John Hurt

Durante el gobierno de Tony Blair tiene lugar un encuentro en Escocia para intentar cimentar una paz duradera en Irlanda del Norte, tras años sangre y matanzas por parte del IRA y de los unionistas. Una ineludible cita familiar y un contratiempo meteorológico obligarán al carismático líder unionista, Ian Paisley, a ausentarse de las negociaciones y trasladarse en coche a un aeropuerto cercano para viajar a Belfast. El líder republicano, Martin McGuinnes, concede ese privilegio siempre y cuando él mismo le acompañe durante el trayecto El viaje inventa una ficción acerca del encuentro entre estos dos políticos antagónicos, que históricamente tuvo lugar en 2006, cuando tras el desarme del IRA y la victoria en las elecciones del Partido Democrático Unionista del Ulster, se celebró una conferencia de paz en Escocia para sentar las bases del futuro de Irlanda del Norte. Paisley fue un pastor de la Iglesia Presbiteriana del Ulster, de radicales ideas integristas (el papa de Roma era para él el “Anticristo”) e inamovible respecto a cualquier atisbo de diálogo con el Sinn Féin, brazo político del IRA. Mientras que McGuinnes, líder nacionalista irlandés, era más proclive a sellar definitivamente la paz y formar gobierno conjunto en el Ulster. Gracias al cuidado guión del norirlandés Colin Bateman nos acercamos paulatinamente a los modos de ser de los dos protagonistas, tan absolutamente opuestos. Se las apaña Bateman –con ayuda de unas magníficas interpretaciones– para que los diálogos dentro y fuera del coche atrapen considerablemente, también porque están sabiamente mezclados con silencios, chanzas, ataques y gruñidos, tiras y aflojas que hacen que la situación sea totalmente verosímil. Lo mejor del film es que no asistimos a una conversación de toma de decisiones políticas o ideológicas o a una planificación de estrategias o campañas de cualquier clase, sino a un verdadero choque de trenes, a un enfrentamiento de egos colosales, de personas reales que se han odiado con todo su ser durante décadas y entre quienes cualquier mínimo entendimiento parece cosa de fantasía. El director Nick Hamm logra así hacer comprender que muchas decisiones de repercusión mundial no dependen de grandes razonamientos, de ideas cuidadosamente pensadas, sino, en última instancia, de personas de carne y hueso, de gentes dispuestas a dar o no su brazo a torcer en pro del bien común. Por desgracia no siempre es así. Funciona además el oxigenante recurso de la cámara oculta en el coche, gracias al cual los más importantes prohombres del gobierno de Tony Blair son testigos –y elementos activos– de cuanto está sucediendo durante el viaje de los líderes. Película sencilla tanto en sus planteamientos como en su producción, El viaje es eminentemente un film de actores. La arisca composición de Timothy Spall como Paisley es especialmente llamativa, por casi inhumana, encarna a la perfección esas palabras suyas que se hicieron célebres (“never, never, never”), en relación a que jamás dialogaría con los políticos del Sinn Féin. Por su parte, Colm Meaney resulta mucho más cercano, campechano incluso, en sus intentos por acercarse al titán de hierro que tiene al lado. Y son perfectas las breves apariciones del hombre detrás del telón, un sentido John Hurt en uno de sus últimos trabajos en el cine.

Primera película rodada en inglés por el chileno Pablo Larraín, que sigue el gusto por los hechos y personajes históricos recientes mostrado en sus filmes No y Neruda, pero con estilo personalísimo, lejos de todo academicismo. Cuenta con un guión de Noah Oppenheim, hasta ahora sólo conocido por su contribución a los libretos de la saga juvenil distópica El corredor del laberinto. En el nutrido equipo de producción se encuentra Darren Aronofsky, quien dirigió a Natalie Portman en Cisne negro, el film que le dio el Oscar. Precisamente la actriz ha vuelto a ser nominada a la estatuilla dorada, además de en otros dos apartados, el del elegantísimo vestuario de época de la primera dama estadounidense Jackie Kennedy, creado por Madeline Fontaine, y el de la arriesgada y disonante partitura musical de Mica Levi, con unos chirriantes violines que contribuyen a crear el deseado “mood” triste de la película. La deconstruida narración atrapa las emociones y tristeza que embargan a Jackie tras el asesinato del presidente de los Estados Unidos, su marido John Fitzgerald Kennedy. Todo se estructura alrededor de una entrevista que la primera dama concede a un periodista, con quien desea hablar sin tapujos, aunque luego controlará lo que finalmente se publique. Alrededor, a modo de viñetas que retroceden y avanzan en el tiempo, se nos muestran los momentos del magnicidio, los preparativos fúnebres, la charla con un sacerdote, la jura del cargo de Johnson, la atención a los hijitos de la pareja presidencial, el rodaje de un documental en la Casa Blanca en que Jackie ejerce de anfitriona, mostrando al espectador los cambios que ha introducido en la decoración. Como hiciera en No, Larraín maneja materiales diversos, manejando el blanco y negro del documental y los primeros planos. Y juega hábilmente con la protagonista, excepcional Portman que se transfigura en la primera dama, como si fuera un espectro o un zombie deambulando por una residencia de la que deberá mudarse con sus hijos, con su vestido manchado de sangre, o poniendo el disco del célebre musical “Camelot”, lo que contrasta con su pose impostada a la hora de filmar el documental. El elenco de secundarios es verdaderamente notable. No transita el director por caminos fáciles y trillados, sino que arriesga creando en el espectador una sensación incómoda, que trata de asemejarse a la que se ceba en Jackie, dura, orgullosa en su personal encrucijada, rota por la pena, fumadora compulsiva mientras aguarda lo que vendrá después en su vida.

Hércules es un héroe de la mitología griega, hijo del dios Zeus y de la mortal Alcmene. Dotado una fuerza descomunal, es conocido por llevar a cabo los llamados 12 trabajos, hazañas guerreras encargadas por los dioses y que le aportaron la gloria de convertirse en el héroe más famoso. Esta leyenda es, al menos, la que repite a los cuatro vientos su sobrino Iolao, quien acompañado de su forzudo tío y de sus compañeros Tideo, Autólico, Anfiarao y Atalanta forman en realidad un sexteto de mercenarios que ofrecen su talento bélico a cambio de oro. Con un encargo de este tipo llega precisamente Ergenia, hija del rey tracio Cotis, quien le pide ayuda para defender a su pueblo de las hordas del malvado Reso. Allá irán entonces Hércules y sus amigos. Por un precio, claro. El director Brett Ratner es un especialista en películas de acción, como ha demostrado en la saga de Hora punta o en X-Men 3: La decisión final. Aquí ofrece un espectáculo apabullante al estilo actual, entretenido aunque no sea nada del otro mundo, con encuentros violentos y efectos visuales que siguen la línea “guerrera” comenzada por 300, aunque sin tanto regodeo en la sangre, más cerca del cine de aventuras que del género bélico. Basado en el cómic de Steve Moore, el guión es obra de Ryan Condal y Evan Spiliotopoulos, y ofrece, más que una puesta al día de los mitos griegos, la historia de seis compañeros de armas que vivirán momentos de heroísmo, traición, sufrimiento, amor, justicia y acción a raudales. Los guionistas echan el resto además no tanto en la trama argumental, sino en el dibujo de los personajes, en las relaciones entre ellos y en especial en la identidad del héroe. Hay osadía en convertir el mito de Hércules en realidad y despojarlo de su leyenda. Meterlo en la piel de un mercenario, un cuentista que se aprovecha de su fama, tiene mucho de escepticismo, pero con algunas dosis de humor y su valentía en la lucha, Ratner consigue hacer creíble al hombre para poder transformarlo después en héroe. Funciona eficazmente en el papel el forzudo Dwayne Johnson, al que tampoco se le pide que maneje el método Stanislavski, sino que de un golpetazo con su mazo se lleve por delante a media docenas de guerreros. Sus amigos, encarnados por actores poco conocidos, con excepción de Rufus Sewell, cumplen y no son meros comparsas en sus hazañas, mientras que John Hurt compone un sólido rey. Ridícula resulta sin embargo la inclusión de Irina Shayk en un papel de modelo florero que dura diez o quince segundos en total. Por lo demás, se agradece que no haya demasiada exageración en los efectos especiales y que la fotografía no convierta la aventura en un cómic psicodélico. La sinfónica banda sonora corre a cargo del español Fernando Velázquez, quien se consolida como uno de los más importantes compositores españoles del momento. 

  Una atípica historia de vampiros, como no puede ser de otra manera si viene firmada por uno de los reyes del cine independiente underground americano, Jim Jarmusch. Describe el reencuentro de los eternos enamorados Adam y Eva en la ciudad del primero, Detroit, ella ha decidido dejar Tánger porque sabe que su amado sigue dando vueltas a una de sus ideas recurrentes, el suicidio. Con siglos de existencia a sus espaldas, estos vampiros ya no van matando gente y chupándoles la sangre de la yugular, sino que compran material de primera calidad en hospitales, o acuden a otros proveedores humanos, que ignoran su particular condición. El cultivado Jarmusch ofrece un film fantasmal y lánguido, en su línea habitual, ligero aunque esté sembrado de referencias literarias y musicales que plasman sus personales gustos. Sin ser una de las siete maravillas de la humanidad, hay que reconocer en el director su habilísima realización con fotografía perpetuamente nocturna, la capacidad de manejar y combinar tonos, a veces románticos, con tintes trágicos, otras veces siguiendo planteamientos gamberros, propiciados por la aparición de Ava, la hermana de Eva, que muestra que los instintos primitivos siguen existiendo en nuestra sofisticada civilización actual, también entre los vampiros. Los actores se prestan de buen grado al juego de Jarmusch, ya sean los protagonistas, Tilda Swinton y Tom Hiddleston, o secundarios de lujo como John Hurt y Mia Wasikowska.  

El mundo camina hacia el desastre. Un intento por evitar el calentamiento global ha convertido la Tierra en un planeta congelado. 17 años han pasado desde entonces, y los únicos supervivientes ocupan un tren que nunca se detiene y recorre el mundo entero, una especie de apocalíptico "arca de Noé". Y en el interior impera un tiránico sistema clasista, donde la chusma ocupa el furgón de cola, comiendo verdadera porquería, mientras que los vagones de delante los ocupa la clase dirigente, y los niños que constituyen el futuro de la humanidad. El injusto estado de cosas podría romperse si Curtis decide asumir al fin el liderazgo de una revolución contra el tirano Wilson, el dueño del tren. Pero la hora de la rebelión se diría que nunca acaba de llegar. Primera película en inglés del coreano Bong Joon-ho, director y guionista, que se inscribe en la moda contemporánea del cine con tintes apocalípticos al que él mismo no es ajeno, como demostró en The Host, sobre una criatura nacida de la contaminación radioactiva. El cineasta de ojos rasgados entrega una película dinámica, atravesada del humor bizarro que es su personal marca de fábrica, que a veces puede chocar a la mentalidad occidental. Resulta divertida Tilda Swinton en su papel de excéntrica y cobarde ministra de Wilson, y también hace acto de presencia Song Kang-ho, uno de sus actores habituales, eficaz en su laconismo. El film peca de reiterativo, y los personajes resultan algo esquemáticos, pero al menos Joon-ho se las arregla para que muera quien le parezca, no se ata a las convenciones a la hora de "decidir" quien debe sobrevivir en el mundo congelado para conceder una nueva oportunidad a la humanidad. Las escenas de acción están bien rodadas, los espacios claustrofóbicos bien aprovechados, y los distintos "universos" del tren conceden algo de variedad. La escena final tiene su encanto y concede al espectador espacio para la esperanza.

Colofón de las aventuras de Harry Potter y sus amigos, basada en la serie de siete libros escrita por la británica J.K. Rowling. Todo tiene su final, y tras diez años en que las pantallas de cine han ido acogiendo las películas del joven mago con regularidad, llega el desenlace de la que ha sido probablemente las saga cinematográfica más importante de la historia. Después de Harry Potter y las reliquias de la muerte (1ª parte) –película que conviene tener fresca antes de disfrutar de esta segunda parte– Harry, Hermione y Ron prosiguen con su empeño de encontrar los horrocruxes que les faltan, para destruirles y poder acabar así con la vida de Voldemort. Entretanto, en Hogwarts se ha instalado el reino del terror con el ascenso de su nuevo director Severus Snape, asesino de Albus Dumbledore. Y por supuesto, Voldemort busca denodadamente el enfrentamiento personal con su archienemigo Harry Potter, pues sabe que si le destruye ya nadie podrá hacerle sombra y se convertirá en dueño y señor del mundo. Ante todo hay que tener en cuenta que esta película corresponde esencialmente a una conclusión, y se nota (no sólo porque tenga la menor duración de las ocho precedentes). El guión ha de leerse en sintonía con el film anterior, pues aquí la trama se desarrolla de modo absolutamente unívoco, desembocando en el único hilo argumental posible: el de la lucha final. Esto trae como consecuencia que hay muchas menos “distracciones” que en anteriores entregas, nada de hechizos nuevos, de introducción de personajes sorprendentes (aunque alguno leve hay), de grandes diálogos, de momentos de humor o relax... No, aquí sólo parece importar el material previo y eso hace pensar si, lamentablemente, no fue un craso error desdoblar en dos películas la última novela. Lo que más llama la atención de esta última parte es su oscuridad. Argumentalmente es comprensible, pues las fuerzas del mal se abaten cada vez más sobre el mundo, y parece que sólo un milagro podrá ya detenerlas, pero donde la falta de luz es más agobiante es sencillamente en el tratamiento fotográfico del portugués Eduardo Serra. Todo el metraje se desarrolla en una penumbra excesiva, de modo que a veces resulta hasta cansino mirar la pantalla, donde las imágenes siempre están en perpetua oscuridad. Por supuesto, y como era de esperar hay unos maravillosos efectos especiales, y es de justicia afirmar que la larga secuencia del ataque a Hogwarts es un espectáculo impresionantemente desde el punto de vista técnico. Por lo demás, en esta película no hay grandes alardes de los personajes, incluso Hermione y Ron tienen pocos momentos de gloria, más allá de las muestras de amor que se profesan. Aunque hay excepciones, y alguna conmovedora: muy logradas están las escenas protagonizadas por una imprevista y aguerrida profesora McGonagall (Maggie Smith), por el archiconocido y tenebroso profesor Snape (Alan Rickman) y por las heroicas apariciones del alumno Neville Longbottom (Matthew Lewis). Y hay, claro, una presencia eminente de Voldemort (Ralph Fiennes) y de Harry Potter, quien descubrirá su pasado de una vez por todas... A partir de ahora lo que falta es ver cómo se desenvolverán en el futuro los jóvenes actores Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint, que tendrán que emprender caminos separados. Pero eso ya es otra historia. La película, en fin, pone la guinda de despedida a una saga de ocho películas que han ofrecido una imaginería espléndida de personajes y mundos fantásticos, una creación de amplísima magnitud que, a través del mundo de la magia como excepcional metáfora, ha contado en definitiva lo más clásico entre lo clásico: la sempiterna lucha entre el bien y el mal, entre las virtudes y los pecados que pueblan el corazón y los actos humanos.

Justine se casa con Michael en vísperas del fin del mundo, cuando el planeta Melancolía está a punto de colisionar contra la Tierra. La fiesta que sigue a la boda tiene lugar en la espléndida mansión de campo de Claire y John, hermana y cuñado de Justine. Lars von Trier nunca defrauda, o al menos, no del todo, incluso en obras tan discutibles como Anticristo; y eso aunque a veces le dé por acompañar el lanzamiento de sus trabajos con absurdas declaraciones, como la que hizo en este caso en Cannes expresando cierta simpatía por... ¡Adolf Hitler!. Independientemente de semejante “boutade” propia de inmaduro “enfant terrible” al que le gusta provocar, lo cierto es que aquí entrega una poderosa película, que atrapa desde sus primeras imágenes, que anticipan la catástrofe planetaria en ciernes. El director danés divide su film en dos partes claramente diferenciadas, donde concede el mayor peso a uno de las dos hermanas, primero a Justine –Kirsten Dunst, premiada con toda justicia en Cannes–, luego a Claire –fantástica Charlotte Gainsbourg–. Y al hilo de la boda y del tiempo que se va, Von Trier disecciona con indudable pesimismo egoísmos tan típicos del ser humano, miedos e inseguridades. Y es que el planeta Melancolía, o sea, el estado de ánimo a veces manifestado en forma de depresión, continuamente acecha, nos aplana, nos entristece, nos hunde, sin que sepamos explicar por qué; el amor de los seres queridos, aquí sobre todo el fraterno, parece que no nos bastase. Es muy rica y variada la mirada antropológica “vontrieriana” a la ambición de ciertos empresarios, a la amargura de quien proyecta su fracaso matrimonial en sus vástagos, a la simpleza y superficialidad de quien no ve más allá de sus narices, a arribistas y personajes que tras sus falsas seguridades ocultan no miedo, sino auténtico terror a lo que les puede suceder. Qué bien sabe crear Von Trier la atmósfera de la película, la sensación de final. La cámara nerviosa, los personajes crispados, la música de Richard Wagner, el preludio de “Tristán e Isolda”. Hay astucia en escoger a Kiefer Sutherland, alias “Jack Bauer” en 24, tan acostumbrado a salvar el mundo, en una película donde los científicos han anunciado su inevitable final. Y la última escena que cierra el film, que se diría una variación “vontrieriana” muy particular de la transfiguración evangélica en el Tabor –“hagamos una tienda...”–, es de una belleza sublime.

Años 70. Los servicios de espionaje británicos están en entredicho tras el fiasco de una operación encubierta en Budapest, Hungría. Son los años de la guerra fría, y todo apunta a que la Unión Soviética tiene infiltrado un topo en la cúpula del MI6. Para descubrir su identidad, el gobierno acude a uno de sus mejores agentes, George Smiley, que fue obligado a jubilarse unos meses atrás. Se diría que Smiley y otros veteranos espías han sido retirados de la actividad gracias a las jugadas maestras de Karla, uno de los jefes de los espías soviéticos, que mueve con extrema habilidad la pieza de su topo en el gran tablero ajedrecístico del espionaje. Intensa y lograda adaptación de la que seguramente es la mejor novela de espías de John le Carré. No era una tarea sencilla armar en dos horas esta tupida tela de araña argumental, ya que existe una excelente miniserie televisiva de 1979 de más de cinco horas, Calderero, sastre, soldado, espía, basada en la misma obra, con un reparto fantástico encabezado por Alec Guinness. Aquí toma el relevo en el rol de inteligentísimo espía gris Gary Oldman, y le acompaña un elenco de actores maravilloso, estamos ante la clásica película que merecería un Oscar al mejor reparto si tal categoría existiera en los premios de la Academia. Tiene gran mérito el guión trabado por Bridget O'Connor y Peter Straughan, hay una sabia labor de condensación de la novela y disposición de los saltos temporales, agil e intrigante, que conserva la emoción del original junto a esa presentación del mundo de los espías como un mundo gris y burocrático, en que las hojas impiden ver el bosque, con el peligro de olvidar en qué y para qué está uno trabajando. Si en Déjame entrar el sueco Tomas Alfredson tenía el mérito de mostrar vampiros en un entorno realista, quizá aquí su gran aportación es presentar a los espías como almas en penas que arrastran sus existencias hacia no se sabe dónde. De algún modo estaríamos ante la otra cara de la misma moneda, hay algo etéreo e inconsistente en ese mundo de duplicidades y traiciones, donde conceptos como lealtad y patriotismo se desdibujan, y el amor de una esposa o unos hijos es sacrificado, ahí está la “fantasmal” Anne, la eternamente nombrada y apenas vislumbrada mujer de Smiley, que tanto le hace sufrir. Logra el director decir mucho sin palabras, lo que tiene gran mérito en una película donde los diálogos con nombres e información importantes no escasean. Las miradas entre los “camaradas de armas”, los silencios que siguen a frases significativas, el espejo que resulta ser un niño para uno de ellos, todo tiene importancia, y Alfredson sabe sacarle valioso partido para dotar a su película de la misma densidad que presentaba la novela de Le Carré, y mostrar con pudor, como pidiendo perdón, las heridas que los personajes presentan en sus almas.

Un hombre irrumpe en una iglesia y pide confesión. El sacerdote escucha su relato en que explica que es un asesino profesional, y que le ha impresionado la paz de su víctima, cuando le pidió unos instantes para ponerse a bien con Dios. Pero no acude al sacramento arrepentido, sino que desea comprender por qué los hombres actúan mal, mientras reprocha al Creador ser el peor asesino de todos. Lo que propicia una conversación con el cura donde se proyecta algo de luz a los secretos más oscuros de ambos. Webserie de 10 episodios, cada uno de una duración en torno a cinco minutos. Más allá del interés de este formato de microcapítulos, tenemos una intriga bien servida por Brad Mirman, un especialista en el género desde sus inicios -Jaque al asesino-, incluso con ribetes religiosos -Resurrección-. Se beneficia del duelo actoral entre dos buenos intérpretes, el veterano John Hurt -a quien ya vimos en otro rol de sacerdote en Disparando a perros- y al Kiefer Sutherland de 24, sempiterno aficionado a las torturas. Hay que subrayar el respeto por aquello que estructura la narración, no hay disparates dignos de mención en la mirada a la confesión o a la condición sacerdotal, y los intercambios dialécticos sobre el sentido de la vida y la posibilidad de cambiar, con posición de dominio alternativa en uno y otro, tienen cierto nivel. En la exploración de la redención hay lugar para la sorpresa, aunque al final la cosa se desinfla un tanto.

Furia de Titanes volvió a poner de moda la mitología griega. Ahora el legendario director de videoclips Tarsem Singh, autor de La celda y la impactante y redonda The Fall. El sueño de Alexandria, rueda un peplum de auténtico lujo. Arrasándolo todo a su paso, el brutal rey Hiperion busca intensamente un viejo arco de intenso poder. En una aldea, asesina cruelmente a la madre de Teseo, un joven campesino con agallas, y a éste le toma prisionero. Escapará con ayuda de un pequeño grupete del que forma parte Fedra, una joven oráculo. El guión de los debutantes Charley y Vlas Parlapanides, estadounidenses aunque quizás les han escogido por su origen griego, acaba siendo demasiado plano y convencional. De algunos personajes se sabe poco, y no queda claro a dónde se dirigen, ocurren cosas por casualidad, y no aspira a tener una mínima profundidad. En manos de cualquier otro director, el film sería bastante aburrido. El modelo de referencia, sobre todo en las secuencias de acción, ha sido claramente 300, otra cinta sobre el mundo helénico, por lo que las intenciones no eran la búsqueda de una desmedida originalidad. Por suerte, en su línea habitual, Tarsem Sighn compone imágenes deslumbrantes. Sus secuencias de las mujeres oráculos con elaborados vestidos rojos o del barco en el que huyen los protagonistas demuestran una creatividad visual muy personal, que invita a seguir estrechamente la trayectoria de este realizador. Los actores hacen lo que pueden con sus inexistentes personajes. Henry Cavill, el próximo Supermán, se revela como un 'guaperas' y poco más, Stephen Dorff se esfuerza aunque está desaprovechado, Freida Pinto llena la pantalla con su enorme atractivo y talento, y los veteranos John Hurt y Mickey Rourke se mantienen en su alto nivel habitual.

Los años 60 en Brighton. En un ambiente gangsteril, y con el telón de fondo de los enfrentamientos pandilleros de mods y rockers, Pinkie Brown desarrolla su actividad delictiva de modo despiadado. Después de vengar brutalmente una muerte con un asesinato, una fotografía incriminatoria tomada en un lugar público le lleva a trabar relación con Rose, una dulce pero apocada camarera católica, que se enamora de él. Todo parece indicar que Pinkie busca el amor de Rose sólo para evitar su incriminación, pero de algún modo le desarma la inocencia y entrega incondicional de ella, aquello podría ser, tal vez, su camino a la redención. Adaptación de la novela homónima de Graham Greene, escrita y dirigida por Rowan Joffe. Existía ya una prestigiosa versión clásica de 1947 de John Boulting en que participó el novelista, con Richard Attenborough en el papel de Pinkie. Joffe traslada la acción a los 60, e introduce más violencia, con secas peleas y momentos seguramente más cinemáticos, sabe sacar partido al marco de Brighton donde transcurre la acción con una convincente reconstrucción de época. Y conserva el elemento “católico” algo tristón característico de Greene, lo que no impide que la Providencia actúe “milagrosamente” por caminos inesperados, ese momento antológico del disco, al que el director sabe imprimir todo su vigor. Está bien la pareja protagonista, Sam Riley da a Pinkie un carácter antipático y atormentado, pero evitando al tiempo producir completo rechazo; mientras que la formidable Andrea Riseborough despierta la lástima justa, de modo que su fidelidad a machamartillo hacia Pinkie no parezca la de alguien que no está en sus cabales. Funcionan bien los secundarios compinches de Pinkie, como Nonso Anozie, pero cuesta entender un poco más al dúo que componen veteranos de la talla de Helen Mirren y John Hurt, su persistente acoso al protagonista.

Tras la muerte de Dumbledore, y la caída de la ‘careta’ de Severus Snapes, las cosas están más oscuras que nunca, tanto en el mundo de los magos como en el de los muggles. La vida de Harry Potter corre serio peligro, y sus amigos están dispuestos a arriesgar las suyas para ponerle a salvo, pues saben que él es la única opción para derrotar a Valdemort. Con la ayuda de Hermione y Ron tratará de dar con los horrocruxes, pedazos del pasado de tan poderoso enemigo, cuya destrucción resulta vital. Serán herramientas poderosas en tan desigual combate las que Dumbledore ha legado a los tres amigos en su testamento. Séptima entrega de la saga Harry Potter en cine, y primera parte de la última novela de J.K. Rowling “Harry Potter y las reliquias de la muerte”, pues se ha tomado la decisión de extraer de ella dos películas. A estas alturas resulta evidente que la adaptación al cine tiene a una legión de incondicionales que irán a verla, los fans de los libros, pues con unos actores ya conocidos y una trama de la que es celosa guardián la propia Rowling, muy mal deberían pintar las cosas para que se produjera una deserción de estos espectadores. Y es claro que básicamente el film cumple, hay una cuidada producción y elementos para entretener y atrapar el interés, gracias a un libreto del guionista habitual Steve Kloves. En el haber del film está una atmósfera que sigue creciendo en oscuridad, con la escuela Hogwarts dejada en el baúl de los recuerdos y los protagonistas puestos seriamente a prueba. De modo especial Ron, con su complejo de inferioridad y sus celos –le gusta Hermione, pero cree que ella le desprecia a favor de Harry–, que le invitan a dejar a sus amigos en la estacada. Y hay pasajes logrados, como a añagaza de un conjuro que nos muestra a múltiples Harry Potter, para proteger al auténtico. Sin embargo, continúan los síntomas de agotamiento en la saga, que ya se detectaban en Harry Potter y el misterio del príncipe. El director David Yates da la impresión de ser un director ‘a las órdenes de lo que digan los jefes’, y no resulta muy imaginativo en el uso de la parafernalia de efectos digitales –véase la enésima persecución fílmica en autopista en sentido contrario, sin nada vibrante que aportar–, además de empantanarse en los pasajes en que los personajes se encuentran como perdidos, como si él mismo se hubiera contagiado de dicha desorientación. De modo que aburre. Tampoco ayudan los personajes fugaces, con los que resulta difícil empatizar, de modo que ciertas muertes no producen el deseado efecto dramático; concretamente una casi se nos comunica de pasada, de modo que a la mayoría del público le importará sencillamente un bledo. Curiosamente, si Ron adolece de complejo de inferioridad, los impulsores de este film parecen estar aquejados del complejo de película no-adulta. Así parece explicarse la introducción de una imagen amorosa, fantasía y tentación provocada por los celos de Ron, suavizada y transfigurada eso sí, para evitar protestas de los que no la vean demasiado adecuada para la saga.

Un tipo solitario, negro, con manías como la de pedir siempre dos cafés expreso en tazas separadas. Tiene encuentros con misteriosos personajes en aeropuertos y terrazas de bar. Mediante frases clave que permiten el mutuo reconocimiento intercambian mensajes cifrados contenidos en cajitas de cerillas. ¿A qué se dedica este hombre? Misterio, no sabemos, pero intuimos que no se trata de una hermanita de la caridad, que su oficio es más bien siniestro, y precisa un absoluto dominio o control. Nuestro misterioso personaje se mueve por España: Madrid, Sevilla, un pueblo de Almería. La ejecución de su misión está cada vez más cerca, y la necesidad de relajación para no fallar es total. Una película de atmósfera. Con uso inteligente y variado de la música, e imágenes recogidas por Christopher Doyle que dan a la geografía urbana y rural española un aspecto único, no muy distinto a sus otros filmes. En tal sentido, todo es muy Jim Jarmusch, aunque la trama y su estiramiento hasta las casi dos horas resultan caprichosos en exceso, y el entretenimiento cara a no agotarse parece consistir en reconocer lugares y actores. El film conecta algo con Ghost Dog. El camino de samurai, en la mirada de un tipo disciplinado y frío, un lacónico Isaach De Bankolé, que hace lo que debe hacer, sin dejarse distraer más allá de lo imprescindible y punto. Es el sentido, se supone, que tiene la insólita y surrealista presencia de la mujer desnuda que se cuela en el apartamento del protagonista, y ante la que éste mantiene la distancia justa. Se puede intuir que algo le gusta contemplar obras de arte en el Museo Reina Sofía, y que le atraen las guitarras, más allá de los múltiples usos que se pueden dar a sus cuerdas. Los diálogos son escasos, a veces dar vueltas a ideas como el subjetivismo o el poder de la imaginación para justificar lo imposible. El desenlace, algo desconcertante, sugiere, tal vez, una crítica a la clase política estadounidense con una visión 'realista' –o sea, despreciativa hacia las personas– de las cosas.

Intenso (y rarito) film, cuya mayor peculiaridad es que parte de un planteamiento muy simple que se alarga en el tiempo hasta completar todo el metraje. El director Malcolm Venville debuta en el largo adaptando una idea original de los guionistas Louis Mellis (Blueberry) y David Scinto (Sexy Beast). La cosa va del insoportable dolor que produce en un hombre la infidelidad de su mujer. El mundo de Colin Diamond (gran papel de Ray Winstone) se viene abajo después de que su mujer le dice que sus veintiún años de matrimonio se han acabado porque se ha enamorado de otro hombre. El atribulado marido no da crédito a la noticia y cae en estado de desesperación. Cuatro camaradas suyos (los cinco forman una especie de banda gangsteril de tipos perdedores, desequilibrada, frívola y surrealista) darán caza al amante y en un cochambroso piso se dispondrán a hacerle pagar por su fechoría amatoria e incitarán a Colin para que le dé muerte poco a poco. Pero como todo depende de lo que quiera Colin, tendrán que esperar a su decisión. Él es el ofendido y él manda. Y en ese miserable cuartucho Colin sufrirá una verdadera tortura interior preguntándose las razones que le han llevado hasta ese lamentable estado. ¿Qué ha hecho para merecer algo así? ¿Amar demasiado a su esposa? ¿Y ahora ella le arranca el corazón y lo tira como si nada? La rabia y el dolor que siente son insuperables. La película (cuyo título podría entenderse como "Un metro de entrañas") tiene a su favor el atractivo planteamiento. Sin embargo, da la sensación de que Venville no sabe qué inventar para alargar el desarrollo de la historia: escenas oníricas, recuerdos varios, tanta charleta de los amigos, etc. Además, aunque no hay ninguna explicitud visual, el soez y constante vocabulario de los personajes es de una procacidad desagradable y, al fin, agotadora. En el plano formal hay un soberbio ejercicio de estilo, con un acertado uso de la cámara dentro de una puesta en escena realista, opresiva y violenta, donde la casi totalidad de los planos tienen lugar en una sola habitación. Eso, junto a la intensidad generada y al loable trabajo de los actores, todos ellos de grandísima reputación, con especial mención al protagonista, conforman lo mejor de la película.

Película homenaje a la ciudad de Nueva York, concebida por el mismo artífice de Paris, je t'aime, el productor Emmanuel Benbihy. Consta de once segmentos, dirigidos por diez directores distintos, y el gran logro con respecto al precedente –pues se conserva la idea de una buena 'plantilla' de actores y directores– es una maravillosa unidad, podría llegar uno a creer que la película completa ha contado con una sola persona dirigiendo, en la línea de películas corales como Magnolia. Puede cambiar el momento del día -mañana, noche-, el marco geográfico, los personajes, pero hay un algo, el alma podríamos decir, que da prodigiosas vida y cohesión al conjunto. Lo que no quita para que haya pasajes sencillamente memorables, frente a otros más ligeros, a veces pequeñas bromas, pero siempre insertadas con inteligencia.   Entre las pequeñas historias sobresalen tres: la de Shekhar Kapur, de aire mágico, sobre una anciana cantante de ópera dispuesta a suicidarse en el hotel que se alojó antaño, con maravillosas interpretaciones de Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt; la de Fatih Akin sobre un pintor, Ugur Yücel, fascinado con una joven oriental, Shi Qi; y la de Joshua Marston, con soberbios trabajos de Eli Wallach y Cloris Lechman, que dan vida a un matrimonio cascarrabias pero profundamente enamorados tras más de 60 años casados. Pero tienen también interés por supuesto las de Jiang Wen –un juego entre ladrones, Andy García y Hayden Christensen–, Mira Nair –la relación entre una judía a punto de casarse, Natalie Portman, y el hindú propietario de una tienda compuesto por Irffan Khan–, Shunji Iwai –la singular relación telefónica entre un compositor de bandas sonoras de anime, Orlando Bloom, y su productora, Christina Ricci–, Yvan Attal –que tiene dos historias, la de dos curiosos intentos de ligue, Ethan Hawke con Maggie Q, y Chris Cooper con Robin Wright Penn–, Brett Ratner –el baile de graduación de una chica en silla de ruedas, que involucra a James Caan, Anton Yelchin y Olivia Thirlby–, Allen Hugues –dos amantes ocasionales, Drea de Mateo y Bradley Cooper, van a reencontrarse– y Natalie Portman –un tipo, Carlos Acosta, pasea por Central Park con una niña–. El motivo amoroso está presente en las tramas, hay sorpresas y giros ingeniosos, y llama la atención como se inserta el tema de la sexualidad omnipresente en la sociedad actual, pues en muchas, aunque haya algún apunte grosero, hay una cierta crítica indirecta a este hecho. Resulta muy inteligente además el uso de un personaje con una cámara de vídeo, cuya presencia cobra sentido al final del film de un modo muy original y bello, broche perfecto a una gran película.

En la primera parte dedicada a este personaje, Guillermo del Toro adaptó con mucha fidelidad uno de los comics de Hellboy. Esta vez, el mexicano ha concebido una historia original, junto con Mike Mignola, creador del personaje, y se ha encargado de escribir el guión ‘a su aire’. Curiosamente, el cineasta, que se prepara para dirigir la adaptación en dos películas de ‘El hobbit’, ha incluido varios elementos que recuerdan a la mitología de J.R.R. Tolkien. Así, el desencadenante de la historia es un poderosísimo objeto mágico de la antigüedad, en concreto una corona que controla un tenebroso ejército, tan poderosa que fue dividida en tres partes. Dos anillos, uy, perdón, trozos de la corona, fueron a parar a los elfos, y uno a los humanos, condenados a morir. Esta historia se la contaba su padre adoptivo, el profesor Bloom, al demonio crecido entre los humanos Hellboy, cuando era pequeño. Años después –como se vio en la entrega anterior– Hellboy se ha convertido en miembro de una agencia gubernamental dedicada a la investigación de fenómenos paranormales, denominada BPRD. Junto con sus compañeros –su novia Liz Sherman, con poderes piroquinéticos, y Abe Sapien, un hombre-pez capaz de ver el pasado o el futuro de los objetos–, Hellboy investiga el brutal robo de una pieza de la antigua corona –la que permanece entre los humanos–, que iba a ser vendida al mejor postor en una casa de subastas neoyorquina. El culpable es Nuada, el príncipe heredero del reino de los elfos, que tomó la pieza que poseía su padre, tras acabar con su vida. Le falta un tercer fragmento, en poder de su hermana gemela, la princesa Nuala, a la que Hellboy y sus chicos tratarán de proteger. Del Toro supera la anterior entrega, sobre todo porque introduce muchos elementos muy personales en el guión, como la relación de pareja, entre Hellboy y Liz, que ya estaba apuntada anteriormente y que al parecer se basa en la relación entre el cineasta mexicano y su esposa. Sus problemas para vivir el día a día humanizan muchísimo a los personajes, con alguna frase muy realista, como cuando Hellboy viene a decir que daría la vida por ella, pero lo que realmente le cuesta es ‘fregar los platos’. También tiene un gran interés el enamoramiento entre Abe Sapien y la princesa Nuala. Resultan bastante cercanos los esfuerzos de estos ‘freaks’, que a pesar de su apariencia escalofriante para los humanos, intentan agradar, integrarse entre la gente normal y convertirse en héroes. En este sentido, no resultan gratuitos los homenajes a Frankenstein (monstruo incomprendido por excelencia) y a otras criaturas de la época dorada del cine de terror de la Universal. Por otro lado, predomina un tono humorístico muy de agradecer, que da lugar a momentos divertidos. Introduce también Del Toro criaturas muy características de su universo personal, tan originales como evocadoras, realizadas con unos efectos especiales memorables. A nivel visual, el film es apabullante, con momentos vistosos, como el enfrentamiento con la judía que se convierte en un ser espantoso en contacto con el agua, o la llegada del Ejército Dorado. En cuanto al reparto, Ron Perlman vuelve a demostrar que es un actor único para interpretar con una gran expresividad a personajes que requieren muchísimo maquillaje. Le acompaña la correcta Selma Blair y correctos secundarios. Destaca Doug Jones (Abe Sapien), al que ni siquiera se le ve por el maquillaje, y que tiene que apoyarse básicamente en su voz, que por lo visto fue sustituida por la de otro actor en el primer Hellboy. Todo esto, y un ritmo dinámico, permite pasar bastante por alto la simpleza de la historia, y que las secuencias de acción se alarguen innecesariamente, probablemente por exigencias de la productora.

Drama político basado en las elecciones presidenciales celebradas en Estados Unidos en 2000 que dieron la victoria a George Bush hijo. Pero la gran noticia del período electoral fue el problema con el recuento de votos que hubo en Florida y que tuvo en vilo al mundo entero. Hubo quien habló de fraude electoral, como defiende esta producción de HBO. Un alucinado Kevin Spacey -del lado demócrata- se enfrenta al veterano Tom Wilkinson -del lado republicano- en lo que es un duelo de titanes interpretativamente hablando.

The Weinstein Company llevaba más de un año anunciando el desembarco en los cines de esta cinta de aventuras, que finalmente se ha estrenado en Estados Undos en DVD, aunque en otros países sí ha conseguido ser exhibida en la gran pantalla. Se ve que los hermanos Weinstein no confían mucho en este título, a pesar de que a veces se estrenan cosas mucho peores. Dirige el desconocido Howard McCain, también coguionista, previsto como uno de los autores del guión de la futura revisión de Conan. McCain se esfuerza por encajar elementos de otras películas en este curioso refrito. Kainan, un viajero que proviene de un mundo muchísimo más avanzado tecnológicamente que la Tierra, llega a nuestro planeta en el año 509. Persigue a un monstruo alienígena conocido como Moorwen, que siembra el caos entre los terrícolas. Kainan es capturado por los habitantes de una aldea vikinga, a quienes intenta advertir infructuosamente del peligro que les sobreviene. Poco a poco, Kainan entabla una relación paternofilial con el pequeño huérfano Eric, se hace amigo del borrachín Boromir, salva la vida de Rothgar –el monarca vikingo– y empieza a enamorarse de Freya, la hija de éste. Todo recuerda lejanamente a modelos archiconocidos. Por ejemplo, el juego del salto de los escudos parece una versión pobre de las piruetas que daba Kirk Douglas sobre los remos, en la muchísimo más espectacular Los vikingos, de Richard Fleischer. El monstruo es clavadito al de The Host, aunque en muchas secuencias actúa como el ‘alien’ de Ridley Scott. Confluyen también fragmentos que recuerdan a Starman, El Señor de los Anillos, Un astronauta en la corte del rey Arturo y hasta El caballero del dragón, de Fernando Colomo –aunque en este caso se trata seguramente de mera casualidad–. A pesar de esta alarmante falta de originalidad, y de su ligereza manifiesta, McCain logra sortear el inminente peligro de naufragar. Se agradece su falta absoluta de pretensiones, que deviene en un cómic de aventuras bastante eficaz. Tiene a sus órdenes a actores de gran calidad, como el prolífico John Hurt y el versátil Jim Caviezel, protagonista de La Pasión de Cristo, que andaba totalmente desaparecido desde que fue el malo de Déjà vu. Les secundan los convincentes Sophia Myles (la Isolda de Tristán + Isolda) y Ron Perlman (Hellboy). También parece que ha habido el presupuesto más o menos justo para crear una ambientación que da el pego, construir una aldea vikinga donde transcurre casi toda la acción, y pagar a técnicos de efectos especiales competentes.

Los amantes del cine ‘Indy’ llevaban diecinueve años esperando que Spielberg se decidiera a retomar la saga de Indy, Indiana Jones, el más célebre arqueólogo del mundo. Pero el cineasta se ha resistido, pues en espera de un guión que le motivara llegó a echar por tierra uno escrito por el mismísimo Frank Darabont (Cadena perpetua). Al final se ha decantado por un libreto de David Koepp, que había escrito para él Parque Jurásico, muy acorde con lo que se esperaba. La trama transcurre en los años 50, la era del nacimiento del ‘rock and roll’, cuando un Indy envejecido ha sido retenido junto con Mac, antiguo colaborador suyo, por un grupo de soldados soviéticos liderados por Irina Spalko, una cruel mujer que fue el ojito derecho de Stalin. Irina necesita que Indiana Jones le ayude a encontrar una reliquia precolombina, depositada en una instalación secreta del ejército estadounidense... En la aventura subsiguiente en la que se ve envuelto el veterano aventurero recibirá la ayuda de Mutt Williams, arrogante muchacho que ha ido en busca de Indy para advertirle de que un amigo, el profesor Oxley, ha sido secuestrado. Y también reaparece la mismísima Marion Ravenwood, la compañera de Indy en la legendaria En busca del arca perdida. Desvelar más datos de la trama sería hacerle un flaco favor al espectador... La cuarta entrega de la saga no decepciona, a pesar de las grandes expectativas que ha levantado. Ya quisiera George Lucas haber mantenido el nivel tan alto en su resurrección de La guerra de las galaxias. Se le pueden sacar pegas, pero éstas son bastante menores. Por ejemplo, algunos diálogos explicativos son tan extensos que propician caídas de ritmo. También se puede resaltar que a pesar de la magia que tiene el regreso de Marion, Karen Allen es una actriz que no acaba de resultar muy convincente. La película está llena de guiños a los incondicionales por sus referencias al arca, al padre del protagonista, a Marcus, etc. Y también se homenajean a clásicos del cine de aventuras, como los protagonizados por Tarzán, o aquellas que tenían memorables duelos de espadas... Si el objetivo de las anteriores entregas era recuperar el sabor de aquellas películas para todos los públicos, ciertamente, Spielberg ha vuelto a conseguirlo. Gustará a los que crecieron con los clásicos del cine, a quienes eran unos niños cuando se estrenaron sus predecesoras, y también a las nuevas generaciones. Spielberg muestra desde luego que sigue en plena forma –aunque nadie lo dudaba, pues su anterior trabajo, Munich, es uno de sus grandes filmes–. Aprovecha la ambientación para trazar una descripción de la época de la Guerra Fría, con sus pruebas nucleares, su paranoia ante la amenaza comunista, y sus jóvenes rebeldes y roqueros. Se luce sobre todo en las secuencias de acción, algunas para el recuerdo, como la persecución en plena selva. Aunque ha necesitado más efectos especiales que en otras entregas, lo cierto es que los usa de forma tan inteligente que no desentonan. Las andanzas de sus personajes propician además una apología de la unidad familiar bastante sana, que el cineasta admite sin rubor. Por supuesto, es obligatorio citar el trabajo de John Williams, un colaborador esencial de la serie. El compositor favorito de Spielberg se luce, rememorando fragmentos musicales de antaño, y con pasajes nuevos brillantes, como el que acompaña a los soldados soviéticos, que suena a música rusa. El reparto está formado por grandes estrellas, en pequeños papeles, que cumplen con su cometido. Harrison Ford mantiene su intenso carisma; en pantalla parece que sigue en forma a pesar del paso del tiempo, y se nota que ha acumulado ya muchas tablas. Cede mucho protagonismo a Shia LaBeouf, sin duda un gran acierto, porque desprende el magnetismo de las grandes estrellas, y recuerda lejanamente al rey del género de aventuras, Errol Flynn, en quien parece haberse inspirado para encarnar a su personaje, un fanfarrón con encanto. Cuando ambos protagonistas aparecen en pantalla aprovechan bastante que los diálogos tienen cierto ingenio (‘has traído una navaja a un tiroteo’). ¿Son padre e hijo, como se rumoreaba antes del estreno del film? Para hallar respuesta al gran enigma cinematográfico de la temporada, lo suyo es no perderse la película.

El joven Merlín es enviado a Camelot por su madre a casa de un sabio. La madre le pide al tipo que eduque a su hijo. En la ciudad, la magia está totalmente prohibida. El chico no para de meterse en líos, aunque también se hará amigo de Arturo, el futuro rey, de edad similar a la suya. Serie británica que recrea los años de juventud de los personajes del Ciclo Artúrico, antes de los sucesos sobradamente conocidos.

Anna, una mujer cincuentona, acaba de mudarse a su nueva casa en el litoral costero. Mientras revisa las cajas de la mudanza, Anna rememora su tormentoso pasado. Estuvo casada tres veces, y tiene tres hijas, cada una de ellas de diferentes padres. Primer largometraje de cine de la veterana actriz Jane Birkin (La bella mentirosa), que también es la autora del guión y se reservó el papel protagonista. Ha sabido arroparse por grandes actores.

Álex de la Iglesia supera ampliamente la calidad de comedias como Crimen Ferpecto, con este thriller que tiene mucho que ver con Crimen perfecto, aquel film de Hitchcock en el que el personaje que interpretaba Ray Milland explicaba la forma ‘perfecta’ de cometer un asesinato con absoluta impunidad. Aquí, el personaje que interpreta John Hurt explica otra forma aún mejor de intentarlo. No es el único homenaje al maestro del suspense de este film, que paradójicamente es un ‘whodunit’, término que usaba el británico para aludir a las películas de misterio, al estilo de las novelas de Agatha Christie, que giran en torno a quién es el culpable de un crimen, muy diferentes a las películas de suspense que él quería hacer. En esta ocasión se encargan de averiguar quién es el asesino Martin, estudiante estadounidense que acaba de llegar a Oxford para doctorarse, y Arthur Seldom, el genio de las matemáticas, al que aquel intenta convencer infructuosamente para que dirija su tesis. La víctima es la casera de Martin, vieja amiga de Arthur, una anciana que pertenecía al equipo que descifraba códigos matemáticos de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Esta mujer resulta ser la primera víctima de un asesino en serie, que avisa por medio de mensajes de sus próximos pasos. Estos mensajes advierten del sitio donde va a ocurrir el crimen y también incluyen diferentes símbolos, que pertenecen a una sucesión matemática indeterminada. El propio Álex de la Iglesia ha coescrito con su colaborador habitual, Jorge Guerricaechevarría, el guión, que parte de una novela de Guillermo Martínez, matemático argentino, doctorado en Lógica, que divulga sus conocimientos habitualmente en obras de intriga como "Acerca de Roderer". Aunque introducen muchos cambios –el protagonista argentino ha pasado a ser estadounidense, para que resulte más creíble que lo interprete Elijah Wood–, el film logra condensar lo esencial de la trama, y consigue mantener pegado al espectador en torno a la resolución del misterio. El reparto es irregular, pues aunque John Hurt es el actor ideal para su personaje, un profesor dotado de gran magnetismo, Wood no acaba de resultar convincente del todo, sobre todo en sus secuencias con Leonor Watling, muy poco creíbles. Por otro lado, el envoltorio filosófico puede parecer pedante en alguna ocasión, a pesar del interés de la posición escéptica del personaje de Hurt, contrapuesta a la forma de ver el mundo de Martin. La relación entre los dos personajes, similar a la de los protagonistas de El nombre de la rosa, es el principal punto de interés. Frente a otros realizadores españoles, como Jaume Balagueró, cuyas películas en inglés resultan un tanto frías e insulsas, De la Iglesia parece sentirse cómodo rodando en la lengua de Shakespeare, superando ampliamente la calidad de su anterior experiencia en ese idioma, Perdita Durango, completamente decepcionante. Filma con gran eficacia secuencias imaginativas, como el primer encuentro entre los protagonistas, por lo que logra un thriller un poco tramposo pero bastante convincente, algo que pocos cineastas españoles han conseguido.

La acción se desarrolla en un hipotético futuro, en que Inglaterra se ha convertido en un estado totalitario. Evey, una joven que rompe el toque de queda impuesto por el gobierno, está a punto de ser violada por un grupo de `dedos´ (así se conoce a los agentes de policía). Finalmente es rescatada por un individuo que oculta el rostro tras una aparatosa máscara. Como imagina que si vuelve a su casa será detenida, Evey se oculta en el refugio de su salvador, que se hace llamar simplemente `V´. Éste toma el canal de televisión, para enviar un mensaje a la población apelando a la desobediencia civil; y anuncia que volará el parlamento, como paso simbólico cara al derrocamiento de la tiranía. El inspector Eric Finch se encarga de perseguir a `V´. Los hermanos Wachowski, creadores de Matrix, avalan con su guión el debut como director de James McTeigue, asistente de dirección en los tres títulos de la saga. En la misma línea, combina una ambientación sombría, con aparatosas coreografías de combates. Aunque se trata de un thriller futurista de acción, también es una crítica de los regímenes totalitarios, en la línea de clásicos de la ciencia ficción como Un mundo feliz o 1984. Alan Moore, creador del cómic en que se basa la cinta, quedó bastante descontento con el resultado final, a pesar de que es la mejor adaptación de una de sus obras. Desencantado, el exageradísimo Moore acusó McTeigue de que el film era una apología del terrorismo. En cualquier caso, da que pensar sobre la manipulación informativa, la corrupción política, la tiranía, la violencia, la responsabilidad social de los ciudadanos y otros temas de interés. Del reparto destaca Natalie Portman, que tuvo que raparse el pelo por exigencias del guión, mientras que Hugo Weaving, conocido por su papel de agente Smith en Matrix, al que no se le ve la cara, se luce sobre todo con su potente voz, como apreciarán quienes vean la película en versión original. También resulta bastante convincente Stephen Rea, que consigue que el público empatice con su personaje, un honrado policía.

Caroline es una joven enfermera especializada en geriatría y cuidados paliativos, cuyo trabajo en una residencia le resulta particularmente deprimente. Ella se esfuerza en tratar a los pacientes como seres humanos, regalarles cariño y sonrisas, pero casi es la única del personal en hacerlo. Cansada, decide aceptar el trabajo de cuidar a un anciano tetrapléjico que no puede hablar, y que vive con la sola compañía de su esposa. El lugar donde viven, un caserón solitario de Nueva Orleans en medio de ninguna parte, impone respeto a Caroline, quien va recorriendo sus diversas estancias gracias a una llave maestra en forma de esquéleto. Sus temores van en aumento cuando se va enterando paulatinamente de los trágicos sucesos que acontecieron allí en el pasado, y cuyo secreto podría estar encerrado en el ático de la mansión. El director británico Ian Softley ya dio muestras de su habilidad para crear atmósferas enigmáticas en su trabajo anterior, el inclasificable film ‘marciano’ K-Pax. Ahora, con guión de Ehren Kruger, responsable de los libretos de las dos entregas americanas de The Ring, bucea en las pantanosas tierras sureñas de los Estados Unidos, un mundo de extraña belleza, donde no es rara la superstición en forma de magia negra, el vudú y el judú. Kruger ha construido un relato sólido, con el eterno conflicto del racionalismo, creer sólo lo que vemos, y la fe, dejar un lugar al misterio. Y en torno a dicho conflicto surgirá la inesperada paradoja, que deja al espectador con el corazón en un puño. A una historia poderosa, se suma en este film un reparto perfecto, de personajes bien construidos. Por supuesto que el protagonismo recae en Kate Hudson, una actriz que con 26 años ha demostrado ya la fuerza de su presencia en la pantalla. Pero es que además existe un fuerte apoyo de los secundarios: la gran Gena Rowlands, inolvidable en Gloria, esposa de esas de las que se diría que ‘hay cariños que matan’, y John Hurt, un tipo acostumbrado a los desafíos (recuérdese su trabajo bajo una gran capa de maquillaje en El hombre elefante), quien apenas dice una palabra, pero resulta enormemente expresivo.

Peripecias entrecruzadas de varios personajes, relacionados con un restaurante, como Pedro, un respetado crítico culinario, o Fiona, una camarera. Debut en el largometraje del director irlandés Anthony Byrne, de personalísimo estilo visual, que recuerda en cierta medida al cine de Jean-Pierre Jeunet.

Lars von Trier no engaña. Meses antes del estreno en cines de Manderlay, el controvertido director afirmó en una entrevista publicada en el diario danés Politiken que, tras su película, se crearía “una hermandad entre el Klu Klux Klan y los negros, porque ambos tendrán muchas ganas de matarme”. Estaba claro que el público debía de esperar una nueva dedada de brutalidad y genialidad, a partes iguales. Y eso justamente es lo que encontramos en esta segunda entrega de la trilogía sobre Estados Unidos. El inicio de la historia enlaza con el final de Dogville. Tras abandonar aquella población, acompañada de su padre y de sus matones, Grace (Bryce Dallas Howard) llega a una plantación del sur llamada Manderlay, un lugar donde la esclavitud aún no ha sido abolida. La joven ve con horror cómo azotan brutalmente a un hombre, y, ante esta visión, su buen corazón se estremece y, enfrentándose de nuevo al parecer de su padre, decide quedarse en Manderlay para luchar por mejorar la vida de sus habitantes y devolverles la libertad. Fiel a su estilo y a su inmisericorde visión de la existencia y del ser humano –una extraña mezcla de ternura, comprensión, autocompasión e insana complacencia en sus miserias– el director de Bailar en la oscuridad vuelve a estar a la altura de la genialidad que ofreció con Dogville, si bien es cierto que el resultado no alcanza probablemente la magnitud de la película protagonizada por Nicole Kidman. Quizá tenga algo que ver en ello que la puesta en escena al modo teatral, con localizaciones “imaginarias”, ya no sorprende. Es cierto que sigue resultando alucinante, pero es inevitable que haya algo en la atmósfera del film que suene a ya visto. Por otro lado, los esperados “regalitos” de Von Trier vuelven a golpear al espectador (brutalidad sexual, hipocresía, asesinato, traición), y aunque hay una menor galería de personajes emblemáticos y definidos, la Grace de Dallas Howard sigue resultando tan cercana como fascinante, aunque también de menor intensidad que la de Kidman.

Ambientada en Australia, hacia 1880, este durísimo western narra las vicisitudes de varios hermanos por sobrevivir a una lucha sin cuartel con los hombres de la ley, debido a una serie de sangrientos crímenes. Guy Pearce interpreta a Charlie Burns, uno de los hermanos forajidos, quien recibirá del capitán Stanley una alocada propuesta para acabar con el derramamiento de sangre: si mata a Arthur, su hermano mayor, salvará de la horca a Mike, su hermano menor. El director australiano John Hillcoat ha pergeñado un estupendo y violento film que trae a colación temas como la unidad familiar y la lealtad. El guionista Nick Cave (también autor de la preciosa banda sonora) ofrece una historia terrible, brutal, convulsa, que habla del avance de la civilización a través de las inmensas tierras áridas de Australia, un territorio muy similar al del oeste americano, con sus vastísimos espacios, la presencia de los colonos y los aborígenes, y el sempiterno axioma de la ley del más fuerte. Cave y Hillcoat trazan unos personajes impactantes, muy definidos, aunque es cierto que algunos de ellos tienen un papel demasiado escaso (como el cazarrecompensas o el jefe del pueblo), y saben aportar un excitante aliento épico al conjunto, con unos planos fabulosos, enormemente líricos, en donde la agresividad, la belleza y la desolación de la naturaleza se convierten en pieza clave del drama. El reparto es bastante notable, e incluye a varios actores de primera línea.

El escocés Michael Caton-Jones es un director eficaz, que tiene en su haber títulos más o menos correctos, como Memphis Belle, Condenado, Chacal (1997) y sobre todo Vida de este chico. Es cierto que dirigió la nefasta Instinto básico 2. Adicción al riesgo, pero el año anterior había hecho con capital británico este valioso drama, que si no ha tenido una mayor repercusión es por una razón concreta: que repite el tema del genocidio ruandés de Hotel Rwanda, un film con el que comparte muchos elementos. El contexto histórico es el mismo, la sangrienta guerra civil iniciada en 1994 por las facciones más radicales de la minoría hutu, que tras asesinar al presidente del país inició el genocidio de la etnia tutsi. Como en el film de Terry George, esta película se desarrolla en Kigali, en el momento de mayor locura, cuando un grupo de tutsis, ciudadanos extranjeros y soldados de la ONU se refugian en unas instalaciones. Aquí los protagonistas no acuden a un hotel, sino que intentan sobrevivir en una escuela que llevan misioneros católicos. Otro punto en común, es que ambos trabajos se basan en personajes reales. Esta vez, el personaje más importante es Christopher, un sacerdote franciscano inspirado en el misionero bosnio Vjeko Curic, uno de los dos curas no africanos que permanecieron en el país durante la matanza. En el guión ha participado David Belton, reportero que cubrió la guerra para BBC, y que quedó deslumbrado por la figura de Curic. A él le debe la vida, pues el párroco convenció a unos milicianos borrachos, que le detuvieron en la carretera, para que no le asesinaran. Belton es también uno de los productores del film. Christopher –el alter ego de Curic– se describe a través de los ojos de Joe, un joven maestro recién llegado a la escuela, que promete a Marie, una alumna brillante, que las fuerzas de la ONU les protegerán. Sin embargo, éstas parecen no hacer nada... El film describe minuciosamente el conflicto, una de las mayores tragedias de finales del siglo XX. Caton-Jones no oculta que fue un genocidio particularmente sangriento, marcado por los feroces machetazos que asestaban los hutus a sus víctimas, pero muestra las secuencias violentas con elegancia y contención. Critica la pasividad de la ONU y de la comunidad internacional, al tiempo que describe de forma minuciosa y exalta la fe del párroco protagonista, como factor que da sentido a sus valiosos sacrificios, un rayo de luz y de esperanza en un momento de máxima convulsión. El veterano actor John Hurt aprovecha sobradamente el atractivo del personaje, y entrega uno de sus mejores trabajos de los últimos tiempos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis patrocinan un ritual pagano mediante el que el mismísimo Rasputín pretende traer a la Tierra a un demonio poderoso que les permita ganar la contienda. Algo sale mal, y sólo consiguen traer a un bebé de diablo rojo. Tras ser rescatado por el ejército aliado, será criado como un hijo por el profesor Broom. Convertido en un demonio adulto, socarrón y fumador de puros, Hellboy se hará miembro de una sociedad secreta: el Instituto para la Investigación Paranormal y de Defensa. Esta organización combate el mal y previene la llegada a nuestro mundo de otros demonios. Pero Rasputín reaparece para intentar atraer a Hellboy al lado oscuro. El cineasta mexicano Guillermo del Toro está especializado en cine fantástico, y es el autor de Cronos, Mimic y Blade 2. En esta ocasión toma por los cuernos la adaptación al cine del demoníaco personaje procedente del cómic, al que manifiesta tener un gran aprecio. Al frente de su equipo habitual, que incluye al director de fotografía Guillermo Navarro y al compositor Marco Beltrami, Del Toro logra una modélica ambientación gótica, compone eficaces secuencias de acción, y humaniza a los personajes a pesar de su carácter irreal. Al guión le falta solidez, quedándose a ratos en una acumulación de situaciones artificiosas. Se juega bien la carta del humor, pero se habría agradecido un mejor aprovechamiento del potencial dramático del personaje, con complejo de culpa porque en realidad es un demonio. De todas formas, por su alta calidad técnica apasionará a los aficionados al cómic e incondicionales del cine fantástico. Para ellos sale también a la venta la edición del coleccionista, que incluye una estatuilla de Hellboy y el Director’s Cut, un montaje distinto al que se vio en los cines.

Tras su celebrada Bailar en la oscuridad, el danés Lars Von Trier prosigue con su búsqueda de los límites del arte cinematográfico. La originalidad de este director quizá raye lo temerario y desde luego su cine no deja indiferente a nadie. A algunos les parecerá pretencioso y cargante y a otros fascinante y genial, pero siempre resultará sorprendente. Y de lo que no hay duda es de que se trata de uno de los directores más audaces del cine actual. Esta vez se atreve a transformar el teatro en cine. Pero, entiéndase, no es que adapte una obra teatral –nada más lejos de la realidad–, sino que filma teatro y logra el milagro de transformarlo en cine puro. Estructurada en un prólogo y nueve capítulos introducidos por un narrador, la película cuenta la estancia de Grace en un pueblo de las Montañas Rocosas. Se trata de una bella, bondadosa y asustada mujer que llega a Dogville huyendo de la muerte. Tras algunas dudas, los habitantes acaban por darle cobijo gracias a la influencia de Tom, que pronto se enamora de ella. Grace quiere devolver la hospitalidad de aquellas gentes y se propone ayudar a cada uno con denodado empeño. Pero, poco a poco, y tras la cada vez más insistente búsqueda de Grace por parte de las autoridades, los habitantes de Dogville comienzan a dudar de la fugitiva y van arrogándose el derecho de disponer de ella a su antojo, hasta convertirla en una esclava. Otra vez Von Trier vuelve a hacer de las suyas: te encandila con imágenes increíbles –Grace en el camión de frutas, por ejemplo– y luego te estruja el corazón sin piedad. Las pasiones humanas, constantes en su cine, se trasladan también a Dogville: la bondad, el sacrificio, el egoísmo, la hipocresía, la traición, la lujuria, la venganza, acaban por dar vida a una parábola bellísima pero funesta y desesperanzadora sobre el ser humano. Somos, parece decir Von Trier, tan ruines y mezquinos que el camino del bien nos está vedado. Así es el brutal pesimismo de esta obra de arte.

Dan Mahowny es director de una oficina bancaria. Su posición económica sería desahogada de no ser por su pasión por el juego y las apuestas. Cuando debe un montón de dinero, se da cuenta de que puede estafarle dinero a sus clientes. Philip Seymour Hoffman protagoniza esta adaptación de una historia real, que tuvo una gran repercusión en la opinión pública de Canadá. El guión parte del libro 'No Limit', de Gary Stephen Ross.

Un librero inicia un apasionado romance con Miranda, una misteriosa cliente. Pero ella desaparece sin dejar rastro al poco tiempo. Decide viajar a Londres, para buscarla. Allí descubre que Miranda tiene tres identidades. Desconocido thriller que supuso el debut en el largometraje de Marc Munden, más centrado en la televisión, que despliega una puesta en escena de estilo publicitario. El guión es un homenaje al cine negro que resulta demasiado ligero.

Acuciado por los problemas económicos, un joven mata fríamente sin pensárselo dos veces a una mujer acaudalada, y a su hermana, que aparece en la escena del crimen. Poco a poco, le entran remordimientos de conciencia que le impiden seguir llevando una vida normal. Versión modernizada del clásico de la novela realista rusa, que Fiodor Dostoievski escribió a finales del XIX, durante su cautiverio en Siberia, acusado de conspiración contra el zar. Crispin Glover demuestra sus cualidades interpretativas en el papel protagonista, acompañado de actores de excepción, como Vanessa Redgrave y John Hurt.

Jack Blake recoge a una mujer y a su hija, que se han quedado tiradas en la carretera, porque su coche se ha averiado. Jack se queda sorprendido del enorme parecido física de la chica con su propia hija, que fue brutalmente asesinada. Decide usar esta circunstancia como parte de un plan para desenmascarar al asesino. Modesto telefilm que se engrandece de la interpretación del protagonista, el todoterreno John Hurt. Además, el punto de partida es original.

¿Qué pasa cuando vives con una familia adoptiva, los Dursley, que no te quieren demasiado? Pues puede pasar que empieces a saber quién eres realmente cuando un buen día recibes una carta de Hogwarts, una escuela de magos, que dice haberte admitido en su primer curso. Siempre que haya una lechuza persistente en entregar sus mensajes, y un gigante, el simpático Hagrid, dispuesto a echarte una mano. Una vez que Harry se hace con sus enseres de mago, acude al andén nueve y tres cuartos, y de allí parte rumbo a un mundo nuevo, donde los “profes” son magos, y donde se pueden hacer amigos estupendos como Ron y Hermione, y hasta crearte alguna que otra rivalidad con la casa de Slytherin. El film abunda en situaciones humorísticas (magnífico el sombrero seleccionador), pero también en otras dramáticas (como Harry ante el espejo que devuelve el reflejo de sus padres muertos, cuando Dumbledore le dice que “no conviene atarse a los recuerdos demasiado” sabiendo que las nostalgias paralizantes pueden ser un peligro), o de suspense sin límites (la partida de ajedrez). El secreto del éxito del film viene dado por la fidelidad que Chris Columbus (Solo en casa, Señora Doubtfire) y su guionista Steve Kloves (Jóvenes prodigiosos) guardan al libro original de J.K. Rowling, con la clásica historia de un internado, donde los chicos van mostrando sus virtudes y defectos, siempre con deseos de ir mejorando. La escritora reconoce que le encantaban las 'Crónicas de Narnia' de C.S. Lewis, aunque ella trata de ser más subliminal en los contenidos de sus historias. En cuanto al parecido con la serie 'Los cinco de Enid Blyton', dice que la diferencia principal es que ella pretende que sus personajes crezcan. A los que critican su visión optimista de la vida, lo que se refleja en sus filmes, Columbus les replica: “Puedo entender que es válido mostrar a la gente las cosas feas de este mundo, pero también pienso que hay un lugar para películas que dejen a la gente un sentido de esperanza. Si tu película no consigue eso, creo que no vale la pena hacerla.” Este hombre familiar, casado y con cuatro hijos, ha vuelto a las raíces más puras de su cine para toda la familia. Y hasta se ha trasladado a vivir a Inglaterra, y puede que acabe dirigiendo las siete películas que pueden dar los libros de Rowling. Dice haberse inspirado, a la hora de dar con el aire adecuado, en sus tempranos trabajos en Gremlins y El secreto de la pirámide.

Cefalonia. ¿Cefaqué? Sí, Cefalonia, una isla griega, paradisíaca, donde parece que el tiempo se ha detenido. Sus habitantes aman la isla en idílica armonía. Y la bella Pelagia (Penélope Cruz) y el rudo pero amoroso pescador Mandras (Christian Bale) están prometidos. Pero, en pleno año 1941, llegan tropas italianas y alemanes que ocupan la isla. Uno de los integrantes de las fuerzas invasoras es el alegre capitán Corelli (Nicolas Cage), amante de la vida y la belleza, y virtuoso de la mandolina. Poco a poco empezará a sentir una tierna atracción hacia Pelagia. Adaptación de la novela Louis de Bernières a cargo de Shawn Slovo. John Madden, que saboreó las mieles de los Oscar con Shakespeare enamorado, es el director encargado de dar imágenes a ese guión. En el film conviven las escenas donde parece que el entendimiento pacífico entre seres humanos es posible (veladas con canciones), con otras que nos transmiten la cruda realidad de la maldad que anida en el alma humana (los planes de los nazis). En el reparto destaca más el gran Bale, el niño de El imperio del sol, que la pareja protagonista de Cage y Cruz, que se esfuerza en crear la necesaria química.

Darren es el presentador del programa más representativo de la telebasura británica, no en balde se llama "Tabloid TV". Allí trae a famosetes, y sus peores trapos sucios salen a la luz, les guste o no. Y aunque los invitados no estén encantados con ello, el caso es que necesitados de la fama, y sabedores de la audiencia del show, allá van de cabeza. Un día Darren conoce a un tipo siniestro, Vince, que le lleva a una auténtica bacanal sexual. Es la oportunidad de que Darren empiece a probar su propia medicina.   Mordaz sátira a la degradación televisiva, aunque como suele ocurrir en este tipo de filmes, incurre en parte en los defectos que critica. Matthew Rhys es el infame presentador, y John Hurt el personaje que le va a complicar la vida.

Adaptación de la obra de un solo acto de Samuel Beckett, que cuenta con un solo personaje, interpretado por John Hurt. Se trata de un monólogo, en que el protagonista celebra su 69 cumpleaños siguiendo su costumbre de hacer una grabación en cassette de lo que ha sido su último año; al tiempo, escucha una de las grabaciones que hizo en sus años mozos. Todo ello sirve para lanzar una reflexión de lo que puede llenar una vida. Atom Egoyan hizo esta versión para televisión de casi una hora, con gran sobriedad, y enmarcando al protagonista entre sombras, con una fotografía rembrandtiana.

Maya es muy sensible a las asechanzas del diablo. No en vano estuvo poseída por él siendo niña, y sólo un exorcismo la libró de sus garras. Ya adulta dedica sus energías a combatir a Satán, ayudando al padre Lareaux. Una serie de pistas la convencen de que el Anticristo viene ya a la Tierra, y que quiere usar el cuerpo del escéptico escritor Peter Kelson. ¿Logrará salvar su alma del peor de los enemigos? Janusz Kaminski, director de fotografía de La lista de Schindler de Steven Spielberg, debuta en la realización con este film sobrenatural. Explica que el proyecto le sedujo porque “explica la naturaleza de la fe y la crisis espiritual de nuestra sociedad, y a la vez proporciona muchos momentos excitantes”. Tantos que Winona Ryder aceptó ser la protagonista, pues, asegura, “trata de un mundo del que no sabía absolutamente nada”.

Película de ladrones que por aquello de tratar de ser original, enreda la madeja argumental hasta extremos poco afortunados. La idea es que un veterano ladrón y sus dos jóvenes compinches orquestan el clásico robo perfecto a un banco. Pero las cosas se complican porque una banda rival les estropea el plan, lo que termina conduciendo a un escenario de rehenes y lugar sitiado por la policía. Antes de dedicarse a las secuelas (Juegos salvajes 2, Vampiros 3), ya se sabe que de algo hay que vivir, Andy Hurst hizo este film, al menos presentable, que toma elementos prestados de títulos como Pulp Fiction o Sospechosos habituales. Como es normal, John Hurt está muy bien, está claro que la veteranía es un grado.

Johnny acaba de salir de la cárcel. Su esfuerzo por regenerarse pronto se va a ver truncado, pues su padre y hermanos le involucran en un plan criminal, el asalto de la taquilla de la plaza de toros de Tijuana, en México. Primer largometraje del actor Matthew Modine, que antes sólo había dirigido cortos. Modine firma el guión y se reserva además el papel protagonista de esta película de ladrones miserables, donde también tiene presencia el gran John Hurt. Nada original hay en la cinta, pero se deja ver.

Danny, un estafador, resulta herido en un tiroteo. Cuando acude a refugiarse en casa de su padre, hace con él un pacto: él donará a su hermana el corazón, mientras que el padre deberá hacerse pasar ante unos mafiosos por un millonario al que teóricamente han secuestrado. Ingenioso y ágil thriller, en la línea del sorprendente Lock & Stock. En el reparto se puede ver a la chica de Matrix.

Bobby, un joven retrasado mental, tiene que afrontar la muerte de su madre. A continuación es maltratado por su padrastro, un hombre sin escrúpulos. Decide escaparse de casa, y acaba haciéndose amigo de un curioso individuo que vive solo, y se dedica a enterrar a animales atropellados. Debut como director de Jeremy Thomas, que ha producido cintas tan notables como El último emperador. Adapta la novela de Walker Hamilton. Christian Bale realiza un gran trabajo, en un papel difícil de discapacitado mental.

Danny es el foco de los insultos del resto de niños de su pueblo porque su padre fue el único hombre de la zona que no combatió en la Segunda Guerra Mundial. Está ansioso por demostrar su hombría. El camino de su consecución le llevará a conocer a un señor mayor del pueblo con quien inicia una peculiar relación de amistad. Su nuevo amigo se está muriendo de cáncer y es un ingeniero solitario, malhumorado e irreverente. La película gira en torno al tema tan cinematográfico del cruce de generaciones, donde una relación que parece imposible acaba convirtiéndose en una interesante simbiosis donde ambas partes aprenden y aprecian todo lo que el otro tiene que ofrecerles. En este caso los dos protagonistas hablan sobre temas dispares, incluido la eutanasia.

Película europeísta a tope, al menos su personaje protagonista es un funcionario de la Unión Europea al que da vida John Hurt. Se trata de un miembro del gobierno británico que es escogido para ser Comisario Europeo por su país. Una vez en Bruselas, empiezan a llegarle cartas anónimas denunciando una trama de corrupción. Aunque él mismo no fue trigo limpio en el pasado, decide indagar qué hay de cierto en esas denuncias. El suizo George Sluizer es un cineasta más que competente, como demostró en los inquietantes filmes Desaparecida y su remake americano Secuestrada. Aquí pergeña una entretenida intriga política, con dilemas éticos de por medio.

Un tipo acaba de salir de la cárcel. Debe esconderse de cierto gángster, que le reclama una cantidad de dinero. Así que se aloja como inquilino en Dublín, en la casa de una anciana señora que vive con su tímida hija. Y mata el tiempo dedicado a su afición favorita: maquetas de trenes. Hasta que se enamora. Sensible film irlandés con dos actorazos: John Hurt y Brenda Blethyn.

Enésima versión –aunque nada tópica– de la historia del criminal bueno. En este caso, el delincuente Gerry Brutecki (llamado Brute) es enviado de Inglaterra a Rumanía para redimirse cumpliendo labores humanitarias. Estamos a comienzos de 1990, cuando se instaló esa discutible política en Inglaterra. Brute echará una mano en un orfanato miserable, donde los niños mueren como chinches y la corrupción está a la orden del día. El film evita los clichés y pese a que la evolución de los personajes no es del todo verosímil, la historia gana en cuanto denuncia de los estragos, materiales y morales, que el comunismo causó durante más de medio siglo. Destaca el prestigioso reparto y la excelente banda sonora del polaco Michal Lorenc.

Ellie, tras la muerte de su padre y una infancia solitaria, ha dedicado toda su vida al estudio de la ciencia. Especializada en radioastronomía e integrada en el programa SETI, está obsesionada por la búsqueda de formas de vida inteligente de origen extraterrestre. Un día sus esfuerzos se ven recompensados, por la recepción a través de un satélite de un mensaje codificado de origen desconocido. Gran película de ciencia ficción, basada en la novela escrita por el científico Carl Sagan. Dirigida por Robert Zemeckis (oscarizado por Forrest Gump) cuenta con unos magníficos efectos especiales, y una esplendida interpretación a cargo de Jodie Foster y Matthew McConaughey. En cualquier caso, Contact no defraudará a los admiradores de la mítica Encuentros en la tercera Fase, auténtica precursora de esta película.

Un escritor viudo lleva una vida alejada de cualquier modernidad. Escribe todo a máquina y en su casa apenas si hay algún aparato eléctrico. Pero un buen día decide cambiar su rutina y acudir al cine. Se equivoca de sala y entra en la proyección de una película de adolescentes. Horrorizado, se dispone a salir cuando descubre al actor que encarna al protagonista. Ahí comienza su obsesión con el joven que le lleva a acudir a su casa para conocerlo personalmente. El joven que enamora al personaje de John Hurt es Jason Priestly, quien alcanzó la fama en la década de los noventa gracias a su personaje de Brandon Walsh en Sensación de vivir.

Rob Roy fue la punta de lanza de los numerosos filmes épicos de aventuras. Relatos exóticos ambientados en tiempos pretéritos, buenos y malos, lealtad y traición, amores imperecederos... Los grandes productores inventan poco menos que la pólvora al descubrir que con estos ingredientes se puede confeccionar un plato al gusto del gran público. Rob Roy MacGregor (Liam Neeson), jefe del clan de los MacGregor en las tierras altas de Escocia, consigue con esfuerzo y duras condiciones un préstamo del marqués de Montrose (John Hurt). Dos esbirros del marqués, a espaldas del mismo, trazan un plan para robarle el dinero prestado. Ello provoca el enfrentamiento entre Rob Roy y su señor; entre las salvajes represalias se cuenta la violación brutal de la mujer de Rob Roy, Mary (Jessica Lange), por el malvado y sádico Cunningham (Tim Roth). El film se basa en un personaje real que vivió en el siglo XVIII, y que inspiró una novela de Sir Walter Scott, el autor de Ivanhoe. El guión de Alan Sharp, aunque conserva el tono heroico del novelista, trata de dar una mayor dosis de realismo mal entendido: lo cual se traduce en más sangre, algo de erotismo, y el recuerdo de las necesidades fisiológicas más elementales. También adolece de una cierta arritmia. A pesar de estos defectos y de un metraje excesivo —más de dos horas—, el film cumple su objetivo de entretener. El director, Michael Caton-Jones ofrece unas cuantas secuencias espectaculares, dirige bien el clímax del duelo, y armoniza eficazmente los distintos elementos de un producto complejo. Entre los intérpretes, Tim Roth —muy bien en su papel de malvado— roba la función al resto del cuidadísimo reparto.

Lejos queda la visitación que Walter Hill hace al personaje de Wild Bill Hickok de la realizada sesenta años antes por Cecil B. De Mille en el clásico Buffalo Bill, con Gary Cooper y Jean Arthur en los papeles de Wild Bill y Calamity Jane. Hill opta en su film por una visión sombría y desmitificadora del personaje, poco atractiva. De todos modos ésta no es la causa principal de la decepción que provoca el film. Al fin y al cabo, el realizador dirigió antes, con estos mismos planteamientos, la más sugestiva Forajidos de leyenda. El film se inicia con imágenes en blanco y negro del entierro de Wild Bill. A partir de aquí, ya en color, se rememoran las andanzas que le han llevado a la tumba. Unas ligeras y rápidas pinceladas, que componen un personaje violento, siempre en busca de pelea, dan paso a la presentación de un jovenzuelo que desea liquidarle por abandonar años atrás a su madre, tras una relación amorosa. A pesar de manejar abundante material literario –una novela de Peter Dexter y una obra teatral de Thomas Babe–, el guión urdido por Hill está mal trenzado. El personaje encarnado por John Hurt, una especie de biógrafo oficial de Wild Bill, se desaprovecha. La historia del amor imposible entre el protagonista y Calamity Jane se dibuja torpemente, y es la excusa para una ridícula escena erótica. Mientras que los deseos de venganza del joven muchacho no resultan creíbles en un personaje que arrastra demasiadas contradicciones.

El matrimonio Cooper vive en Bangkok. Son británicos pero en Tailandia tienen todo lo que necesitan. Todo menos una cosa: un niño. La pareja está como loca por tener un hijo, así que comienzan el proceso para adoptar uno. En primer lugar acuden a una organización religiosa cuyos métodos de adopción no son del todo legales, aunque el matrimonio está convencido de que en Inglaterra no habrá problemas para conseguir la adopción legal del niño. Pero algo sale mal y se quedan sin retoño. Entonces comienzan una búsqueda por los bajos fondos tailandeses para conseguir un pequeño al que adoptar. Este tema de las adopciones en este tipo de países ha ido ganando actualidad con el paso del tiempo. A comienzos del siglo XXI, las adopciones internacionales están a la orden del día. Un mundo donde entre muchas luces, también ha aparecido alguna sombra.

Un hombre llamado William Blake (¿guiño al célebre poeta romántico?) llega al Oeste para trabajar en una fábrica. Pero allí el director de la empresa ya ha contratado a alguien en su puesto. Más tarde, diversas aventuras convierten a Blake en un forajido. Dentro de la filmografía independiente del norteamericano Jim Jarmusch, este western se encuentra entre lo más rarito. Rodado en blanco y negro, y plagado de personajes estrafalarios, contiene pasajes tan magnéticos como incomprensibles. Destaca el pequeño papel del veterano Robert Mitchum y los punteos minimalistas de Neil Young.

James es un niño problemático que se ha pasado casi toda su vida en un orfanato. A su padre que tuvo que cumplir condena casi no le ve y su madre murió trágicamente, recuerdo que le obsesiona y le hace tener un carácter agresivo. Un día, Graham, el jefe de correos de un pueblecito, se interesa por el chaval y desea adoptarlo. Graham tampoco ha tenido una vida fácil y en la actualidad tiene que hacerse cargo de su padre que sufre una enfermedad mental. Con la posiblidad de la adopción, la vida en común de Graham y James estará llena de obstáculos, y tendrán que aprender a afrontar sus miedos y dificultades en una vida que no les ha puesto las cosas sencillas. Chris Menges, valorado diretor de fotografía en películas como Los gritos del silencio, La misión, The Boxer, Diario de un escándalo..., dirige aquí este drama basado en una novela del guionista David Cook. La película tiene buen ritmo, buenas interpretaciones, buen guión y momentos dramáticos intensos, de gran sensibilidad. El mensaje que aporta es un hermoso canto al amor generoso. No obstante, se atisban algunas escenas que pueden parecer repetitivas, pero se le perdona el hecho de que, en general, el director realiza un trabajo brillante.

Una pareja de policías formada por el detective Tucher, un veterano en la lucha contra el crimen que arrastra consigo un trauma personal, y su atractiva compañera Flyn, se enfrentan al caso más espeluznante de sus carreras. Los acontecimientos comienzan cuando una científica rusa, al servicio del Gobierno de los Estados Unidos, comete un asesinato. Su víctima es un niño de diez años. Se trata sólo del comienzo de una serie de espeluznates sucesos. Los policías habran de vérselas con una fuerza de origen desconido, capaz de dominar a cualquier persona y hacerle realizar cualquier cosa. El origen de este poder es totalmente desconocido. John Eyres dirige esta entretenida película, que combina elementos de thriller, ciencia ficción y terror. La película mantiene un buen ritmo narrativo que consigue captar la atención del espectador en todo momento. El reparto lo componen Bill Paxton, Lindsay Frost, Louis Gossett Jr. y John Hurt, entre otros.

Este embarullado film enmarcado en la contracultura de los años setenta, adaptación de una novela de Tom Robbins, pretende ser un alegato feminista. El director y guionista Gus Van Sant vuelve a mostrar su obsesión por retratar personajes marginales atrapados en espejismos de felicidad —droga y sexo desenfrenados— que no les satisfacen. Aquí se trata de un grupo de chicas vaqueras realmente peculiar. Valga como botón de muestra de la excentricidad de la película un detalle, que se supone genial hallazgo de Gus Van Sant: los pulgares excesivamente gruesos de la protagonista la han convertido en una experta autoestopista.

Más que una adaptación cinematográfica, esta película es una traslación sin más, pura y dura, de la obra teatral de Luigi Pirandello al cine, producida por la BBC para la televisión. Tiene por tanto la fuerza de la creación original, una imaginativa historia en la que varios personajes se rebelan contra el destino que les depara el escritor. Obra surrealista, que explora la realidad de la creación artística, y por extensión del sentido de la vida humana, y que fue muy influyente en el teatro del siglo XX. El reparto británico es excelente.

Después de un grave accidente un joven tiene que reunirse con un psiquiatra pues ha perdido la memoria. Con su ayuda irá descubriendo fragmentos de su pasado que había olvidado, como el repentino cambio de residencia que tuvo que hacer su familia. Segunda película que se hace en base a la novela de Robert Cormier "I am the Cheese". La primera cinta se hizo en 1983 y contaba en el reparto con la entonces desconocida Cynthia Nixon.

En un alejado y pequeño pueblo, existe la tradición de que la Virgen María se apareció. Uno de sus vecinos aprovecha las peregrinaciones que tienen como destino el lugar para poner en marcha un peculiar hobby: enterrar a la gente viva. Cinta del prolífico director chileno Raúl Ruiz, cuya carrera se ha realizado prácticamente en su totalidad en Francia.

Tras la muerte de la familia real británica en un accidente, un americano de Las Vegas se convierte en el heredero del trono. El mítico Peter O’Toole, parodiando su interpretación de El último emperador, es el máximo aliciente de esta divertida comedia sin pretensiones, que contrapone la grosería del protagonista con la rigidez británica. Está muy bien dirigida por David S. Ward (El golpe), autor del guión y el productor es Sydney Pollack (Memorias de África).

Comedia de humor picaresco que sigue el viaje de tres personajes inútiles debido a una enfermedad degenerativa, desde el norte de Inglaterra hasta una lejana capilla. El itinerario será una especie de prueba de su fe. Lo más destacable es la presencia de actores de actores británicos renombre, como John Hurt (Manderlay) o David Thewlis (La vida interior de Martin Frost).

En los años 80, un grupo de las fuerzas armadas sudafricanas llevan a cabo una misión en Namibia con el objetivo de cazar a un asesino que está sembrando el pánico en su país. Anton, un cámara de televisión de Sudáfrica, localizará al asesino, pero se dará cuenta de que está protegido por personas poderosas con intereses comerciales. Discreto y entretenido thriller, producido por Sudáfrica, con algunos momentos de mayor interés, y bien protagonizado por un jovencito Sean Bean (Lunes tormentoso). Le secunda el gran John Hurt.

La acción nos sitúa en Irlanda, justo cuando en Europa está a punto de comenzar la Segunda Guerra Mundial. Toro, interpretado por Richard Harris, es un granjero que lleva toda su vida trabajando para sacar adelante un terreno. El campo es propiedad de una adinerada viuda del pueblo. Toro trabaja en arrendamiento, con el sueño de lograr poseer algún día el terreno al que ha dedicado su vida. Debido a una serie de motivos, la viuda decide vender el terreno. En vez de ofrecérselo a Toro decide sacarlo a subasta pública, con la intención de obtener una mayor ganancia. Aparece un extraño forastero norteamericano, interpretado por Tom Berenger, que está decidido a pujar con Toro por el terreno. Una emotiva película que habla sobre los sueños de dos hombres desde distintos puntos de vista. Richard Harris realiza una interpretación soberbia. Dirigida con maestría por Jim Sheridan, artífice de excelentes películas como Mi pie izquierdo, En el nombre del padre o The boxer. Está narrada con delicadeza y, a la vez, rigurosidad. Atrapa al espectador desde el principio hasta el final.

Un grupo de periodistas ingleses intenta demostrar que los seis delincuentes comunes a los que se acusó de ser responsables de las bombas que explosionaron en dos pubs de Birmingham en 1974, eran en realidad inocentes. Se trata de un intenso drama, producido para la televisión, y que se basa en los mismos hechos reales que recrea la película En el nombre del padre, producida tres años después y nominada a 7 Oscar. En el caso que nos ocupa, John Hurt realiza un meritorio trabajo.

Última película dirigida por Roger Corman, que volvía a ponerse tras las cámaras 20 años después de El barón rojo (1971). Para ello retoma el mito de Frankenstein en una curiosa historia que comienza en el año 2031, cuando un científico consigue crear un poderoso láser que abre un boquete en el tiempo que le traslada hasta la Suiza de 1817. Allí no solo entra en contacto con el doctor Frankenstein, sino con el monstruo y la mismísima amante de Lord Byron. Todo un despropósito a pesar de contar con un presupuesto que era casi tan alto como el de todas sus 49 películas anteriores –11 millones de dólares–, un rodaje en Italia y un reparto de rostros conocidos como los de John Hurt, Raul Julia y Bridget Fonda, todos ellos bastante desconcertados ante los acontecimientos.

Julio de 1961, Gran Bretaña. El Dr. Stephen Ward (John Hurt), un reputado médico con muchas relaciones e influencias entre los círculos de poder del gobierno británico, celebra una fiesta en su mansión. John Profumo (Ian McKellen), el ministro de la guerra del gobierno, está invitado. Debido a una equivocación, Profumo entra por la parte de atrás de la mansión, y contempla a la atractiva Christine Keeler (Joanne Whalley-Kilmer) tumbada desnuda junto a la piscina. Esta mujer fue descubierta por Ward en un oscuro club, y la rescató con la intención de educarla. Profumo no puede resistirse a los encantos de Christine, e inician una apasionada relación a pesar de su abultada diferencia de edad. La joven tiene al mismo tiempo relaciones con el agregado naval soviético, Eugene Ivanov, y se ha convertido en una de las mujeres más deseadas del país. El escándalo, conocido en algunos círculos, no tarda en saltar a la primera página de los periódicos. Como es natural, Profumo lo niega todo. Revela un oscuro suceso ocurrido en Gran Bretaña. Está basada en un hecho real, que escandalizó a todos los que creían que los políticos ingleses se regían aún por la rígida y austera moral victoriana. Sexo, corrupción y falsedad se dan cita de manera truculenta en esta película, narrada con habilidad, y que cuenta con el atractivo de un brillante equipo de actores.

Inquietante film que de modo gradual va creando un estado de desasosiego en el espectador. Con un guión basado en una novela de Arthur Wise, la cuestión que se plantea de fondo es cómo el corazón de un niño –en este caso de una niña de 9 años– puede ser más cruel, manipulador y malvado que el de cualquier adulto. Hasta una apartada zona de costa llegan un hombre y una mujer, donde alquilan una casa cerca de la playa. Por allí hay muy poca gente, pero entre los vecinos tienen a dos niñas llamadas Thelma y Elizabeth. Al parecer son angelicales, pero comenzarán a asediar a los nuevos vecinos y descubrirán ciertos secretos. El chantaje será el siguiente paso... Buena actuación de John Hurt.

Allan es un constructor de puentes en la ciudad de Calcuta, en India. Allí recibirá la visita de un amigo, del cual queda enamorada una jovencita del lugar. Por otro lado, Allan sentirá un intenso deseo por la hija de su jefe. La película, basada en una novela del escritor y pensador rumano Mircea Eliade, se enmarca en el 'subgénero' de amores turbulentos en territorios exóticos, con las dificultades de cultura y distanciamiento que le son comunes. Dirige con sensibilidad el escritor y director Nicolas Klotz, quien cuenta con un joven Hugh Grant para el papel protagonista, muchos años antes de dar el campanazo con Cuatro bodas y un funeral.

Stormy acaba de comenzar su carrera como abogado. Resuelve su primer caso sin problemas, como quien no quiere la cosa. Sin embargo, nada va a ser tan sencillo como parece y pronto se enfrentará a la difícil realidad de su profesión cuando tiene que defender a un presunto asesino. El responsable del guión es David E. Kelley, todo un experto en llevar historias sobre abogados a la pantalla como demuestran sus creaciones en televisión. Es el responsable de series como Ally McBeal, El abogado y Boston Legal.

En los años 40, una pareja de recién casados de la alta sociedad se instala en Kenia. Pero ella se siente atraída por un cínico conde. El autor de El cartero (y Pablo Neruda) adapta una novela de James Fox (II).

El malvado Dark Helmet rapta a la princesa Vespa. Con estilo alocado y grosero, el director de El jovencito Frankenstein parodia La guerra de las galaxias.

Jake Speed es un héroe de leyenda, algo así como El equipo A. Y al igual que sucede con los ex convictos de Vietnam, Margaret comprobará que Speed existe de verdad. Como buen héroe que es, sólo se deja ver cuando la gente que tiene problemas requiere de su ayuda. La hermana de Margaret ha sido secuestrada, así que es el momento perfecto para que intervenga Speed. Película menor de aventuras en la que John Hurt tiene un papel secundario.

Peter (John Hurt) tiene un hermano pequeño que está ingresado en una institución mental. Abrumado por el cargo de conciencia, decide sacarlo de allí cuando éste intenta suicidarse. Está convencido de que podrá ayudarlo a recuperarse si trata directamente con él, sin médicos ni intermediarios. Pero nada sale como él había planeado, pues su hermano continúa siendo presa de unos inquietantes sueños. Destaca la presencia de la española Victoria Abril entre los secundarios. Una actriz que siempre ha trabajado mucho fuera de nuestras fronteras, principalmente en territorio Europeo.

Alex es un polaco que vive con su familia exiliado en Londres. Pronto comienza a tener problemas con los suyos pues vive obsesionado con su carrera teatral. Sólo sueña con alcanzar el éxito y volver victorioso a Polonia. Algo que no comparte ninguno de los miembros de su familia. El director Jerzy Skolimowski fue nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su trabajo en esta cinta.

Una historia real de superación personal, conmovedora y estimulante. Al jockey Bob Champion le diagnosticaron un cáncer, pero lejos de desanimarse el hombre hizo honor a su apellido y acabó ganando en 1981 el Grand National. John Irvin dirige este biopic basado en las memorias del interesado. Protagoniza el siempre solvente John Hurt.

Adaptación algo plúmbea de la poco halagüeña novela de anticipación del británico George Orwell, acerca del peligro de los estados totalitarios, ‘grandes hermanos’, dispuestos a impedir la libertad de los ciudadanos. Se estrenó justamente en el año que el novelista inmortalizó con su obra. Michael Radford no logra dar con el tono para retratar la opresión del estado, y tampoco para describir el romance prohibido. Lo más destacable es el trabajo de John Hurt.

Willie Parker es un antiguo gángster que un buen día decidió abandonar a su banda y asentarse en España. Allí vive tranquilo y confiado, pues tiene fe en que ninguno de sus antiguos compañeros de con su paradero. Pero diez años después de su desaparición aparecen dos matones con la misión de escoltarlo hacia su antiguo hogar. Producción británica del gran Stephen Frears con abundante presencia española, y el ritmo adecuado para contar una historia donde el pasado vuelve al encuentro. Prácticamente todos los secundarios son españoles, entre los que destaca Fernando Rey. Pero no sólo en le reparto se nota el toque hispano, sino también en la música ya que el responsable es el fantástico guitarrista Paco de Lucía.

Lawrence Fassett es miembro de la CIA y acaba de perder a su mujer a manos de unos asesinos. Todo parece indicar que la KGB anda detrás del caso y también la organización Omega. Fassett cuenta con la ayuda de un reportero de televisión que intentará descubrir a los compinches. Thriller de espías con notas de drama y una pizca de humor en alguna escena, que mantiene el interés en todo momento. Interesante interpretación de John Hurt y Rutger Hauer donde también destaca Craig T. Nelson y Burt Lancaster. Fue la última película de Sam Peckinpah.

Típica película de colegas o 'buddy-movie', con la desigual pareja policial Ryan O'Neal-John Hurt. El primero es un detective de la policía, que investiga una serie de asesinatos en la comunidad gay. Como tapadera para descubrir pistas se hace pasar por homosexual, en compañía de un gay auténtico, empleado de la comisaría. Esto dará pie a situaciones disparatadas. Así contado puede sonar hasta gracioso, pero el film carece de sustancia, y no es muy divertido. Es destacable tan sólo por ser uno de los primeros títulos hollywoodienses que se esforzaba en vender la homosexualidad incluyendo personajes amables con esta orientación sexual.

En un tono desenfadado de aventuras, se narra la odisea real de un grupo de personas que huyeron en 1979 de Alemania del Este. Para burlar la exhaustiva vigilancia de las fronteras, emplearon un globo aerostático. Dos amigos que trabajan en la construcción de un nuevo complejo de apartamentos se resienten de las restricciones del Estado comunista. Cuando el hijo de un compañero suyo es asesinado por los guardias en su intento de cruzar la frontera, ambos acuerdan que es el momento de marcharse. La producción cuenta con pocos medios, pero logra su pretensión de entretener. Excelente interpretación de John Hurt, bien secundada por el resto del reparto.

Recorrido cómico-alocado por los episodios más relevantes de la historia de la humanidad, desde la aparición del primer hombre hasta la revolución francesa. El filme se detiene especialmente en la entrega de las tablas de la ley por parte de Dios a Moisés, en el imperio romano, donde un granuja intenta luchar por su supervivencia, y en la revolución francesa, donde los aristócratas son presentados en una vida repleta de lujos. Desenfrenada comedia en el más puro estilo de Mel Brooks, que no duda en utilizar todo tipo de recursos, incluida la irreverencia, con tal de producir la risa en el espectador. Desde continuos y sorprendentes anacronismos (por ejemplo un hombre de color con un radiocasette estéreo en pleno Imperio Romano), equívocos, persecuciones y todo tipo de gags. El mismo Brooks fue el encargado de producir, escribir, dirigir y protagonizar el filme, acompañado de una larga lista de actores, muchos de ellos habituales de su cine como Dom DeLuise. Especial mención requiere el prestigioso narrador, nada menos que el mítico Orson Welles, en uno de sus últimos trabajos poco antes de fallecer. Este filme era la primera parte, e incluso se ofrecía al final un trailer de una supuesta segunda entrega en la que se continuaba la historia de la humanidad hasta la conquista del espacio.

Unos ganaderos americanos de finales del siglo XIX contratan el trabajo de unos mercenarios para dar muerte a un centenar de inmigrantes, pues creen que son un impedimento para el progreso, en un momento de la historia donde Norteamérica era considerada la tierra de las oportunidades. Desmesurada película que fue un impresionante fracaso de taquilla y a la que se acusó de ser la causante de que la compañía UA cayera en picado. Pero, lo cierto es que la historia, dirigida por Michael Cimino (El cazador), es una epopeya con una preciosa fotografía y un mensaje claro y violento de lo que supuso el nacimiento de los modernos Estados Unidos y del sueño americano. Fue nominada a los Oscar por la dirección artística y destaca en el reparto Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert o Jeff Bridges, entre otros.

Una rara enfermedad ha deformado el cuerpo de John, cebándose en su rostro y su cabeza, que oculta con una capucha. John es exhibido como un monstruo en las ferias, hasta que un cirujano se apiada de él, lo ingresa en un hospital e intenta ayudarle... ¿Que sucederá? Uno de los films más conmovedores de David Lynch, que está inspirado en hechos reales. La historia da vueltas a la idea de que la hermosura no es sólo el aspecto físico de las personas. Un canto al espíritu humano, rodado en un audaz blanco y negro, cuenta con unas magníficas interpretaciones. A destacar John Hurt, que da vida a John Merrick, el hombre elefante.

En el verano de 1979 algo cambió en el cine. Nunca hasta entonces una película de ciencia ficción había sido tan siniestra y terrorífica, nada que ver con la claridad cristalina, aséptica y también inquietante de la película con mayor impacto del género: 2001: una odisea del espacio. La historia de Alien fue concebida por Dan O'Bannon, quien se inspiró en dos antiguas películas, It: The Terror From Beyond Space y Ten Little Indian in Space. El guión llegó a una pequeña productora recién fundada llamada Brandywine. Sin embargo, uno de los productores, el entonces joven director Walter Hill, se dio cuenta de que no podría afrontar el presupuesto y acudió a la Fox para que tomara el mando del proyecto. Hill era la primera opción para dirigir la película, pero otro de los productores propuso el nombre de Ridley Scott. Por aquel entonces, Scott sólo era conocido por sus trabajos publicitarios y por haber realizado la estupenda Los duelistas (1977) a las órdenes del prestigioso productor inglés David Puttnam. Toda la historia de Alien tiene lugar en una nave espacial, el Nostromo, que en un viaje comercial de regreso a la Tierra intercepta una señal de socorro procedente de un planeta cercano. En la exploración uno de los tripulantes es atacado por un extraño parásito que se acopla a su garganta. Cuando se dan cuenta de que en realidad, la señal recibida por la computadora “Madre” no era de socorro, sino de advertencia, la tripulación ya ha dado entrada en la nave a un ser desconocido y letal. El guión original fue modificado para distanciarse más de la película de Stanley Kubrick. Si ahí la computadora Hal lo dominaba todo, aquí se prefirió que la computadora Madre quedara en un segundo plano y para ello se dio entrada a un nuevo personaje, el androide Ash (Ian Holm). Al margen de su clara crítica al desmedido afán cientifista del hombre, el éxito de Alien habría que achacarlo principalmente a tres aspectos. El primero es la elección de un personaje femenino, la teniente Ripley, para encarnar al héroe, cosa que no estaba prevista en el primer borrador. El rictus vigoroso del rostro de Sigourney Weaver dio al personaje el carisma que necesitaba. El segundo aspecto es el ambiente tenebroso que logra crear Scott. La atmósfera de la película es agobiante, claustrofóbica y las tripas del Nostromo (nombre inquietante tomado de una novela de Conrad, al igual que la cápsula Narcissus en la que viaja Ripley) parece una interminable red de galerías, una cueva desconocida en la que cualquier rincón puede esconder una amenaza. Esta puesta en escena llegó a convertirse en seña de identidad de Ridley Scott, el mejor ideador de futuros hostiles e irrespirables (Blade Runner). Y el tercer aspecto y más importante de todos es la criatura misma y su singular presencia en la pantalla. Diseñado por el pintor surrealista H.R. Giger, el Alien es un prodigio de imaginación. Su forma de desarrollarse y su composición ácida son hallazgos descomunales que le dan un dominio total sobre los humanos. Y, sin embargo, lo mejor de la criatura no es ella misma sino el tratamiento que Scott le depara. Nada hay más amenazante que lo desconocido y el espectador, consciente del peligro, nunca puede abarcarlo del todo. Ridley apenas filma al Alien de frente y cuando lo hace sólo es por pocos instantes. El monstruo siempre está escondido a la vuelta de la esquina, entre las sombras, y aparece sin previo aviso. Sólo vemos los desechos humanos que va dejando a su paso y esto da al film su genuino carácter terrorífico.

Durante un partido de criquet, un doctor atiende en su puesto a un paciente, que dice que puede matar con un grito. Terror psicológico a partir de un relato de Robert Graves, del polaco Jerzy Skolimowski.

Billy Hayes es un estudiante norteamericano que pasa sus vacaciones en Estambul, Turquía. Cuando está a punto de regresar a su país, es detenido con una pequeña cantidad de hachís. Al principio cree que el asunto se solucionará rápido, en cuanto entre en escena la embajada estadounidense. Pero las reglas que rigen a las autoridades turcas no tienen nada que ver con las del mundo occidental. Hayes es condenado a pasar 4 años en una horrible cárcel turca. Allí, es humillado por un comandante. Sólo se mantiene a flote gracias a la amistad que entabla con un funcionario norteamericano y con otro inglés, que luchan con las cerriles autoridades turcas por su puesta en libertad. Entretanto, su padre abandona todo para dedicarse por completo a la defensa de su hijo. Una película arrolladora y terrible. Narra con crudeza unos hechos reales, contados por el propio Billy Hayes en su novela homónima. La adaptación al guión la realizó Oliver Stone, y por ello obtuvo un Oscar. Oscar también a la sobrecogedora partitura musical de Giorgio Moroder. La película está dirigida con contundencia por Alan Parker, bajo la producción de David Puttnam. Cuenta con una excelente interpretación de los actores principales.

Trama cuya inspiración no confesa proviene de La carta de William Wyler, que adaptaba a Somerset Maugham. El resultado es bastante inferior, falta alma a la película. La historia transcurre en un innombrado país asiático, donde el personaje de John Hurt es diplomático. Allí su esposa le engaña con el dueño de una plantación.

Peli de terror con guión del creador de Star Trek Gene Roddenberry. Dirige un experto el género, Clive Donner, aunque el resulta es truculento y poco estimulante. El film sigue a un experto en ocultismo al que pide ayuda una mujer, que sospecha que su hermano empresario se dedica en “los ratos libres”, es un decir, a la magia negra. El otro en cambio lo niega, y dice que es la hermana la que está un poco “majara”. En el reparto tiene un pequeño papel John Hurt.

Un asesino profesional se encuentra, a la vuelta de su último trabajo, que su esposa ha desaparecido. A la creencia inicial de que le ha abandonado por su carácter imposible, sigue la sospecha de que todo está relacionado con uno de sus asesinatos. Intriga pasablemente entretenida, con un reparto la mar de competente para la carga psicológica que se pretende dar a los personajes. Sobresale el clímax que enfrenta a Donald Sutherland y Christopher Plummer.

El emperador Augusto gobierna Roma con mano de hierro. Su esposa Livia conspira para que su hijo Tiberio herede el trono, en lugar de Marcelo o Herodes Agripa, que son los favoritos del emperador. Una de las más lujosas producciones de BBC, que para celebrar su cuarenta aniversario puso en marcha esta adaptación de 'Yo, Claudio' y 'Claudio, el Dios y su esposa Mesalina', dos novelas históricas de Robert Graves, escritas como una supuesta autobiografía del personaje. BBC logró fichar a los actores más prestigiosos del teatro británico, hasta el momento reacios a intervenir en series televisivas. Las sobresalientes interpretaciones es lo que más llama la atención de esta serie, rodada íntegramente en decorados. Presenta una desgarradora recreación de una época crucial de la historia del Roma, marcada por las conspiraciones palaciegas y los asesinatos.

Biopic de Quentin Crisp (1908-1999), un excéntrico escritor inglés, de humor fino y lacerante. Allá por los años treinta del siglo XX Crisp desafió a las modas y convenciones sociales mostrando abiertamente su afeminado carácter y sus costumbres homosexuales. Se mostraba en público con colores chillones, trajes de plumas y gestos exageradamente amanerados, lo cual le granjeó no pocos problemas con su familia, con sus amigos y con las autoridades públicas. Esta película recoge la historia de esos años del escritor, una especie de reivindicación gay. Protagoniza con la profesionalidad que le caracteriza el gran John Hurt.

Un grupo de jóvenes de la alta sociedad organiza una carrera de coches por la campiña inglesa. Cuando uno de los vehículos se extravía, los ocupantes descubren una casa en las inmediaciones. pero lo que van a encontrar en ella va a ser de todo menos ayuda. Fallida película de terror, con personajes siniestros, animales, caníbalismo y otras lindezas, que ha perdido frescura (si tuvo alguna) con el paso de los años. Y eso que entre el reparto tenemos al gran Peter Cushing, que realiza una escalofriante interpretación de su siniestro personaje.

Adaptación de la obra de teatro escrita por David Halliweel, que es una ataque en toda regla a los movimientos contestatario y las revueltas sociales de los años 60. Un joven estudiante de Bellas Artes es expulsado de la escuela y decide montar entonces una protesta junto con dos amigos. Pero lo que comienza siendo una reivindicación de sus derechos va tomando poco a poco un giro hacia la violencia fascista. Dirige el especialista en telefilmes Stuart Cooper y entre el escueto reparto destaca John Hurt (El estrangulador de Rillington Place).

Cuidada adaptación del clásico cuento didáctico de los hermanos Grimm "El flautista de Hamelin", que versa sobre un hombre capaz de arrastrar a la gente gracias a la embelesadora música que sale de su flauta. El músico escocés Donovan interpreta al protagonista y es el compositor de la banda sonora. La dirección corre a cargo del francés Jacques Demy, quien ya sabía lidiar con el género musical tras las más que logradas Las señoritas de Rochefort y Los paraguas de Cherburgo. La historia ha sido llevada al cine en otras ocasiones, pero esta versión de 1972 es una de las primeras producciones del inglés David Puttnam, responsable años después de maravillas cinematográficas como Carros de fuego o La misión.

Un biólogo acepta un encargo por el cual deberá viajar a la Antártida a estudiar a los pingüinos. En realidad toma la decisión con la idea de acercarse a la chica de la que está enamorado, pero poco a poco empezará a tomar interés por los animales que le han llevado hasta allí. Interesante película de aventuras de aire naturalista y paisajes espléndidos que harán las delicias de los amantes de la naturaleza. La historia está basada en la novela de Anthony Shaffer y protagoniza el actor inglés John Hurt (Alien, el octavo pasajero). Le secunda la pelirroja Hayley Mills, justo diez años después de protagonizar Tú a Boston y yo a California.

Película basada en hechos reales, ocurridos a partir de 1944 en la zona londinense de Rillington Place. Allí un tipo apocado y de aspecto inofensivo (aunque paradójicamente, inquietante) llamado Christie estrangula a mujeres siguiendo un impulso que no puede frenar. Christie embauca a sus víctimas asegurando tener conocimientos de medicina, y cuando aplica sus mandamientos, supuestamente les aplica anestesia, pero con fines muy diferentes a los de curar. En su casa tiene varios pisos para alquilar, y una familia muy humilde, el matrimonio y una niña, se establece allí. Cuando la mujer se entera de que está encinta, acuerda con su marido abortar, no creen tener medios para acoger a una nueva criatura. Christie se ofrecerá a llevar a cabo la "operación", aunque su propósito es muy otro... Richard Fleischer entrega una película agobiante, con un tono casi documental, que hace un excelente uso de una fotografía donde dominan tristones colores pardos. Se trata de uno de los títulos que mejor atrapa la mente enferma de un psicópata asesino. El guión adapta un libro de Ludovic Kennedy, y los diálogos y situaciones presentan un inusitado realismo. El cineasta no hace una condena explícita de lo que vemos, sencillamente invita al espectador a seguirle en un siniestro y sórdido viaje, donde salen a flote muchas miserias, mucha ignorancia y mucha pobreza. Richard Attenborough está sensacional dando vida al psicópta, es sin duda uno de sus mejores trabajos como actor; y un jovencísimo John Hurt le da buena réplica como el marido agobiado y patán, arrastrado de modo terrorífico por los acontecimientos.

Un campo de refugiados en Austria, que ha quedado tras la Segunda Guerra Mundial, está al mando del mayor Giles Burnside, cuya misión es repatriar a todos esos civiles. Entre ellos se encuentra Janovic, un astuto muchacho que se convertirá en el hombre de confianza del mayor. El galán inglés David Niven (La vuelta al mundo en 80 días, La Pantera Rosa) protagoniza este drama de J. Lee Thompson, cuyo ritmo no decae. Junto a él, el palestino Topol, que conseguiría un Oscar dos años después por El violinista en el tejado.

Davey Haggart fue un delincuente escocés del siglo XIX que, tras alejarse del ejército, quiso seguir los pasos de su padre, y planeó robar a un duque millonario al tiempo que se enamora de la sobrina de éste, Penélope. Cuando fue condenado a morir en la horca decidió escribir sus memorias antes de que le llegara su trágico destino. Narrada en formato flashback, el resultado es una irregular comedia basada en el diario del propio Haggart. John Hurt se pone en la piel de este romántico ladrón en una cinta dirigida por John Huston que cuenta con un sutil humor rondando en cada esquina. A pesar de todo, el director renegó del resultado final porque el productor Walter Mirisch realizó un nuevo y desastroso montaje que estropeaba lo que él había rodado.

Catherine ha oído hablar tanto de Gregory que se obsesiona con él. Ni siquiera lo conoce, pero la joven acude a la boda de su padre con la esperanza de que esté entre los invitados. Como no es así se desilusiona profundamente hasta que encuentra a un joven en el aeropuerto que encaja con la imagen mental que se ha creado de él. Pero tampoco es Gregory. La obsesión de Catherine con Gregory resulta muy similar a la Faith con Damon en la también romántica Sólo tú. En los noventa fue Marisa Tomei la que desempeñó el papel de Julie Christie como la joven que decide perseguir al completamente desconocido hombre de sus sueños.

Melodrama romántico imbuido por el tono lírico de la novela de Marguerite Duras, que cuenta con un reparto de lo más variopinto, pues reúne a los ingleses Vanessa Redgrave y John Hurt, a la francesa Jeanne Moreau, al genio americano Orson Welles y al italiano Umberto Orsini. Todos ellos en una historia de pasión, intriga, algo de fantasía y sueños imposibles. Anna vive obsesionada porque hace años perdió el amor de un marinero. Tras quedarse viuda y quedar como heredera de una gran fortuna, decide buscar a ese hombre por medio mundo involucrándose con una serie de extraños personajes. Finalmente contrata a un investigador privado que cree que ese hombre sólo es un producto de su imaginación.

Obra maestra de Fred Zinnemann, galardonada con 6 Oscar. La historia de Tomas Moro y su martirio a manos de Enrique VIII es un monumento a  lo más sagrado del hombre: su conciencia. Excepcional trabajo de Paul Scofield, que ganó el Oscar.