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Biografía

Natalie Portman

Natalie Portman

39 años

Natalie Portman

Nació el 09 de Junio de 1981 en Jerusalén, Israel

Premios: 1 Oscar (más 1 nominaciones)

El fin de la inocencia

01 Septiembre 2006

Las chicas buenas van al cielo, pero Natalie Portman ha escuchado aquello de que las malas van a todas partes.

A pesar de todo, la actriz sigue teniendo una imagen de inocencia y fragilidad, lo que ha provocado en numerosas ocasiones su comparación con Audrey Hepburn. Pero la actriz de ojos marrones, similares a los de la protagonista de Vacaciones en Roma, ha empezado a interpretar a chicas más oscuras, como la striper sin horizontes vitales de Closer, y la musa de Goya, que se queda embarazada en los calabozos de la Inquisición, en Los fantasmas de Goya. "Creo que sigo siendo igual de ingenua que siempre", afirma la actriz. "Es cierto que interpreto personajes más adultos, pero por ejemplo, nunca había visto una dosis de cocaína, hasta que rodé en España, hace poco tiempo. Alguien me ofreció, pero por supuesto las drogas no me interesan", explica Portman, que sigue llevando una vida más o menos normal, sin los escándalos que protagonizan otras estrellas de Hollywood.

Natalie Portman ha pasado unos meses de rodaje en la localidad madrileña de Boadilla del Monte y en el Parque del Retiro, de la capital de España, a las órdenes del prestigioso Milos Forman. De Javier Bardem, que interpreta a un inquisidor, sólo tiene palabras elogiosas. "Es el mejor actor del mundo", comenta la actriz. Nada más finalizar la película, le ha faltado tiempo para ponerse a las órdenes del debutante Zach Helm, que dirige Mr. Magorium y su tienda mágica. En esta original cinta familiar, Natalie Portman interpreta a Molly Mahoney, la insegura directora de la empresa aludida en el título, para más señas la juguetería más extraña del mundo. Este proyecto lo encadenó con My Blueberry Nights, primera película estadounidense de Wong Kar Wai, el prestigioso director de Hong Kong que rodó Deseando amar (In The Mood For Love). Aunque en este momento no para, la actriz llevaba unos años más centrada en sus estudios, que en su carrera cinematográfica, escogiendo con sumo cuidado las películas en las que aparecía. Normalmente sólo rodaba durante las vacaciones de verano. Y al fin, Natalie Portman se ha licenciado en Psicología, por la prestigiosa Universidad de Harvard. Por curioso que parezca, no descarta dejar el cine y ejercer del psicóloga, por una cuestión de desarrollo personal, pues su carrera interpretativa va viento en popa, a toda vela.

De versatilidad probada, no duda en raparse el pelo, si es necesario, como ocurría en V de Vendetta. "No creo que la película justifique el terrorismo ni mucho menos. Pero espero que lance una visión del problema desde una nueva perspectiva. Se trata de meterse en los zapatos del terrorista, para saber por qué se comporta así, y abrir un debate", explica la actriz.

Nacida en Israel en 1981, en la ciudad de Jerusalén, Natalie Portman se muestra comprometida con la causa judía. Mientras estudiaba unos meses en la universidad de su ciudad natal, se embarcó en un proyecto de Amos Gitai, el más ilustre representante del cine israelí. En Zona libre encarnaba a una estadounidense que acompaña a una taxista israelí a ir a Jordania, donde debe recoger una importante suma de dinero. Siendo muy joven, interpretó a una niña judía, la celebérrima protagonista de 'El diario de Ana Frank', en los escenarios de Broadway.

A sus 26 años, la actriz ha pasado más de media vida dedicada a la interpretación, pues Natalie Hershlag, su verdadero nombre, fue descubierta en una pizzería neoyorquina por un cazatalentos cuando tenía 11 años. Aunque éste quería convertirla en modelo, la joven Natalie acabó consiguiendo un contrato para El profesional (Léon), filmado en 1994 por Luc Besson. En ese momento decidió ponerse un nombre artístico, optando por Portman, apellido de soltera de su madre, para proteger a su familia de las malas críticas, si la película salía mal, o para que sus familiares se mantuvieran en el anonimato si se hacía excesivamente famosa.

Ya era una adolescente cuando rodó Beautiful Girls. Estudiante que siempre ha sacado notas altas, para ella lo más importante era ir bien en el instituto, por lo que apenas rodaba. Para contar con ella, George Lucas llegó a retrasar el rodaje de La amenaza fantasma, primera entrega de la nueva trilogía de Star Wars, que convirtió a Natalie Portman, intérprete de la Reina Amidala, en una celebridad. "Acepto que esto haya pasado, pero hubiera preferido que no fuera así. Soy una chica muy discreta, y prefería haberme mantenido muchos años en personajes secundarios interesantes, y así poder llevar una vida normal", ha explicado la actriz.

Oscar
2017

Nominado a 1 premio

Oscar
2011

Ganador de 1 premio

Filmografía
Lucy in the Sky

2019 | Lucy in the Sky

The Death and Life of John F. Donovan

2018 | The Death and Life of John F. Donovan

Aniquilación

2018 | Annihilation

Lena esta triste. Bióloga experta en genética y ex soldado, y muy enamorada de Kane, su marido militar, padece la ausencia de éste desde que partió en misión secreta hace más de un año. De pronto reaparece, pero se comporta de modo extraño, y enseguida sufre un colapso y pierde el sentido. Entonces le es revelado el motivo de su ausencia: debía explorar con otros soldados una zona de exclusión en que está teniendo lugar un extraño fenómeno, auténtica aberración de la naturaleza, que supone un peligro para todo el planeta. En continua expansión, en ese lugar las células sufren extrañas mutaciones al estilo de las que producen el cáncer, y están dando lugar a híbridos de vegetales, animales y personas, verdaderos monstruos. Un grupo de científicas que incluye a Lena toma el relevo de la primera expedición, para tratar de averiguar qué está ocurriendo. Adaptación de una novela de ciencia ficción de Jeff VanderMeer, a cargo del especialista Alex Garland, que brilló en su debut tras la cámara Ex machina, y compuesto los libretos de filmes interesantes como Sunshine y Nunca me abandones. Su segundo título como director resulta estimable y sugerente, como parábola acerca de la condición humana y su tendencia a autoinfligirse daño, pero no alcanza el estado de gracia de su predecesora. Funciona razonablemente la estructura de dobles flash-backs del guión, el relato de Lena de vuelta de su segunda expedición, y los recuerdos de la feliz vida conyugal con Kane, mientras la protagonista, una correcta Natalie Portman, se adentra en el misterio. Y Garland sabe crear tensión, con escenas de sustos que demuestran cierta imaginación, y alguna sorpresa argumental, sobre todo en el desenlace. Además, el diseño visual es atractivo, sobre todo en lo relativo a los híbridos. La pega principal estriba en que la mayoría de los personajes se encuentran bastante desdibujados, y algunos momentos muy autoconscientes de solemnidad -Lena entre lucecitas estilo 2001, sin palabras, un buen rato-, que siguen la estela de títulos recientes como La llegada, están algo pasados de rosca.

6/10
Vox Lux

2018 | Vox Lux

The Heyday of the Insensitive Bastards

2017 | The Heyday of the Insensitive Bastards

Song to Song

2017 | Song to Song

La venganza de Jane

2016 | Jane Got a Gun

Nuevo México, 1871. Jane Ballard ve llegar a su marido Bill Hammond a su casa, una de las pocas que hay en un árido y amplísimo valle cerca del pueblo de Lullaby. Bill está a punto de morir, debido a múltiples heridas de bala, y le explica que ha sido atacado por la banda de Bishop y que se dirigen hacia allí. Ante esta noticia Jane pondrá a salvo a su hija y pedirá ayuda a uno de los pocos vecinos de la zona, un tal Dan Frost, con quien ella parece tener una difícil relación. El competente Gavin O’Connor, responsable de sólidas películas, como El milagro o Cuestión de honor dirige este violento western, producido por su protagonista Natalie Portman y coescrito por su compañero de reparto Joel Edgerton. El planteamiento es sencillo, pues en realidad todo el film es la espera de un enfrentamiento, donde hombre y mujer se preparan para ofrecer resistencia. Pero el guión se adereza con mínimos apuntes sobre el pasado que relaciona a los personajes principales, y que viene a explicar cómo han acabado en esa situación desesperada. O’Connor dota a estos flashbacks del necesario sentido narrativo, enriquecen justamente el dibujo de los personajes y funcionan también a modo de descanso del hilo principal, también por su fotografía y algunas secuencias más alegres. La venganza de Jane sigue en la línea de los westerns que quieren despojar el género de su lado más idílico y costumbrista, y se empeña por retratar una época dura, muy dura, en donde las vejaciones y la muerte violenta están a la orden del día, y donde los peores criminales campean a su antojo. En este sentido, el tratamiento de la violencia es realista, aunque no hay regodeo. Los actores están muy bien, tanto Natalie Portman en su papel de mujer de carácter, pero con su lado débil, vulnerable, como el actor en alza Joel Edgerton, con su rol de hombre sufridor, atormentado, que no tiene nada que perder. Más tópico resulta, sin embargo, el bandido encarnado por Ewan MCGregor.

6/10
Planetarium

2016 | Planetarium

Jackie

2016 | Jackie

Primera película rodada en inglés por el chileno Pablo Larraín, que sigue el gusto por los hechos y personajes históricos recientes mostrado en sus filmes No y Neruda, pero con estilo personalísimo, lejos de todo academicismo. Cuenta con un guión de Noah Oppenheim, hasta ahora sólo conocido por su contribución a los libretos de la saga juvenil distópica El corredor del laberinto. En el nutrido equipo de producción se encuentra Darren Aronofsky, quien dirigió a Natalie Portman en Cisne negro, el film que le dio el Oscar. Precisamente la actriz ha vuelto a ser nominada a la estatuilla dorada, además de en otros dos apartados, el del elegantísimo vestuario de época de la primera dama estadounidense Jackie Kennedy, creado por Madeline Fontaine, y el de la arriesgada y disonante partitura musical de Mica Levi, con unos chirriantes violines que contribuyen a crear el deseado “mood” triste de la película. La deconstruida narración atrapa las emociones y tristeza que embargan a Jackie tras el asesinato del presidente de los Estados Unidos, su marido John Fitzgerald Kennedy. Todo se estructura alrededor de una entrevista que la primera dama concede a un periodista, con quien desea hablar sin tapujos, aunque luego controlará lo que finalmente se publique. Alrededor, a modo de viñetas que retroceden y avanzan en el tiempo, se nos muestran los momentos del magnicidio, los preparativos fúnebres, la charla con un sacerdote, la jura del cargo de Johnson, la atención a los hijitos de la pareja presidencial, el rodaje de un documental en la Casa Blanca en que Jackie ejerce de anfitriona, mostrando al espectador los cambios que ha introducido en la decoración. Como hiciera en No, Larraín maneja materiales diversos, manejando el blanco y negro del documental y los primeros planos. Y juega hábilmente con la protagonista, excepcional Portman que se transfigura en la primera dama, como si fuera un espectro o un zombie deambulando por una residencia de la que deberá mudarse con sus hijos, con su vestido manchado de sangre, o poniendo el disco del célebre musical “Camelot”, lo que contrasta con su pose impostada a la hora de filmar el documental. El elenco de secundarios es verdaderamente notable. No transita el director por caminos fáciles y trillados, sino que arriesga creando en el espectador una sensación incómoda, que trata de asemejarse a la que se ceba en Jackie, dura, orgullosa en su personal encrucijada, rota por la pena, fumadora compulsiva mientras aguarda lo que vendrá después en su vida.

7/10
Knight of Cups

2015 | Knight of Cups

Una historia de amor y oscuridad

2015 | Sipur al ahava ve choshech

Thor: El mundo oscuro

2013 | Thor: The Dark World

La antigua raza de los elfos oscuros, liderada por el siniestro Malekith, pretende sumir el universo en la oscuridad con la ayuda de una misteriosa sustancia llamada Éter. Mientras la científica Jane Foster se encuentra investigando campos gravitatorios en la Tierra el éter se apoderará de ella. Malekith irá en su busca y Thor será el único obstáculo entre el elfo y Jane. Aunque no repiten los directores y guionistas de Thor (2011), esta secuela mantiene y aún quizá supera a su predecesora. Tiene a su favor que la acción no cesa, ya que nos mete en harina desde la primera imagen y elude con virtuosismo presentaciones más o menos ingeniosas o dramáticas. Detrás de las cámaras se ha situado esta vez Alan Taylor, acostumbrado al medio televisivo y últimamente curtido en la serie Juego de Tronos, mientras que el remodelado equipo de guionistas está encabezado por Christopher Yost, especialista en la adaptación de comics, seguido de Christopher Markus y Stephen McFeely, los cuales formaron ya equipo en Capitán América: El primer vengador y en las tres primeras películas que adaptan “Las crónicas de Narnia” de C.S. Lewis. Por encima de cualquier otro elemento, el film sobresale por su excelente factura visual, con preciosistas imágenes de planetas, como la de Asgard, y unos efectos especiales sencillamente perfectos que, esta vez sí, la tecnología en 3D abrillanta sin lugar a dudas. Toda esa imaginería está al servicio sobre todo de la acción, momentos apabullantes que tienen un poco de todo, desde las clásicas peleas a puñetazos hasta persecuciones de naves al más puro estilo de La guerra de las galaxias. Pero hay muchos otros elementos que hacen de Thor: El mundo oscuro una buena película de superhéroes. El guión dedica a los diferentes personajes su espacio propio, aunque Thor (Chris Hemsworth) y la científica Jane Foster (Natalie Portman) se lleven el protagonismo. A los momentos álgidos para la reina Frigga (Rene Russo), el rey Odín (Anthony Hopkins), el vigilante del puente de Bifrost (Idris Elba), la luchadora asgardiana Sif (Jaimie Alexander) o los terrícolas Darcy (Kat Dennings) y el Dr. Selvig (Stellan Skarsgård), se suma el que es verdaderamente el plato fuerte del guión: la fascinante presencia del hermanastro de Thor, el alocado y peligroso Loki (excelente Tom Hiddleston). El dúo Thor-Loki es sin duda lo mejor del film y, además de acción y enfrentamientos entre dos caracteres tan opuestos, se despacha un excelente sentido del humor, con numerosos gags –alguno de ellos tremendamente osado– que funcionan a la perfección, además de alguna que otra sorpresa... Tan atractivo resulta el duelo fraterno que el malvado Malekith pierde fuerza y se convierte en un personaje un tanto tópico, de nula profundad. A esto se suman también algunas invenciones poco logradas, como el modo en que el éter entra en Jane o ciertas coincidencias de cuchufleta. De todas formas, el conjunto no se resiente demasiado de estos leves traspiés y cumple como vehículo para el entretenimiento. Dicho esto, es pertinente avisar a los espectadores que, al término del film, permanezcan en sus asientos escuchando la banda sonora de Brian Taylor hasta que se enciendan las luces. Y no sólo para disfrutarla sino para no perderse dos secuencias de la película escondidas entre los títulos de crédito.

6/10
Sin compromiso

2011 | No Strings Attached

Emma y Adam parecen destinados a encontrarse. Se conocieron en un campamento siendo unos chavales, y luego se han visto, con el paso de los años, en una fiesta, y siendo ya ambos profesionales: él, aspirante a guionista televisivo, ella interna de medicina en un hospital. Siempre han sentido cierta atracción, pero sobre todo Emma tiene pánico al compromiso, por lo que acuerdan tener una relación basada sólo en el sexo; si alguno siente que surge el amor, deberán cortar. Con tal planteamiento, la película pide a gritos ser una comedia ingeniosa, porque en caso contrario la única alternativa es convertirse en una colección de tópicos, encuentros y desencuentros reiterativos hasta entregar una moralina poco convincente. O sea, algo parecido a la coetánea y fallida Amor y otras drogas. Ivan Reitman, especializado en comedia y lejos del talento de su hijo Jason Reitman, entrega una película cansina. No sólo es una película “sin compromiso”, es una película “sin gracia”, “sin chispa”, “sin química”, y eso que tiene en el reparto a la estupenda Natalie Portman –que por cierto, tiene un crédito de productora ejecutiva–, y a otro actor con gancho, Ashton Kutcher. Los personajes secundarios tienen poquita gracia: el padre de él, que está con la ex novia del hijo, apenas despierta alguna sonrisa, y eso que se trata de Kevin Kline; los amigos de él; las amigas de ella; la familia de ella... La única que apuntaba maneras graciosas, Lake Bell como compañera de trabajo algo chiflada de Adam, apenas tiene cancha para hacernos reír.

3/10
Thor

2011 | Thor

El reino mítico de Asgard, un planeta donde moran los dioses de la mitología nórdica. Allí reina Odín, que con su sabiduría se esfuerza en mantener la paz con sus belicosos vecinos de Jotunheim, los gigantes de hielo. No es fácil, pues el mismo día en que debía ser coronado rey su hijo Thor, sufren un ataque que es repelido. Pero el impulsivo Thor, desoyendo las órdenes paternas, arrastra a sus amigos guerreros y a su envidioso hermano Loki a pergeñar una venganza por su cuenta. El resultado será el destierro, y Thor va a parar a la Tierra, en el desierto de Nuevo México, donde la astrofísica Jane estudia los cuerpos celestes en una concienzuda investigación que corre peligro por culpa de agentes del gobierno. Adaptación del cómic de Marvel creado en 1962 por Stan Lee y Jack Kirby. Ante el goteo cansino que no cesa, de superhéroes que saltan de la viñeta a la pantalla, la duda en este caso, teniendo tras la cámara al shakespereano Kenneth Branagh, residía en si el cineasta sería capaz de insuflar resonancias de gran drama a las rencillas familiares y de poder de los dioses nórdicos, Thor y compañía. Pues bien, conviene no llevarse a engaño. Aquí tenemos un film pasablemente entretenido, pero las diferencias paternofiliales o fraternales no dan para mucho, por mucha frase grandilocuente que se haya preparado para la ocasión, o el selecto reparto con dos actores oscarizados, Anthony Hopkins y Natalie Portman. En realidad lo más logrado en relación a la trama es la parte que podríamos denominar “de comedia”, en que se juega con la clásica situación de “pez fuera del agua”, o sea, “dios fuera de su Olimpo”, donde ciertamente hay algún gag divertido, en que las andanzas de Chris Hemsworth pueden recordar también a las de otro superhéroe de Lee y Kirby, el increíble Hulk, o a Tarzán paseándose por la ciudad de los rascacielos en Tarzán en Nueva York. También parece haber un guiño a E.T., el extraterrestre, con el despliegue de siniestros agentes del gobierno alrededor del meteorito-martillo de Thor, caído en medio del desierto. No faltan, como es habitual, las referencias que sólo los más fans del universo Marvel sabrán captar para su goce personal, y que preparan el terreno a la próxima llegada fílmica de “Los vengadores”. Por lo demás hay un gran esfuerzo en el apartado visual, con el puente que une mundos diversos, o los planetas míticos de Asgard, con su peculiar arquitectura, o los hielos de Jotynheim. Pero la parafernalia digital puede agotar, y es que a estas alturas, entre videojuegos y pelis de efectos especiales, empieza a haber una cierta saturación.

5/10
Hesher

2010 | Hesher

Caballeros, princesas y otras bestias

2010 | Your Highness

Tadeo y Fabio son dos príncipes del medievo, hijos del gran rey, que se aprecian mutuamente, pero cuya personalidad no puede ser más diferente. El primero es grosero y pícaro, más bien cobardica, sólo piensa en sí mismo. Mientras que el otro, heredero al trono, es un guaperas valiente y triunfador, capaz de realizar hazañas casi sin pestañear. Recién llegado de brillar en una gesta en que ha vencido a un cíclope, Fabio presenta en sociedad a su prometida Belladona, rescatada de tan temible enemigo. Pero pronto es secuestrada por el malvado Leezar, que pretende engendrar de ella un dragón, la noche en que confluyan en el cielo dos lunas. Los dos hermanos acudirán al rescate, uno de mejor buen grado que el otro. Parodia de las películas de aventuras medievales, no tiene la gracia de los Monty Python de Los caballeros de la mesa cuadrada, ni siquiera la de la saga animada Shrek. Juega con las frases grandilocuentes que se asocian a las tramas de caballería -en alguna ocasión aislada graciosas-, entremezclándolas con una sarta de zafiedades que no cesa, y que agota a cualquiera, también porque son expresiones anacrónicas. Entre medias está la trama del rescate, con algunos elementos que recuerdan a La guerra de las galaxias -el sabio pervertido, una especie de Yoda, o el pájaro mecánico, una suerte de R2D2- y la aparición estelar de Natalie Portman, que hasta en un engendro como éste demuestra ser buena actriz, lo que no impide que nos preguntemos, ¿qué hace una chica tú en una peli como ésta?

3/10
Cisne negro

2010 | Black Swan

Nina, una joven bailarina, aspira a ser escogida como protagonista de “El lago de los cisnes”, con el reto adicional de que se trata de un doble papel, no sólo debe representar al puro cisne blanco de Odette, sino también al cisne negro Odile que trata de arrebatarle su amor. Para ello trabaja muy duramente, impelida por su posesiva madre Erica y por Thomas, el exigente director de la producción. Intensa película sobre el mundo de la danza, aunque muchas de sus ideas pueden aplicarse a cualquiera de las bellas artes. El guión de Mark Heyman, John J. McLaughlin y Andres Heinz a partir de una idea de este último, incide en el cariz obsesivo que pueden cobrar unas legítimas aspiraciones profesionales de llegar a lo más alto. Obsesión que gana en intensidad con la sombra de una madre frustrada, que quiere realizarse en su “niña”, y con los métodos de trabajo de Thomas. En efecto, frente a la vieja idea de algunos actores que dicen no llevarse sus personajes a casa, aquí prevalece, por la presión de Thomas, el planteamiento de que para componer el cisne negro es necesario rebuscar en la parte más oscura de uno mismo, “explorando” en la propia sexualidad y “dejándose llevar”. Esta doble influencia, más su propia sensibilidad y ambición, que le hacen ver en la recién llegada Lily una rival, conforman en Nina un cóctel verdaderamente explosivo. En lo último, y en una diva venida a menos, se detecta la huella imborrable de un clásico sobre el teatro, Eva al desnudo, aunque la película que nos ocupa tiene su propia originalidad. El crudo film, a modo de arriesgada fábula, habla de la fragilidad del artista y los excesos enfermizos por alcanzar su sueño, tomando pie de la propia trama de “El lago de los cisnes”. Lo hace con dureza a veces desagradable, por la exigencia física –esos sarpullidos, el modo en que se trabajan los pies–, o por el camino de desenfreno que Nina emprende en una noche loca y alucinada, donde resulta difícil distinguir la realidad de lo que es una proyección de una mente que empieza a enloquecer, a no pisar suelo firme. Darren Aronofsky dirige con inusitado vigor, una energía que se palpa en las elaboradas escenas del propio ballet, así como en el dinámico montaje de imágenes y sonido, también musical, que muestra el descenso a los infiernos de Nina, su dolorosísima y fatal transformación en cisne negro. Natalie Portman entrega una interpretación valiosísima, verdaderamente muestra una gran variedad de registros en su atormentado personaje. En general hay un gran acierto con todo el reparto, buenos trabajos de Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder y Mila Kunis.

7/10
New York, I Love You

2009 | New York, I Love You

Película homenaje a la ciudad de Nueva York, concebida por el mismo artífice de Paris, je t'aime, el productor Emmanuel Benbihy. Consta de once segmentos, dirigidos por diez directores distintos, y el gran logro con respecto al precedente –pues se conserva la idea de una buena 'plantilla' de actores y directores– es una maravillosa unidad, podría llegar uno a creer que la película completa ha contado con una sola persona dirigiendo, en la línea de películas corales como Magnolia. Puede cambiar el momento del día -mañana, noche-, el marco geográfico, los personajes, pero hay un algo, el alma podríamos decir, que da prodigiosas vida y cohesión al conjunto. Lo que no quita para que haya pasajes sencillamente memorables, frente a otros más ligeros, a veces pequeñas bromas, pero siempre insertadas con inteligencia.   Entre las pequeñas historias sobresalen tres: la de Shekhar Kapur, de aire mágico, sobre una anciana cantante de ópera dispuesta a suicidarse en el hotel que se alojó antaño, con maravillosas interpretaciones de Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt; la de Fatih Akin sobre un pintor, Ugur Yücel, fascinado con una joven oriental, Shi Qi; y la de Joshua Marston, con soberbios trabajos de Eli Wallach y Cloris Lechman, que dan vida a un matrimonio cascarrabias pero profundamente enamorados tras más de 60 años casados. Pero tienen también interés por supuesto las de Jiang Wen –un juego entre ladrones, Andy García y Hayden Christensen–, Mira Nair –la relación entre una judía a punto de casarse, Natalie Portman, y el hindú propietario de una tienda compuesto por Irffan Khan–, Shunji Iwai –la singular relación telefónica entre un compositor de bandas sonoras de anime, Orlando Bloom, y su productora, Christina Ricci–, Yvan Attal –que tiene dos historias, la de dos curiosos intentos de ligue, Ethan Hawke con Maggie Q, y Chris Cooper con Robin Wright Penn–, Brett Ratner –el baile de graduación de una chica en silla de ruedas, que involucra a James Caan, Anton Yelchin y Olivia Thirlby–, Allen Hugues –dos amantes ocasionales, Drea de Mateo y Bradley Cooper, van a reencontrarse– y Natalie Portman –un tipo, Carlos Acosta, pasea por Central Park con una niña–. El motivo amoroso está presente en las tramas, hay sorpresas y giros ingeniosos, y llama la atención como se inserta el tema de la sexualidad omnipresente en la sociedad actual, pues en muchas, aunque haya algún apunte grosero, hay una cierta crítica indirecta a este hecho. Resulta muy inteligente además el uso de un personaje con una cámara de vídeo, cuya presencia cobra sentido al final del film de un modo muy original y bello, broche perfecto a una gran película.

7/10
El amor y otras cosas imposibles

2009 | Love and Other Impossible Pursuits

Emilia es una joven abogada, que mantiene una larga aventura con Jack, un compañero mayor que ella, casado y con un niño, William. La cosa ha desembocado en ruptura de Jack y su esposa Carolyne, y posterior boda. En la nueva situación Emilia tiene serias dificultades para ganarse el afecto de su hijastro William, que se comporta con ella cruelmente, actitud aprendida de su insensible madre Carolyne. Por otro lado Emilia ha sido incapaz de superar el dolor por la muerte súbita de su hijo con Jack, recién nacido. A lo que suma sentimientos contrapuestos heredados de la ruptura matrimonial de sus padres.Don Roos, tanto en su faceta de guionista (Una pareja de tres) como en la director (Lo opuesto al sexo, Algo que contar), ha demostrado interés en contar historias sobre las dificultades de la vida familiar y matrimonial. Reincide en este terreno con su nuevo film, donde sabe componer a los distintos personajes, y sobre todo a su protagonista Emilia, una Natalie Portman que sigue demostrando una enorme madurez actoral. La idea es mostrar seres humanos creíbles, con actitudes egoístas de las que son conscientes y que deploran, aunque no combaten con la suficiente intensidad. Y en este terreno está bien pintada esa horrible capacidad de herir al prójimo con sutileza o sin contemplaciones; y también lo bonito que es conquistar al otro con una palabra amable, con una actitud generosa. Salpican la narración reproches nunca expresados con suficiente claridad, o un sentido de culpa intensificado por la insinceridad. El amor y otras cosas imposibles es una película imperfecta, no acaba de estar bien resuelta esta adaptación de una novela de Ayelet Waldman. Y sin embargo, está sembrada de pequeños milagros, momentos intensos capaces de conmover y hacer pensar, como la escena de la marcha del recuerdo por los bebés muertos en Central Park, o la de la conversación entre Emilia y Carolyn, o muchos pasajes compartidos por Emilia y el pequeño William.

6/10
Brothers (Hermanos)

2009 | Brothers

Jim Sheridan se toma cada nuevo proyecto con suma tranquilidad. Cuatro años después de la absolutamente fallida Get Rich or Die Trying, el irlandés rueda un remake de Hermanos, coescrita y dirigida por la danesa Susanne Bier. Cuenta con un guión del prestigioso David Benioff (Cometas en el cielo, La última noche) que ha introducido pocos cambios con respecto al original, pues básicamente ha adaptado la historia a los Estados Unidos. Así, esta vez tenemos al capitán Sam Cahill, militar modélico, felizmente casado con Grace, su novia del instituto, con la que tiene dos hijas. Por contra, su hermano menor Tommy Cahill es la oveja negra de la familia, que acaba de salir de la cárcel en libertad condicional. Cuando el helicóptero en el que viaja Sam es derribado por los talibanes durante una misión en Afganistán, Tommy estrecha su relación con la esposa de su hermano, y poco a poco se convierte en su sustituto en el hogar. Además, Grace y Tommy se sienten atraídos el uno por el otro. Tenía Sheridan todas las papeletas para triunfar nuevamente, pues se basa en un film muy sólido, y cuenta con un reparto de primera. Además, la historia da pie al director de En el nombre del padre y En América para incidir en el tema más importante de su filmografía: las relaciones familiares. Como en esas dos películas citadas, le interesan en particular las relaciones paternofiliales, así que aunque el tema central son los hermanos, presta especial atención a la relación de las niñas con su padre, y del hermano díscolo con el suyo. Es además un film sobre las secuelas de la guerra, en línea con El cazador o El regreso. El tema está en los momentos de las producción de desgraciada actualidad, por el recrudecimiento de la guerra de Afganistán. Pero el resultado es un film excesivamente convencional, mil veces visto, y mucho menos impactante que su versión danesa. Su resolución es poco brillante, faltan ideas en la puesta en escena y todo se vuelve demasiado previsible. Desde luego no está a la altura de la brillante filmografía de Sheridan, que parece que empieza a acusar cierto cansancio en los últimos años. Levantan un poco la función los actores. Realiza un gran esfuerzo Tobey Maguire, aunque su interpretación resulta un poco forzada, y su look deliberadamente desmejorado no ayuda a hacer creíble a su personaje. Resultan mucho más naturales Natalie Portman y Jake Gyllenhaal, así como los sobresalientes secundarios, Sam Shepard, Mare Winningham y sobre todo las niñas Bailee Madison y Taylor Geare, enormemente expresivas.

5/10
Las hermanas Bolena

2008 | The Other Boleyn Girl

Es bien sabido que Enrique VIII de Inglaterra se divorció de la española Catalina de Aragón para casarse con Ana Bolena, y que tal hecho supuso la ruptura del monarca con la Iglesia católica, además del inicio de un cúmulo de inestabilidades políticas en el país anglosajón. Pero quizá es menos conocida la existencia de María Bolena, la hermana de Ana, que igualmente fue amante del rey. Su vida ha sido muy olvidada, y ni siquiera se sabe si era mayor o menor que Ana, y aunque se sospecha que tuvo hijos de Enrique VIII, tampoco se conoce el dato con total seguridad. Las relaciones de ambas hermanas con el monarca provocaron una manifiesta tirantez entre ellas y mantuvieron siempre viva su rivalidad. De cualquier forma, cuando la desgracia se abatió sobre la familia Bolena, María fue la única que pudo vivir con cierta tranquilidad retirada lejos de la corte. Esto, grosso modo, es lo que dice la historia. La película, basada en la novela de Philippa Gregory, es otra cuestión. Se permite algunas licencias, probablemente más o menos justificadas –como dar por hecho que María tuvo el hijo varón que el rey buscó toda su vida–, pero sobre todo asienta la trama en la convulsa relación fraternal que existía entre las dos hermanas Bolena. De acuerdo con el guión de Peter Morgan, especializado en “cuestiones de Estado” tras sus libretos de El último rey de Escocia y La reina, Ana era la mayor y ambas se adoraban desde niñas (al igual que a su hermano Jorge) y se contaban todos sus secretos y anhelos. Ana era ambiciosa y desenvuelta, la favorita de su padre, mientras que María es caracterizada como una muchacha mucho más pura, un dechado de dulzura y comprensión. Sus sentimientos chocan cuando el rey elige a María y a partir de ahí se establece un agrio distanciamiento, con sus vueltas y revueltas, pero que a la postre traerá como consecuencia la desgracia. El film es interesante, no cabe duda, aunque sólo sea por el estupendo diseño de producción, con maravillosas localizaciones inglesas de época, y la cuidadísima fotografía de Kieran McGuigan. Quizá puede achacarse que al conjunto le falta entidad argumental, pues no hay otra cosa que el intento de la familia Bolena por medrar en la corte de Inglaterra, para lo cual el cabeza de familia, Sir Thomas, ofrece sin ningún escrúpulo a sus hijas. Tampoco se presta apenas atención a temas políticos, ni a la cuestión del divorcio y la ruptura con Roma, que se despachan en dos o tres planos. Todo se reduce por tanto a las envidias, triunfos y pasiones palaciegas. El resultado de tales cuitas amorosas sería demasiado aburrido y banal, si no fuera porque el director Justin Chadwick ofrece la posibilidad de disfrutar de algunas actuaciones femeninas de altura. Porque, claro está, que no se dude de que ésta es una película de mujeres (y seguramente más para mujeres), pues los hombres –ni siquiera Enrique VIII, con un desaprovechado Eric Bana– tienen muy poco que decir. Tanto Natalie Portman en el papel de Ana, como Scarlett Johansson en el de María, están radiantes y brillan por igual, y también es elogiable la interpretación de la madre, una sufriente Kristin Scott Thomas. Pero hemos de felicitar especialmente a Ana Torrent (Tesis). La actriz española compone, en los pocos minutos de los que dispone, a una impresionante Catalina de Aragón, una reina a la que ella dota de una fortaleza y dignidad propias de una gran dama. Entrevista con Natalie Portman y Entrevista con Eric Bana

6/10
Mr. Magorium y su tienda mágica

2007 | Mr. Magorium's Wonder Emporium

En plena metrópoli moderna existe una extraordinaria tienda de juguetes destinada a hacer las delicias de cualquier niño dispuesto a disfrutar y a soñar. Se trata de la tienda mágica de Mr. Magorium, un lugar alucinante donde los juguetes son distintos a los habituales, por la sencilla razón de que tienen vida propia. Por fuera parece una casita de cuento al estilo Hansel y Gretel, y por dentro la agitación que reina en la enorme juguetería es fenomenal; allí es imposible aburrirse, hay bolas de goma que se mueven sin cesar, pescado fresco, monos, muñecos que se mueven, libros mágicos… Acompañan especialmente al propietario la dulce Molly Mahoney, una jovencita que sueña con ser alguien especial en el mundo de la música, y el pequeño Eric, un chavalín muy salado con poca facilidad para hacer amigos. Pero Mr. Magorium, que nació en 1764 y por tanto en 2007 tiene la nada desdeñable edad de 243 años, piensa que ya ha vivido suficiente y ha llegado la hora de “irse”. Y ha decidido dejar su legado a Molly. Con tales planes y para poner algo de orden legal en sus negocios contrata a un ejecutivo soso llamado Henry Weston, incapaz de “ver” las maravillas que hay en la tienda. Imaginativa y agradable película, ideal para las fiestas navideñas y las soñadoras mentes infantiles, escrita y dirigida por Zach Helm, quien anteriormente triunfó con el guión de Más extraño que la ficción. La idea de partida es atractiva: una tienda que es como el sueño imposible de todos los niños. Y Helm apunta algunas ideas interesantes, como la de que es necesario creer para ver, y la de que si uno no confía en sí mismo jamás podrá hacer realidad sus sueños. También destaca el enfoque nada traumático que se le da al tema de la muerte, un hecho que sin dejar de ser triste, queda expuesto como el fin natural del ser humano y parte integrante de la vida. Sin embargo, aun con sus aspectos positivos y amables, el conjunto se resquebraja por la poca consistencia argumental, pues todo se apoya en un conflicto de escasa entidad. Y da la sensación de que se le ha sacado muy poco partido a los demás aspectos del film, tanto a los efectos especiales como a los personajes, especialmente a Magorium, que resulta poco trabajado y es interpretado con pobre originalidad por un Dustin Hoffman en horas bajas. Además es del todo incoherente la resolución de la crisis del personaje interpretado por Natalie Portman, cuyas cuitas personales resultan cuando menos confusas y algo tontas, por decirlo de algún modo. Probablemente lo mejor del film sea la presencia del pequeño Eric, quien aporta frescura a la trama y ofrece algunos momentos logrados, como la divertida conversación a través del cristal o su parlamento en las oficinas del abogado.

5/10
Viaje a Darjeeling

2007 | The Darjeeling Limited

Película a película el texano Wes Anderson se ha ganado una fama de tipo peculiar, con una visión tragicómica de la existencia, muy, pero que muy suya. Su éxito se debe seguramente a que propone historias distintas a lo acostumbrado, bien sea sobre familias de genios (Los Tenenbaums), un alumno de dotes extraordinarias (Academia Rushmore) o una paranoica aventura marina (Life Aquatic). En este caso ofrece más de lo mismo, es decir un planteamiento caprichoso y un desarrollo disparatado, donde nunca se sabe qué puede venir después. Tres hermanos, que no se ven desde hace un año, se dan cita en un tren que viaja por las tierras de la India. Han sido convocados allí por el hermano mayor Francis, que tiene preparada una sorpresa para Peter y Jack: reencontrarse con su madre, que se ha hecho monja en un pueblo perdido del país. Su intención es que realicen un viaje espiritual hasta dar con ella. El film se estrena junto al cortometraje Hotel Chevalier, que narra el encuentro sexual de uno de los hermanos (Jack) con su novia (Natalie Portman) en la habitación de un hotel parisino.  El principal “handicap” de esta película es que la historia que propone Wes Anderson no interesa lo más mínimo. El guión está formado por un conjunto de ideas que a duras penas parecen conducir a un todo unitario, y en cualquier caso muchas resultan prescindibles. Hay humor, pero es un humor difícil, no hecho de gags, sino de situaciones raras –como el ambiente del compartimiento de los hermanos, trasunto del de los hermanos Marx– y de la misma concepción de los personajes, unos tipos algo mastuerzos, los tres con sus señas de identidad: Francis, con la cabeza vendada por un accidente y siempre organizando la vida de los demás; Peter, el recolectador de las cosas de su padre muerto y agobiado porque su mujer está embarazada; y Jack, con una singular relación a distancia con su novia y enamoradizo empedernido. El conjunto puede hacer reír a algunos espectadores y a otros dejarlos completamente indiferentes. El aspecto visual es quizá lo más sobresaliente del film. Anderson sabe crear una atmósfera “ad hoc” para las situaciones surrealistas que plantea, especialmente en las imágenes a cámara lenta, o en los travellings laterales del tren. También destaca el reparto, que sin duda se esfuerza y que incluye a algunos de los actores fetiche de Anderson (Jason Schwartzman, Owen Wilson, Anjelica Huston). Pero es poco bagaje para un film absolutamente anodino.

3/10
My Blueberry Nights

2007 | My Blueberry Nights

Maravilloso film del director Wong Kar Wai, quien había puesto muy alto el listón tras sus anteriores trabajos, las películas que conforman su díptico Deseando amar (In the Mood for Love) y 2046. Tres años después de cerrar la historia de amor imposible entre el escritor Chow y la bella Su Li-Zhen, narrada con una sensibilidad poco común, el cineasta hongkonés entrega su primera producción norteamericana, en lo referente a las localizaciones de rodaje y al reparto artístico, que reúne a unos cuantos actores de renombre internacional. Pero si la cosa es novedosa en esos aspectos, en otros –en el principal– el trabajo de Kar Wai permanece inalterable, pues vuelve a hablarnos de amor: de su insaciable búsqueda por parte del ser humano, de las dificultades para retenerlo, del dolor de la pérdida, de su recuerdo... Romanticismo en estado puro. El guión narra tres historias que se articulan en torno a un personaje principal: Elizabeth. Ésta, una joven veinteañera, llega desolada un noche a una cafetería de Nueva York. Su novio la ha abandonado por otra mujer, y ella lleva consigo las llaves de un piso al que ya no está invitada... La chica regresará otras noches al local, y allí el dueño, Jeremy, le hará compañía y le contará que hay muchas otras llaves extraviadas allí, cada una con su pequeña historia de amor... Al fin, para salir de su tristeza, Elizabeth se lanza a un viaje en solitario por Estados Unidos, un itinerario sin destino fijo que acabará llevándola hasta Memphis (Tennessee) y Las Vegas (Nevada). Y en esos lugares conocerá a hombres y mujeres que sufren, ríen y viven sus propias historias de amor y buscan, como todos, la felicidad. Estamos ante una película extraordinaria. Sin paliativos. Es muy reconfortante que la mirada de Wong Kar Wai siga siendo la de un joven cuando habla del amor, la de un joven experimentado eso sí, nada pueril, pero también la de un hombre lleno de esperanza y sin pizca de cinismo, la de alguien que aún cree de verdad que el corazón de las personas está hecho para amar, para darse y para recibir amor, por muy mezquinos que sean los sentimientos que podamos albergar. Hay una ternura grandiosa cuando el cineasta habla de sus personajes, comprende sus anhelos y así los quiere, y después logra el milagro de que el espectador sienta exactamente lo mismo por ellos. Y esta vez, en la mirada de Kar Wai hay menos amargura que otras veces y sí un amplio panorama lleno de esperanza. Gran parte del mérito final de esta peculiar "road movie" está en el fantástico reparto. Sorprende increíblemente el debut de la cantante Norah Jones, que interpreta admirablemente a la bondadosa y tierna protagonista. Pero todos están perfectos, con atención especial para la pareja formada por David Strathairn y Rachel Weisz. Pero Kar Wai sigue fiel a su mirada y a esas constantes antes mencionadas: el recuerdo amoroso –“vine para recordar lo que sentí entonces”–, el paso del tiempo, externo e interno... Se permite incluso el capricho de introducir un par de veces los acordes de "Yumeji's Theme", la música compuesta por Shigeru Umebayashi e inmortalizada en Deseando amar… También demuestra el cineasta oriental, autor de todos sus guiones, que sigue siendo un consumado escritor… “Esto sabe verdaderamente horrible, ¿pero acaso la gente bebe por el sabor? Ponme otra”, dice un atormentado personaje tras tomar de un trago una copa de vodka. ¡Y cómo le gusta jugar a las palabras, a su significado oculto! Ya sólo el título es un buen ejemplo, entre otros muchos. Capítulo aparte merece la belleza estética de la película. Muy pocas veces se puede encontrar en una pantalla de cine una colección de imágenes tan expresivas, tan luminosas, tan perfectas. Wong Kar Wai hace magia con ellas y transforma los sentimientos en colores, con esos tonos rojos tan absorbentes, que convierten muchos de los encuadres en postales de un preciosismo fabuloso. Y, como siempre, la música –un elenco muy agradable de canciones– tiene vital importancia y la compenetración sonido-imagen es perfecta. Es posible que alguien pueda criticar este aspecto del film y también achacar a este tratamiento formal una importancia excesiva y artificial, o quizá como causa de cierta ralentización del ritmo narrativo. Podría ser, pero en todo caso sólo serían reproches mínimos en un conjunto absolutamente delicioso.

8/10
Los fantasmas de Goya

2006 | Goya's Ghosts

Singular parábola de denuncia de los excesos en que puede incurrir el ser humano, incluso en el nombre de los ideales más sagrados, ya sea Dios, o la libertad, igualdad, fraternidad. La experiencia personal de los estados totalitarios ha marcado profundamente al checo Milos Forman, como prueban algunos títulos de su filmografía, Alguien voló sobre el nido del cuco y El escándalo de Larry Flynt mayormente. Aquí insiste en la condena de la tortura física y psicológica, y de la limitación de pensamiento y libre expresión. Le sirve para ello de excusa la España de Goya, con dos momentos bien delimitados, la caída de Carlos IV, y la invasión napoleónica a la que seguirá la restauración borbónica, en los que el pintor aragonés es observador privilegiado de la realidad del cambio de siglo. El film, financiado con capital español en su totalidad y con muy buenos técnicos hispanos en su equipo, tiene un empaque notable, como de título que desearía concurrir en los Oscar. La puesta en escena es excelente, y también el trabajo de los actores, o la visión de la creación pictórica de Goya (estupendo Stellan Skarsgård), y su presentación como alguien que vive en su nube artística, pero con capacidad de tomar el pulso a su época, aunque sea a palos. Hay que reconocer además, a Forman y a su coguionista Jean-Claude Carrière cierta apertura de mente, atrapada en el personaje de Javier Bardem, primero inquisidor implacable inconsecuente con sus ideas (la violación de una prisionera), luego adalid implacable de la revolución, que trataría de ser el reflejo de dos extremos. Pero el film tiene una pega, importante: la desgracia que acontece a la Inés compuesta por Natalie Portman, todo un lastre. Se diría que la sombra de la imprecisión histórica, que ya le afectó en Amadeus, persigue a Forman. Resulta poco verosímil, cercano a lo risible, que alguien pueda dar con sus huesos en la cárcel por el simple hecho de no ingerir carne de cerdo una noche en una posada; más en una época, casi principios del siglo XIX, en que la Inquisición ya no era lo que había sido; tampoco se entiende que la violación de fray Lorenzo carezca de los elementos traumáticos normales en un caso de esas características.

6/10
Paris, je t'aime

2006 | Paris, je t'aime

Mosaico formado por dieciocho historias cortas, rodadas por cineastas excepcionales, que giran en torno al amor. Cada una transcurre en un barrio de París diferente, que sirve como título a cada segmento. El principal escollo es que los cineastas tienen entre cinco y seis minutos por corto, lo que supone un reto para muchos de ellos, acostumbrados a desarrollar sus historias. Sintetizar un relato no es tarea fácil, menos en el cine moderno, en el que por ejemplo son necesarias tres horas de King Kong para contar lo mismo que la película clásica, de 100 minutos. Esta dificultad deriva en que pocos de los autores son capaces de desarrollar una historia de entidad, y los que salen mejor parados son en su mayor parte los que se decantan por narrar una anecdotilla. Es el caso de Joel y Ethan Coen, que mezclan suspense y comedia en ‘Tuileries’, aunque no muestran París, pues transcurre en su totalidad en la estación de metro. Steve Buscemi interpreta a un turista que descubre a una pareja magreándose en el andén de enfrente, lo que causará imprevistas reacciones de los observados. Tiene también su gracia ‘Tour Eiffel’, en la que Sylvain Chomet reivindica el derecho a la diversidad, a través de la historia de amor de dos mimos. Isabel Coixet realiza su primera incursión en el género cómico, pues en ‘Bastille’ parodia sus propios dramones lacrimógenos, a través de la historia de un hombre a punto de dejar a su mujer por una amante más joven. Resulta al menos curiosa ‘Père Lachaise’, en la que el especialista en terror Wes Craven  cuenta con simpatía la visita de una pareja a la tumba de Oscar Wilde. El propio Craven interviene brevemente como actor en ‘Quartier de la Madeleine’, donde Vincenzo Natali convierte a Elijah Wood en protagonista de una historia de vampiros. Esto no significa que no hayan tenido éxito algunos cineastas que han optado por la vía dramática. Destaca Gurinder Chadha, con ‘Quais de Seine’, que apunta con pocos trazos una historia de amor interracial. En ‘Loin du 16ème’, los brasileños Walter Salles y Daniela Thomas han elegido una entrañable historia de amor maternal, recordando que el amor puede ser de diferentes clases. Frédéric Auburtin se ha encargado de rodar imágenes de París, que sirven de transición entre los cortos, y de ‘Quartier Latin’, homenaje al cine de John Cassavetes, con dos de los actores habituales del neoyorquino, su esposa Gena Rowlands y Ben Gazzara. Como en todos los trabajos colectivos, es inevitable que el nivel sea desigual. Desentonan parcialmente algunos pasajes, como ‘Porte de Choisy’, relato surrealista en torno a unas peluquerías chinas. Lo mismo le ocurre a ‘Le Marais’, pues a pesar de la fuerza visual de Gus Van Sant, su narración de un encuentro que podría dar lugar a una relación homosexual no acaba de arrancar. 

5/10
Zona libre

2006 | Free Zone

Rebecca, una joven estadounidense, ha tenido una discusión con su novio judío y su futura suegra. Así que, en estado de shock, toma un taxi en Jerusalén, conducido por Hanna, y pide ser conducida a cualquier parte. Ella debe ir a Ammán, en Jordania, para cobrar una deuda que le debe un palestino. Título algo minimalista del director israelí Amos Gitai. Entre los rostros conocidos destacan los de Natalie Portman, que es de origen judío, y el de una fugaz Carmen Maura. Aunque se lleva la palma Hanna Laszlo, que ganó el premio a la mejor interpretación femenina en Cannes.

5/10
V de Vendetta

2006 | V for Vendetta

La acción se desarrolla en un hipotético futuro, en que Inglaterra se ha convertido en un estado totalitario. Evey, una joven que rompe el toque de queda impuesto por el gobierno, está a punto de ser violada por un grupo de `dedos´ (así se conoce a los agentes de policía). Finalmente es rescatada por un individuo que oculta el rostro tras una aparatosa máscara. Como imagina que si vuelve a su casa será detenida, Evey se oculta en el refugio de su salvador, que se hace llamar simplemente `V´. Éste toma el canal de televisión, para enviar un mensaje a la población apelando a la desobediencia civil; y anuncia que volará el parlamento, como paso simbólico cara al derrocamiento de la tiranía. El inspector Eric Finch se encarga de perseguir a `V´. Los hermanos Wachowski, creadores de Matrix, avalan con su guión el debut como director de James McTeigue, asistente de dirección en los tres títulos de la saga. En la misma línea, combina una ambientación sombría, con aparatosas coreografías de combates. Aunque se trata de un thriller futurista de acción, también es una crítica de los regímenes totalitarios, en la línea de clásicos de la ciencia ficción como Un mundo feliz o 1984. Alan Moore, creador del cómic en que se basa la cinta, quedó bastante descontento con el resultado final, a pesar de que es la mejor adaptación de una de sus obras. Desencantado, el exageradísimo Moore acusó McTeigue de que el film era una apología del terrorismo. En cualquier caso, da que pensar sobre la manipulación informativa, la corrupción política, la tiranía, la violencia, la responsabilidad social de los ciudadanos y otros temas de interés. Del reparto destaca Natalie Portman, que tuvo que raparse el pelo por exigencias del guión, mientras que Hugo Weaving, conocido por su papel de agente Smith en Matrix, al que no se le ve la cara, se luce sobre todo con su potente voz, como apreciarán quienes vean la película en versión original. También resulta bastante convincente Stephen Rea, que consigue que el público empatice con su personaje, un honrado policía.

6/10
La venganza de los Sith

2005 | Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith

En 1977, una siniestra presencia abrumaba a los cinéfilos desde la pantalla, acompañada del fuerte sonido de su respiración, en La guerra de las galaxias. Casi tres décadas después, por fin se desvela cómo alguien tan prometedor como Anakin Skywalker, cuya infancia y adolescencia se han contado en los episodios I y II, se transforma en el malvado Darth Vader. La acción comienza tres años después de las Guerras Clon, cuyo inicio se narró en El ataque de los clones. Resulta que un miembro del senado, el canciller Palpatine, ha sido aparentemente secuestrado por el Conde Dooku y el general Grievous, líderes del ejército de androides separatista que se enfrenta a los caballeros jedi. Pero Obi-Wan y su fiel discípulo Anakin acuden al rescate. Agradecido, Palpatine se hace amigo del joven Anakin, con quien mantiene profundas conversaciones sobre las supuestas ventajas del lado oscuro de la fuerza. Finalmente, Palpatine nombra a Anakin representante del senado galáctico en el Consejo de los Jedi. A éstos, Anakin no les ha contado que su adorada Padme Amidala, por quien haría cualquier cosa, está a punto de dar a luz. El joven jedi ignora que se ha convertido en una pieza fundamental en los planes de Palpatine, que ha puesto en marcha una conjura para acabar con la democracia galáctica. Un puente entre dos mundos, que ata los filmes originales con los nuevos, última pieza del rompecabezas galáctico que aunque no depara ninguna sorpresa, aclara por fin las dudas que han quedado en el aire hasta el momento. Si los dos episodios anteriores, aunque vistosos, decepcionaron a los apasionados de la saga, George Lucas recupera el equilibrio de la fuerza y se reconcilia finalmente con ellos en un episodio que restablece el nivel, ofrece grandes dosis de espectacularidad acompañada de un ritmo trepidante y ata con mayor o menor habilidad todos los cabos sueltos de las películas anteriores. Entre los numerosos hallazgos de esta entrega, destaca el vistoso arranque, con una batalla de naves que deja muy atrás a las de las películas clásicas por la complejidad de los modernos efectos especiales. El enfrentamiento entre Anakin y Grievous es una de las mejores secuencias de acción de la serie. Sin duda, la tensión dramática ha ido "in crescendo", y estamos ante el episodio más oscuro de la nueva trilogía, y el único de toda la serie calificado para mayores de 13 años en Estados Unidos. Como bien saben los seguidores, se trata de una tragedia que narra el triste destino final de Anakin. “Estamos ante la primera película verdaderamente adulta de toda la saga”, ha llegado a decir el productor Rick McCallum, que asegura que “todos los que han tenido la paciencia suficiente para llegar hasta aquí se darán cuenta de que ha valido la pena”. Pocas incorporaciones en el reparto, salvo en el caso de Keisha Castle-Hughes, en su breve interpretación de Apailana, la nueva reina de Naboo. Los ya conocidos, como Natalie Portman, Hayden Christensen, Ewan McGregor o Samuel L. Jackson cumplen, aunque el punto fuerte del film no son las grandes interpretaciones actorales ni los diálogos, sino las vistosas secuencias de acción y efectos especiales. Todos los planos cuentan con algún que otro retoque, y existen personajes creados digitalmente, como el citado general Grievous. De hecho, todo el rodaje con los actores concluyo en 53 días, pero hubo que esperar más de año y medio para que terminara la compleja postproducción, con el añadido de efectos.

7/10
Closer

2004 | Closer

El veterano Mike Nichols lleva a la pantalla la obra de teatro de Patrick Marber, quien también se ha encargado de escribir el guión cinematográfico. Su película es un monumento –a su modo también una crítica implacable– a la vaciedad afectiva que reina en la sociedad moderna, a través de la historia de dos parejas, dos chicos y dos chicas. A vive con B, pero quiere acostarse con C, quien vive con D, quien a su vez se liará con B. ¿Comedia romántica de toda la vida? Nada de eso. Estamos ante un drama exageradamente sórdido, muy duro y pesimista, sobre la incapacidad de amar de verdad, de entregarse. Los personajes viven exclusivamente para complacer su impulso sexual, irracional y violento. Ese planteamiento, excesivamente esquemático, da lugar a situaciones increíblemente groseras, cuya obscenidad se transmite por medio de diálogos tan procaces que a veces resultan inverosímiles, y que, por supuesto, pueden molestar incluso al espectador más preparado. Nichols, director de la célebre El graduado, incide en el móvil erótico como fuente de envidias, odios y sobre todo de tristeza. El ser humano es mostrado así semejante a un pelele dominado por tres amos que se alimentan mutuamente: el egoísmo, el sexo y la mentira. Ni una pizca de alegría. Closer no escapa a su origen teatral, ya que la trama avanza a base de los innumerables diálogos y los encuadres se limitan, salvo en pocas excepciones, a recoger primeros planos. De este modo, para que la cosa funcione es necesario un reparto de altura, cosa que desde luego no falta en esta película. Los cuatro están estupendos. Natalie Portman y Clive Owen recibieron 2 Globos de Oro y sendas nominaciones al Oscar, pero Jude Law no desmerece para nada y el trabajo de Julia Roberts es absolutamente soberbio. Nadie llora como ella en pantalla.

4/10
Algo en común

2004 | Garden State

Andrew Largeman es un joven de veintitantos años que un día recibe la llamada de su padre para comunicarle que su madre ha muerto. Andrew abandonó el hogar familiar hace mucho tiempo y la tirantez con su padre se ha acentuado con los años. La vida de Andrew es triste, y él mismo se hunde más y más a base de fármacos que le mantienen lejos de un pasado que le atenaza. Así las cosas, llega a su antiguo hogar en New Jersey para acudir al entierro de su madre. Allí se verá con su viejo amigo Mark, que ahora trabaja de enterrador, y sobre todo conocerá a la extraña Sam, una chica con tantas rarezas como encanto y de la que se hará inseparable durante unos días. Zach Braff es uno de esos extraños talentos que surgen de vez en cuando, capaces de decir algo con calado y de contarlo con originalidad. Hasta el momento había participado en comedias como Scrubs o El club de los corazones rotos, pero ahora debuta como director y guionista en la gran pantalla. Y recuerda de algún modo a Woody Allen en el modo de componer a su protagonista, un tipo traumatizado, patético por momentos, que se siente un espécimen en medio de un mundo cada vez más extraño, con una existencia sin sentido, sin Dios, y sin un motivo para vivir sino es el del encuentro del amor. Algunas imágenes son lúcidas, divertidas, emotivas, y, aunque arriesgado, el uso de la cámara lenta logra su propósito de modo muy sugestivo, acentuado también por una banda sonora excelente. La película trata de quitar hierro a una concepción trágica de la existencia por medio de situaciones surrealistas, cotidianas y sencillas, a su modo entrañables, y todo con un aire local de historia pequeña, de creación independiente. El éxito del resultado se debe sobre todo al trío protagonista –Braff, Portman, Sarsgaard–, que hace un trabajo excelente con sus personajes.

6/10
Cold Mountain

2003 | Cold Mountain

La guerra de secesión americana. Inman, un soldado que combate en el bando sudista, resulta herido. En la etapa de convalecencia llega a sus manos una carta de su amada Ada, hija de un clérigo, con la que apenas mantuvo dos breves conversaciones y un beso antes de partir. En esas encendidas líneas, ella le cuenta sus penas, la muerte de su padre, su práctica inutilidad a la hora de sacar adelante su granja. Y le dirige una orden imperiosa: que deje todo lo que tiene entre manos (el ejército, por tanto) y vuelva junto a ella. Conmovido, sabedor de que ese amor a primera vista es lo que da sentido a su vida, Inman emprenderá el largo camino a casa. Adaptación de la voluminosa novela de Charles Frazier, ganadora del prestigioso National Book Award americano, que muestra cómo el amor es un motor más poderoso que las guerras a la hora de que el mundo siga dando vueltas. Anthony Minghella, director y autor del guión, sabe vertebrar bien la historia, que se inicia con Inman en el frente. Los flash-backs nos permiten conocer cómo se fraguó el delicado amor entre una tímida damisela del Sur, perfecta señorita nada práctica, y un tosco granjero, al que cuesta articular más de dos palabras seguidas. Una vez cumplido este primer objetivo, Minghella narra paralelamente las penalidades de Ada para sobrevivir en su granja y las de Inman para regresar. Ella contará con la ayuda inesperada (quizá demasiado, pues la chica llega casi como llovida del cielo) de Ruby, una moza sin demasiados modales, pero muy trabajadora y con un corazón de oro. Pero debe soportar el acoso de un bruto pretendiente, que más que a ella lo que desea son sus tierras. Mientras él, al modo de un Ulises del siglo XIX, encontrará en su camino múltiples personajes, oráculos, ciegos y cantos de sirena. Minghella pone un especial cuidado en las transiciones entre uno y otro hilo narrativo. Una buena herramienta para ello es la música: el director la usa, no sólo como un elemento que sirve para dar paz en medio del clima bélico, sino para pasar de una historia a otra; el piano de Ada y los violines del grupo del padre de Ruby, vienen para eso al pelo. El film es el clásico título concebido para arrasar en los Oscar. De hecho, obtuvo 7 nominaciones (de las cuales materializó una, la estatuilla de Renée Zellweger), pero curiosamente, no en los apartados de película y director. El diseño de producción, fotografía, música, son apabullantes, así como el reparto, sembrado de actores de primera línea. Nicole Kidman (no nominada, quizá por su premio de Las horas el año anterior) prueba que es una de las mejores estrellas que pueblan la galaxia Hollywood, creíble en su modosito personaje y en su transformación; también Jude Law (él, sí, nominado) hace creíble un personaje parco en palabras, pero en cuyo rostro es bien visible la huella de la guerra; y René saca todo su jugo a un personaje agradecido, apoyo necesario para la heroína. El resto –Atkins, Gleeson, Hoffman, Portman, Ribisi, Shuterland, Winstone…–, secundarios de lujo, cumplen sus papeles a la perfección.

7/10
El ataque de los clones

2002 | Star Wars: Episode II - Attack of the Clones

Anakin Skywalker está ya crecidito. Diez años han pasado desde que corriera la célebre carrera de vainas, período durante el cual ha sido adiestrado en el manejo de la fuerza por su maestro, el caballero jedi Obi-Wan Kenobi. La fuerza es poderosa en el joven Anakin, pero a la vez se nota en él una buena dosis de rebeldía. Esto se hace patente cuando debe perseguir a un misterioso personaje que atenta contra Padmé Amidala, momento en el que arriesga con valor, pero alocadamente, su vida. Para colmo, su reencuentro con Padmé toca su corazoncito. El chico se enamora perdidamente, a pesar de que los caballeros jedi deben permanecer célibes, para servir mejor al lado luminoso de la fuerza. Las amenazas de grupos separatistas están poniendo a la galaxia y su república al borde del colapso. Intrigas en el Senado, donde Padmé defiende la causa de la paz, parecen hacer inevitable la confrontación. Mientras Obi-Wan investiga una oscura trama, que está llevando a la creación de un poderoso ejército de clones, Anakin se convierte en guardaespaldas (y en algo más, el muy pillín) de Amidala. La amenaza fantasma fue uno de los filmes más esperados de los últimos tiempos. No en vano, se trataba de retomar una de las sagas míticas de la historia del cine. Por ello, por las expectativas, aunque el resultado no fue perfecto, a George Lucas se le perdonó la cosa. Pero no podía fallar una segunda vez. El cineasta lo sabía, y por ello se ha esforzado con un film más movidito y complejo, con muchísimos guiños a los incondicionales de La guerra de las galaxias. Donde vemos a Anakin deslizarse poco a poco por las oscuridades de la fuerza, conocemos un poco más del emblemático Boba Fett, y vemos a Jar Jar Binks retirado a un discreto segundo, e incluso tercer plano. Lucas hasta se arriesga con una historia de amor, a la que sólo se puede reprochar el despiste del consejo jedi, incapaces de darse cuenta de que Anakin bebe los vientos por Amidala. Y vemos en acción a los moradores de las arenas, en una escena de destrucción que tendrá su imagen reflejada en el conocido Episodio IV, ahora rebautizado como Una nueva esperanza. Por cierto que la entrada en un bareto también retrotrae a la escena del saloon de la primera película de la saga.

6/10
La fuerza del amor

2000 | Where The Heart Is

Lágrimas. Éste es el programa que ofrece el dramático film que se comenta, y que cuenta con reparto mayoritariamente femenino. Novalee es una jovencita adolescente, embarazada. Su novio le da plantón, y ella sobrevive, hasta dar a luz, escondiéndose ¡en un supermercado! La noticia despierta el interés de los medios de comunicación y ella consigue algunos donativos para criar a su bebé. La ayuda de buena gente diversa –una es Lexie, madre de cinco hijos, pero que no logra estar con un hombre establemente– resulta un estímulo para su precoz maternidad. Al lacrimógeno argumento contribuyen las andanzas del ex novio de Novalee, que alcanza el éxito musical con una canción, pero luego la vida da muchas vueltas y... La peli puede estar un tanto pasada de rosca (demasiadas desgracias, tornado incluido, para 2 horas de metraje), pero tiene como aliciente un reparto femenino de ensueño. Natalie Portman lleva gran parte del peso de la historia, pero le apoyan bien las carismáticas Ashley Judd, Stockard Channing y Joan Cusack.

4/10
La amenaza fantasma

1999 | Star Wars: Episode I - The Phantom Menace

El caos impera en la República Galáctica. Hay serias disputas para controlar las lucrativas rutas comerciales, y la Federación está sometiendo a un férreo bloqueo al pequeño planeta Naboo. La reina de ese planeta, Amidala, encarga al maestro jedi Qui-Gon Jinn y a su aprendiz Obi Wan Kenobi la negociación con el virrey de la Federación. Pero la cosa resulta ser una emboscada, por lo que deben huir y contactar de nuevo con la reina. En una de sus numerosas aventuras recalan en el planeta Tatooine, donde conocen a un niño, el joven Anakin Skywalker, y a su madre. El misterioso nacimiento del crío, y la poderosa presencia de la fuerza en él, ponen a Qui-Gon con la mosca detrás de la oreja. Hasta el punto de que decide llevar al muchacho ante el Consejo Jedi, con la intención de solicitar su permiso para adiestrarle en los secretos de la fuerza. Al fin. Eso dijeron los aficionados que han durante más de 15 años esperado nuevas aventuras galácticas. La duda que existía era: ¿estará George Lucas a la altura de las enormes expectativas? La película es la tranquilizadora respuesta. Un espectáculo lleno de aventuras y efectos especiales, que nos devuelve la capacidad de soñar.

6/10
A cualquier otro lugar

1999 | Anywhere But Here

Adele y Ann. Madre separada e hija. En contra de los deseos de Ann, ambas abandonan el pequeño pueblo de Bay City en Wisconsin, rumbo a Beverly Hills. Contra lo que podría considerarse normal, Ann, de 14 años, es una chica madura, con deseos de echar raíces en un sitio: amigos, novio... Mientras que Adele vive en una nube de fantasía, y piensa que las cosas les van a ir mucho mejor: seguro que surge un buen trabajo y un “príncipe azul” para encauzar las cosas... El director, Wayne Wang, explica que le gustan las “historias humanas simples, especialmente las historias familiares. A cualquier otro lugar trata de la familia, de la gente, de la dependencia, de la independencia, del amor y del odio. Trata de cómo crecer. Me sentí como si estuviera haciendo el camino con las protagonistas, y me gustaron de verdad esos personajes.” Para Susan Sarandon, “lo más interesante de mi personaje es que está haciendo las cosas equivocadamente, aunque con buena intención”. Minentras que Natalie Portman creyó ver en Ann rasgos autobiográficos: “Era muy extraño. Mientras rodábamos pensaba que en menos de un año iba a vivir algunas de las cosas que le pasan a ella: prepararse para la universidad y vivir por mi cuenta.”

5/10
Todos dicen I Love You

1996 | Everyone Says I Love You

El argumento sigue las peripecias de los familiares de D. J., una adolescente con una madre adinerada que dedica la mayor parte de su tiempo a obras sociales, y un padrastro abogado. Su padre biológico es un escritor de segunda fila que vive en París, y que sufre una grave depresión tras ser abandonado por su última pareja. Woody Allen dirigió por una vez un musical que rinde pleitesía a las comedias musicales protagonizadas por Fred Astaire y Ginger Rogers, o Gene Kelly. El cineasta reunió a un selecto reparto de primeras figuras que no suelen aparecer cantando en las películas, y a los que no les dijo que la película era un musical hasta el último momento. El argumento es muy divertido con momentos delirantes, como el romance entre Julia Roberts y Woody Allen, una de las parejas más extrañas que jamás haya aparecido en la pantalla. Lo mejor, los números musicales compuestos por canciones populares y coreografías sencillas, pero eficaces y divertidas.

6/10
Mars Attacks!

1996 | Mars Attacks!

Tim Burton dirige esta comedia de ciencia ficción, que constituye una parodia a la vez que un homenaje a las viejas películas de ciencia ficción de serie B. Burton imprime a toda la película una estética kitsch, inspirada en una colección de cromos de los años sesenta editada por Topps, un fabricante de chicles. Mars attacks! narra la invasión de la tierra por unos extraños marcianos, que no dudan en hacer fosfatina a todo ser viviente que se les pone por delante. Para hacer frente a esta situación, la humanidad cuenta con un disparatado presidente de los Estados Unidos, interpretado por Jack Nicholson, al que acompaña una cursi primera dama a la que da vida la siempre genial Glenn Close. Con este pretexto argumental Burton, aprovecha para criticar la política, el mundo de la televión, la familia tradiciónal americana., el ejército... y lo hace con un humor mordaz y corrosivo. Cuenta para ello con un reparto amplísimo de estrellas: así, a las mencionadas anteriormente hay que añadir un Michael J. Fox, Pierce Brosnan, Danny DeVito entre los actores principales.

6/10
Beautiful Girls

1996 | Beautiful Girls

Willie Conway, un pianista alrededor de la treintena regresa a su pueblo natal para reunirse con sus antiguos compañeros del instituto. Todos atraviesan puntos de inflexión en sus vidas, y surgen las típicas dudas que conlleva el paso a la madurez y la toma de decisiones. Extraordinaria película del prematuramente desaparecido director Ted Demme, aunque parte del mérito se lo lleva el guionista y productor Scott Rosenberg. En un reparto plagado de grandes actores como Timothy Hutton, Matt Dillon y Uma Thurman, sobresale el trabajo de la jovencísima Natalie Portman, como la inteligente y encantadora Marty, adolescente enamorada del protagonista. Hay momentos geniales, como cuando Willie toca el piano con unas copas de más y conversa con la bella Andera. Inolvidable es también la banda sonora del film, plagada de temas conocidos.

8/10
Heat

1995 | Heat

Una sofisticada banda de ladrones realiza un robo de enorme audacia. Neil McCauley (Robert De Niro), su cabecilla, es un hombre inteligente, que prefiere evitar crueldades innecesarias, pero de una gran frialdad que cultiva a propósito. Por ello trata de evitar implicarse demasiado a fondo en sus relaciones con las personas: para estar libre de ataduras. El golpe recién cometido lo investiga Vincent Hanna (Al Pacino), un concienzudo policía, a quien su excesiva implicación en el trabajo causa problemas afectivos: se ha divorciado en dos ocasiones, y su esposa actual, a pesar del amor que le profesa, comienza ya a estar algo quejosa. Michael Mann escribe y dirige un film complejo, tanto de estructura como de producción y realización. El director había demostrado su capacidad para conjugar espectáculo de acción e historia de interés humano en El último mohicano. Mann vuelve aquí por los mismos derroteros, pero con mayor acierto, gracias también a unos cuantos momentos intensos, muy bien planificados. No sólo es capaz de coreografiar los robos y persecuciones con la misma o mayor efectividad que cualquier “jungla de cristal”, sino que sabe introducirlos en una historia de entidad, en la que se dibujan dos personajes principales: el ladrón y el policía, los cuales, a pesar de estar en bandos opuestos, tienen más de un punto en común. La idea de introducir un improbable encuentro entre los dos, antes del enfrentamiento final, se revela audaz y eficaz para mostrar esa proximidad. Sin duda que la presencia de dos actores enormes, De Niro y Pacino, contribuye a elevar éste y otros momentos del film. Y es que uno de los grandes aciertos de la película es el muy meditado reparto. A pesar de algunas pegas en personajes poco dibujados –un negro que trata de reinsertarse, la hijastra del policía–, la película funciona muy bien en líneas generales. Hay violencia, pero no regodeo en la misma, y un tratamiento casi siempre contenido de lo morboso. Varias subtramas están desarrolladas con acierto, ya sean las más puramente policíacas, o las que presentan a unos delincuentes y policías en los que late el deseo de llevar una vida familiar normal: poder estar con alguien, compartir lo bueno y lo menos bueno... Pero se trata de personajes con sentimientos contradictorios. Un trabajo para servir a la sociedad, puede no llenar la vida propia y de los que la rodean... El deseo de dejar un determinado estilo de vida no es fácil... Pueden no lamentarse determinados comportamientos bajo el escudo de un sentido fatalista de la vida... El sentimiento de venganza puede dar al traste con decisiones previas... Al final siempre llega en la vida el momento de optar, y cuando a Nel se le presenta –uno de los momentos más excitantes del film no le resulta nada fácil. Dante Spinotti ha fotografíado la película. A él se debe una atractiva visión nocturna de Los Ángeles, iluminada como un maravilloso y enorme árbol de Navidad. También se revela como muy importante su función en la secuencia del clímax, que transcurre en un aeropuerto, y en el que el constante encendido y apagado de las luces para el despegue y aterrizaje de aviones se convierte en una buena metáfora del mundo de luces y sombras en que se mueven los protagonistas.

7/10
El profesional (León)

1994 | Léon

El aclamado director Luc Besson (Nikita, El quinto elemento) escribe y dirige esta sensacional película de acción sin límites. Gary Oldman (Drácula, de Bram Stoker) interpreta a un policía antidrogas, corrupto y desequilibrado, que no duda en matar si sus planes codiciosos no llegan a buen puerto. En su camino tropezará con Léon (Jean Reno), un asesino a sueldo, ingenuo y solitario, pero capaz de llevar a cabo cualquier misión que se proponga. Su encuentro con Matilda (Natalie Portman), una adolescente de 12 años, cuya familia ha sido asesinada, cambiará la vida del profesional para siempre, pero le llevará a un camino sin retorno. Espléndida película donde Jean Reno (Misión imposible) da un verdadero recital interpretativo, en un papel que cambiaría su caché (previamente le habíamos visto en la comedia Los visitantes). Por su parte una jovencísima Natalie Portman (Beautiful Girls, La amenaza fantasma) demuestra el porqué de su estrellato posterior. La chica, que aquí contaba con 11 añitos, fue elegida por Besson en un casting de miles de aspirantes, y con este papel se ganó un lugar en el corazón de muchos espectadores. Con una música perfectamente dosificada y unas escenas de acción muy tensas y logradas, marca de fábrica de Luc Besson, esta película resulta un verdadero acontecimiento cinematográfico. Destaca la primera secuencia, realmente impactante, y que es toda una declaración de principios del protagonista acerca de lo que nos espera.

7/10
Una historia de amor y oscuridad

2015 | Sipur al ahava ve choshech

New York, I Love You

2009 | New York, I Love You

Película homenaje a la ciudad de Nueva York, concebida por el mismo artífice de Paris, je t'aime, el productor Emmanuel Benbihy. Consta de once segmentos, dirigidos por diez directores distintos, y el gran logro con respecto al precedente –pues se conserva la idea de una buena 'plantilla' de actores y directores– es una maravillosa unidad, podría llegar uno a creer que la película completa ha contado con una sola persona dirigiendo, en la línea de películas corales como Magnolia. Puede cambiar el momento del día -mañana, noche-, el marco geográfico, los personajes, pero hay un algo, el alma podríamos decir, que da prodigiosas vida y cohesión al conjunto. Lo que no quita para que haya pasajes sencillamente memorables, frente a otros más ligeros, a veces pequeñas bromas, pero siempre insertadas con inteligencia.   Entre las pequeñas historias sobresalen tres: la de Shekhar Kapur, de aire mágico, sobre una anciana cantante de ópera dispuesta a suicidarse en el hotel que se alojó antaño, con maravillosas interpretaciones de Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt; la de Fatih Akin sobre un pintor, Ugur Yücel, fascinado con una joven oriental, Shi Qi; y la de Joshua Marston, con soberbios trabajos de Eli Wallach y Cloris Lechman, que dan vida a un matrimonio cascarrabias pero profundamente enamorados tras más de 60 años casados. Pero tienen también interés por supuesto las de Jiang Wen –un juego entre ladrones, Andy García y Hayden Christensen–, Mira Nair –la relación entre una judía a punto de casarse, Natalie Portman, y el hindú propietario de una tienda compuesto por Irffan Khan–, Shunji Iwai –la singular relación telefónica entre un compositor de bandas sonoras de anime, Orlando Bloom, y su productora, Christina Ricci–, Yvan Attal –que tiene dos historias, la de dos curiosos intentos de ligue, Ethan Hawke con Maggie Q, y Chris Cooper con Robin Wright Penn–, Brett Ratner –el baile de graduación de una chica en silla de ruedas, que involucra a James Caan, Anton Yelchin y Olivia Thirlby–, Allen Hugues –dos amantes ocasionales, Drea de Mateo y Bradley Cooper, van a reencontrarse– y Natalie Portman –un tipo, Carlos Acosta, pasea por Central Park con una niña–. El motivo amoroso está presente en las tramas, hay sorpresas y giros ingeniosos, y llama la atención como se inserta el tema de la sexualidad omnipresente en la sociedad actual, pues en muchas, aunque haya algún apunte grosero, hay una cierta crítica indirecta a este hecho. Resulta muy inteligente además el uso de un personaje con una cámara de vídeo, cuya presencia cobra sentido al final del film de un modo muy original y bello, broche perfecto a una gran película.

7/10
Una historia de amor y oscuridad

2015 | Sipur al ahava ve choshech

New York, I Love You

2009 | New York, I Love You

Película homenaje a la ciudad de Nueva York, concebida por el mismo artífice de Paris, je t'aime, el productor Emmanuel Benbihy. Consta de once segmentos, dirigidos por diez directores distintos, y el gran logro con respecto al precedente –pues se conserva la idea de una buena 'plantilla' de actores y directores– es una maravillosa unidad, podría llegar uno a creer que la película completa ha contado con una sola persona dirigiendo, en la línea de películas corales como Magnolia. Puede cambiar el momento del día -mañana, noche-, el marco geográfico, los personajes, pero hay un algo, el alma podríamos decir, que da prodigiosas vida y cohesión al conjunto. Lo que no quita para que haya pasajes sencillamente memorables, frente a otros más ligeros, a veces pequeñas bromas, pero siempre insertadas con inteligencia.   Entre las pequeñas historias sobresalen tres: la de Shekhar Kapur, de aire mágico, sobre una anciana cantante de ópera dispuesta a suicidarse en el hotel que se alojó antaño, con maravillosas interpretaciones de Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt; la de Fatih Akin sobre un pintor, Ugur Yücel, fascinado con una joven oriental, Shi Qi; y la de Joshua Marston, con soberbios trabajos de Eli Wallach y Cloris Lechman, que dan vida a un matrimonio cascarrabias pero profundamente enamorados tras más de 60 años casados. Pero tienen también interés por supuesto las de Jiang Wen –un juego entre ladrones, Andy García y Hayden Christensen–, Mira Nair –la relación entre una judía a punto de casarse, Natalie Portman, y el hindú propietario de una tienda compuesto por Irffan Khan–, Shunji Iwai –la singular relación telefónica entre un compositor de bandas sonoras de anime, Orlando Bloom, y su productora, Christina Ricci–, Yvan Attal –que tiene dos historias, la de dos curiosos intentos de ligue, Ethan Hawke con Maggie Q, y Chris Cooper con Robin Wright Penn–, Brett Ratner –el baile de graduación de una chica en silla de ruedas, que involucra a James Caan, Anton Yelchin y Olivia Thirlby–, Allen Hugues –dos amantes ocasionales, Drea de Mateo y Bradley Cooper, van a reencontrarse– y Natalie Portman –un tipo, Carlos Acosta, pasea por Central Park con una niña–. El motivo amoroso está presente en las tramas, hay sorpresas y giros ingeniosos, y llama la atención como se inserta el tema de la sexualidad omnipresente en la sociedad actual, pues en muchas, aunque haya algún apunte grosero, hay una cierta crítica indirecta a este hecho. Resulta muy inteligente además el uso de un personaje con una cámara de vídeo, cuya presencia cobra sentido al final del film de un modo muy original y bello, broche perfecto a una gran película.

7/10

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