala. Ellas tienen contactos, conocen las necesidades de fábricas y demás, creen poder hacerlo sin problemas... Pero la realidad es más compleja de lo que ellas imaginan, y descubrirán el poder de las mafias, lo que es no tener dinero para poder pagar a los inmigrantes contratados, por ser objeto de un engaño. Aunque la actitud de ellas mismas dista de ser perfecta, pues contaban con un fondo de dinero, que no destinan a pagar inmediatamente a las personas que les habían dado su confianza. Loach y Laverty denuncian la injusticia social descrita, y aunque cargan las tintas en la desesperanza y en la visión negativa, conciben la historia como una trama de aprendizaje, en que Angie escarmentará tras diversas peripecias. Quizá su intención no era expresamente esa, pero la pareja de creadores también pinta un cuadro familiar y de costumbres sexuales de Angie bastante descorazonador, que da qué pensar. La mujer está divorciada de un marido que era un vago inútil, pero le vemos tontear con un joven polaco, sin que la palabra compromiso parezca asomar por ningún sitio, en el fondo es un simple desahogo sexual y afectivo. Por otro lado está su hijo, con problemas en la escuela, y al que están criando los abuelos, en una dejación de responsabilidad bastante llamativa, que tendrá su momento culminante y de suspense en el momento de la desaparición. El director inglés rueda con soltura, e introduce esos momentos "didácticos" a los que nos tiene acostumbrados. Su estilo naturalista funciona, y los actores entregan interpretaciones muy creíbles. Pero todo suena un poquito a "déjà vu", más de lo mismo. Aunque con un tema más novedoso, que quizá fue lo que tuvo en cuenta el jurado del Festival de Venecia, que le concedió el premio al mejor guión.

Bello y cuidado documental que explora las maravillas de nuestro planeta y las acerca de modo fascinante a los amantes de la naturaleza. La idea es mostrar la Tierra bajo una mirada diferente: la del cambio exterior debido a la sucesión de las estaciones. Así, el film, narrado por el actor Patrick Stewart, recorre la geografía de norte a sur y nos lleva, a través de una hermosísima fotografía, a lugares inhóspitos e impactantes de la superficie terrestre. A su vez, se detiene en la vida de algunas especies animales y ofrece momentos de ternura y humor. Los responsables de este original trabajo, ya dieron fe de su valía y de su compromiso con la naturaleza con Deep Blue (2003). Aquí ruedan su película aprovechando la filmación de la serie televisiva de la BBC “Planet Earth”. Frente a numerosos documentales de naturaleza en los que se manipula a los animales para que se comporten de una manera determinada, los directores decidieron que en su película todo sería absolutamente real. "Muchos cineastas manipulan a los animales, o los introducen en escenarios alterados por el equipo. Pero nosotros nunca lo haríamos. Estamos mucho más interesados en contar cómo se comportan las fieras en la naturaleza, sin la intervención del hombre", comenta Alastair Forthergill, uno de los codirectores. El film se beneficia de la última tecnología en vídeo digital, pues se rodó en alta definición, sin usar las clásicas cámaras de cine de 35 mm, muy grandes para trasladarlas a los parajes naturales que salen en la película. "Las cámaras de alta definición permiten rodar con escasa luz. Gracias a eso, pudimos filmar a las aves del paraíso de Papúa-Nueva Guinea", explica Fothergill.

Ken Loach vuelve a su cine político y combativo, con una historia que no ha agradado nada en su país natal, Gran Bretaña, y que fue premiada con la Palma de Oro en Cannes. Tal premio le viene grande. Quizá los organizadores del Festival han querido dar al fin el ‘premio gordo’ a un cineasta habitual en Cannes, pero a su película cabe aplicarle aquello de que ‘es más de lo mismo’; o sea, no es innovadora, ni deslumbrante. La trama se sitúa en 1920 en una Irlanda que anhela la independencia, y muestra la crueldad del ejército británico, conocido popularmente como ‘Black and Tans’, o sea, ‘Negro y Caqui’, una referencia al color de su uniforme. Un primer asesinato absurdo de un campesino, cuando efectúan un registro, ya pone el listón histriónico de Loach alto, y apenas han transcurrido diez minutos de metraje. Y es que al militante cineasta le pesa esto: quiere subrayar tanto sus ideas, se muestra tan enfático, que resta credibilidad a lo que cuenta. La organización de la resistencia irlandesa, las discusiones ‘populares’ y las divisiones que se producen –unos dan más peso al nacionalismo, otros a la justicia social– retrotraen demasiado a Tierra y libertad, film sobre la guerra civil española donde tampoco lograba el deseable equilibrio. No obstante, Loach es un cineasta bregado y narrador de primera, por lo que imprime un fuerte dramatismo a algunas secuencias, como a aquella en la que se hace necesario eliminar a un soplón.

Prestigiosa serie documental, integrada por once episodios, rodados en alta definición. Muestra espectaculares imágenes de los animales más representativos de distintos puntos del globo. Para los amantes de la naturaleza.

Nicholas Hytner obtuvo un enorme prestigio cuando en 1994 adaptó a la gran pantalla la obra teatral La locura del rey Jorge, de Alan Bennett. En 2004, Hytner estrenaba en el Teatro Nacional del Londres History Boys, un nuevo texto de Bennett, basado en sus experiencias estudiantiles, que tuvo un gran éxito. Tras una gira por diversas ciudades de todo el mundo, el montaje recaló en Broadway, donde fue un auténtico bombazo, y ganó seis premios Tony. El propio Hytner decidió rodar la adaptación cinematográfica, con guión de Bennett, utilizando los mismos actores de los escenarios, aprovechando un descanso en las representaciones. La trama se sitúa en los 80, y sigue los pasos de un grupo de alumnos de la misma clase, que están a punto de acabar el curso, en un colegio británico, y se preparan para conseguir una plaza en Oxford o Cambridge, las dos universidades británicas más prestigiosas. Tan elitistas instituciones no sólo seleccionan a los alumnos por sus méritos académicos, sino que también tienen muy en cuenta que dispongan de un cierto ‘saber estar’ que les haga merecedores de ser escogidos. Les ayudan en tan ardua tarea Mrs. Lintott, una profesora muy tradicional, y Hector, un profesor de literatura completamente opuesto por su carácter subversivo. También desempeña la labor docente Irwin, un recién llegado que idolatra la universidad de Oxford, porque él mismo estudió allí, y que también pretende motivar a sus alumnos, señalando con estudiada pose cínica que la mentira es un buen método para abrirse camino en la vida. El film cuenta con brillantes interpretaciones de los jóvenes protagonistas, casi todos con muchas tablas en los escenarios, pero debutantes en el cine. Hytner critica el elitismo de las universidades y colegios británicos y los efectos de la selección universitaria excluyente. Asímismo, es de elogiar en estos tiempos que corren su reivindicación del valor de la lectura, con una escena muy lograda de intercambio entre profesor y alumno, donde sobresalen los trabajos de Richard Griffiths y Samuel Barnett. No obstante, se nota en exceso el origen teatral del film, con escenas que no fluyen con naturalidad, sino que están concebidas para el lucimiento actoral. La homosexualidad de fondo que recorre a tres generaciones -un alumno que dice tener esa inclinación, más otro provocador que está dispuesto a "jugar", junto a un profesor mayor que toquetea a los chicos, y el recién llegado, que intenta disimular-, se diría que tiene una presencia dominante poco creíble por excesiva, hasta el punto de que otros leves apuntes heterosexuales parecen introducidos en un vano intento de lograr cierto equilibrio en la exposición. Pero llama más la atención aún la ausencia de amor en los personajes -sólo el empeño educativo de Hector parece desinteresado, con matices-, casi siempre movidos sólo por el deseo de satisfacer sus egoístas inclinaciones.

... Cuchillo de palo. Lo dice el refrán y a Alex Hitchens –más conocido como Hitch– le hubiera venido bien aplicarse el cuento. Él es un experto en hacer que salte la chispa entre dos extraños y por eso es conocido como “Doctor Love”, pero no es que juegue sucio exactamente: él sólo prepara el terreno, lo hace propicio y lo demás viene si ha de venir. Sin embargo, Hitch sabe por experiencia que Cupido se abre camino con facilidad asombrosa cuando las circunstancias son adecuadas. Ahora, Albert, un patoso contable, rechoncho y sin gracia, le ha pedido ayuda para enamorar nada menos que a Allegra Cole, una multimillonaria y guapísima mujer que es toda una celebridad, y que, además de ser inalcanzable, tiene a todos los hombres a sus pies... Y en esas estamos cuando –y aquí está el quid de la cuestión– el propio Hitch se enamora de Sara Melas, una periodista inteligente y atractiva que conoce en un bar. El doctor Love hará cuanto esté en su mano para retener a esa mujer, pero la cosa no va a ser fácil... Divertida comedia romántica, basada en el atractivo interpretativo del cuarteto principal, y en especial en un Will Smith –también productor de la película– que por mucho que haga productos de acción sigue sintiéndose como pez en el agua cuando da campo libre a su vena gamberra. La película juega bien a dos bandas, combinando con acierto las historias de las dos parejas y ofreciendo así mayor variedad a una temática por lo demás arquetípica. Andy Tennant (Ana y el rey, Sweet Home Alabama) tiene oficio en estas lides y sabe hacer que la película agarre, gracias a escenas bien diseñadas, con diálogos ocurrentes y "gags" bastante divertidos, a menudo muy próximos al "slapstick" del cine mudo.

Londres, 1937. A sus sesenta y nueve años, Laura Henderson se ha quedado viuda y ahora no sabe qué hacer con su vitalidad, porque ella es todo menos una aburrida aristócrata inglesa. Aconsejada por su simpática amiga Lady Conway (breve pero delicioso papel) decide dedicarse en cuerpo y alma a algún hobby, aunque no acierta a encontrar cuál… hasta que decide comprar un viejo teatro del Soho llamado Windmill. Luego ofrece a un profesional llamado Vivian Van Damm la dirección del teatro, pues ella desconoce completamente el funcionamiento del negocio. Para lograr el éxito Van Damm acuerda que se hagan funciones continuas, una completa novedad en Londres, pero tras el éxito de los primeros meses la idea es copiada por los demás locales. Entonces la Sra. Henderson propone algo insólito: sacar a chicas desnudas en el escenario. Habrá que eludir la censura del gobierno, pero eso no es demasiado problema teniendo en cuenta los contactos de Henderson. Así, logra que se les permita la “indecencia” únicamente si las chicas están inmóviles durante las sesiones, como si fueran estatuas o pinturas… La película viene precedida por la fama de la veterana Judi Dench, nominada al Oscar a la mejor actriz gracias a su personaje de Mrs. Henderson. Efectivamente, ella –y su rivalidad laboral con Bob Hoskins– es con mucho lo mejor de este film, que no pasa de ser una fruslería graciosa y picante. Bajo la apariencia de una película de época, sorprende el reiterado desparpajo al mostrar los desnudos, totalmente anacrónicos para la fecha y, en general, lo frívolo del guión. El aire ligero del conjunto se confirma con la artificiosidad de los decorados exteriores, especialmente llamativos en las tomas de la azotea. Los diálogos son a menudo chispeantes y resulta muy lograda la entrevista tête à tête entre la protagonista y el Lord Chamberlain, con escabrosos y divertidos juegos de palabras de doble sentido muy a lo “british”.

Animación digital que parodia las películas de la Segunda Guerra Mundial. Las fuerzas aliadas dependen de las valerosas palomas mensajeras de la R.A.F., que llevan mensajes vitales sobre los movimientos enemigos, aunque los halcones del Tercer Reich hacen estragos entre sus filas. El pequeño pichón de campo Valiant acude a alistarse a Londres, donde se hará amigo del desaliñado vagabundo Bugsy. Estamos ante la primera producción británica de animación 3D que ha triunfado a nivel internacional, lo que se explica por el encanto de los personajes, sobre todo los dos ratones. La animación, sin llegar al nivel de las superproducciones del género es apañada, y los divertidos gags homenajean con chispa e ingenio a los clásicos del cine bélico, sobre todo La batalla de Inglaterra, protagonizada por Michael Caine en 1969. Aunque se echa de menos un poco más de hondura en el argumento, se trata de un digno entretenimiento familiar.

Un tren que viaja desde Austria a Roma es el punto de unión de tres cineastas tan consolidados como personales: Abbas Kiarostami (El sabor de las cerezas), Ken Loach (El viento que agita la cebada) y Ermanno Olmi (El árbol de los zuecos). En este viaje argumental y cinematográfico se dan cita personajes tan diversos como un profesor que sueña con un amor que nunca fue, una familia de refugiados albaneses, tres fanáticos del fútbol escocés o una viuda. Las interacciones entre estas personas dan lugar a una serie de sentimientos y confrontaciones que hacen que esta película por episodios, a pesar de no ser una obra maestra, resulte profundamente interesante. 

La moda de adaptar series de éxito a la pantalla continúa, tras las versiones cinematográficas de El fugitivo, Starsky & Hutch, Los ángeles de Charlie, etc. y los próximos estrenos de Corrupción en Miami y Misión imposible 3. Desde luego, la pareja de guionistas formada por la directora Nora Ephron, autora de Algo para recordar y Tienes un e-mail, y su hermana, Delia, se ha esforzado por darle originalidad a este remake cinematográfico de la serie Embrujada, un hito televisivo de los años 60. Resulta que un famoso actor, Jack Wyattt, no atraviesa su mejor momento y necesita urgentemente un éxito para volver a la cúspide. Por esta razón, está preparando la versión moderna de la famosa serie, y acaba contratando como protagonista sin saberlo a una bruja de verdad. Se trata de Isabel, una bruja moderna cansada de hacerse la vida fácil a base de conjuros. Jack conoce accidentalmente a Isabel y se queda fascinado por su nariz, que recuerda a la de Elizabeth Montgomery, protagonista de la serie original. Decide contratarla, puesto que se trata de una absoluta desconocida, y de esta forma no tiene posibilidades de hacerle sombra en la pantalla. Rodar Embrujada sin Elizabeth Montgomery, fallecida en 1995, era quizá el mayor riesgo de este proyecto. Pero la directora sortea el obstáculo ‘a lo grande’ contratando a Nicole Kidman, actriz de tanta calidad que compone un personaje memorable, lleno de matices. Su bruja es muy humana, amable, algo ingenua, con remordimientos por usar su magia de forma egoísta. A la actriz le secunda Will Ferrell, uno de los cómicos más prestigiosos del momento, tras su hilarante trabajo con Woody Allen en Melinda y Melinda. El reparto lo completan los veteranos Michael Caine y Shirley McLaine. Nora Ephron les convenció asegurando que su film sería un homenaje a la serie, y no la imitaría milimétricamente. A pesar del aire de modernidad, se mantiene la esencia de la comicidad del original: la guerra de sexos, y la lucha de poder en una pareja. Los protagonistas discuten y se pelean mucho, y a pesar de que Kidman y Ferrell forman una de las parejas menos convencionales que hayan pasado por la pantalla en los últimos años (junto a Julia Roberts y Woody Allen en Todos dicen I Love You), los actores dan cierta magia a su supuesta relación. Incluye también algún toque de crítica a Hollywood, que olvida a sus actores fracasados, y al afán de estos últimos por acaparar planos en las producciones en que intervienen.

Georgia Byrd siempre tuvo la ilusión de convertirse en reputada cocinera, pero se quedó en dependienta del departamento de vajillas, en unos grandes almacenes. Eso sí, es capaz de manejar los cuchillos y artículos de cocina que vende, con la elegancia de los más prestigiosos chefs. Cuando por un error, un médico le diagnostica un tumor cerebral, decide tomarse sus últimas vacaciones ‘a lo grande’, en un hotel de la República Checa, donde trabaja el chef al que más admira. La carismática Queen Latifah, que triunfó como secundaria de Chicago, protagoniza esta convencional comedia dirigida por Wayne Wang, realizador de Smoke y Blue in the Face. Asumidamente sencilla, apuesta por la capacidad de superación del ser humano.

Es habitual que el británico Ken Loach borde los retratos de la clase obrera británica que le rodea (Riff-Raff, Lloviendo piedras) y suene un poco a falso cuando se aventura en temas que le son ajenos (La canción de Carla, Pan y rosas). En esta ocasión se queda a medio camino al describir el romance entre Roisin, una profesora de música escocesa, y el hermano de una de sus alumnas, el paquistaní Casim. Se trata de un joven apasionado de la música, que ha estudiado contabilidad y cuyos padres han arreglado su boda con su prima Jasmine. Los temas centrales del guión (la inmigración, el choque generacional, la intolerancia, la diferencia de culturas y el amor interracial) resultan de rabiosa actualidad, aunque son los típicos de las películas sobre familias de inmigrantes, quizá mejor tratados en Oriente es Oriente y Quiero ser como Beckham. Pero Loach sabe abordarlos con una puesta en escena sencilla, y actores desconocidos pero creíbles. Además, sabe comprender el punto de vista de los personajes que apuestan por la tradición del matrimonio concertado, aunque el film defienda que el personaje siga el instinto de su corazón. Resulta de todos modos curioso que, en el buscado equilibrio por dibujar ambas partes, se trate con más respeto el islam que el cristianismo.

En la Inglaterra del siglo XVII las mujeres tenían prohibido actuar en el teatro. El actor Ned Kynaston goza de enorme popularidad por interpretar papeles femeninos. Hasta que el rey Carlos II, aburrido de ver siempre los mismos actores en los mismos papeles, permite que las actrices actúen, y prohíbe que los hombres hagan papeles femeninos. Así, Ned cae en desgracia, mientras la joven Maria sube como la espuma. Aunque falta elegancia y sutilidad a los diálogos y a algunas secuencias, la situación histórica que narra es interesante, la reconstrucción de la época está lograda y cuenta con magníficos intérpretes.

Argentina, en los años de la dictadura. Una atmófera extraña reina en el país, y todo individuo sospechoso políticamente de ‘revoltoso’ sufre fácilmente las consecuencias: son los tristemente célebres ‘desaparecidos’, secuestrados por grupos paramilitares de los que oficialmente el gobierno no sabe nada. Cecilia (Emma Thompson), una periodista que viene denunciando la situación, acaba ella misma desaparecida. Su marido Carlos (Antonio Banderas), director de un grupo de teatro infantil, y su hija Teresa (Leticia Dolera), emprenden una búsqueda frenética, en la que utilizan todos los medios a su alcance, incluido un inesperado don de clarividencia de Carlos. En efecto, a Carlos le basta tocar al familiar de un desaparecido, para tener visiones acerca de dónde está esa persona. Mezclar la horrible angustia que atenaza a una serie de personajes, aquejados de unos hechos que desgraciadamente son historia, con unos misteriosos poderes paranormales, viene a ser como mezclar agua y aceite: resulta complicado que el cóctel funcione. A Christopher Hampton, el guionista de Las amistades peligrosas, hay que reconocerle al menos el mérito de intentarlo. Y, desde luego, el reparto con que cuenta es de primera magnitud; además, nos devuelve al ruedo a una Emma Thompson que andaba también algo ‘desaparecida’ de las pantallas cinematográficas.

Singular largometraje documental producido por BBC, inspirado por una serie de gran éxito de la propia cadena. Cinco años se han pasado los directores buscando los lugares donde el fondo del mar fuera más impactante, dispuestos a rodar imágenes que hicieran babear al mismísimo capitán Nemo o al comandante Cousteau. Este arduo trabajo les ha llevado por Estados Unidos, Suráfrica, Las Bahamas y Japón, entre otros lugares, descendiendo a profundidades de hasta cuatro mil metros. Allí, han filmado todo tipo de criaturas, de todos los tamaños y colores: delfines, tiburones, ballenas, cangrejos ,entre los que no resultaría extraño que apareciera por fin el pececito Nemo. Por lo visto, algunas especies que aparecen en el documental nunca habían salido en la pantalla. Los veinte equipos diferentes de filmación llegaron a reunir unas 7.000 horas de filmación, de las cuales han quedado 90 minutos de pelicula que condensa lo más interesante. Destaca especialmente la sugerente y relajante banda sonora del compositor George Fenton. “Llevamos al espectador a un mundo nunca visto, donde creo sinceramente que se encuentra la última frontera de nuestro planeta”, explica el codirector Alastair Fothergill.

Liam está a punto de cumplir dieciséis añitos. Y la vida no le trata demasiado bien. Su madre está a punto de salir de la cárcel. El novio de ella es un patán, y su abuelo un tipo mezquino. Pero Liam, adolescente, sueña con una vida mejor: reunirse con su madre y su hermana, comprar una casa-roulotte, y ser felices, simplemente felices… El problema es, claro, la pasta, y el camino que Liam escoge para conseguirla consiste en vender droga. El británico Ken Loach, que logró sus mejores resultados en la emotiva Lloviendo piedras, sigue con su cine rabiosamente social y pesimista. Con más verdad que en sus filmes más recientes, contrapone las pocas ideas nobles que aún le quedan a Liam con la dura realidad que le ofrece una sociedad egoísta e insolidaria. El desconocido Martin Compston compone con pasmosa naturalidad al adolescente perplejo que desea, ante todo, complacer a una madre que tiene idealizada.

“Sweet home Alabama, where skys are so blue (dulce hogar Alabama, donde el cielo es tan azul)”, decía la famosa canción de Lynyrd Skynyrd que da título a esta comedia romántica. Aunque algunos recuerdan su tierra con tanto cariño, siempre hay quien se avergüenza de sus raíces. Es el caso de Melanie, que al convertirse en diseñadora de moda en Nueva York, cree que la mirarán mal por proceder de un pueblo pequeño. También piensa que perderá puntos con su prometido, un auténtico soltero de oro forrado de billetes. Pero para contraer matrimonio con él, antes debe pedirle el divorcio a su marido, un rústico sureño que se resiste a perderla. La nueva comedia de Andy Tennant (Ana y el rey) se convirtió en un éxito sorpresa en Estados Unidos. Entre otras razones, esto se puede explicar quizás porque todos hemos conocido alguien que vuelve a casa después de algún tiempo y se cree superior a los demás, pero poco a poco se da cuenta de que no se puede renunciar a lo que uno es. La joven Reese Witherspoon sigue demostrando que no escoge cualquier papel, mientras que la veterana Candice Bergen,  parece dispuesta a regresar al cine, pues recientemente también la vimos en Miss Agente Especial.

Ken Loach sigue dando vueltas a los problemas sociales de la Gran Bretaña. En esta ocasión sus protagonistas son un grupo de operarios, especializados en subsanar problemas en los raíles del ferrocarril. Les tocará enfrentarse con el despido y el empleo temporal. El director sigue reinventándose a sí mismo; lo más impactante es sin duda el muy deprimente final de la cinta.

Joe ha conseguido, gracias a la ayuda de Alcohólicos Anónimos, superar su problema con la bebida. Está en el paro, pero gracias a pequeñas chapuzas que salen de tanto en cuando, sobrevive. Su vida es sencilla, pero alegre. Dedica algunos esfuerzos a entrenar a un penoso equipo de fútbol, al que ayuda no sólo con el deporte, sino en sus dificultades personales. La llegada de una abnegada asistencia social le hace descubrir el amor. Lo malo es una red mafiosa que domina el barrio, y en la que se ve enredado sin quererlo. El británico Ken Loach continúa su cine social, que ha producido títulos como Lloviendo piedras o Ladybird, Ladybird. El resultado, dentro de su marcado pesimismo, tiene una gran intensidad, y recibió premios en Cannes (al mejor actor, Peter Mullan) y en Valladolid (mejor película).

Maya y Rosa son dos hermanas mexicanas. Trabajan como limpiadoras en un edificio de oficinas, en condiciones infrahumanas. Cuando conocen a Sam, un activista sindical, su vida pega un giro. Empiezan a organizar a sus compañeras y batallan por sus derechos con orgullo. Ken Loach pone un “ladrillito” más en su filmografía de cine social. La peli conjuga la proposición de una historia humana, con personajes de carne y hueso, con la invitación a la reflexión. El director pinta un cuadro algo oscuro al hablar de lo que se encuentra un hispanoamericano que llega a Estados Unidos soñando con un mundo mejor: una situación “sin papeles”, la prostitución, el racismo, la amenaza y el miedo, las mafias, la extorsión... Nos gustaría que Loach fuera algo más optimista, pero lo que dice es parte de lo que hay.

Russ Richards es un patético hombre del tiempo que trabaja en una televisión Pennsylvania. Derrocha todo lo que gana y lo que le queda lo pierde en un cutre negocio de motos de nieve. Desesperado, decide buscar suerte en un lugar seguro y decide amañar el sorteo de lotería estatal poniéndose de acuerdo con la chica de la tele encargada de sacar las bolas. John Travolta y Lisa Kudrow forman una formidable pareja cómica, capaz de sacar adelante un guión convencional, dirigido con oficio por Nora Ephron.

Quizá más de uno se sonrojaría al confesar ante sus amigos que le gusta el ballet. ¡Pues no señor, no señora, el ballet es hermoso, y no hay que avergonzarse de decirlo! Lo demuestra esta peli en que un grupo de jóvenes deben superar mil y un obstáculos para formarse en la Compañía Americana de ballet. Nicholas Hytner (La locura del Rey Jorge, El crisol) sigue la estela de films como Fama, o de la aclamada Billy Elliot (Quiero bailar), para contarnos una historia de superación ante las dificultades. El reparto juvenil lo componen rostros desconocidos, pero no hay que asustarse: lo hace más que bien, en una historia la mar de entretenida.

Phil Joanou (El clan de los irlandeses) escribe y dirige esta comedia dramática que cuenta entre los productores con Robert De Niro. Jake Walsh, un realizador de vídeos musicales, recibe la oferta de hacer un largometraje para Hollywood. Genial, ¿no? Sin embargo, los problemas de rodaje, los potentados del "star system" y el amor por una mujer llevarán su vida a un desorden descomunal. El variado reparto cuenta con la colaboración de Bono, líder del grupo U2.

Finales del siglo XIX. El rey de Siam contrata a la institutriz británica Anna Leonowens para que eduque a sus 58 (sí, has leído bien, 58) hijos. Ella es una joven viuda, que tiene un chaval. El primer encuentro entre el rey y Anna no es muy afortunado. Ella no tiene pelos en la lengua y no hace las reverencias propias de la corte. Las costumbres orientales chocan una tras otra con la moral victoriana que ella ha aprendido en Inglaterra. Pero ambos aprenden el uno del otro, y así se enriquecen mutuamente. Historia basada en hechos reales, con el sabor de los films de aventuras en paisajes exóticos. La auténtica Anna escribió unos diarios sobre su experiencia tailandesa, que inspiraron una novela y tres películas previas, de John Cromwell y Walter Lang (ésta con Yul Brynner y Deborah Kerr), más una animada. Andy Tennant moderniza la historia como hizo en Por siempre jamás con La Cenicienta. Y logra un atractivo contraste entre los protagonistas: ella trae conocimiento, pero aprende algo de ‘política real’; y él irá modernizando su país, pero como bien dice, “no se puede arar Siam en una noche”. ¡Atentos a la escena de la ejecución, de lo más logrado del film, y muy esclarecedora! Estupenda la pareja protagonista, tanto Jodie Foster como Chow Yun-Fat. Éste se aleja de los papeles de acción de títulos como Asesinos de reemplazo y The Corruptor. 

Años 30. Archie Búho Gris espera en su camerino el comienzo de una función-conferencia; este indio es uno los principales activistas ecologistas que hay sobre la faz de la tierra. Un periodista se le acerca, asegurando que lo sabe todo sobre él. Comienza entonces, remontándose al pasado, el relato de la apasionante vida de Búho Gris. Un tipo solitario, trampero y cazador, que vivía en medio de un enorme bosque, en las montañas del Norte de Ontario. Un día cambia su vida al conocer a Anahareo en el pueblo donde suele comprar provisiones para el invierno. Ella es de origen indio, pero su padre renegó de sus ancestros para occidentalizarse. Ahora Anahareo quiere rastrear en las tradiciones de los indios, y piensa que nadie mejor que Búho Gris para guiarle en su personal búsqueda. Aunque al principio Búho Gris marca las distancias –se muestra arisco y nunca cuenta nada personal–, pronto nace una atracción mutua. Richard Attenborough es un auténtico especialista en retratar la vida de personajes reales: Winston Churchill (El joven Winston), Ghandi (Gandhi), Charles Chaplin (Chaplin), los escritores C.S. Lewis (Tierras de penumbra) y Ernest Hemingway (En el amor y en la guerra)... Aquí se inspira en un personaje menos conocido pero no menos real que ellos. Y con la ayuda de su guionista habitual, William Nicholson, procura trazar los rasgos más importantes de Búho Gris. El mayor mérito del guión es conjugar la vida personal del protagonista, su historia romántica, con un atractivo mensaje de defensa de la naturaleza. Mientras buceamos en los secretos de Búho Gris, contemplamos cómo la gente empieza a darse cuenta de que es necesario preservar el medio ambiente a toda costa.

George, un profesor gay, rompe con su pareja. Desconsolado, decide compartir apartamento provisionalmente con Nina, una joven que pese a tener novio, comienza a enamorarse de él. Las cosas se irán complicando estableciéndose todo tipo de posibles relaciones cruzadas. Nicholas Hytner había dejado muy buen sabor de boca con La locura del Rey Jorge y El crisol. Aquí se enreda un pelín al probar fortuna en un nuevo registro, el de comedia. Esta historia de protagonista homosexual sigue la moda hollywoodiense de títulos como In & Out, que presentan simpáticos personajes gays, en situaciones ordinarias, con idea de darles carta de naturaleza. Aunque los actores principales –Jennifer Aniston, en alza, y Paul Rudd– cumplen con sus papeles, casi interesan más los personajes secundarios –Alan Alda como una divertida caricatura del burgués, Nigel Hawthorne encarnando a un crítico teatral homosexual–, bien perfilados.

Los hermanos Perrault, autores de una de las versiones del cuento La cenicienta, son convocados por una dama, que les va a explicar quién era la dueña de cierto zapatito que... ¿Un film más sobre el viejo relato? Sí... y no. Se trata de una versión muy femenina, donde tiene gran fuerza la historia romántica. Por otro lado se le da un aire más realista, dejando de lado hechizos mágicos y hadas madrinas; permanecen, eso sí, el príncipe enamorado, y las egoístas madrastra (gran villana de Anjelica Huston) y hermanastras. La película muestra a una Cenicienta llamada Danielle, fuerte y con personalidad, culta, cuyo libro de cabecera es Utopía de Santo Tomás Moro. Esta visión feminista la capta al vuelo Drew Barrymore, estupenda protagonista. Andy Tennant, director de la muy estimable Sólo los tontos se enamoran, sabe quedarse en el punto justo para no caer en lo grotesco: de modo que cuida también los personajes masculinos: el príncipe, que tiene inquietudes y cierta personalidad, pero que necesita un guía; y Leonardo Da Vinci, un preceptor que ya quisiéramos haber tenido algunos. La ambientación medieval es para caerse de espaldas.

Nueva York. Joe y Kathleen conviven con sus respectivos novios. Pero no están satisfechos. En cuanto aquéllos salen de casa, enchufan sus ordenadores via Internet, y mantienen una peculiar relación, cada uno bajo un seudónimo personal. Se cuentan preocupaciones, gustos, aficiones... ¿Estarán hechos el uno para el otro? Quién sabe. Pero mientras este amor incipiente gana intensidad, los dos se encuentran por casualidad en el mundo real. Y con bastante mala fortuna. Pues Kathleen regenta "The Shop Around the Corner" (guiño a la película de Ernst Lubitsch), tienda especializada en libros infantiles; y Joe es propietario de una enorme cadena de librerías, extendidas a lo largo y ancho de los Estados Unidos, que planea abrir una nueva justo enfrente del local de Kathleen. Comedia romántica a tope, género del que la directora Nora Ephron es especialista. Ephron juega con el hecho de que los protagonistas –deliciosos Meg Ryan y Tom Hanks– ignoran que el hombre o la mujer que odian es, a la vez, ése que tan bien les cae en sus charlas por Internet. Amor y situaciones divertidas se conjugan perfectamente. A la vez, se invita a pensar en lo impersonales que se han vuelto las relaciones en el mundo actual, razón por la que alguna gente se refugia en las animadas charlas de Internet. Otra idea presente es que las grandes empresas, con muchos dólares y poca personalidad, están echando fuera del campo al pequeño empresario amante de su negocio y de cuidar al cliente de modo personalizado.

Judith está desolada. Su marido, prestigioso médico, la ha dejado por una mujer más joven. Sola, tiene una gran nostalgia del amor. El encuentro con un tipo es más una fantasía que otra cosa, pero le sirve para iniciar una singular amistad con el conserje y ascensorista de su lujosa vivienda en la Quinta Avenida neoyorquina. Agradable película romántica, con historia de amor ¿imposible? entre Holly Hunter y Danny DeVito. Supone el debut en la dirección de Richard LaGravenese, guionista de tramas amorosas como Los puentes de Madison o El hombre que susurraba a los caballos.

El film se basa en un personaje real: Verónica Franco, una cortesana que al ver rechazadas sus pretensiones matrimoniales por su humilde condición social, despliega toda su capacidad de seducción para llegar hasta lo más alto. Entre los intérpretes, Catherine McCormack (la esposa de Mel Gibson en Braveheart) y el secundario en alza Oliver Platt.

La escritora Valerie Martin reimaginó la inmortal historia de "El doctor Jekyll y mister Hyde" desde el punto de vista de su doncella, Mary Reilly. Stephen Frears la traslada a la pantalla con un colaborador habitual, Christopher Hampton. Y lo cierto es que la cosa no acaba de funcionar. Sobre todo por que se pierde la inconfundible nitidez moral de la obra de Robert Louis Stevenson, la distinción entre el bien y el mal, con la exploración de los abismos de degradación en que puede caer uno si se decanta por lo segundo. Así, la cosa queda en puro ejercicio de estilo, con dos buenos actores, John Malkovich y Julia Roberts, a los que les falta algo llamado "personaje", que poder llevarse con gusto a la boca. La atracción que siente Mary, sencillamente, es incomprensible.

Adaptación de la obra teatral Las brujas de Salem, del reputado novelista y dramaturgo Arthur Miller, que escribió el guión para su adaptación al cine. En un principio la novela fue una gran metáfora de la llamada Caza de Brujas del senador McCarthy, consistente en la búsqueda de enemigos de Estados Unidos entre los escritores y cineastas del país. Basada en un hecho real acaecido en Massachusetts en el siglo XVII, describe una venganza amorosa que provoca un juicio por brujería. En un pequeño pueblo de Massachussetts falsas acusaciones de brujería recaen sobre inocentes víctimas, debido a que un grupo de chicas miente. La líder del grupo ha sido abandonada por su amante y pretende no parar ante nada ni ante nadie para recuperarlo. A pesar de algún exceso, la dirección y las interpretaciones poseen un fuerte vigor narrativo y su mayor mérito consiste en que enfrentan con hondura superstición y religiosidad. El dibujo de la época se tiñe de oscurantismo, y resulta sobrecogedor. El principal mérito recae en la pareja protagonista, formada por la joven Winona Ryder (Eduardo Manostijeras, La edad de la inocencia) y el camaleónico Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores de la década de los 90, como demostró en títulos como Una habitación con vistas, Mi pie izquierdo o En el nombre del padre.

La película recrea un episodio de la vida del mítico escritor Ernest Hemingway. Tras alistarse como voluntario para luchar en la Primera Guerra Mundial, el joven Hemingway (Chris O'Donnell) resulta gravemente herido al combatir en el frente de batalla italiano. El joven será trasladado a un hospital y allí será atendido por la dulce y bella enfermera Agnes Von Kurowsky (Sandra Bullock). Un amor poderoso e intensísimo surgirá entre ellos dos. Sin embargo, la guerra y la distancia separarán a los dos amantes... Chris O'Donnell (Esencia de mujer, El soltero) da muestras de sus cualidades como galán y la fantástica Sandra Bullock (Speed, Mientras dormías) pocas veces ha estado tan inocentemente soñadora. El inglés Richard Attenborough (Gandhi, Tierras de penumbra) rueda con pulcritud este melodrama de altos vuelos, cuya emotividad se realza por la bella música de George Fenton.

¿Quién ante el exceso de trabajo y de obligaciones no ha deseado alguna vez multiplicarse? Eso es justamente lo que anhela Doug Kinney (Michael Keaton), que vive al borde de un ataque de nervios. Un trabajo estresante y una fantástica mujer (Andie MacDowell), pero demasiado absorbente, no le dejan un minuto para poder disfrutar de la vida. Pero un día se le aparece la solución en forma del Dr. Owen, un científico experto en genética. Doug decide entonces crear un doble suyo de carne y hueso. Pero los problemas se multiplicarán cuando su doble decida también visitar al doctor Owen... Entretenidísima comedia que explora en clave de humor la posibilidad de crear en el futuro clones humanos. Andie Macdowell (Cuatro bodas y un funeral, Atrapado en el tiempo, El fin de la violencia) acompaña perfectamente a un Michael Keaton (Batman, De repente, un extraño) que demuestra por cuadruplicado sus cualidades de actor.

Años ochenta. George, un sencillo conductor de autobús inglés, conoce a Carla, una joven nicaragüense, cuando se cuela en su vehículo sin pagar el billete. Con naturalidad entablan una relación primero de amistad y luego amorosa. Pronto a la cautela de Carla por ocultar su pasado, George detecta mucho dolor: la huida de su país oculta algún secreto que debe ayudar a afrontar. De modo que ambos viajan a la Nicaragua sandinista. Y George descubre los horrores de la guerra: atentados y ataques sorpresa de la contra, implicación de la CIA que alimenta el conflicto por turbios intereses... El lado positivo de su experiencia lo deslinda el trato con los campesinos, gentes sencillas y solidarias, y las campañas de alfabetización promovidas por el sandinismo. Ken Loach es un cineasta político. Todas sus películas tratan temas sociales conflictivos que reflejan, de modo inequívoco, su ideología de izquierda. El director posee un particular talento para narrar crónicas a las que confiere verismo gracias a un tono documental que se ha convertido en su marca de fábrica. Pero Loach, que repite en La canción de Carla el esquema y estilo que tan buenos resultados le han procurado, se equivoca esta vez. La historia amorosa se revela como una excusa demasiado débil para introducir el tema político. Pese a ello el virtuosismo de Loach hace que el film resista hasta que la acción se traslada a Nicaragua. Allí su toma de partido se hace demasiado evidente; le falta sutileza, huele a panfleto. Comentarios como el del sandinista Tomás Borge, antiguo ministro del interior, que afirma que la película “está muy explícitamente alineada al lado de la revolución, diría que demasiado inclinada del lado sandinista” deberían hacer pensar a Loach que no basta con expresar las propias ideas; hay que hacer un esfuerzo, sobre todo, por acercarse a la verdad.

Dave Robicheaux (Alec Baldwin) es un antiguo detective de policía, que tuvo que abandonar su profesión debido a sus graves problemas con el alcohol. Gracias al amor de su mujer, ha conseguido cambiar de vida en la apacible Louisiana. Un día en el que la pareja pasa una agradable jornada en el campo, contemplan cómo se estrella un avión a poca distancia. Ambos corren hacia el lugar del siniestro, y consiguen rescatar a una niña, de la que se hacen cargo. Todo se complica cuando la posterior investigación del FBI trata de ocultar la existencia de un cuerpo, que Dave declaró haber visto. De esta manera, se ve involucrado en una oscura conspiración, lo que despierta en él su instinto de detective. Comienza una investigación por su cuenta, que le llevará a enfrentarse a un traficante de drogas sin escrúpulos. Emocionante thriller que narra el lado oscuro y la redención de un intrépido detective. Mantiene la tensión en todo momento, y contiene los principales elementos del género.

Historia de amor, amistad y heroísmo utópico en el seno de una sección de las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil española. El más brillante filme sobre la guerra civil, a pesar de estar dirigida por un británico. La realización y las interpretaciones son buenas, y transmiten sensación de sinceridad. Además, la visión de Ken Loach resulta bastante crítica e inteligente, a pesar de su habitual militancia política, que no le impide dar una visión cuanto menos interesante del conflicto.

Es sabido que Ken Loach parte habitualmente en sus películas de situaciones límite. Pero quizá nunca había presentado un conflicto dramático tan desgarrador como el de Ladybird, Ladybird. La fuerza de la historia aumenta cuando, al inicio del film, se dice que está basado en un hecho real. Maggie (Crissy Rock) es una mujer inestable, madre de cuatro hijos de distinto padre. Debido a una negligencia en su domicilio, los cuatro están a punto de perecer en un incendio. La Asistencia Social une este incidente a otros puntos negativos del pasado de Maggie, y decide retirarle la custodia de los hijos. A partir de aquí se produce el hundimiento moral de la protagonista, levantado parcialmente por Jorge (Vladimir Vega), un refugiado paraguayo que podría ser el amor de su vida. El director cuenta con un guión muy bien bosquejado por Rona Munro, cuyo principal mérito es lograr que te interesen los personajes. Cómo se conocen Maggie y Jorge, el discurrir de su relación amorosa entrelazado con el descubrimiento de la tragedia de ella, está magníficamente narrado. Loach continúa con su característico estilo de cine documental ‑tipo de fotografía, actores no profesionales‑ que logra imprimir el apetecido aspecto realista y profundamente duro del relato. También sigue Loach ‑¡cómo no!‑ con esa particular guerra que parece librar con el aparato del Estado británico. En esta ocasión el centro de sus iras es la Asistencia Social, de la que hace un cuadro en el que faltan las luces ‑sólo hay sombras‑, y que carece por tanto de auténtica perspectiva. Los funcionarios se convierten así en autómatas sin sentimientos, capaces de arrebatar un hijo a Maggie al poco de haberlo dado a luz. Plantea el film, de todos modos, una interesante cuestión. ¿A partir de dónde puede establecerse la incapacidad de unos progenitores para educar a sus hijos, de modo que se haga necesaria la intervención del Estado para buscar unos nuevos padres? Tan claro como el amor de Maggie por sus hijos, lo son su incapacidad de escuchar, su agresividad. En definitiva no es la madre ideal, no alcanza el aprobado. Pero quizá su caso no sea tan diferente al de muchas personas que no atienden a sus hijos del modo debido. Tienen evidentes descuidos, culpables sin duda, pero unidos a un vago deseo de querer lo mejor para sus hijos. Lo que no saben es cómo convertirlo en realidad. Arbitrar medios para ayudarles en su tarea educativa ha de ser tarea primordial, antes de recurrir a lo que ha de ser la última opción: la separación de padres e hijos, y la consiguiente tutela estatal.

Rachel es una mujer de Florida, casada con un hombre borracho y violento. Su matrimonio hace aguas. Un día rachel mata a su marido en defecsa propia. Kyle, un detective de policía se enamora de ella y ambos planean ocultar el cadáver. Sin embargo, el compañero de Kyle irá investigando por su cuenta. Thriller policiaco con vena romántica y el toque necesario de intriga para enganchar al espectador. La trama no es nada del otro mundo, pero el sólido reparto sostiene la película.

Sensible acercamiento a la figura del escritor británico C.S. Lewis, célebre por su obra apologética del cristianismo, y por su saga infantil "Las crónicas de Narnia". El film se basa en la pieza teatral de William Nicholson, inspirada a su vez por la obra de Lewis "Una pena en observación", transformada en guión cinematográfico por él mismo. En él se nos muestra a Lewis, o Jack, como le llaman sus amigos, como una figura pública bien asentada, prestigioso escritor y profesor universitario en Oxford, que vive una vida cómoda y ordenada con su hermano Warnie, según el "estuche" que él mismo se ha fabricado cuidadosamente. Un día recibe una carta de Joy Gresham, una escritora estadounidense admiradora de su obra que desea conocerle con su hijo. Creyendo que se tratará de un encuentro más, Lewis pronto queda fascinado por Joy, y nacerá algo llamado amor. Pero junto al amor llegará el dolor del que tanto ha hablado teóricamente en conferencias -"El dolor es el cincel con el que Dios habla a un mundo de sordos", suele tronar con convicción-, pues a Joy le diagnostican una enfermedad terminal. Aceptar trance tan doloroso es el desafío de Lewis, a quien como le recordará su amada, ha de tener en cuenta que "el dolor de hoy es parte de la felicidad de entonces". Richard Attenborough ha sido tachado, con cierta injusticia, de director academicista. Sea como fuere, en este su mejor film demuestra una exquisita sensibilidad al plasmar la historia en imágenes. Cuenta para ello con una trama rica en sugerencias -el estudiante que se duerme en las clases de Lewis, rival de su ingenio, que le sugiere acudir a Aristóteles para explicar que "la acción es el personaje" en las obras de ficción; el niño que desea ver el armario que conduce a Narnia en el desván de la casa de Lewis, y que, cuando llega la muerte, descubre su fondo de sólida madera...- y un espléndido reparto donde brillan, por supuesto, la pareja protagonista compuesta por Anthony Hopkins y Debra Winger.

Nueva versión fílmica de la obra teatral de Garson Kanin, remake de la que en 1950 fue llevada a la pantalla por George Cukor (Nacida ayer), que parece responder a la nostalgia por las comedias de antaño, en las que uno podía encontrar la diversión gracias a una buena historia, unos diálogos ingeniosos y unos actores a la altura. A Luis Mandoki (Gaby, una historia verdadera, Pasión sin barreras) la película le sale a medias. Billie (Melanie Griffith) vive con Harry, un ocupado hombre de negocios (John Goodman). Es guapa, pero ingenua e inculta. Después de hacer sonrojar a Harry en una fiesta de sociedad, comenzará a tomar clases para elevar su nivel cultural. Terminará enamorándose de su profesor (Don Johnson). El film mantiene un tono elegante, pero atraviesa más de un bache en la narración. Un error claro parece la elección de Don Johnson para interpretar al profesor: no resiste la comparación con William Holden en la versión de Cukor. Queda una película simpática, de denuncia a la corrupción en política y canto a la Constitución americana –y nunca mejor dicho en este caso lo segundo–, que se contempla con agrado, pero poco más.

Es el famoso Día de la marmota en Punxsutawney, una pequeña ciudad de Estados Unidos. Phil Connors (Bill Murray) es un presumido periodista encargado de las noticias meteorológicas en una cadena de televisión. Como cada año, viaja para emitir su información. La misma mañana de la festividad, Phil para el despertador y se levanta malhumorado. Como es costumbre en él, se muestra antipático con cualquiera que se cruza en su camino. Todo lo contrario que su compañera Rita (Andie MacDowell), una bella y simpática periodista a quien le falta cariño. El Día de la Marmota ha pasado y cada uno regresa a la habitación de su hotel. Pero a la mañana siguiente, Phil se da cuenta de que no ha transcurrido el tiempo. El despertador vuelve a sonar a la misma hora, la radio vuelve a decir lo mismo, etc. Aturdido, se da cuenta de que está condenado a vivir siempre en el mismo día. Una película con un planteamiento muy original, que se desarrolla con agilidad. Gracias a la eficaz interpretación de Bill Murray, y a un guión audaz, esta comedia resulta muy entretenida. Uno de los papeles más atractivos de la dulce Andie MacDowell, que se dio a conocer en 1989 con Sexo, mentiras y cintas de vídeo.

Bernie La Plante (Dustin Hoffman) es un pillo de mucho cuidado. Es de esos tipos que, como se dice, no dudaría en vender a su madre. Una noche se está lamentando de la mala suerte que le persigue en la vida, cuando de repente un avión de pasajeros se estrella ante sus ojos. Bernie, conmocionado, corre hacia el lugar del accidente con buenas intenciones por una vez en su vida. Arriesgándose al máximo, consigue salvar a los pasajeros. Cuando ve llegar a las ambulancias y a los coches de policía, huye sin ser visto entre la confusión. Aparece en escena una ambiciosa reportera llamada Gale Gayley (Geena Davis) que oye hablar del héroe desconocido y altruista, y se empeña en encontrarlo. Pero otro pillo de mucho cuidado, interpretado por Andy García, se ha percatado de la situación y pretende aprovecharse al máximo. Una divertida comedia que plantea una efectiva trama de enredo. Cuenta con un excelente equipo de protagonistas. El experto Stephen Frears impone un ritmo ágil que entretiene al espectador desde el principio. Frears se dio a conocer en su país natal, Inglaterra, con Mi hermosa lavandería (1985), escrita por el pakistaní Hanif Kureishi, en la que se da a conocer Daniel Day-Lewis. Su siguiente éxito es Las amistades peligrosas (1988). La película tiene un afán moralizante, como las mejores comedias clásicas.

El doctor Barr, un psiquiatra, atiende a una hermosa paciente, aunque de quien se enamora es de la hermana de ella, Heather, casada con un millonario, y a la que empieza a tratar por motivos estrictamente profesionales. Enseguida se enredan, pero claro, Heather no se atreve ni a plantear el divorcio, temiendo represalias del violento marido. Complejo thriller deudor de Hitchcock y de títulos de cine negro como Perdición, aunque excesivamente enrevesado y con gratuitas dosis de erotismo. Phil Joanou es un director que filma con estilo y que por razones desconocidas, no se ha prodigado mucho tras la cámara. El hombre sabe manejar la historia, dosifica la intriga, y cuenta con el trío de guapos de rigor –Richard Gere y Kim Basinger, que repetían juntos tras Atrapados sin salida, más Uma Thurman–, y con alguna que otra sorpresa. El diseño de producción es del talentoso Dean Tavoularis.

Parry (Robin Williams) es un antiguo profesor de historia medieval al que le apasionaba su profesión. Se sumergió hasta tal punto en sus conocimientos, que ahora vive en una especie de chifladura. Jack (Jeff Bridges) es una antigua estrella de la radio que sólo pensaba en sí mismo, en su dinero y en su fama. Su exagerada soberbia y arrogancia le hizo ser partícipe de un terrible incidente, que ahora le atormenta. Jack vive en la calle, desesperado y aficionado al alcohol con el fin de olvidar su pasado. Cuando conoce a Parry, le toma por un loco. Parry le cuenta que Nueva York es un mundo medieval donde campan a sus anchas los dragones, los caballeros y las doncellas. Cree que tiene una misión, de la que depende su honor, y hará todo lo que sea por cumplirla. Jack se ve cada vez más cautivado por la imaginación de Parry, y juntos emprenderán la búsqueda del Santo Grial por la ciudad de Nueva York. Una película fantástica, realizada con una imaginación desbordante por el siempre sugerente aunque algo confuso Terry Gilliam. Cuenta con una excelente pareja protagonista, que se complementan a la perfección. La historia cautiva desde el principio. El argumento es muy original y propone una acción que engancha al espectador desde el principio hasta el final. Es muy entretenida y supone una propuesta diferente.

El boeing B-17, también llamado 'Memphis Belle', fue un poderoso avión bombardero, muy relevante en la II Guerra Mundial, que protagonizó 25 misiones de combate. El mérito lo tuvieron los miembros de la tripulación que estaban al cargo, que sobrevivieron a todas las hazañas. La película de Michael Caton-Jones hace un homenaje a este boeing tan especial y cuenta entre el reparto con actores como Matthew Modine (Birdy), Tate Donovan (O.C.), Billy Zane (Titanic), o Sean Astin (El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo), entre otros. Espectaculares imágenes en un film basado en el documental de William Wyler, Memphis Belle (1944).

En los años 50 en un pueblecito del Sur de Estados Unidos, Montgomery, en Alabama, los prejuicios y las distintas clases son factores muy presentes entre la población. Entre blancos y negros hay hondas diferencias sociales, y los segundos sirven a los primeros. Es el caso de Odessa, una mujer negra, asistenta en la casa de Miriam Thompson, una mujer blanca de buena posición. Cada día Odessa toma el autobús para ir a trabajar a la casa de Miriam, pero tras un boicot de los negros en la línea, la mujer, madre de familia, tiene problemas para desplazarse. Por otro lado, y a pesar de los problemas raciales, Miriam es cordial y buena con Odessa, y entre las dos se estrecha la relación. Drama social sobre los prejuicios raciales, está desarrollado con inteligencia, evitando estereotipos ni didactismos empalagosos, y con reacciones muy creíbles. En todos los personajes hay rasgos propios de buenas personas, lo que no obsta para se den situaciones como la de la comida de Navidad, en que se habla despectivamente del boicot de los negros, mientras dos mujeres de color sirven la mesa. El director Richard Pearce que se basó en hechos reales, contó con el protagonismo de dos grandes actrices, muy contenidas en sus composiciones: Sissy Spacek (Cuando el río crece, En la habitación) y la simpática Whoopi Goldberg, en un rol muy diferente al que le dio el Oscar en Ghost.

Un joven ejecutivo llamado Max Baron (James Spader) conoce por casualidad a Nora Baker (Susan Sarandon), una camarera algo mayor que él que trabaja en una hamburguesería de segunda categoría. No tenía por qué suceder nada y sin embargo ambos quedan prendados. Max es un publicista de éxito, infeliz tras la muerte de su esposa. Nora, por el contrario, a pesar de haber perdido a su hijo, derrocha entusiasmo por la vida, lo que contrasta con el sórdido lugar en que se mueve. Nada en los dos coincide, ni la edad, ni la clase social, ni siquiera los gustos. Sólo hay algo que les puede unir: el sexo. Pese a ser una película de pocos vuelos, Susan Sarandon da muestras del por qué de su éxito: sabe congeniar la comedia y el drama como nadie. James Spader cierra también un trabajo meritorio en esta historia pasional y diferente, de alto contenido erótico. El film cuenta con una buena ambientación y fotografía, y con una música eficaz a cargo de George Fenton.

Robert de Niro y Sean Penn interpretan a dos curiosos presidiarios, que debido a una serie de circunstancias, consiguen escapar de la cárcel. El malvado alcaide que se encarga de la prisión, no dejará piedra por remover hasta dar con ellos. Ambos se refugian en una pequeña comunidad, donde se hacen pasar por sacerdotes. Ninguno tiene ni idea de la doctrina cristiana, pero poseen un divertido talento para el engaño y unas increíbles ocurrencias que les sacarán de más de un apuro. Aunque no se llevan muy bien, están obligados a entenderse si quieren conservar su vida y su recién adquirida libertad. En sus caminos se cruzará una bella mujer interpretada por Demi Moore, a la que tendrán que ayudar. Divertida comedia con momentos disparatados que provocan la risa. Cuenta una curiosa historia con mucho ritmo y sentido del humor. Dirigida por el prestigioso Neil Jordan (Juego de lágrimas, Entrevista con el vampiro). Las interpretaciones de Robert De Niro y de Sean Penn, que se entienden a la perfección, son verdaderamente muy brillantes.

Los amores, las ambiciones y las intrigas que se cocían en la aristocracia francesa antes de la Revolución, en 1789, son representativos de la sociedad de una época complicada. Una mujer inmoral, interpretada por Glenn Close, manipula con la ayuda de un libertino conde, interpretado por John Malkovich, la vida de los que le rodean. En este juego, en el que los sentimientos más sinceros son vapuleados, se ve inmersa la inocente noble interpretada por Michelle Pfeiffer.  Una magnífica adaptación de la obra de teatro homónima de Christopher Hampton, basada en la novela de Pierre Choderlos de Laclos. La reconstrucción ambiental que realiza el efectivo Stephen Frears, es muy meritoria. El guión y los diálogos están muy cuidados. La película tiene mucha fuerza, y un atractivo indudable para el espectador. Las interpretaciones de sus tres protagonistas, llenas de sutileza, son memorables. Una incursión por los recovecos de la psicología humana, a través de unos personajes frívolos que consideran los sentimientos un medio para ascender en su posición.

Buena adaptación de la novela homónima de Evelyn Waugh, autor que Charles Sturridge abordó de modo magistral en la serie televisiva Retorno a Brideshead (1981). Como en muchas obras de Waugh, estamos ante una trama ligera, que sirve para poner en solfa a las clases altas británicas de los años 20 del siglo XX, adineradas y aburridas, con estrechísimas horizontes vitales. El film sigue los pasos de lady Brenda, aburrida de su matrimonio, y que se busca un amante, John, con el que “alegrar” un poco su inane vida. Con gran sentido satírico, la amargura hace mella entre las bromas, pues básicamente vemos seres humanos que vagan sin rumbo. Kristin Scott Thomas hace una estupenda interpretación de la mujer protagonista.

Comedia de fantasmas deudora de relatos tipo "Los fantasmas de Canterville", no se cuenta desde luego entre lo mejor de la filmografía del irlandés Neil Jordan, que no acaba de dar con el tono amable que exige el relato; además, Peter O'Toole está un poquillo pasado de rosca. Cuenta la historia de un castillo irlandés transformado en hotel, con problemas de hipoteca que podrían suponer un cambio en la propiedad. Para salvar la situación, los propietarios juegan la carta de que el castillo está encantado, lo que suponen atraerá a los ignorantes turistas yanquis. Lo curioso es que unos fantasmas de verdad decidirán aposentarse en el castillo.

En los años 40, una pareja de recién casados de la alta sociedad se instala en Kenia. Pero ella se siente atraída por un cínico conde. El autor de El cartero (y Pablo Neruda) adapta una novela de James Fox (II).

Desgarradora reconstrucción de los últimos días de la vida de Biko, un importante activista negro conocido por su lucha para conseguir la igualdad de derechos entre razas en Sudáfrica. Un periodista liberal blanco, arriesgó su vida para dar a conocer al mundo la historia de Biko y consiguió fotografiar su cadáver. Tras ser condenado a arresto domiciliario, traza un plan para escapar del país. Tras la magistral Gandhi, el realizador Richard Attenborough volvió a basarse en hechos reales en este logrado filme de denuncia política. Además de Denzel Washington, destaca del reparto Kevin Kline, un actor conocido normalmente por sus papeles en comedias, pero que en esta ocasión demostró su gran valía para el drama.

Delicioso film que disfrutarán los amantes de la buena literatura. Cuenta la estrecha relación epistolar entre una ávida lectora neoyorquina (Anne Bancroft) y el librero de Londres (Anthony Hopkins) que la abastece. Está basada en la deliciosa historia escrita por Helene Hanff "84 Charing Cross Road".

Caperucita Roja, en clave terrorífica y freudiana. Rosaleen, tras ser testigo de la muerte de su hermana en las garras de un lobo, marcha a casa de su abuela. Ésta le advierte del peligro de los hombres.

Película para la televisión de John Schlesinger, a partir de un guión de Alan Bennett, inspirada de un modo muy curioso en hechos reales. Cuenta la estancia de la actriz británica Coral Browne en Moscú, en los años de la Unión Soviética, donde interpretó “Hamlet”. Allí tuvo un encuentro con el conocido espía británico Guy Burgess, que le hizo una inesperada petición: que le encargara un traje en su país de origen. Contra pronóstico, una anécdota tan leve mantiene a la perfección toda la trama, y sirve para pintar un país autoritario, un espía la mar de peculiar que ya no cree en su causa, y cierta flema británica. Para rematar lo insólito de este film, frente a Alan Bates, que encarna a Burgess, se encuentra Coral Browne haciendo de ella misma.

Cora e Ida, madre y tía de Winnie, una joven retrasada, acuden al cementerio a poner flores en la tumba del marido y padre. En el camposanto una estudiante hace un reportaje fotográfico, y un chico pinta algunos bocetos. Sensible historia de Alan Bennett, dirigida para televisión por Malcolm Mowbray, atrapa un retazo de vida, donde disfrutamos con la inocente ingenuidad de Winnie, y nos apenamos por la rudeza sin maldad con que la tratan su madre y su tía. La trama es leve, pero llega al corazón.

Historia agridulce de Alan Bennett concebida como un largo monólogo de la mujer sin importancia del título, que habla a la cámara contando su vida anodina presidida por acontecimientos cotidianos y chismorreos. La señorita Schofield, cuenta sucesos sobre su jefe como si fueran grandes acontecimientos, y cuando enferma e ingresa en un hospital, cree que es prácticamente irreemplazable en su trabajo, lo que hace ver que 'importancia' es un término más relativo de lo que parece. Gran trabajo de Patricia Routledge, que aguanta su omnipresencia en pantalla con aplomo.

Colosal superproducción, dirigida por un Richard Attenborough (Un puente lejano) en plena forma, que recrea meticulosamente la vida del mítico líder hindú, que revolucionó el mundo y logró que la India dejara de ser colonia inglesa, gracias a la llamada "resistencia pacífica". Honesto acercamiento al espíritu del hombre y a la actitud profundamente virtuosa que encarnó. Ganadora de 9 Oscar.

El señor Dodsworth, jubilado de su trabajo directivo en una fábrica, recibe la visita de una de sus antiguas empleadas, la señorita Protheroe, supuestamente interesada por su vida ahora que no trabaja, y que le pone al día acerca de la nueva situación en la empresa con el jefe que le sustituyó.Pequeña pieza de tipo teatral, con un solo escenario, el hogar del señor Dodsworth, y dos personajes. Stephen Frears dirige un guión de Alan Bennett para el programa de la BBC “Play of the Week”, y en apenas media hora perfila a los dos protagonistas: los modos de chismosa hiriente de ella, y el paulatino desmoronamiento de él, cuando constata que sus grandes aportaciones para la empresa no lo eran tanto.