Alan Silvestri

Vengadores: Infinity War tuvo el acierto de concluir con un álgido final que dejaba al espectador compungido y con el corazón en un puño, al observar cómo Thanos lograba reunir las seis gemas del poder, que colocadas en su guantelete y con un chasquido de dedos daba lugar a una tragedia de proporciones planetarias, la desaparición de la mitad de la población de la Tierra, entre ellos algunos de los más queridos superhéroes. El shock era comparable al que recorre de cabo a rabo la impactante serie The Leftovers: no querías creer que aquello pudiera ser verdad. Tras un arranque en que se nos aclara el destino dudoso de algunos de los Vengadores, y la inestimable nueva ayuda de la Capitana Marvel, pasan cinco años en que cada uno ha sobrellevado el gran drama a su manera. Hay quien ha logrado rehacer su vida, más o menos, otros ejercen de vigilantes superhéroes venidos a menos, y hasta uno se pasa todo el tiempo bebiendo cerveza y vegetando, viendo series en la tele (no, no se dice que sean las de Netflix, competencia de la inminente Disney+). El inesperado regreso de Ant-Man, retenido en una trampa cuántica –no era consciente del tiempo transcurrido, para él sólo han sido cinco horas–, deviene en catalizador de un plan que básicamente consiste en viajar en el tiempo, a distintos momentos en que los Vengadores puedan recuperar las seis gemas y así, cambiado el pasado, cambiará el futuro. Aunque hay que andarse con mucho ojo, para no revolver mucho el tiempo y dar pie a peligrosas paradojas temporales, y persuadir a unos y a otros para que vuelvan a formar un equipo. Los hermanos Anthony y Joe Russo vuelven a demostrar que se mueven como peces en el agua en el Universo Marvel, sus cuatro películas –dos del Capitán América, dos de los Vengadores– son de lo mejorcito que ha dado el subgénero de superhéroes. Aquí saben jugar con varias bazas de modo inteligente, sacando todo el partido a las tres horas de metraje. Funciona bien la nostalgia, el sentimiento agridulce por muertes, desapariciones, ausencias, el mantra de “pasar página” que no acaba de funcionar, ni siquiera para el optimista Capitán América; y hay acierto en el modo en que se idea cómo cada uno encara su vida tras la tragedia, y el subrayado de la importancia de trabajar en equipo, no estamos solos. El mecanismo que se idea para arreglar las cosas, viajar en el tiempo, no es el colmo de la originalidad, pero precisamente hasta se hace chanza con ello, incluso con citas de películas, la punta del iceberg de los momentos humorísticos que recorren el film, y que saben asomar cuando toca drama, heroísmo y sacrificio, sin que suenen absurdos o forzados, están perfectamente calzados. Y a partir de los viajes al pasado, se desarrollan varias subtramas, que dan cancha a los personajes, los lazos se estrechan, se sabe limar asperezas, aprender a confiar, etcétera, quizá en este film, frente a su precedente, hay menos sensación de que algunos personajes se limitan simplemente a aparecer (aunque, no nos engañemos, algún caso hay de éstos). Casi al estilo de El Señor de los Anillos, hay espacio para la épica de una gran batalla, y momentos de homenaje y reconocimiento a quien ha sabido dar la vida por el resto. Funciona bien el clímax de auténtica reunión de todos, o casi, y se dejan bien asentado que determinadas acciones y decisiones, aunque cuesten, son las que hacen que la vida valga verdaderamente la pena. El reparto multiestelar está muy bien, unas pocas pinceladas bastan para perfilar sus personales y colectivas encrucijadas, y el modo en que las afrontan; quizá sobresalen, porque tienen más espacio, Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson, Liam Hemsworth, Karen Gillan, Paul Rudd y Jeremy Renner.

Meritoria película en lo que supone de enorme desafío de desarrollo y producción, al reunir a la mayor constelación de superhéroes Marvel jamás vista, lo que incluye idear una trama que justifique y dé algo de lustre a la presencia de cada uno de ellos, cuadrar las agendas de los actores que los interpretan y manejar una parafernalia de efectos especiales que hace realidad el dicho circense “más difícil todavía”. Los hermanos Russo, Anthony y Joe, avezados en el mundo de los superhéroes con sus películas de Capitán América -Capitán América: El soldado de invierno es de lo mejor que se ha hecho en este terreno en los últimos años, si exceptuamos la trilogía del caballero oscuro de Christopher Nolan-, parten de un guión hipersimple, concebido por dos colaboradores habituales, Christopher Markus y Stephen McFeely. Cuando se produjo el Big Bang que dio origen al universo, seis gemas se desperdigaron por los cuatro puntos cardinales, dando lugar a la diversidad galáctica que se observa en el film, con nuestra vieja amiga la Tierra, planetas ocupados por personajes olímpicos al estilo Thor y guardianes de la galaxia más de andar por casa. Ante el riesgo de la extinción total, el poderoso Thanos intenta reunir las seis piedras para aplicar una evolución selectiva, y salvar, principio del mal menor, la mitad del universo. Pero los vengadores, divididos antaño, volverá a unir fuerzas con otros poderosos aliados para tratar de impedirlo. Espero hasta ahora no haber hecho “spoilers”, desde la distribuidora nos ruegan encarecidamente silencio, plis. ¿Será “spoiler” decir que la Viuda Negra luce pelo rubio? Uy, perdón, ya me callo. En fin sea como fuere, el esquema argumental de defender o reunir piedras, según el bando donde uno se encuentre, permite dar entrada a todos los personajes e ir avanzando a golpe de espectaculares enfrentamientos a mamporro limpio, la acción no puede faltar, aunque ello punteado con algún pasaje más dramático y con muchos chistes y juegos de palabras. Y así el lienzo poco a poco se amplía, pasamos de la lucha persona a persona, o grupo a grupo, a la que mantienen auténticos ejércitos. Todo esto podía estar bien, pero el film guarda sorpresas en su chistera, y verdaderamente el clímax y desenlace que no deja a la espera de la próxima entrega, resulta muy notable y poderoso. Como cabe imaginar, no es una película para destacar las interpretaciones. Los actores se pliegan a sus personajes, la mayoría es de suponer que no habrán tenido que trabajar muchos días, y sus trajes y los efectos habrán facilitado su ausencia en escenas donde en otros tiempos deberían haber estado presentes. La película, naturalmente, es lo que es, pura diversión, pero se arriesga a ir un poco más allá sin duda, en la concepción de su final.

Futuro próximo distópico. En el año 2045 el mundo real no resulta demasiado atractivo, no ha habido un crecimiento sostenible, mucha gente se hacina habitando en lugares insalubres, como la barriada de Las Torres. En cambio, tecnológicamente, hay un modo de evadirse al que todo el mundo se apunta: la realidad virtual de OASIS permite sumergirse en aventuras alternativas donde puedes moverte anónimamente con un avatar adoptando cualquier identidad y disfrutar de lo lindo. El creador del invento, el visionario multimillonario James Halliday, recién fallecido, ha decidido legar el control de su compañía a quien consiga tres llaves escondidas en ese mundo virtual a modo de “huevos de pascua”, y que obligan a resolver previamente ciertos enigmas. Alguien que podría lograrlo es el joven huérfano Wade Watts, que con el avatar de Percival se mueve como pez en el agua en OASIS. Pero deberá superar los esfuerzos de Nolan Sorrento, empresario sin escrúpulos que tiene un ejército de empleados a sus órdenes tratando de hacerse con el legado de Halliday. Adaptación del best-seller homónimo de Ernest Cline, coautor del guión con Zak Penn. El primero ya demostró su pasión por La guerra de las galaxias con el libreto de Fanboys (2009), mientras que Penn, habitual guionista en películas de superhéroes, imaginó el argumento de una película con tono comparable al de la que nos ocupa, El último gran héroe (1993). Repleta la trama de guiños ochenteros, con menciones de múltiples videojuegos, pero también de películas y elementos de la cultura pop, perfectamente integrados y muchos de ellos deliciosos, que no es cuestión de destripar en estas líneas, no es de extrañar que Steven Spielberg la haya escogido para regresar al pasado como director: hacía mucho, demasiado tiempo, que el cineasta no abordaba una película de corte fantástico destinada claramente al público adolescente y juvenil, más el nostálgico de los peterpanes que se resisten a crecer, del que se nutre en parte la exitosa serie Stranger Things. El film es trepidante, no deja un momento de respiro, y en líneas generales resulta sumamente entretenido, combinando la sensación de estar montado en una montaña rusa, con las bromas y conflictos “teen”, que retrotraen a Regreso al futuro. Quizá podía haberse aligerado algo el metraje, y no apabullar tanto con las escenas de acción videoconsolera, pero ciertamente los logros visuales son espectaculares, tanto en el mundo real como en el virtual. Por otro lado funciona bien el esquema del viaje del héroe aplicado a un adolescente, Percival, con interés amoroso, Art3mis, y aliados dentro del mundo virtual, pero con los que no tiene contacto en la realidad, lo que sirve para aleccionar acerca de no dejar nunca de pisar tierra, aunque sea un “mensaje” leve -igual que la invitación a tener valor para tomar decisiones en la vida, o las advertencias ante el poder de las grandes corporaciones- en lo que sobre todo es un espectáculo palomitero. Los actores están bien, con Tye Sheridan de protagonista, bien secundada por Olivia Cook, la heroína, Ben Mendelsohn, el villano, o Mark Rylance como tecnológo soñador de aspecto realmente insólito.

Robert Zemeckis se ha aficionado a convertir documentales en largometrajes dramáticos, pues cuatro años después de rodar El desafío (The Walk), reconstrucción de la experiencia del funambulista que cruzó las Torres Gemelas, Philippe Petit, inspirada por Man on Wire, ahora parte de Marwencol, donde Jeff Malmberg recogía la historia real de Mark Hogancamp, ilustrador que sufrió una brutal agresión por parte de cinco descerebrados que le escucharon hablar de su afición a ponerse zapatos de mujer. Como consecuencia, sufrió serios daños cerebrales y amnesia, pero consiguió mejorar poco a poco mediante la construcción de Marwen, una ciudad en miniatura habitada por un juguete que le representaba a sí mismo como a un héroe de la Segunda Guerra Mundial que combate a los nazis, con ayuda de diversas muñecas basadas en mujeres de su entorno. Sorprende que el veterano cineasta se empeñe en autorreferenciarse, como si a sus 66 años quisiera rememorar lo más granado de su filmografía. Así, la cinta recupera la captura de movimiento que utilizó en Polar Express y Cuento de Navidad, pero la mezcla con imagen real, un poco al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, si bien no conviven dibujos y actores en la misma secuencia. Se rememora el mismo conflicto bélico que dio lugar a Aliados, resulta inevitable que el protagonista discapacitado recuerde a Forrest Gump, y un vehículo capaz de viajar en el tiempo remite a Regreso al futuro. Él mismo ha coescrito el guión con la reputada Caroline Thompson, responsable de Pesadilla antes de Navidad y Eduardo Manostijeras. La cinta exhibe algunos valiosos hallazgos, en concreto algunas mezclas de ficción y realidad, y ciertas reflexiones de fondo sobre la capacidad del ser humano de superar los percances de la vida con fuerza de voluntad. Pero no sorprende que la propuesta se haya saldado con el mayor fracaso comercial del realizador, pues no resulta del todo satisfactoria. Por ejemplo, las historias bélicas procedentes de la imaginación del personaje central acaban resultando repetitivas, y sus saltos entre lo imaginario y lo que sucede de verdad pueden desconcertar a parte del público, como ocurría en títulos del mismo corte, como El último gran héroe o Sucker Punch. Realizan un buen trabajo las actrices principales, Merritt Wever (la dependienta de la juguetería), Gwendoline Christie (una asistenta rusa) y Leslie Mann (la vecina de la que el personaje central se enamora), pero pese a su buen hacer habitual, no acaba de resultar convincente por una vez Steve Carell. A veces resulta un poco exagerado y nunca consigue que el público empatice con un personaje con puntos algo turbios, ya que (aunque todo está tratado con elegancia y sutileza), resulta ser un fetichista del calzado femenino, y aficionado a la pornografía.

Marruecos, 1942. El agente Max Vartan llega a Casablanca para cumplir una misión: ejecutar al jefe de la embajada nazi. Para ello se reúne con la agente francesa Marianne Beauséjour, quien ha establecido lazos de amistad y camaradería con la alta sociedad del lugar en connivencia con la política de Vichy. Max y Marianne se harán pasar por marido y mujer, la tapadera perfecta para llevar a cabo su plan sin resultar sospechosos. Si al atractivo que poseen las historias acerca de la resistencia durante la II Guerra Mundial se añade una tonelada de romanticismo entonces la cosa promete ser un delicioso manjar para el cinéfilo. Pero hay que saber cocinarlo, de lo contrario puede atragantarse. Robert Zemeckis (Forrest Gump, Polar Express) dirige con ritmo y entrega en Aliados una película entretenida, pero no evita del todo ese peligro. Su cine se caracteriza por la perfección visual, el manejo admirable de los efectos especiales y sus historias cercanas a la fábula. Pero en este caso, esa búsqueda de la exquisitez visual no le ha hecho ningún favor, pues desde el principio se tiene la sensación de que todo es demasiado…. pulcro. El elegido diseño de producción de Gary Freeman provoca artificiosidad, sensación de irrealidad, como si el espectador estuviera justamente en un set cinematográfico. Especialmente sucede esto en las escenas exteriores de Casablanca, ciudad impoluta de calles recién barridas, de figurantes un poco de tebeo, de luces y contrastes marcados, de noches idílicas. El caso es que ese diseño milimétrico parece ser un empeño por emular con exactitud la ambientación de las películas clásicas y al final lo que se consigue es algo así como una imitación. También en el guión las referencias al mítico film de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman son muy claras, aunque en este caso habría que olvidar a la capital francesa y optar claramente por un “siempre nos quedará Casablanca” como frase paradigmática. La película está dividida en dos partes muy distintas, tanto en sus escenarios –en Casablanca y en Londres– como en sus núcleos temáticos. Quizá funciona mejor el primer episodio, en donde se dan los primeros contactos entre los agentes, se planifica la misión, se juega eficazmente al fingimiento y al tanteo y se ofrecen buenas escenas de intriga y acción –los diferentes encuentros con oficiales nazis, el reloj de pared marcando los minutos–, al tiempo que se siembran los temas de fondo que marcarán la vida de Max y Marianne en Londres. En este segundo escenario el guión del prestigioso Steven Knight (Amazing Grace, Locke), logra mantener en vilo al espectador, pero el desarrollo es algo lineal e incluso a veces se incluyen situaciones un tanto infantiles, como la aparición en la fiesta del sospechoso nazi. Sí hay, por el contrario, escenas poderosas: el bombardeo de Londres o el ataque al carro blindado en la notable secuencia de Dieppe. Mucho se habló en su momento de este film en relación a los actores. El divorcio de Brad Pitt y Angelina Jolie fue achacado en parte al supuesto idilio que él mantuvo durante el rodaje con Marion Cotillard, algo que ésta negó rotundamente. Sea como fuere, en Aliados hay mucha química entre ellos, y Zemeckis muestra esa conexión más de una vez en el terreno sexual (con escenas de escuadra y cartabón, como la de la tormenta de arena) y también con una peregrina inclusión homosexual que suena a cuota obligada. Pero más allá del aspecto físico, sobresale sin duda el quehacer interpretativo de Brad Pitt, un actor de presencia imponente, que interioriza con intensidad los sentimientos (esa espera de la llamada) y es, él sí, totalmente creíble. Seductora pero con un papel menos matizado está Cotillard, deslumbrante durante los primeros minutos.

El maduro gángster Jimmy, "El Sepulturero' lleva décadas al servicio de Sean Maguire, líder de un clan mafioso, pero se ha refugiado en el alcohol, hastiado sobre todo porque su hijo trata de llevar una vida honrada como chófer y no le habla. Se verá obligado a ayudarle cuando el chico tiene la mala suerte de convertirse en testigo de una matanza orquestada por el desastroso e impulsivo hijo de Maguire. Tercer trabajo conjunto del realizador español Jaume Collet-Serra y el actor norirlandés Liam Neeson. Una noche para sobrevivir parte de un guión quizás no excesivamente original, pero bien tramado de Brad Ingelsby (Out of the Furnace). Quizás los personajes y algunas situaciones sobre el papel pudieran ser un poco de cómic vacuo, pero el reparto realiza una buena labor, especialmente Neeson, que consigue hacer olvidar que su personaje pasa de borrachín patético a recuperado superasesino en pocos segundos. No está del todo bien escogido Joel Kinnaman, con escasa química con su padre en la ficción, Neeson, pero en general el film cuenta con sólidos secundarios como Ed Harris, que defiende bien al antagonista de la función, y Vincent D'Onofrio, como policía que trata de que la justicia prevalezca. Tiene un brillante futuro la joven Génesis Rodríguez, aunque su personaje es muy breve, al igual que el del veteranísimo Nick Nolte, sin acreditar, pero que brilla en su única secuencia como hermano y tío de los protagonistas. Tiene mérito Collet-Serra, que sabe crear secuencias con cierta entidad dramática, y rueda muy bien la acción, sobre todo las persecuciones de coches. No se queda en el mero espectáculo pirotécnico, sino que obtiene cierta fuerza dramática, por los conflictos paternofiliales a dos bandas.

Una auténtica película-experiencia que, al seguir a un célebre funambulista, conecta aún más con los orígenes del cine, cuando las películas era una espectáculo de feria que debía asombrar al público mostrando lo que nunca había soñado ver antes. Basada en hechos reales, describe la peripecia del francés Philippe Petit que él mismo narró en su libro “Alcanzar las nubes”, y que dio pie al documental ganador del Oscar Man on Wire. Tiene el enorme mérito de trasladar al espectador la sensación de estar ante el mismo reto que afrontó el protagonista el 7 de agosto de 1974, su paseo suspendido en el vacío sobre un cable tendido entre unas Torres Gemelas, revividas para la ocasión por obra y gracia de unos asombrosos efectos visuales, cuyo poder crece aún más gracias al Imax en 3D. Robert Zemeckis es un cineasta que siempre ha sabido usar con talento de los efectos visuales, tanto para contar historias fantásticas, véanse las de la trilogía Regreso al futuro, como para hacer creíble lo increíble, los encuentros de aire realista con personajes históricos de Forrest Gump. Siguiendo esta segunda línea, consigue algo semejante a lo que logró Alfonso Cuarón con Gravity en lo relativo a los viajes espaciales. Entrega una película intensa, bien llevada, verdadera proeza técnica, con un Petit que ejerce también de coro-narrador desde un punto tan insólito como la Estatua de la Libertad, contagiando el entusiasmo por hacer realidad su sueño. Joseph Gordon-Levitt atrapa con su interpretación la pasión del protagonista. Ayudado en el guión por el desconocido Christopher Browne, y con una estupenda fotografía del genial Dariusz Wolski, el aspecto visual del film, con el protagonismo de París y Nueva York, es fantástico. Toda la narración está armada para el gran momento del paseo de las Torres Gemelas, concebido como un golpe al estilo de las clásicas películas de robos, en que hay que tener en cuenta todos los detalles, pues se trata de lograr la hazaña clandestinamente. Y el mérito es que lo que antecede a este largo clímax interesa, incluido el aprendizaje de la profesión de equilibrista de la mano de Papá Rudy Omankowsky –Ben Kingsley, secundario de lujo–, el acompañamiento femenino de Annie, la formación de un equipo y los diversos preparativos. Todo se encuentra servido con un maravilloso sentido del ritmo.

La saga iniciada con Noche en el museo recuperó el cine familiar concebido como un gran espectáculo de calidad. No en vano ejerce como productor Chris Columbus, director de grandes títulos del género, como Solo en casa y Señora Doubtfire. En la tercera entrega también se mantiene como director Shawn Levy, artesano que gracias al enorme éxito de la franquicia se ha convertido en uno de los más valorados por la industria. Si en la primera entrega se desarrollaba en el Museo de Historia Natural y en la segunda los protagonistas se trasladaban al Smithsonian de Washington, en esta ocasión en el Museo Británico de Londres. Allí acude Larry para investigar qué ocurre con la Tablilla que mágicamente da vida a las criaturas, pues éstas han comenzado a comportarse de forma extraña. Noche en el museo 3: el secreto del faraón pierde fuelle con respecto a sus predecesoras. El guión resulta mucho más caótico, y se echa de menos a Amy Adams, que fue un gran contrapunto de Ben Stiller en la entrega anterior, con sus diálogos dignos de la mejor screwball comedy. En general, esta vez los actores tienen poca cancha o no acaban de resultar brillantes, como en el caso del recién llegado Dan Stevens, que encarna a una figura de Lancelot. Quedan también un poco deslucidas, al ejercer como meros comparsas Robin Williams y Mickey Rooney, en sus últimas apariciones cinematográficas. Todo esto devalúa la previsible exhibición de sofisticados y espectaculares efectos especiales, aunque Noche en el museo 3: el secreto del faraón cuenta con algún gag realmente eficaz, especialmente la aparición estelar de Hugh Jackman, que demuestra una enorme capacidad para reírse de sí mismo y de su imagen pública. Visualmente lo mejor es la entrada gracias a la animación digital de los protagonistas en la famosa pintura "Relatividad", de M.C. Escher, lo que les sumerge en un universo con reglas surrealistas.

Gabriel Cortez, un importante narcotraficante, logra escapar de la custodia del FBI en Las Vegas con una fuga espectacular. A bordo de un Corvette, y con una agente como rehén, este amante de los coches rápidos corre a velocidad de crucero rumbo a la frontera con México, donde en un pueblecito sus secuaces están construyendo un puente para sortear un cañón que le permita entrar en un país donde campará a sus anchas. No cuentan que es sheriff de ese pueblecito Ray Owens, o sea, Arnold Schwarzenegger. Primer trabajo en Hollwyood del coreano Kim Jee-woon, especialista en moviditas películas de terror y acción, las más populares son Dos hermanas y El bueno, el malo y el raro. Quizá esta última, un curioso spaghetti-western oriental, es la que ha decidido a Lorenzo di Bonaventura y demás capitostes productores a confiar al cineasta oriental El último desafío, el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine con un papel protagonista, tras finalizar su etapa política como gobernador de California. Pues algo de western grandilocuente tiene este film, muy dinámico y entretenido, aunque bastante previsible. La principal novedad sería la de un narco jovenzuelo y prepotente, que se cree casi Dios -un Eduardo Noriega correcto, al que tal vez echaron el ojo los productores en Blackthorn. Sin destino, otro western-, porque luego hay elementos muy típicos, como el de contraponer los humildes policías de pueblo con los chulescos y creídos agentes de ciudad, el pipiolo agente de pueblo que desea ir a Los Ángeles para tener acción, o el sheriff que está en "el culo" del mundo tras una acción traumática del pasado. Acción pura y dura bien coreografíada, mezcla eficaz de drama y elementos cómicos, un poco a lo Tarantino, abundantes raciones de violencia, son los elementos del cóctel que sirve Jee-woon en El último desafío, y que le sirven a Schwarzegger para cumplir la promesa expresada en aquella frase cinematográfica "volveré".

Los Croods son una familia de cavernícolas que viven en la época prehistórica. El padre de familia es Grug y todos obedecen sus órdenes: su esposa Ugga , sus hijos Eep y Thunk, y su suegra Gran. Grug está obsesionado con la seguridad y para él lo más importante es resguardarse en su cueva. La vida de los Croods es muy monótona: conseguir comida, huir de los depredadores y ocultarse en su cueva en cuanto se pone el sol. Pero Grug tiene un problema con su hija Eep, una adolescente inquieta que quiere descubrir cosas nuevas y se siente aprisionada con la vida que lleva. Fascinada por la luz y nada temerosa de la oscuridad decide una noche escapar de la cueva y perseguir un extraño resplandor. La luz procede de la antorcha que lleva un simpático joven… Estupenda película de animación elaborada por la factoría DreamWorks y que sobrevuela muy alto en cuanto a calidad de producción y solidez del guión. Los cineastas Kirk De Micco (Space Chimps: Misión espacial) y Chris Sanders (Cómo entrenar a tu dragón) salen muy bien parada en su doble labor como guionistas y directores y regalan una soberbia película que embelesará a los más pequeños y hará disfrutar también a los adultos. La clave está en una historia atractiva y con cierto meollo, y en una óptima definición de personajes, todos ellos bastante entrañables. Destacan especialmente la intrépida Eep –cuya independencia y arrojo recuerda bastante a otra pelírroja animada, Mérida, protagonista de Brave– y su padre Ugg, un grandullón que huye de las novedades y no destaca precisamente por su capacidad de raciocinio. Temas como el amor a la libertad, los peligros de la sobreprotección, la importancia de ir forjando el propio futuro o la unión familiar van cogiendo forma conforme avanza la historia, la cual ofrece un marco excelente para conocer también algunos hitos en la historia de la humanidad, como el descubrimiento del fuego, la domesticación de animales o la creación de pinturas rupestres. Capítulo aparte merece el aspecto visual del film, de todos puntos excelente. El colorido de las imágenes es apabullante y la imaginería paisajística desbordante, incluida también la invención de unos cuantos animales muy variopintos, como la ballena con patas o los pájaros caníbales. Sobresale además el inmejorable ritmo de la acción, con momentos llenos de trepidación, y por supuesto no faltan gags muy graciosos (sirva de muestra su modo de hacer fotografías) y momentos para el amor y la generosidad.

Red, de 2010, adaptación del cómic de Warren Ellis y Cully Hamner, obtuvo un enorme éxito, sobre todo porque contaba con un reparto de primera fila. La secuela era inevitable. En Red 2, el agente de la CIA Fran Moses (Bruce Willis) intenta llevar una vida tranquila tras su jubilación, pasando los días con Sarah (Mary-Louise Parker), su novia. Pero se expande el rumor en internet de que Moses y su equipo de viejas glorias están relacionados con un viejo proyecto armamentístico, lo que les convertirá en objetivo de oscuros individuos, y les forzará a volver a entrar en acción. Se nota que no vuelve a estar tras las cámaras Robert Schwentke (Plan de vuelo: Desaparecida), que dirigía con mayor dinamismo. Le sustituye Dean Parisot (Héroes fuera de órbita) cuya realización no pasa de correcta, y en ocasiones resulta incluso insulsa. Pero Red 2 cuenta con un guión esforzado de los hermanos Jon y Erich Hoeber, los mismos del film anterior. Además, el innegable carisma de las estrellas reunidas en el reparto levanta lo suficiente esta producción, ya que repiten Bruce Willis, Mary-Louise Parker, John Malkovich y Helen Mirren (falta esta vez Morgan Freeman), y se suman a la fiesta Anthony Hopkins y Catherine Zeta-Jones. Por lo demás no pretende ser más que un entretenimiento bastante ligero.

Loki, el acomplejado hermano de Thor, aprovecha la apertura de un portal de acceso a la Tierra, en el contexto de un experimento militar, para apoderarse del Teseract, un artilugio cúbico que le puede dar la clave para adueñarse del planeta con un poderoso ejército alienígena. Enormemente preocupado, Nick Furia pone en marcha con discreción desde S.H.I.E.L.D., una misteriosa organización, el proyecto de “Los Vengadores”, una reunión de superhéroes que, unidos, pueden constituirse en los guardianes de la Tierra. Ellos son Iron Man (el famoso magnate Tony Stark), Hulk (el doctor Bruce Banner), el capitán América (Steve Rogers), Thor, la Viuda Negra (la agente Natasha Romanoff) y Ojo de Halcón (Clint Barton), y deben dejar a un lado sus egos, correr el riesgo de ser manipulados por los que mandan, y soportar con paciencia las provocaciones del petulante Loki, para cumplir sus objetivos. Furia cuenta con la competente colaboración de sus ayudantes Hill y Coulson. Marvel Los Vengadores es la película con mayor densidad de superhéroes Marvel por fotograma de la historia del cine. Tras irlos presentando uno a uno en anteriores filmes, los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby tienen al fin una historia que los reúne a todos, igual que ocurrió en el cómic desde 1963. Se pone tras la cámara Joss Whedon, bien conocido por ser el creador de la popular serie televisiva Buffy, la cazavampiros, además de haber participado en guiones de filmes tan importantes como Toy Story. Y hay que reconocerle el mérito de un libreto sólido y coherente, donde el argumento “salvar la Tierra” es mera excusa para construir razonablemente a los personajes y sus relaciones, con un divertido sentido del humor que descubre el matiz que define la personalidad de cada uno y da pie a determinados roces. Sirva de botón de muestra de sus gags el relativo a las malas relaciones fraternales de Loki y Thor, definidas con guasa como Shakespeare en malo, una divertida alusión a la dirección de Thor por parte del shakespeareano Kenneth Branagh. Incluir tanto personaje, y que ningún actor pueda quejarse de que no se le han dado un puñado de escenas interesantes, es un logro indudable de Whedon. Incluso los no-superhéroes tienen presencia, incluida Potts, la eficaz secretaria de Stark, o el científico Selvig. El estelar reparto parece encontrarse, definitivamente, muy a gusto, no parece que se hayan pegado para robar plano. El capítulo de los efectos especiales brilla por su espectacularidad en Marvel Los Vengadores. A estas alturas parece que queda poco por inventar, pero ver a Hulk arremetiendo contra un caza, o darse de bofetadas con Thor, el camuflaje de la fortaleza espacial y Iron Man tratando de solucionar ciertos desperfectos, más la espectacular invasión y destrozos de Nueva York por una especie de escorpiones gigantes, constituyen momentos que son un regalo para los sentidos, especialmente en una gran pantalla de cine. Sobre el uso del 3D, puede ayudar a hacer más vistosos algunos pasajes, pero la verdad, no aporta gran cosa, una vez más, aparte de justificar el sobreprecio de una entrada para sufragar los gastos del costoso juguete en que consiste el film.

Después de pasar una noche casi en blanco, bebiendo, consumiendo drogas y practicando sexo con una compañera azafata, Whip, piloto, se dispone a ponerse al mando de su avión en un vuelo hasta Atlanta que ha hecho mil veces. El aparato sufrirá graves problemas una vez en el aire, y sólo la pericia de Whip logra un aterrizaje casi milagroso. Pero detrás quedan seis víctimas mortales, y el inevitable litigio en los tribunales para dirimir responsabilidades económicas. Aunque lo más serio es un posible horizonte penal para Whip, por pilotar bajo la influencia de sustancias tóxicas. Tras insistir tres veces seguidas –Polar Express, Beowulf, Cuento de Navidad– con películas rodas con actores y luego, con el método de movimiento y captura, convertidas en singulares cintas de animación, se diría que Robert Zemeckis se ha cansado de explorar esta vía de creación artística –menos mal, tampoco aporta gran cosa– y vuelve con El vuelo a una historia “normal” de tintes dramáticos, más en la línea de Náufrago. Para ello maneja un libreto de John Gatins (Acero puro, Coach Carter) que ha sido nominado al Oscar. El vuelo planea, si nos permite el juego de palabras, con una idea muy sugerente, y plasmada con una expresión en inglés intraducible con la fuerza del original. El abogado de Whip trata de que el comité investigador considere que la situación a la que se enfrentó el piloto fue “de fuerza mayor”, en inglés “Act of God”, o sea, que no cabía hacer otra cosa que lo que hizo Whip, y el resto de lo que ocurriera, correspondía a Dios decidirlo. Y en efecto, la cuestión de la fe –o la falta de ella– del protagonista, es esencial y recurrente en la trama, también con abundante subtexto, como el lugar donde se estrella el avión, al lado de una iglesia y un río donde realizan bautismos los baptistas. Y el film no es otra cosa que el retrato de un hombre sin rumbo y en caída libre –como su avión durante el accidente, ya que a sus adicciones Whip suma una familia rota, está divorciado y su hijo adolescente no quiere saber nada de él–, al que lo acaecido podría hacerle remontar el vuelo. Y múltiples señales –maravillosa la escena en el rellano de una escalera de él con una heroinómana y un enfermo de cáncer terminal– le recuerdan constantemente la misteriosa acción de Dios en el devenir de los hombres. Con El vuelo no estamos ante un film complaciente, abundan los momentos desgarrados. Whip está solo con su alcoholismo, no quiere ayuda de nadie. Desearía cambiar, más tras el accidente, pero hacerlo no resulta tan sencillo. Y la trama se enriquece con su relación –“la extraña pareja”, podríamos decir– con la adicta a las drogas, otra invitación a cambiar de rumbo. En cambio, aunque sea con el deseo de pintar en tres trazos la desastrosa vida del protagonista, a la gráfica escena de arranque le falta elegancia y sutileza. Zemeckis lleva muy bien el guión de El vuelo en líneas generales, y Denzel Washington es columna vertebral indispensable para sostener lo que se nos va contando, dicho sea sin demérito del ajustado reparto, donde destacan Kelly Reilly, Melissa Leo, Bruce Greenwood y Don Cheadle. Su trabajo se revela esencial para los momentos más “peligrosos”, de modo que logra sacar adelante y emocionar en la comparencia pública, escena que se prestaba al tópico, aunque quizá las escenas subsiguientes que cierran el film no acaban de funcionar, una verdadera lástima.

Vertiginosa adaptación cinematográfica de El equipo A (serie), de gran éxito durante la década de los 80 del pasado siglo. Contaba las aventuras de un grupo de cuatro veteranos de la Guerra de Vietnam que, tras ser traicionados, eran perseguidos como fugitivos. Expertos en la lucha armada y en llevar a cabo peligrosas operaciones especiales, sobrevivían trabajando como mercenarios. El director Joe Carnahan (Narc) se encarga de la nueva versión y ofrece un film muy ligerito y con acción apabullante desde el primer fotograma. La película comienza presentando al coronel Hannibal (Liam Neeson) exposado y a punto de ser devorado por unos perros en México y a su amigo Peck (Bradley Cooper) preparado para ser quemado vivo por los mismos criminales. Hannibal escapará cual superhéroe y en su periplo para salvar a Peck contactará con el enorme Baracus (Quinton ‘Rampage’ Jackson), otro Ranger como ellos de fuerza descomunal. Ambos salvarán a Peck mientras se fuman un puro y para huir del país ficharán a un experto piloto llamado Murdock (Sharlto Copley), el cual se encuentra en un sanatorio porque le falta más de un tornillo en la mollera... Resulta modélica esta presentación de los personajes, porque define lo que va a ser ya toda la película. Acción desorbitada, mucho humor socarrón y una explosiva colección de efectos especiales. El grueso de la trama llegará al cabo de los meses de ese comienzo, cuando el equipo se encuentra en Irak liderado por Hannibal. Tendrán que llevar a cabo una misión ultrasecreta para recuperar unas planchas de billetes norteamericanos robadas por los iraquíes. Pero una vez concluida la misión con éxito, el equipo A es traicionado y sus miembros son declarados culpables por un tribunal militar. Serán así degradados y encerrados en la cárcel. El resultado es como volver a ver un capítulo de la serie, pero a lo bestia. Los personajes han pasado de ser veteranos de Vietnam a veteranos de Irak, y el rodaje es mucho más moderno y frenético. Pero eso es todo. Se mantiene la jocosidad continua y la violencia más o menos blanca, poco desagradable. Quizá lo mejor es que los actores dan perfectamente con el tono humorístico de sus papeles, sobre todo Neeson y Cooper, muy empáticos, a quien se suma el locuelo Copley (protagonista de District 9). Por el contrario, Jackson no acaba de convencer del todo, con su personaje simplón, un tanto rebuscado. Por lo demás hay que reconocer que Carnahan rueda bien, pero también que decididamente se le acaba yendo la mano hacia el final. Más que efectos especiales, lo del barco parecen dibujos animados.

Después de Transformers, Hasbro prosigue la aventura cinematográfica de llevar sus juguetes a la pantalla con G.I. Joe, basada en unos célebres muñecos de acción creados en 1964, y que eran como la versión masculina de la Barbie para las niñas. El trío compuesto por Stuart Beattie, David Elliot y Paul Lovett, dirigidos por Stephen Sommers, el responsable de La momia, han imaginado una trama situada en un futuro no muy lejano, donde las fuerzas de élite internacionales -aunque lideradas por Estados Unidos, faltaría más- de los G.I. Joe se enfrentan a los villanos complicados con todo tipo de armas sofisticadas. Y justamente McCullen es un supervillano, descendiente de un escocés que vendía armas en el siglo XVII a franceses y escoceses que luchaban entre sí; ha pasado el tiempo, y, 'de casta le viene al galgo', McCullen se dedica a la fabricación de armas. Y acaba de desarrollar para la OTAN un arma vírica que corroe el metal de modo alucinante. Pero tiene trazado un plan maquiavélico para que esta peligrosa arma provoque el caos mundial, de modo que nazca un nuevo orden político internacional que pueda controlar personalmente. Por supuesto los intrépidos G.I. Joe, unos marines de lujo total dirigidos por el general Hawk, van a tener que impedirlo. Sus mejores soldados -entre ellos Snake Eyes y Scarlett- pelearán de firme, respaldados por dos nuevos fichajes del grupo, Duke y Ripcord. Además, deben vérselas con dos secuaces de McCullen: Storm, el viejo enemigo de Snake Eyes, experto como él en artes marciales; y la Baronesa, una antigua novia de Duke. Stephen Sommers entrega lo que se le pide: acción a raudales, explosiones, persecuciones, peleas, armas sofisticadas, adrenalina pura y dura. Casi no hay un sólo plano que carezca de algún tipo de efecto especial. Práctica en este terreno tiene el chico, pues su currículum peliculero va en la línea del cine de acción y aventuras, y aunque se le agradecería un poquito más de fuerza visual, hay que reconocer que trepidación no falta al film, aunque a veces puede llegar a ser cansino. Cierto tipo de escenas las hemos visto mil veces, y aquí se entrega más de lo mismo; pero justo es señalar también que todo el tramo de la película que transcurre en París es tremendamente original, la imposible acción transcurre en pleno centro de la capital francesa, y junto a lugares emblemáticos, lo que da pie planos muy impactantes. En cuanto a la trama, hay cierto esfuerzo en componer algo coherente, con múltiples personajes, que hasta arrastran pequeños traumas del pasado; quizá sean algo estereotipados -nadie debe esperar actuaciones de Oscar-, pero al menos presentan algún elemental rasgo definitorio. Y cuestiones como la venganza y la rivalidad, justifican al menos ciertas acciones. El arranque, que se sitúa en el siglo XVII, se diría marca de fábrica de Sommers, piénsese en sus entregas de la La momia. Y se apuntan críticas a la industria armamentista -¿inspiración de Iron Man?- y a los peligros de la biotecnología, a lo que se suma una malévola broma final a cuento del presidente estadounidense.

Londres del siglo XIX. Scrooge es un viejo avaro, con un corazón de piedra, incapaz de realizar un acto de bondad, ya sea con su fiel empleado Bob Cratchit o con su sobrino Fred. Incapaz de compadecerse ante las necesidades de los demás, tampoco sabe disfrutar de la vida. Especialmente odia la Navidad, le parece absurdo que en esa época del año la gente se deje guiar por sentimientos caritativos, olvidando rencores y demostrando amor. Siete años después de morir su socio, se le aparece su espectro atrapado por unas cadenas que señalan su estado de condenación. Y le anuncia la próxima visita de los fantamas de las navidades pasadas, presente y futuras, lo que supondrá un auténtico examen de conciencia de lo que ha sido su vida hasta entonces, y de lo que podría llegar a ser. Existen versiones del clásico "Cuento de Navidad" de Charles Dickens para aburrir, con actores reales, animadas, mudas... Con Barbie, los Teleñecos, Mickey Mouse... Lo primero que viene a la cabeza es la pregunta '¿otra más, de verdad hace falta?'. Pues bien la respuesta es, 'Bienvenido sea este maravilloso e imaginativo film de Robert Zemeckis'. Uno se da cuenta de que hay historias inmortales –piénsese en el caso de William Shakespeare–, que pueden ser contadas mil y una veces, y nunca cansan, basta que haya un poco de talento en el narrador de turno. Si encima dicho narrador se toma la cosa en serio, y cuida el aspecto visual de un modo nunca visto hasta la fecha, pues vamos, sólo queda decir '¡chapeau!' Zemeckis, autor también del guión, logra mostrar la vigencia del cuento, sus valores universales y su fondo cristiano, que hablan del tiempo limitado de que disponemos los seres humanos en este mundo, y de la necesidad de aprovecharlo para hacer el bien y ocuparse de los demás. Y lo consigue sin caer en el empalago de otras aproximaciones, incluyendo pasajes bastante terroríficos, y dosificando los momentos de acción, humor y lágrimas, o el de aquellos que apelan directamente al corazón. Los actores, que han sido filmados con sensores para luego trabajar las imágenes en la animación fotorrealista ya utilizada por el director en Polar Express y Beowulf, están muy bien, de modo especial Jim Carrey que no sólo compone un Scrooge contenido en sus diversas edades, sino que pone voz a otros personajes como los fantasmas de las navidades. Zemeckis siempre ha demostrado una gran capacidad para usar los efectos especiales y el 3D sin caer en la rutina, no hay más que repasar su filmografía. Aquí vuelve a probar su pericia en el magnífico diseño visual, con las cadenas del primer espíritu, en el diseño de los tres fantasmas, especialmente el aterrador y silencioso de las navidades futuras, en los vuelos fantásticos, incluida la imagen que homenajea al barón Munchäusen, en las carreras por la nieve. Resulta además un acierto la incorporación de momentos de acción -como el deslizarse sobre la nieve– que no distraen de la narración principal.

Estupenda secuela de Noche en el museo, que logra superar a la película original. Larry, el vigilante nocturno del Museo de Historia Natural de Nueva York, ha dejado su antiguo empleo, ahora es un exitoso empresario que comercializa inventos como la linterna fluorescente. Pero siente nostalgia por sus amigos del museo, maniquíes y miniaturas que representan personajes históricos, y que cobran vida por la noche gracias a una antigua tabla egipcia. En una de sus visitas al lugar para recordar viejos tiempos, se encuentra con que el museo está de reformas: va a incorporar las nuevas tecnologías, hologramas e interactividad, de modo que las viejas figuras van a ser trasladadas al complejo del Museo Smithsoniano de Washington. Lo que muchas de las figuras a trasladar ignoran es que la tabla egipcia se queda en Nueva York, con lo que ya no volverán a cobrar vida. El éxito de la primera Noche en el museo, hacía previsible una nueva película. Lo primero que hay que decir, es que se beneficia de un holgado presupuesto para pensar nuevas aventuras a lo grande. Y tal planteamiento no defrauda, pues hay una tormenta de efectos especiales apabullante, muy bien utilizada, que deja permanentemente con la boca abierta. El Museo Smithsoniano permite la introducción de un montón de nuevos personajes y sus mundos especiales: ahí están Ivan el Terrible y sus cosacos, Napoleón y sus soldados, y Al Capone con sus gángsteres, servidos en blanco y negro. Hay estatuas diversas que cobran vida, la parte dedicada a la era espacial y aérea permite la presencia de aviones y naves... Y hay una gran idea en los cuadros animados, y que llevan a que los personajes puedan meterse, por ejemplo, dentro de la célebre foto de "El beso" del día de la Victoria al acabar la Segunda Guerra Mundial. La trama es muy clásica, pero efectiva: el rescate de los amigos, que corren peligro por las pretensiones del egipcio Kahmunrah de utilizar la tabla egipcia para traer del inframundo a un ejército de criaturas del averno. El mérito del guión de Robert Ben Garant y Thomas Lennon es entregar una trepidante aventura de acción, que no deja un instante de respiro, con una espina dorsal lo suficientemente sólida, y que permite además la entrega de muchos momentos cómicos ciertamente ocurrentes, donde Ben Stiller da lo mejor de sí mismo. Botón de muestra de los ingeniosos gags que recorren la cinta puede ser el modo en que Larry birla a otra vigilante su pase de guarda del Smithsoniano; o los muñequitos cabezones de Einstein. Mención aparte merece Amy Adams, uno de los nuevos muñecos que cobra vida, la heroína de la aviación Amelia Earhart, que la primera mujer que cruzó en avión el Atlántico. Su composición es perfecta, da el tipo del papel clásico de las clásicas "screwball comedies" de los 30 y 40, al estilo Katharine Hepburn, gracias a su arrolladora personalidad, y a su modo anacrónico y rápido de expresarse.

Película inspirada, bastante lejanamente, en el poema épico anglosajón homónimo, situado en la Dinamarca del siglo VI, y que con sus 3.182 líneas es uno de los más importantes en inglés antiguo: no hay seguridad a la hora de datarlo, pero parece que se escribió entre el siglo VIII y el XI. La historia transcurre en Escandinavia, donde el rey Hrothgar ve amenazado su reino por las salvajes escabechinas que organiza una increíble criatura que responde al nombre de Grendel. Por suerte acude en su ayuda Beowulf, un valiente guerrero, acompañado de sus hombres. El combate será bestial, e incluso una vez finalizado, queda el reto de enfrentarse a la madre del "bicho". Como trama argumental, la cosa resulta bastante simple. Se trata de la misma épica que se quiso explotar en 300, muy grandilocuente, pero vacua, y donde las referencias literarias son mera excusa para ofrecer acción, mucha y bien rodada acción. Tenemos héroes muy valientes, dispuestos a arrostrar mil y un peligros, aunque sin ideales de entidad que los muevan. A cambio se nos ofrece una filosofía a lo Nietsche en versión barata, por la que se quiere contraponer la grandeza y valentía de los héroes paganos de antaño con los incipientes mártires cristianos, que se conformarían dócilmente con su muerte. Hay, sí, mucha violencia gore, con la sangre salpicando, claro está, algo que no sorprende si se tiene en cuenta que Robert Zemeckis dispone del guionista Roger Avary, un amiguete de Quentin Tarantino al que "le va la marcha". Y llama la atención un curioso culto al cuerpo, donde se juega a mostrar generosamente la anatomía de los protagonistas, pero sin traspasar ciertas fronteras escudados en que son "dibujos", a ver si cuela ante el censor de turno (coló en Estados Unidos parcialmente, pues le atizaron la calificación PG-13, de menores de 13 años acompañados, "por sus secuencias de violencia, algún material sexual y desnudos"). Esta película pasará a los anales de la historia del cine por ser el primer título estrenado de modo masivo en 3D, o sea, en tres dimensiones, en un nuevo intento de volver a convertir la experiencia de ver una película en sala en algo irrepetible, no comparable a visionarla en el salón de casa o en el ordenador. En Estados Unidos ha llegado en este formato a 800 salas, pero en otros países la oferta tridimensional es bastante menor (en España se puede ver en 6 salas). Sin duda que la filmación por el sistema de "motion capture" (se filma a los actores con uno sensores, y luego se les anima digitalmente en escenarios espectaculares) ha mejorado bastante desde Polar Express, también de Robert Zemeckis (el cineasta siempre ha sido un pionero en el uso de los efectos especiales, piénsese en Regreso al futuro, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y Forrest Gump), y que se aprovecha el efecto 3D al máximo. Pero también es cierto que si se piensa bien, tampoco ha habido pasos que se puedan calificar de "revolucionarios" en lo tridimensional, seguimos con las gafitas de los años 50 más o menos mejoradas.

La acción arranca en el zoo de Central Park, en Nueva York. Sansón, un león fanfarrón, es la principal atracción. Sansón disfruta contándole a sus amigos las aventuras que vivió en sus días en la jungla. Pero Ryan, su hijo, se siente eclipsado por la figura paterna. Tras una discusión con su padre, Ryan trata de huir del zoo, pero acaba en un contenedor que va a ser enviado a África. Su padre convence a sus amigos, Bridget, una jirafa de carácter independiente, Larry, la anaconda que afirma ser el animal más largo del zoo, Eddie el koala y Benny una astuta ardilla, para que le ayuden a ir en su busca. Son evidentes las semejanzas del argumento con Madagascar, producida por Dreamworks, principal competidor de Disney en el campo de la animación. Pero el guión retrata en profundidad la relación entre el león y su cachorro, un tratamiento de la paternidad y la filiación que emparenta el film con El rey león. Además, está lleno de moralejas para niños, sobre la importancia de la amistad y los riesgos de la mentira. En la animación, se nota que Disney se  ha esforzado por dejar bien alto el pabellón de la compañía. Supone el debut como director del canadiense Steve Williams, que ha trabajado en los efectos especiales de Parque Jurásico y Terminator 2.  

Entretenida película, mezcla de comedia y aventuras, trufada de efectos especiales prácticamente en cada plano, clara deudora de títulos como Jumanji y Zathura, una aventura espacial. El protagonista absoluto del film es Larry Daley (el siempre eficaz Ben Stiller), un tipo que no da un palo al agua. Divorciado, con un hijo adolescente, es incapaz de encontrar trabajo estable. Al fin la agencia de empleo le envía al neoyorquino Museo de Historia Natural, donde trabajará de vigilante nocturno, en sustitución de tres simpáticos guardianes de edad avanzada (Dick Van Dyke, Mickey Rooney y Bill Cobbs), a punto de jubilarse. El trabajo parece sencillo, entre esquéletos de tiranosaurios, dioramas del viejo Oeste y de las legiones romanas, estatuas de cera del presidente Theodore Roosevelt o momias del antiguo Egipto. Pero lo que no le han explicado sus predecesores es que, cuando dan las doce de la noche, todas esas figuras cobran vida, por un milenario hechizo egipcio. Estamos ante un film familiar del director de Doce en casa sin grandes pretensiones, al que se habría agradecido un guión mejor trabajado, más coherente. Adaptación de un libro de Milan Trenc a cargo de Robert Ben Garant y Thomas Lennon, las subtramas –el padre que debe ganarse la confianza del hijo y sentar la cabeza; el apunte de romance de Larry con una guía; los verdaderos propósitos de los tres vigilantes; el amor inconfeso de Roosevelt (Robin Williams) hacia una exploradora india; el amor-odio entre un vaquero y un centurión romano– son de escasísima entidad, y al final todo queda reducido a un buen puñado de gags y a un ritmo vertiginoso con planos muy vistosos, compuestos seguramente por ‘tropecientas’ capas superpuestas de efectos especiales. No pedimos un tratado de historia, ni un guión trazado con escuadra y cartabón, pero sí un poquillo de esfuerzo, no dar por sentado el éxito de taquilla. En cualquier caso, se pasa bien el rato, y uno puede echar una buenas risas. Además, Ben Stiller aprovecha su probada solvencia para el género cómico. Junto a él, destaca la presencia en un papel secundario de Owen Wilson, que ha participado con Stiller en otras comedias, como Zoolander y Starsky y Hutch. El film fue un gran éxito en EE.UU., donde lideró donde tres semanas consecutivas la lista de películas más taquilleras.

¿Cómo reunir en una misma película a monstruos que han protagonizado en solitario decenas de títulos? Stephen Sommers, que ha escrito y dirigido esta película, tiene la respuesta. Para empezar, el protagonista será un especialista en cazar monstruos, que ya aparece en la novela "Drácula", de Bram Stoker: Van Helsing. Este intrépido personaje, una especie de Indiana Jones que viste siempre ropa oscura, se transforma en agente secreto del Vaticano nada menos, y sus misiones son enfrentarse con diabólicas criaturas. Aunque sus jefes suelen recomendar que no mate a nadie, que debe procurar salvar también a tan terribles oponentes, Van Helsing no lo suele tener fácil a tal respecto. Contando con Van Helsing, parece razonable pensar que ya tenemos un escenario principal, Transilvania, donde mora el conde Drácula con sus tres sanguinarias novias. Si vamos más allá, e imaginamos a Anna, una chica muy guerrera, que lidera un pueblecito que sufre los embates de los vampiros, y que ésta tiene un hermano que sufre el mal de la licantropía, ya tenemos otro monstruo en el saco. Finalmente, hemos de pensar que Drácula es un no-muerto, y esto, entre otras desventajas, le impide tener descendencia con sus queridas novias. Así que, para superar esta contrariedad, el conde piensa que las ideas del doctor Frankenstein de fabricar una criaturas a partir de cuerpos de difuntos, pueden ser una solución. Y ya tenemos un tercer monstruo. Si a esto sumamos una secuencia de presentación de Van Helsing, en que anda por las calles de París a la caza de Mr. Hyde, tenemos por fin una colección de monstruos de lo más completita. Conociendo los antecedentes de Sommers, sus dos filmes La momia y El regreso de la momia, era de esperar que, a pesar de contar aquí con tanto monstruo, apostara más por la acción y la aventura que por el terror propiamente dicho. Y desde luego, en tal aspecto, la película no defrauda en absoluto. Una vez perfilados los sencillos mimbres argumentales que acabamos de apuntar, no hay un momento para tomarse un respiro. La película es trepidante, como un circo con varias pistas, en el que, en cada una, parece escucharse el grito de guerra ‘¡Más difícil todavía!’. Maquillaje asombroso para las criaturas (un Frankenstein diferente) y efectos digitales para las transformaciones de las criaturas (singularme el hombre lobo), escenarios para dejarte boquiabierto, planos en los que la cámara y los actores, literalmente, vuelan…Todo está al servicio de ese increíble espectáculo visual. Hugh Jackman, Lobezno en las dos entregas de X-Men, es un Van Helsing la mar de razonable. Y Kate Beckinsale, a pesar de su aire de damisela delicada, da bien el tipo de mujer peleona, algo que ya había probado en parte en Underworld. Para los monstruos se apostado por actores no demasiado conocidos, pero que cumplen: Richard Roxburgh es Drácula, Will Kemp el Hombre Lobo, y Shuler Hensley el monstruo del Dr. Frankenstein. Pero no hay que engañarse, éste no es un film pensado para que los actores entreguen composiciones memorables. Estamos ante un film muy físico, y a tal respecto hay que subrayar que muchas de las escenas peligrosas las han hecho directamente los actores sin especialistas, colgados con cables que luego se han borrado digitalmente.

Un niño se encuentra en la cama, despierto, escuchando los sonidos que llegan del exterior. Faltan cinco minutos para la medianoche. Eso no tendría nada de extraño si no se tratara de la noche más esperada del año: Nochebuena. Sin embargo, el chico está triste y desencantado porque piensa que la Navidad no es lo que parece. Ha perdido la fe que tenía antes… Entonces un terrible estruendo le saca de su sopor y un enorme tren negro se detiene a la puerta de su casa. Cuando sale a echar un vistazo, el revisor le invita, junto con los demás pasajeros –un grupo de niños muy variado–, a marchar al Polo Norte, donde vive Santa Claus. Los artífices de Forrest Gump y Náufrago –Robert Zemeckis y Tom Hanks– vuelven a aliarse para rendir este sentido homenaje a todas las historias clásicas sobre la Navidad. A través del viaje al Polo Norte, que está plagado de increíbles aventuras, misterios, canciones, agradables sorpresas y algún que otro susto, el protagonista viajará a un lugar mucho más escondido y también más importante, el de su propio corazón. Porque el chico ha caído en el peor peligro que puede acontecer en el paso de la infancia a la adolescencia, el del escepticismo y la pérdida de la fe en todo aquello que convierte la vida en algo alegre y maravilloso. Y ahora el viaje en el Polar Express le puede devolver esa inocencia…

Como saben de sobra los aficionados a los videojuegos, y los espectadores de la primera parte, Lara Croft es una rica heredera que consagra su vida a la caza de tesoros, cual versión femenina de Indiana Jones. Esta vez, la singular heroína viaja en busca de la mítica Caja de Pandora a una zona oculta en la jungla africana conocida como “La cuna de la vida”. Deberá encontrarla antes que el Dr. Jonathan Reiss, un científico ganador del premio Nobel que desea aprovechar los poderes de la caja, para dominar el mundo. Parece que los productores son conscientes de que la primera parte, pese a su éxito, era una sucesión de impactantes secuencias de acción con argumento mínimo. Para enmendar el error, han encargado el guión a Steven E. De Souza, autor de Jungla de cristal. Además, ficharon como realizador al holandés Jan De Bont, que en Speed demostró que era posible combinar espectacularidad con desarrollo de personajes. Y bien, De Souza no debía estar en su mejor momento, porque el argumento no es precisamente sorprendente. Por suerte, De Bont le da un tono de aventuras a la antigua usanza, y cuida especialmente la ambientación de las sugerentes localizaciones por las que se mueve la aventurera. Además, intenta el más difícil todavía en cada secuencia de acción, obteniendo algunas impactantes, especialmente el salto de la protagonista desde un rascacielos. Por último, desarrolla un poco el personaje central, nuevamente interpretado por Angelina Jolie, de quien no sabíamos casi nada en la primera entrega, y que esta vez aparece más humanizada, pues al menos se enamora.

Aventuras animadas del ratón creado por el novelista E.B. White. En diferentes episodios, Stuart y su familia adoptiva, los Little, celebran el carnaval o pasan la noche en una taberna encantada.

Las películas con asesino psicópata suelto han proliferado tanto, que la prevención hacia cualquier film en esta línea surge como natural mecanismo de defensa en el espectador avezado. Pero Identidad de James Mangold es un film inteligente, donde el esfuerzo por tener al público con el corazón en un puño no está reñido con una historia coherente, y con sorpresas. No en vano Mangold exhibe una trayectoria fílmica razonable, donde ha abordado la descripción de tipos desequilibrados (Heavy, Inocencia interrumpida), el cine policíaco (Copland), e incluso el romántico (Kate & Leopold). Cuenta Mangold con un guión excelente de Michael Cooney, bien trabado, gracias al cual sirve unos primeros cuarenta minutos de película perfectos. En ellos muestra cómo un grupo de personajes variopintos termina pasando la noche en un solitario motel, en medio de ninguna parte, aislados por una tromba de agua. Con preciso mecanismo de relojería somos testigos de la avería que sufre un coche con un matrimonio y un niño a bordo; de aquí se encadena de modo vertiginoso, brioso montaje, a un atropello, en el que se ve involucrado el automóvil de una actriz venida a menos; y vamos sumando personajes, una prostituta de lujo, una pareja recién casada en Las Vegas, un policía que traslada a un peligroso preso, y el tipo que regenta el citado motel. La citación, al mismo tiempo, de un juez, que debe revisar una sentencia de muerte por la aparición de nuevas pruebas, configura un cóctel extraño, donde el espectador anda desorientado, hasta que todo termina encajando. Quizá James Mangold cae –o se acerca–, en la truculencia, pero a cambio sabe transmitir el desasosiego de unos personajes en permanente crisis de identidad, que no saben quiénes son ni lo que quieren. Lo hace sobre todo a partir del personaje del chófer, magnífico John Cusack, pero también con el resto del atinado reparto. El director engaña al espectador con coincidencias sospechosas, hasta un final que quizá sulfure a más de uno, pero al que resulta imposible negarle su consistencia: y es que el guión tiene atados, y bien atados, sus cabos, lo que no es corriente en los perezosos tiempos que corren.

Un planeta lejano, muy lejano. Los experimentos genéticos están a la orden del día. Y a veces no dan resultados demasiado buenos. O al menos, eso parece. Pues el “Experimento 626” ha dado origen a una criatura belicosa y gamberra, siempre dispuesta a hacer la vida imposible al prójimo. ¿Qué hacer para asegurar que no da más guerra? Muy sencillo. Desterrarle a un asteroide prisión donde esté tranquilo. Pero el Gran Consejo de la Federación Galáctica no cuenta con el ingenio de la criatura, que logra escapar con una nave y se presenta en la Tierra, en pleno Hawai. Allí una niña, Lilo, le toma por un perrito un poco raro, y lo adopta con el nombre de Stitch. Y aunque la criatura está dispuesta a seguir su vocación bullanguera, gracias a Lilo aprenderá lo que es el amor, y cómo es sentirse parte de una familia. Film de animación de Disney, donde el estudio de animación rey arriesga con dibujos algo diferentes a los que nos tiene acostumbrados (un poco en la línea de El emperador y sus locuras), y con algunas escenas muy, muy dinámicas, quizá con la idea de que los chavales de hoy en día no son como los que conoció el tío Walt. Sea como fuere, los directores Chris Sanders y Dean DeBlois y su equipo de animadores han logrado un film que combina buenas dosis de comedia, con escenas tipo cartoon, con los buenos sentimientos. Pues el personaje de Lilo, una chiquilla huérfana que vive con su hermana mayor, siente cierto desarraigo, como si la suya no fuera una auténtica familia. Echa mucho de menos a sus padres, pero la llegada de Stitch va a servir para que las dos hermanas estrechen lazos. Hasta que lo suyo responda, de verdad, a la definición de familia que da la película: “Un lugar en el que nunca se deja atrás a nadie”. El film contiene múltiples referencias cinematográficas, ingeniosas e inteligentemente introducidas. Las más claras son E.T., el extraterrestre (Lilo es a Stitch lo que Elliott era al extraterrestre extraviado, incluidas la añoranza del hogar, y la familia en circunstacias especiales) y Men in Black (por la aparición de un personaje vestido de negro, que dice ser asistente social, y que bien podría ser Will Smith después de una extenuante sesión de musculación, tan grande e inmenso es el personaje).

El ratoncito Stuart ha visto colmado el sueño de su vida: tener una familia, los Little. Sus padres adoptivos le quieren, hace migas con su hermano mayor George, e incluso tiene una hermanita pequeña. Por otro lado le va bien en el cole, tiene aficiones tan estupendas como las maquetas… Y sin embargo… le falta un auténtico amigo. Alguien de su tamaño, con quien pueda congeniar. Cree encontrar a tal amigo en Margalo, una pajarita que se encuentra en apuros. Recordando su propio pasado, convence a los Little para que la acojan en su casa. Pero puede que Margalo no sea digna de la confianza que la familia, y sobre todo Stuart, le han demostrado. Nuevas aventuras del simpático roedor, que en la versión española tiene la voz de Emilio Aragón. Repite de nuevo tras la cámara Rob Minkoff, que en esta secuela maneja mayor presupuesto, lo que se nota en el increíble diseño de producción y en los prodigiosos efectos especiales. Detrás de una aventura trepidante, repleta de humor y buenos sentimientos, con villano en forma de peligroso halcón, subyace una sencilla moraleja, que Minkoff resume así: “Para que los chicos crezcan, necesitan tener responsabilidades”. Que tomen nota los papás y las mamás, “por fa”.

Para sacar adelante a su hijo, Marisa, una madre soltera, se deja la piel con su trabajo como sirvienta en un hotel de primera categoría de Manhattan. Un día se lleva a su hijo al hotel, y animada por una compañera, se prueba los lujosos trajes que una clienta le ha pedido que lleve a la tintorería. En ese momento, aparece el candidato a senador Christopher Marshall, que acompaña al pequeño para pedirle a su madre que le deje ir a pasear el perro con él. Christopher confundirá a Marisa con una huésped del hotel. “J Lo” (como le gusta que le llamen a Jennifer López) le saca más partido que nunca a su atractivo latino, en esta comedia romántica que actualiza Pretty Woman, Vacaciones en Roma, La Cenicienta, y otros clásicos del amor entre clases sociales distintas. Le acompaña otra de las estrellas del momento, Ralph Fiennes, aunque la clave del film estriba en que el siempre sutil realizador Wayne Wang, autor de Smoke, aprovecha un típico argumento de comedia romántica, concebido inicialmente para Julia Roberts, para describir dos mundos totalmente opuestos: el del personal de un hotel, y el de la política norteamericana. De esta forma, cobran mucha importancia los secundarios de ambos lados, interpretados por secundarios de lujo, como Stanley Tucci y Bob Hoskins.

Un duro detective de la policía, que resuelve todos los casos. Un agente que patrulla las calles, que sueña con ser actor. Y una productora de televisión que sueña con dar con el programa que conquiste todas las audiencias. Juntos conforman un cóctel explosivo: el programa “Showtime”, que pretende informar las 24 horas del día cómo es el trabajo de una pareja de polis, al estilo “Gran Hermano” o, si tomamos la referencia cinematográfica, El show de Truman. El film da una nueva vuelta de tuerca a las llamadas buddy movies con poli blanco y poli negro, uno serio, el otro cachondo, cuyos máximos exponentes son Arma letal y Límite: 48 horas. Hasta se dan dos curiosas circunstancias (¿estarán buscadas adrede?): Eddie Murphy, protagonista del segundo título, actúa en esta puesta al día de la fórmula, que tiene a las cámaras de televisión como estrellas invitadas; y Rene Russo se incorporó a la serie Arma letal en su tercera entrega. En cualquier caso la combinación de acción y comedia funciona razonablemente, y el afán de tantos por chupar cámara y convertirse en carne de "prime time" es ridiculizado y puesto en solfa con ingenio.

Han pasado diez años desde la última vez que se vieron las caras con el horrible sacerdote egipcio momificado Imhotep. Rick O'Connell (Brendan Fraser) y Evelyn (Rachel Weisz) se han casado y ahora viven tranquilamente junto a su revoltoso vástago de 8 años. Pero a miles de kilómetros, el Rey Escorpión ha despertado del castigo eterno de Anubis y reúne un ejército para destruir el mundo. Sólo Imhotep, devuelto a la vida gracias a la ayuda de su amada Ancksunumam, puede pararle los pies. Cuando la lucha de estos dos temibles seres parece inevitable, los O'Connell tendrán que regresar a la acción para salvar el mundo. Después del exitazo que supuso La Momia, Stephen Sommers repite equipo y fórmula, esta vez con más acción, humor y terror, pasándolo todo por el filtro de unos efectos digitales de auténtica impresión. Salpicada cada escena de espectacularidad y emoción, la “peli” va en quinta velocidad desde el comienzo y recoge el espíritu más clásico del género de aventuras.

El término “serendipity” designa la capacidad que tienen algunas personas de protagonizar encuentros fortuitos y agradables. Y, aunque ellos lo ignoran, Jonathan y Sarah están a punto de convertirse en auténticos maestros de “serendipia”. Todo comienza un día de Navidad en Nueva York. Ambos han acudido a unos grandes almacenes para comprar regalos a sus respectivas parejas. Unos guantes de lana pueden ser una buena elección. Ambos se encuentran frente al mostrador. El problema es que sólo quedan un par de guantes… Conversan, ríen y conectan de modo asombroso, hasta el punto de que deciden tomar algo en una cafetería y patinar sobre hielo en el Central Park. Cuando, al despedirse, se disponen a intercambiar los teléfonos, la duda entra en sus conciencias. Sarah toma una decisión: permanecer en el anonimato. Si han de volver a encontrarse, el destino se encargará de ello y entonces ya no tendrán que preocuparse. Pasarán los años. Sus andanzas han corrido por cauces diferentes y ambos están a punto de casarse… ¡Qué maravillosa puede ser la vida en las películas! ¡Qué disparatada y entrañable! Estamos ante una comedia romántica de corte clásico, donde la casualidad y el enredo componen un divertido y delicioso tapiz que sólo resplandecerá cuando esté enteramente completado. Hay dos cosas que logran que esta película sobresalga muy por encima de los productos del género. Por un lado tienen lugar en ella algunas escenas realmente logradas, de encanto superlativo, como la apuesta en los ascensores del Waldorf Astoria o la lección de astronomía en el brazo de Sarah. Sin embargo esa magia cinematográfica es posible únicamente gracias a la química que hay entre John Cusack y Kate Beckinsale. El encantamiento entre ambos no tiene nada que envidiar a los que se producen en el colegio Hogwarts, por poner un ejemplo conocido. Y tal es el magnetismo de su serendipia que uno sale transformado después de ver la peli, mientras se pregunta ligeramente obsesionado: ¿me puede pasar a mí? La película cuenta además con un buen puñado de fantásticas canciones, unos secundarios bastante apañaditos (los amigos de los protagonistas son un perfecto contrapunto) y un ritmo milimétrico que va "in crescendo" hasta la escena final. Una delicia, vamos.

Jerry Welbach (Brad Pitt) es un mafioso, joven y gafado, que malvive de trabajitos de poca monta. Aunque ha decidido acabar con ese tipo de vida lo antes posible, se ve obligado bajo amenazas a realizar un último encargo. Una vez hecho estará en disposición de recuperar su vida sentimental junto a su novia Samantha (Julia Roberts), quien le ha puesto de patitas en calle al comprobar que a Jerry siempre le queda “algo” por hacer. Esta vez, el trabajo en cuestión parece cosa fácil: viajar a México y recuperar una pistola con aura de leyenda y fama de maldita, cuya fabricación encierra una historia de amores turbulentos en el México del siglo XIX. Lo malo es que la pieza es deseada por más de un “coleccionista”, cosa que Jerry constata cuando la pistola se le resiste más de la cuenta y Samantha es secuestrada por el loco asesino Leroy (James Gandolfini). La historia tiene encanto, humor, acción y ambientación suficiente para colocarla por encima del género “comedia tonta con sex symbols de sonrisa profidén”. Gore Verbinski (Un ratoncito duro de roer) realiza una dirección sobrada de oficio y tiene la osadía de transformar la trama mafiosa en una comedia negra con mucho, mucho, de realismo mágico. Algunas escenas tienen un singular toque Coen, como la del disparo en el pie, las lágrimas de Gandolfini o el esperpéntico síndrome de Estocolmo de Samantha. La historia, al vibrante ritmo de canciones mexicanas estridentes, es más que entretenida, pero lo que es un verdadero acierto es el "flash-back" en tonos ocres que narra el origen de la pistola. La película está estructurada en historias paralelas, de tal manera que Brad Pitt y Julia Roberts apenas aparecen juntos en pantalla. Una originalidad un tanto arriesgada, es cierto, pero que logra que un secundario como James Gandolfini gane protagonismo y pueda asombrar al espectador con su fantástica caracterización de Leroy, quizá lo mejor del film. Y Brad Pitt, con el mismo "look" zarrapastroso de El club de la lucha y Snatch. Cerdos y diamantes, sigue demostrando película a película que es algo más que una cara bonita.

El doctor Norman Spencer y su esposa Claire parecen el matrimonio perfecto. Pero las apariencias engañan. Norman engañó a Claire hace un año; ella no sabe nada, pero la verdad es tozuda, y el camino que va a escoger en esta ocasión para salir a la luz resultará bastante inesperado. ¿Qué son las misteriosas voces y las imágenes espectrales que cree advertir Claire? ¿Está alucinando? ¿Son consecuencia de su soledad en casa, ahora que su hija marcha a estudiar a la universidad? ¿Qué tienen que ocultar unos misteriosos vecinos? Lo que la verdad esconde es la película que Robert Zemeckis decidió rodar entre medias de la filmación de Náufrago. Mientras Tom Hanks perdía los kilitos necesarios para rodar la segunda parte del film, Zemeckis se lanzó a rodar una película de suspense con ribetes sobrenaturales, al más puro estilo Alfred Hitchcock. El director asegura: “Creo que suspense y cine están hechos el uno para el otro. Ciertamente hay libros y obras de teatro con mucho suspense, pero no creo que nada pueda manipular el tiempo, el lugar y la técnica para contar una historia, de la forma en que se puede hacer en una película.” El film bebe de muchos títulos clásicos: Crimen perfecto y Rebeca de Hitchcock, o Luz que agoniza de George Cukor, vienen enseguida a la cabeza; en esas películas hay un misterio por resolver y un matrimonio con problemas, como el que forman Harrison Ford y Michelle Pfeiffer.

El veterano director John Frankenheimer nos regala una aventura de acción con reparto explosivo. Narra la historia de Rudy Duncan (Ben Affleck), un simple ladrón de coches que sale de la cárcel días antes de Navidad, después de estar encerrado una breve temporada. Ése parece ser el comienzo de una nueva vida, pero pronto se dará cuenta de que estar libre puede ser todavía peor que estar privado de libertad. Aunque lo que Rudy desea por encima de todo es la tranquilidad de una comida navideña junto a su familia, el caso es que una vez fuera de la cárcel decide en un impulso hacerse pasar por su compañero de celda fallecido y verse con Ashley (Charlize Theron), una bella joven con quien su compañero mantenía una relación epistolar. Pero el idilio se complica con la aparición de Gabriel (Gary Sinise), el psicópata hermano de Ashley, el cual acabará por implicar al protagonista en el atraco de un casino. A partir de ahí se desata un peligroso juego de atracción, redención, traición, equívocos y trampas del que Rudy no podrá escapar. Frankenheimer sabe hacer cine, no cabe duda. Después de notorios éxitos como El hombre de Alcatraz, Domingo negro o la fantástica Ronin (genial De Niro), editada ya en vídeo, vuelve a poner todas sus armas al servicio de una película donde cabe todo: acción, intriga, psicología y comicidad. Su modo de hacer cine se refleja también en el tratamiento de la imagen, como él mismo dice: “Siempre miro de no saturar los colores tanto como puedo”. A este respecto, la película es rica en tonos grises y colores opacos, los cuales consiguen el propósito de dar a las escenas un tono sombrío. Además maneja a la perfección a un magnífico plantel de actores, donde sobresale un Ben Affleck realmente convincente en un papel que le va como anillo al dedo. Le secundan con eficacia una hermosísima Charlize Theron y un descerebrado Gary Sinise. Hay que resaltar el trabajado guión de Ehren Kruger, un tipo que sabe llevar al espectador al territorio del desconcierto y de los giros inesperados sin perder verosimilitud, como ya demostró con creces con Arlington Road. Y aquí hay más de una sorpresa que, una vez vista, conviene no desvelar a los amigos.

El ambiente y la formación que Nick (Mel Gibson) ha mamado desde su más tierna infancia le han hecho desarrollar unos modos un tanto machistas. Divorciado y con una hija, está acostumbrado además a que no haya mujer que se le resista. Pero su mente va a sufrir un cambio, cuando su empresa de publicidad ficha a Darcy (Helen Hunt), una ejecutiva que va a ser su inmediata superior. Y es que los clientes mandan, y la empresa ha descubierto que su publicidad debe hacerse con el público femenino a toda costa. Nick va a tener que cambiar de mentalidad. Lo que no puede imaginar es que, tras un accidente doméstico, va a desarrollar un inesperado don: es capaz de “escuchar” los pensamientos de las mujeres. Como puede imaginarse, el hecho de que Nick pueda leer en las mentes femeninas, propicia gags muy hilarantes. Primero su orgullo va a sufrir más de un duro golpe, pues va a descubrir que muchas de sus compañeras le consideran un perfecto cretino. Luego, al estilo de lo que ocurría en el film Atrapado en el tiempo, Nick va a tratar de usar su talento en su propio provecho. Hasta que al final empezará a preocuparse, ¡menos mal!, de los que le rodean, y puede que incluso descubra en qué consiste el amor. La comedia tiene mucho de aire clásico, moraleja incluida. Aletea sin duda el optimismo de los inolvidables filmes de Frank Capra. Por otra parte merece la pena destacar la banda sonora, que además de la partitura de Alan Silvestri, incluye temas de antaño como "Night and Day" de Cole Porter, o de rabiosa actualidad como "What a Girl Wants" de Christina Aguilera. Mel Gibson asegura que leyó una biografía de Frank Sinatra, al que tomó como referencia de “machista encantador”. Además, como tiene una divertida escena de baile, trató de homanajear nada más ni nada menos que a Fred Astaire: “Me encanta ver los números de baile de las viejas películas de Fred”, asegura, “Me fascinan. Pero sé que nunca voy a acercarme ni de lejos a lo que él hacía. Cuando estaba hablando con el coreógrafo se puso a hacer un pequeño baile a lo Fred Astaire ‘versión borracho’ y pensé que esto era justo lo que Nick haría en su apartamento.”

Chuck Noland, ejecutivo de una empresa de transporte urgente, siempre va deprisa de un lado para otro. Ni tiempo tiene de formalizar su compromiso matrimonial con Kelly. En uno de sus viajes relámpago para “apagar un fuego” en algún sitio, el avión que le transporta sufre un accidente y se hunde en el océano. Él es el único superviviente, y va a parar a una isla desierta. Pasa el tiempo, y nadie llega al rescate. Seguramente le dan por muerto y él debe ingeniárselas para seguir viviendo. Robert Zemeckis sortea, gracias al sólido guión de William Broyles, el peligro de aburrir con más de hora y media de película en la que tenemos a un solo personaje, completamente aislado. La trama está salpicada por los modos que Chuck desarrolla para alimentarse, guarecerse de la climatología adversa... Lo que nos hace caer en la cuenta de las muchas cosas que empleamos en la vida corriente y que damos por supuestas, sin considerarlas como un verdadero regalo. Por otro lado, Zemeckis demuestra una gran fuerza visual en casi todo el metraje. Ya sea en el accidente, en los intentos de salir de la isla en una balsa, en la navegación en mar abierto o en la exploración de la isla, los planos y encuadres son muy imaginativos. La desesperación que acecha a Chuck en la isla es frenada en gran medida, además de por Wilson (ver recuadro) por el recuerdo del amor de Kelly, y por la presencia de un paquete no abierto de su empresa, uno de los restos del avión estrellado. Tener metas en la vida, que la existencia tenga un sentido, se revela como la clave para resistir. Por eso alcanza una altura dramática inusitada el último tramo del film, modélico en escritura, dirección e interpretación.

¿Qué es mejor ser, cola de león o cabeza de ratón? El ratoncito Stuart Little lo tiene claro. Él es quien es. Y está muy orgulloso de su condición ratonil. De modo sencillo, sin didactismos empalagosos o demasiado obvios, el film defiende el derecho de todos a ser de determinada forma. A hacer valer aquello de que "cada uno es hijo de su padre y de su madre". Estamos ante un film encantador, pensado con rara inteligencia para el público familiar. La escena en que el matrimonio Stuart acude al orfanato para adoptar un niño es paradigmática a este respecto. Aportación del guionista M. Night Shyamalan (El sexto sentido), es un golpe sorpresa que engancha al espectador: marido y mujer observan a los niños variados que pululan por ahí, y cuando ven a un ratoncito solo y triste… no manifiestan extrañeza. Tampoco cuando se pone a hablar, y les explica que ningún humano quiere adoptarle por ser de otra especie. En cierto modo la historia es el reverso de Babe, el cerdito valiente: si ahí un cerdito no se resignaba a su destino seguro, el matadero, y decidía ser perro ovejero, aquí tenemos a un ratón que acepta su condición, sin que ésta le empequeñezca o acompleje. La otra línea vertebral del guión la constituye el derecho que todos tenemos, o más bien necesidad, de pertenecer a una familia: de querer y sentirnos queridos por los nuestros. Así el guión se enriquece con las dificultades de George para aceptar a su hermano adoptivo, la aparición de la auténtica familia de Stuart, o la difícil relación con un gato. Y todo servido con mucho sentido del humor. Historia entrañable –o sea, con entrañas–, comparable a las dos entregas de Toy Story, en el sentido de que, por muy maravillosa que sea la animación, esos films tienen entidad por sus personajes y lo que les ocurre. Rob Minkoff, que codirigió El rey león, lo ha entendido perfectamente, y envuelve la historia de una atractiva atmósfera, mágica e irreal, en la que parece que el tiempo se haya detenido. La concepción del film recuerda a títulos infantiles inteligentes: los dos Babe debidos a George Miller; y una pequeña delicia, El peque se va de marcha, con guión de John Hughes y dirección de Patrick Read Johnson. En el reparto puede verse a la ganadora del Oscar Geena Davis, al genial doctor House (Hugh Laurie) y al niño de Jerry Maguire Jonathan Lipnicki. En España fue Emilio Aragón el que puso la voz al ratoncito, mientras que en Estados Unidos fue Michael J. Fox.

¿Quién dijo que las brujas son cosa pasada? No piensan esto los responsables de Prácticamente mágia. Aunque el inicio engaña: el linchamiento de una bruja, por una numerosa chusma. Su ropa negra y sus gritos retrotraen a los procesos por brujería de hace un par de siglos en Salem. De pronto algo mágico sucede: la cuerda se rompe y la bruja salva la vida. Y así se preserva, hasta nuestros días, una estirpe de mujeres con el don de la magia. Pero Sally (Sandra Bullock) y Gilliam (Nicole Kidman), hermanas, no se resignan a su destino brujeril. Quieren llevar una existencia normal: Sally trata de formar una familia, Gilliam cree encontrar en Jimmy al hombre de su vida. Pero las cosas salen mal, por culpa de una maldición, que impide a las brujas que sus relaciones sentimentales lleguen a buen término. La película tiene magia, romance, humor, y hasta una parte terrorífica. Cuando Kidman es poseída por el espíritu de su novio, las escenas recuerdan a El exorcista. Destaca la estupenda química entre dos hermanas que no pueden ser más distintas: Bullock, con su rostro dulce, busca la tranquilidad; Kidman, representa una forma de ser más alocada y salvaje. La Bullock se tomó lo de la brujería bastante en serio, a tenor de sus declaraciones. Cuenta la actriz que, cuando filmaban la crucial escena de un aquelarre, "habíamos alcanzado un momento en que las mujeres estaban salmodiando juntas. De repente, la puerta comenzó a dar golpes. Todo el mundo lo vio y lo oyó, pero no teníamos ni idea de cómo podía estar sucediendo". En fin, quizá fue cosa del estrés de rodaje, cualquiera sabe.

Divertida película para toda la familia. Cuenta las vicisitudes de dos niñas, Hallie y Annie, de aspecto físico idéntico. No podía ser de otra manera, pues son gemelas. El caso es que ninguna de las dos sabía de la existencia de la otra, pues sus padres se separaron cuando eran muy pequeñas. Annie se educó con su madre en Londres, y Hallie con su padre en un rancho de California. Cuando se conocen casualmente en un campamento de verano, deciden poner todos los medios para volver a unir a sus padres. Uno de ellos, intercambiarse e ir a vivir cada una con el padre o la madre que nunca conocieron. La directora Nancy Meyers parece especializarse en la recuperación para nuevas generaciones de clásicos deliciosos. Al igual que hiciera con El padre de la novia, ahora se aplica en la tarea de este apetitoso "remake". Meyers sabe jugar con las situaciones de enredo que provoca el cambio de personalidad de las gemelas: pues una tiene un estilo yanqui muy desenfadado, mientras la otra es una señorita muy británica. Lo cual provoca divertidos equívocos. Los veteranos Dennis Quaid y Natasha Richardson están muy bien como los padres, pero la reina de la función es Lindsay Lohan, que da vida a las dos gemelas. A sus tempranos doce años la pelirroja de Nueva York ya apuntaba que iba a llegar alto.

Ricky (el célebre Jeff Goldblum de Parque Jurásico) es un ambicioso ejecutivo de la televisión, con un cargo de peso en un canal de teletienda. Las cosas no van muy bien, y su jefe le ha asignado una compañera para ayudarle. Un encuentro casual con G, santón de acciones imprevisibles, complica las cosas. Sin embargo deciden probar su especial carisma para conectar con la gente, colocándolo como estrella televisiva. Lo nunca visto: el actor cómico Eddie Murphy sabe contenerse, con lo que gana mucho su vis humorística. Le ayuda un guión de Tom Schulman (8 cabezas..., El Club de los Poetas Muertos) bastante inteligente, crítica certera al consumismo y a la adicción televisiva. Tras la cámara está Stephen Herek, que dirigió con cierta fortuna Los tres mosqueteros (1993) y, sobre todo, Profesor Holland.

Secuela de La extraña pareja, rodada nada menos que 30 años antes. Los inefables Jack Lemmon y Walter Matthau retoman sus antiguos personajes de Felix y Oscar y se lo hacen pasar bomba al espectador. Los veteranos actores estaban al final de sus carreras. Si antiguamente se trataba de compartir piso, ahora la cosa estriba en compartir un coche de viaje a California, en donde tendrá lugar la boda entre el hijo de Felix y la hija de Oscar... La convivencia entre ambos será un disparate.

Simpática comedia romántica que cuenta con una de las actrices con mayor proyección, Salma Hayek. Alex (Matthew Perry) es un ejecutivo de Manhattan, e Isabel (Salma Hayek) es una americana de origen mexicano que cree firmemente en la fuerza del destino. Sus vidas se cruzan y, tras vivir una noche de pasión, ella queda embarazada. Tres meses después se casan en Las Vegas. Pero como el amor no es lógico y el destino es impredecible, Alex e Isabel se verán envueltos en multitud de aventuras, repletas de humor y romance. Y probablemente será así hasta que la muerte los separe. Comedia de una frescura inusual, de gran espíritu romántico y con momentos hilarantes. Andy Tennant demuestra ser un experto en este tipo de cine. Salma Hayek (Abierto hasta el amanecer, Wild Wild West) pone su belleza. Deliciosa historia de amor.

Dos hermanos reciben en herencia, de su difunto padre, un enorme caserón. No le prestan demasiada atención: su estado abandonado y las capas de polvo no lo hacen apetecible para vivir. Inesperadamente llegan expertos arquitectónicos que aseguran que la casa es una joya, de valor incalculable. Los hermanos deciden restaurarla para sacar pingües beneficios en una subasta. Pero no cuentan con un inquilino: un simpático ratoncito que les hará la vida imposible. Emulando al gato de los dibujos animados de Pixie y Dixie, los protagonistas de la película podrían chillar aquello de "¡maldito roedor!". Tan mal se lo hace pasar el ratoncito de turno. Con el estilo de esos "cartoons" y los de Tom y Jerry se nos ofrece una divertida película, con diseño artístico y efectos especiales para caerse de espaldas. Imposible distinguir entre ratones auténticos, mecánicos e imágenes creadas por ordenador. Algunos gags son antológicos como la apurada situación que transcurre en una sala sembrada de trampas para ratones.

Ellie, tras la muerte de su padre y una infancia solitaria, ha dedicado toda su vida al estudio de la ciencia. Especializada en radioastronomía e integrada en el programa SETI, está obsesionada por la búsqueda de formas de vida inteligente de origen extraterrestre. Un día sus esfuerzos se ven recompensados, por la recepción a través de un satélite de un mensaje codificado de origen desconocido. Gran película de ciencia ficción, basada en la novela escrita por el científico Carl Sagan. Dirigida por Robert Zemeckis (oscarizado por Forrest Gump) cuenta con unos magníficos efectos especiales, y una esplendida interpretación a cargo de Jodie Foster y Matthew McConaughey. En cualquier caso, Contact no defraudará a los admiradores de la mítica Encuentros en la tercera Fase, auténtica precursora de esta película.

Segunda película de volcanes producida en el mismo año, tras Un pueblo llamado Dante's Peak. Sigue el clásico modelo de presentar la vida normal de los personajes antes de que acontezca la consabida catástrofe. Aunque no depare sorpresas argumentales, tiene el acierto de subrayar la generosidad y el heroísmo, a veces anónimos, de la gente corriente. Como novedad, la inesperada erupción de un volcán en pleno centro de Los Ángeles, y los mejores efectos visuales de lava vistos hasta la fecha. Buenos trabajos de unos eficientes Tommy Lee Jones y Anne Heche.

John Kruger (Arnold Schwarzenegger) es el mejor profesional de un grupo de oficiales federales de élite, cuyo trabajo consiste en borrar todo rastro de las vidas y las identidades de aquellos que entran en el Programa Federal de Protección de Testigos. Ahora Kruger debe proteger a Lee Cullen (Vanessa Williams), una alta ejecutiva de una de las empresas más importantes de material de defensa del país. El motivo es que Lee descubrió un plan para entregar una de las armas más mortíferas jamás inventadas a un grupo terrorista. Kruger debe poner las cosas en su sitio. Una película trepidante de Chuck Russell, el director de La máscara, que hará las delicias de los amantes de la acción violenta, el enfrentamiento del protagonista con los cocodrilos es espectacular, y con toda seguridad que está en el top del ranking de las películas con más disparos de bals. Schwarzenegger está implacable en su registro habitual, de duro e infalible justiciero, que domina a la perfección. No faltan su típicas frases graciosetas y lacónicas, como cuando responde a Lee, que le reprocha que llega tarde para enfrentarse a los malos, a lo que el responde, "Había mucho tráfico".

La asociación artística de Geena Davis con su entonces marido, el director Renny Harlin, no ha dado muchos frutos. Tanto Memoria letal como La isla de las cabezas cortadas son productos de acción demasiados convencionales, que no están siendo bien acogidos por el gran público al que van destinados. En esta ocasión Davis encarna a Samantha, una encantadora ama de casa, feliz con su marido y una hijita, pero que debido a una amnesia ha olvidado la mayor parte de su pasado. Una fugaz aparición en televisión de Samantha, vista casualmente por un peligroso presidiario, desvela que esta mujer fue tiempo atrás una asesina a sueldo del gobierno. El guión del film lo ha escrito Shane Black, el responsable de las historias de Arma letal o El último boy scout. Junto a una idea que remite a Nikita de Luc Besson, y al vertiginoso ritmo narrativo, una persecución sin fin, ha querido dotar a la película de unos diálogos chispeantes entre Samantha y un detective de medio pelo, encarnado por Samuel L. Jackson, en la tradición de las llamadas ‘buddy movies’ o ‘películas de colegas’. Lo malo es que casi siempre son chistes picantes, no demasiado ingeniosos, basados en la recién descubierta faceta dura y seductora de Samantha. Algunas escenas de acción tienen un indudable mérito, pero en general todo suena a conocido. El clímax es decididamente tópico y sensiblero.

El sargento Bilko (Steve Martin) es el encargado del destacamento de talleres mecánicos de Fort Baxter. Sin embargo, se dedica a convertir las instalaciones en un casino para ganar dinero, su mayor habilidad. Se justifica pensando que los soldados necesitan divertirse tras ejercer su labor patriótica. El coronel Hall (Dan Aykroyd) hace la vista gorda hasta que el Mayor Thorn llega a Fort Baxter para supervisar la construcción de un nuevo arma que supuestamente desarrollan en el cuartel. El mayor es un viejo enemigo de Biko, por lo que intentará darle un escarmiento. Dos cómicos de primera, Steve Martin (Esposa por sorpresa, Grand Canyon, el alma de la ciudad, El padre de la novia (1991)) y Dan Aykroyd (Paseando a miss Daisy, Los cazafantasmas) son los protagonistas de esta divertida comedia sobre el ejército, con un guión muy ágil.

En un inquietante futuro, la humanidad vive en Megaciudades. La proteccion de la ley y el Orden están encomendados a una élite de Agentes Especiales que son a la vez Juez, Jurado y Ejecutor. El mejor de ellos es el juez Dredd, una auténtica leyenda viviente reverenciada por los jóvenes cadetes. Los problemas surgen cuando el juez Dredd, víctima de un complot para acabar con él, es acusado de asesinato, aplicándosele la pena máxima. Eficiente película de ciencia ficción, basada en las aventuras de un célebre personaje del cómic norteamericano. Danny Canon dirige con pulso el film, lleno de acción trepidante, que cuenta con unos soberbios efectos especiales. Sylvester Stallone de vida al famoso juez, en uno sus intentos por desencasillarse de los papeles de Rocky y Rambo que tanta fama le proporcionaron. Le acompañan en el reparto Armand Assante (Gotti), Diane Lane y Max Von Sydow (El Séptimo Sello).

La directora india Mira Nair se atreve a abordar una historia sobre la cultura latina, bastante distinta de la suya. A partir de una novela de Christine Bell, sigue a un cubano recién salido de las cárceles castristas (Alfred Molina). Allí ha pasado veinte años, y le han quitado todo lo suyo. En Florida se reencuentra con su esposa (Anjelica Huston) y su hija (Trini Alvarado). Esta trama la articula Nair en forma de triste comedia, donde se subraya el escaso amor que se tienen unos a otros entre la comunidad de los exiliados cubanos en Estados Unidos.

Segunda parte de El padre de la novia (1991) y a su vez remake del clásico El padre es abuelo, film protagonizado por Spencer Tracy y Elizabeth Taylor. Aquí el que lleva la voz cantante vuelve a ser Steve Martin y la premisa es que ahora su personaje, George Banks, va a tener un nieto, con lo que su vida vuelve a dar un vuelco tremendo. Película romántica y familiar, llena de buenos sentimientos y momentos divertidos.

Ellen (Sharon Stone) es una implacable pistolera que no duda un momento a la hora de apretar el gatillo. Un suceso de su infancia le ha hecho crecer con la idea de la venganza en su cabeza. Se ha preparado toda su vida para el momento cumbre, en que tendrá que rendir cuentas con un peligroso bandido. Con este fin, cabalga hasta Redemption, donde el poderoso Herod (Gene Hackman) a organizado un terrible torneo. Este consiste en un duelo entre pistoleros provenientes de todos los rincones del país. El premio es un montón de dinero y un lugar asegurado en la vitrina de los pistoleros más famosos del Oeste. Herod dicta las normas, y sólo uno de ellos saldrá con vida del torneo. Un western moderno realizado a la medida de la imponente Sharon Stone, que se enfrenta al soberbio Gene Hackman, Destaca además la presencia de actores de la talla de Russell Crowe, Gary Sinise y Leonardo DiCaprio. La acción está asegurada. Recomendada sobre todo para los fans de Sharon Stone, peligrosamente seductora.

Richie, hijo de un rico industrial, lo tiene todo en la vida, excepto amigos. Un día conoce a unos niños que juegan al béisbol. En la cumbre de su fama Macaulay Culkin (Solo en casa) protagonizó esta comedia con un sano mensaje: el dinero no lo es todo, pero la amistad y el béisbol sí. No es la mejor de sus películas pero se deja ver y tiene momentos divertidos.

Jimmy Dove (Jeff Bridges) es un experimentado artificiero de la policía de Boston. Ha decidido dejar el servicio activo para poder llevar una vida familiar tranquila. Pero la aparición de un peligroso terrorista (Tommy Lee Jones), que comienza a sembrar de bombas la ciudad, le lleva a cambiar de opinión. Se trata de un viejo conocido de Jimmy, que forma parte de un turbulento pasado irlandés que ha tratado de olvidar. Vaya por delante la idea de que ésta es una entretenida película de acción. Consigue mantener el interés, hace gala de unos buenos efectos especiales, y cuenta con un espléndido reparto. Dos actores de la talla de Jeff Bridges y Tommy Lee Jones dan hondura a sus personajes, haciendo creible su duelo particular; y los secundarios ‑a destacar Forest Whitaker y Lloyd Bridges‑ apoyan muy bien. Alan Silvestri ha creado una hermosa banda sonora, y ambientación y fotografía son perfectas. Pero si de algo es sintómatico el film de Stephen Hopkins (Depredador 2) es de un cierto agotamiento del cine de acción. Las posibilidades que ofrece la técnica para recrear todo tipo de catástrofes y situaciones peligrosas son enormes, y todavía van a más. Y a veces hay una mayor atención a toda esa parafernalia –el ‘más difícil todavía’–, que a procurar que las historias sean más coherentes y originales. En el film hay secuencias equivalentes –las desactivaciones de bombas– que lo hacen repetitivo. Y luego hay una amalgama de elementos que remiten a otros títulos cercanos en el tiempo: terrorismo irlandés y familia en peligro (Juego de patriotas), equipo de personas que arriesga su vida por los demás (Llamaradas), vehículo que explotará si frena (Speed)…

Dana Carvey, popular cómico en Estados Unidos gracias al programa Saturday Night Live, dio el salto a la pantalla grande con relativo éxito gracias a Wayne’s World. Ahora protagoniza una comedia de parecidas características, en la que un detective privado que sufre amnesia debe averiguar quién es él mismo; a la vez, ha de recobrar pronto la memoria, pues es el testigo principal del juicio que se sigue contra un capo de la mafia. Mick Jackson, el director del popular film El guardaespaldas, es el responsable de esta historia disparatada y frívola, con demasiadas caídas de ritmo y pocos momentos realmente divertidos.

Forrest Gump (Tom Hanks) es una persona con un coeficiente intelectual bajo. Es sincero, honesto y muy infantil. Vive bajo la excesiva protección de su madre, que fue abandonada por su padre. Ella quiere que Forrest sea normal, como el resto de los niños. Pero Forrest es especial. Debido a una desviación en su columna, tuvieron que ponerle un armazón. El tremendo esfuerzo con que le costaba andar, le fortaleció las piernas, y así se convierte en un corredor rapidísimo e infatigable. A su paso por el instituto, se convierte en la estrella del equipo de rugby. Luego irá a la guerra de Vietnam, hará grandes amigos y se convertirá en un héroe sin saberlo. Gracias a ello, volverá a ver al amor de su vida, una dulce y algo atolondrada chica que él conoció en su infancia, interpretada por Robin Wright Penn, y que ahora se ha convertido en una pacifista radical. Sin duda, la película más exitosa de 1994, ganadora de 6 Oscar. Una emotiva y originalísima visión de la historia de Estados Unidos desde mediados de siglo. Su acierto es ofrecer el punto de vista de un personaje tan ingenuo y bondadoso que es imposible no cogerle cariño. Un guión muy inteligente, que se combina con escenas espectaculares, siempre bajo el humor infantil de Forrest. Tom Hanks ganó con merecimiento el Oscar al mejor actor. También obtuvo el de mejor película y el de mejor director. Conmovedora y muy entretenida.

John y Max son dos vecinos cascarrabias, que peinan canas y que llevan toda la vida discutiendo el uno con el otro. La llegada de una atractiva viuda a la vecindad será otro motivo más para pelear por ella. La pareja Lemmon-Matthau funcionó hace tiempo, sobre todo en las comedias de Billy Wilder como En bandeja de plata o Primera plana. En este film de Donald Petrie, Jack Lemmon y Walter Matthau solo participan en una serie de gags sin ingenio y bastante soeces por momentos, con alguna escena absurda y ridiculizante. Nada propio para estos dos grandes veteranos del cine. En 1995 volvieron a reunirlos en Discordias a la carta, que lamentablemente repetían el mismo papel.

Adaptación fallida del popular videojuego de Nintendo sobre dos fontaneros enfrentados a múltiples obstáculos para salvar al mundo. La trama del juego en sí no da para mucho, y la falta de alguien capaz de idear algo con un mínimo de interés acaba de rematar, para mal, la jugada. Queda así como uno de los filmes pioneros en tratar de hibridar el celuloide con el mundo consolero, pero el resultado es claramente decepcionante. Da pena ver a Bob Hoskins enredado en este film.

Un grupo de cuatro amigos se encuentra de fiesta nocturna. Por casualidad serán testigos involuntarios de un asesinato perpetrado por la banda del gángster Fallon. Ni que decir tiene que los criminales no deben dejar con vida a ningún testigo, por lo que irán a la captura de los cuatro amigos. Bajo un planteamiento la mar de simplón el director Stephen Hopkins (Bajo sospecha) logra un thriller de acción bastante plano pero también entretenido, pues usa bien los resortes de la intriga y la tensión y genera complicidad en el espectador con respecto a los protagonistas. Cuenta además con un elenco bastante apañado, con la presencia destacada de Emilio Estevez y Cuba Gooding Jr.

El pequeño Devon, testigo de un asesinato, se niega a declarar si no acceden a su petición de convertirse en policía. Acaba emparejado con el veterano Nick McKenna. Como otras muchas estrellas en decadencia, Burt Reynolds aceptó emparejarse con un niño, en una comedia con pocas pretensiones, pero de tono amable.

Original y maravillosamente interpretada película dirigida por uno de los mejores directores del momento, Robert Zemeckis (Regreso al futuro, Forrest Gump). La actriz Madeline Ashton tiene como hobby particular quitarle los novios a su amiga Helen Sharp, hasta que una de las veces se casa con su prometido, el doctor Ernest Menville. Siete años después Madeline sólo vive para su físico, Helen se ha convertido en una gorda inmensa y Ernest es un borracho empedernido. Pasan otros siete años y marido y mujer reciben una invitación para ir a la presentación del libro de Helen "Siempre joven". Para horror de Madeline, Helen ha vuelto a ponerse delgada y guapa y se pone a flirtear descaradamente con su marido. Madeline acudirá entonces a la ayuda de una pócima que tendrá como resultado la recuperación de la juventud, pero también otros efectos insospechados. Comedia loca que en ningún momento pierde frescura y que tiene unos meritorios y sorprendentes efectos especiales. Meryl Streep vuelve a demostrar una vez más que es una auténtica maga de la interpretacion.

Una madura, encantadora y simpática mujer (Estelle Getty) está convencida de qué cosas son las mejores para su hijo, tanto personal como profesionalmente. Sin embargo, éste, el sargento de policía de Los Angeles Joe Bomowski (Sylvester Stallone), no quiere ni oír hablar de los consejos de su madre. Él vive apaciblemente su soltería y su vida independiente, aunque algo desordenada. Mentalmente se encuentra a mil millas de su madre. Un día, ésta viaja desde New Jersey para hacerle una inesperada visita a su hijo. Sin embargo, su estancia en California se convierte en una aventura insospechada cuando es testigo de un crimen. Involucrada entonces ella en la investigación policial, no dudará en acompañar a Joe en todas sus peligrosas misiones. Entretenida película que aúna comedia y acción de manera bastante eficaz, con un papel más que convincente por parte del duro Stallone. Ideal para ver en familia.

Barry Gabrewski es un aficionado al karate que no tiene mucha habilidad. Por este motivo, es el centro de las bromas de su compañero de escuela, Randy Cellini. Randy está harto de que se rían de él, y decide echar toda la carne en el asador para convertirse en un buen karateka. Para ello solicita la ayuda del entrenador de Randy, el señor Stone. Después de hacerle una prueba, Stone convence a Barry de que sus actitudes son nulas para el karate, y se niega a darle clases. Desesperado, Barry acude al maestro Lee, que acepta prepararle. Barry pronto se da cuenta de que las enseñanzas de Lee son distintas, y se basan en el honor y en otras virtudes. Así comprende que el karate no sólo consiste en pegar patadas y puñetazos. De esta manera, Barry se ve obligado a aceptar un combate contra Randy y Stone. Hace falta un cuarto luchador, y Barry debe convencer a su maestro Lee para que sea él quien le ayude a vencer a Randy y Stone. Una entretenida película de artes marciales, con una intención pedagógica. Tiene atractivas escenas de lucha, protagonizadas por el especialista Chuck Norris. Con seguridad, los adolescentes pasarán un buen rato.

Aventuras ecológicas para toda la familia. FernGully es un bosque que corre serio peligro de desaparecer. El hada Crysta, una chica curiosa y valiente, logrará atraer a su bando a Zak, un humano que está ayudando a destruir el bosque. Una buena lección para los niños, pues les enseña a cuidar y respetar la naturaleza.

Frank Farner (Kevin Costner) es uno de los mejores guardaespaldas de Estados Unidos. Su método se centra en la concentración en el absoluto control de sus sentimientos. Trabajó para el Servicio Secreto norteamericano, pero un error le desvió de una brillante carrera como protector de los máximos representantes de su país. Un error al que aún da vueltas y que le martiriza. Es contratado por Rachel Marron (Whitney Houston), una superestrella del pop, caprichosa, insensata y rodeada de glamour, todo lo que Farner detesta. Pero irremediablemente, el amor nace entre ellos. Entretenida película, escrita por el prestigioso Lawrence Kasdan, guionista entre otras de El imperio contraataca (1980) o En busca del arca perdida (1981). Cuenta la relación entre dos personas desengañadas y reacias a poner en juego sus sentimientos. Contentará sin duda a los fans de Houston y Costner. Fue nominada al Oscar a la mejor canción.

Celeste Talberg es la protagonista de un famoso culebrón televisivo, llamado El sol también se pone. Lleva más de 20 años emitiéndose, y llega a millones de hogares, donde contagia a los espectadores con las intrigas y las emociones de sus personajes. Pero la vida en el interior del plató no es la que muestran las cámaras. Celeste se ha convertido en una estrella consagrada gracias a la serie, y no quiere dejar su puesto por nada del mundo. El problema surge cuando una nueva actriz pretende arrebatarle su papel. Una divertida comedia sobre los entresijos de la televisión y las relaciones humanas cuando los actores y actrices dejan de interpretar. Aunque trata el tema con más frivolidad que profundidad, es adecuada para pasar un buen rato.

George Banks regresa a su hogar después del trabajo y encuentra en casa a su hija Annie, que ha estado cuatro meses en Roma y ha vuelto a casa convertida en toda una mujer. Durante la cena anuncia una sorpresa: se va a casar. Ante la sorpresa inicial y las emociones, no todos reaccionan igual. George comienza a ponerse nervioso ante el acontecimiento y se rebela ante lo que se avecina. A partir de ese momento comienzan los preparativos de la boda: la iglesia, el convite, las flores... y por supuesto, conocer a Bryan, el novio, y a los padres de éste, los cuales viven en Beberly Hills en una fabulosa mansión. Agradable remake de El padre de la novia protagonizada por Spencer Tracy y Elizabeth Taylor en 1950. La película cuenta con escenas divertidísimas como cuando los Banks van a conocer a sus consuegros, y en general, los mohínes de Steve Martín ante los gastos que supone el bodorrío de la hija. Por otra parte, el film se detiene en la relación padre-hija y la idea de 'perder' a la niña de sus ojos cuando ésta recibe el flechazo del amor. Gustará a los más sentimentales.

Dan Merrick tiene un accidente de coche que le deja en coma y, tras despertarse, sufre un estado de amnesia total. Contará con su esposa Judith, que se dedica a cuidarle. No obstante, Dan sospecha de que algo oscuro hay en torno al accidente y contrata los servicios de un detective para que investigue. Redondo film de intriga con agudos giros en la trama, y que mantiene el suspense hasta el final. El reparto, encabezado por Tom Berenger, Bob Hoskins y Greta Scacchi da la talla en esta película de Wolfgang Petersen, autor de Estallido o Troya, que se basa en una novela de Richard Neely.

El joven policía Nick Styles pone en marcha una operación relámpago para detener a un peligroso psicópata asesino que es retrasmitida en directo por todas las cadenas de televisión. Tras pasar una temporada en la cárcel, el asesino se obsesiona con el recuerdo del hombre responsable de su detención, que se ha convertido en el fiscal del distrito, y pone en marcha un siniestro plan de venganza para hacerle pagar los terribles años pasados en la cárcel. Intentará destruir su vida, su familia y su brillante carrera política. Tras el éxito de varias cintas que llevaban impreso su estilo, el productor Joel Silver (Arma Letal) puso en marcha una serie de proyectos característicos de su factoría, de los cuales, Ricochet es uno de los mejores, pues el guionista es Steven E. De Souza (Jungla de cristal). Bien dirigido por Russell Mulcahy (Los inmortales), del reparto destaca la interpretación del eterno secundario John Lithgow (Memphis Belle). Frente a él, un nombre de lujo, el excepcional Denzel Washington (Grita Libertad).

Marty McFly está en 1995 y acaba de encontrar una carta escrita por Doc, el cual se encuentra en 1885, la época del salvaje oeste. En la carta, Doc le pide que arregle el coche, pero que no vaya a rescatarlo pues se encuentra muy bien en el pasado. Sin embargo el muchacho irá en su búsqueda cuando descubre una vieja tumba en la que lee que su amigo murió en 1885. Vuelven las desventuras de estos dos manipuladores del tiempo. Esta vez, todo transcurre en el oeste donde la vida es más complicada que en el futuro. Por otra parte, Doc conocerá a Clara, una apasionada de las novelas de Julio Verne, con la que encontrará el amor.

En la ciudad de Filadelfia, Alex Kearney es un policía que pone una multa de tráfico a un importante ciudadano, provocando que las influencias de éste le trasladen al barrio más peligroso de la ciudad. Allí formará pareja con el duro detective Dennis Curren para combatir los delitos de forma más o menos ortodoxa. Acción y comedia que revisiona de nuevo el género de 'pareja de policías' –especialmente uno blanco y otro negro–, que ya tenía antecedentes como Apunta, dispara y corre (1986) y un poco más serio en forma de Arma letal (1987). Es interesante fijarse en sus dos protagonistas: Anthony Edwards, que acabaría teniendo sus momentos de gloria en la serie Urgencias; y Forest Whitaker, ganador del Oscar por El último rey de Escocia (2006).

Durante una ola de calor sofocante en Los Ángeles, el detective Mike Harrigan investiga una cadena de violentos crímenes. Las víctimas son miembros de grupos mafiosos. Ante su asombro, Harrigan descubrirá que el culpable usa sofisticadas armas desconocidas en la Tierra. Secuela del popular film de John McTiernan, protagonizado por Arnold Schwarzenegger, aquí sustituido por Danny Glover, conocido por Arma letal. Ahora la acción transcurre en la ciudad, en lugar de en la jungla, y el especialista en acción Stephen Hopkins (Los demonios de la noche, Volar por los aires) da cierta espectacularidad a la cosa.

En el año 1878 en Lincoln, Nuevo México, los forajidos imponen su ley, por lo que el territorio está plagado de malhechores y oportunistas que hacen fortuna en plena Guerra Civil. Billy el niño es el bandido más perseguido del oeste, y junto con su banda de forajidos intentan llevar a cabo su venganza contra los comisarios que acabaron con varios de los miembros de la banda. En una ráfaga de violencia, arrasan el país disparando contra todo lo que se cruza en sus caminos. Los representantes de la ley trazan un plan maestro para acabar con ellos: buscarles uno a uno, algo que no se esperan los miembros de la banda, que tienen que enfrentarse al desafío más arriesgado de toda su vida. Tras el éxito de Arma joven se hizo esta amena secuela dirigida a un público joven y protagonizada por los actores de mayor éxito entre este sector del público, entre ellos Christian Slater, Lou Diamond Phillips y dos de los herederos más prestigiosos de Hollywood, Emilio Estevez, hijo del prestigioso Martin Sheen y Kiefer Sutherland, hijo del veterano Donald Sutherland. La promoción de la película tuvo un éxito sin precedentes, debido a la canción central, interpretada por Bon Jovi, que arrasó en las listas de ventas junto con el disco de temas que no salían en la película, pero que supuestamente estaban inspiradas en el guión. Esto se convirtió en la tónica general durante los años siguientes.

Vuelve Marty McFly y el loco científico Doc en esta segunda entrega de Regreso al futuro donde han de volver a jugar con el tiempo y con sus vidas. En este caso, Doc le cuenta que uno de sus futuros hijos tendrá problemas con la ley si no hace algo para remediarlo. Para ello viajará en el Delorians al futuro, al año 2015. Como siempre, contarán con el villano Biff Bannett que se interpondrá en los planes de Doc y Marty, lo que causará desorden en el presente, pasado y futuro.

Doug es vive solo al cargo de sus hijas, Katie y Bonnie. Cuando Katie cumple 15 años, y aprovechando un viaje de negocios de su padre, decide ir a un salón de belleza y cambiar completamente su 'look'. De este modo se convierte en una preciosa joven que será objeto del deseo y la admiración de los jóvenes. Sin embargo, su padre no ve con buenos ojos ese cambio de su hija, porque conoce a los hombres... Comedieta de medio pelo sobre las relaciones paterno-filiales y las problemáticas adolescentes, cuyas cuitas son tratadas superficialmente, aunque también sin excesos. Entre el reparto destaca un joven Matthew Perry antes de su aparición en Friends.

Versión televisiva de la fórmula del legendario cómic homónimo, publicado por la editorial EC, que hizo furor en los años 50 en Estados Unidos. Un siniestro personaje, el Guardián de la Cripta presentaba, con su sarcástico sentido del humor, relatos de terror autoconclusivos.  Algunos episodios fueron dirigidos por directores de prestigio, como Robert Zemeckis o Richard Donner. Dio pie a largometrajes como Caballero del diablo o El Club de los vampiros.

Una sofisticada estación de investigación realiza una rutinaria operación de rescate: un submarino ha encallado debido a un accidente nuclear en una sima marina. Allí encuentran evidencias de una forma de vida desconocida. Pese a que en un principio piensan que se trata de un complot de los rusos, descubren que se trata de un ser amistoso. Según sus propias declaraciones, ésta es la película más personal de James Cameron (Terminator, Titanic) y la más cara que realizó hasta la fecha. El rodaje fue largo y complicado, pues incluyó ocho semanas de rodaje bajo el agua, lo que propició una espectacular fotografía submarina que provoca en el espectador la sensación de haber estado allí. Entre sus hallazgos destacan los efectos especiales, a la vanguardia de la década de los noventa. Los actores realizan unas soberbias interpretaciones, en especial Ed Harris y el actor fetiche de Cameron, Michael Biehn, en un papel de malvado. La música de Alan Silvestri es excelente a pesar de que recuerda ligeramente a la de Star Trek y otros clásicos de la ciencia ficción.

Divertida comedia romántica que juega con la moda de la posible existencia de extraterrestres, que se presentan en la Tierra bajo apariencia humana. El principal activo del film es el dúo protagonista (Dan Aykroyd y Kim Basinger), ambos experimentados en películas de humor. Alan Silvestri ofrece una banda sonora que aumenta el climax de las mejores secuencias. Muy entretenida para ver con toda la familia.

El talento de dos de dos de los cineastas con mayor imaginación, Steven Spielberg (E.T., el extraterrestre, En busca del Arca perdida, La lista de Schindler) y Robert Zemeckis (Regreso al futuro, Forrest Gump), se unen en esta original y fantástica comedia de acción, humor, romance y aventura, todo en un marco al más puro cine negro de los años 30. La historia se centra en un hombre, una mujer y un simpático conejo. Los tres forman un triángulo explosivo y se meten en todo tipo de problemas difíciles de solucionar. Con una técnica visual revolucionaria, los creadores idearon una película en que los personajes reales y los dibujos animados forman una comunidad perfecta. Este formidable experimento cinematográfico fue galardonado con cuatro Oscar de Hollywood en 1984.

Dutch Schaefer es el jefe de una unidad de élite cuya misión consiste en buscar a un grupo de rehenes que han sido capturados por unos guerrilleros en las selvas hispanoamericanas. Al principio todo parece una misión rutinaria. El escuadrón descubre el campamento de la guerrilla y los cadáveres del grupo que habían venido a buscar. Tras derrotar a los guerrilleros, destruyen todo para no dejar pruebas de su presencia allí y se llevan consigo a una mujer prisionera. Sin embargo, inexplicablemente van siendo asesinados todos los miembros de la unidad. Poco a poco, Schaefer comprende que están siendo perseguidos por un extraño ser, probablemente de origen alienígena, y que va a resultar mucho más difícil de combatir que cualquier enemigo al que se haya enfrentado anteriormente. Para colmo, va armado con una sofisticada tecnología que le permite ver incluso en la oscuridad. Tras el éxito de Commando, el productor Joel Silver volvió a contratar a Schwarzenegger y consiguió un impacto mayor en la taquilla, en gran parte gracias al buen hacer del realizador John McTiernan, un experto en cine de acción que ha hecho títulos como La jungla de cristal. También influyeron los renovadores efectos especiales y la cuidada partitura de Alan Silvestri. El guión de Jim Thomas y John Thomas, mezcla a partes iguales el terror con el cine de acción. Todo ello contribuyó a que Schwarzenegger se consagrara como la más taquillera estrella del cine de acción. Junto a él se puede ver a Carl Weathers, conocido por su papel de amigo de Rocky.

Eddie es un delicuente que para librarse de prisión se hace pasar por un loco de atar. Por ello, es llevado a un manicomio, pero durante un apagón de luz, logra escapar de la habitación disfrazado de médico y con un nuevo nombre: el doctor Kevin Slattery. Con su nueva identidad se verá metido en una serie de embrollos médicos de donde no será fácil salir. Carcajadas aseguradas de la mano del fantástico Richard Pryor, que ya había destacado en filmes como Su juguete preferido o Superman III. Le acompañan en su locura Joe Mantegna y Rachel Ticotin, bien dirigidos también por Michael Apted (Acción judicial).

Dean, un bruto y pobretón carpintero convence a Joanna, una mujer rica y acomodada que se ha quedado amnésica al caer por la borda de su yate, de que es su esposa. Con esta excusa, la meterá en su casa para que friegue, limpie, y meta en cintura a sus cuatro pequeños diablillos. Una divertida Goldie Hawn y su pareja, Kurt Russell, protagonizan esta desopilante y amable comedia del director de Pretty Woman.

David cae en un agujero, y queda inconsciente. Al despertar han transcurrido ocho años y él sigue igual. Producto Disney para toda la familia, que divulga las teorías de Einstein.

Unos terroristas islámicos secuestran un avión de pasajeros y dirigen el aparato a Beirut. El gobierno de los Estados Unidos toma medidas enviando a un comando especialmente preparado llamado 'Delta Force', integrado por el Mayor McCoy y el coronel Alexander. Trepidante y entretenida cinta de acción con dos protagonistas muy patrióticos, que no son otros que Chuck Norris y Lee Marvin. Ambos se quedan a gusto repartiendo camorra a diestro y siniestro y dejando muy claro que nadie se mete con su país; así pues, destacan las escenas de persecuciones y tiros, tan demandadas en este tipo de películas. Fue la última aparición en cine del gran Marvin.

Eddie, un policía de Chicago, anda tras un tipo que desea contratar a un tirador profesional. Para atraparlo, simula ser quien no es, lo que tiene como consecuencia una sangrienta escabechina y un cambio de roles: Eddie pasa de perseguidor a perseguido, y encima le toca cargar con una misteriosa rubia, a la que lleva esposada, y cuyas llaves va a perder en la inevitable refriega. Thriller más o menos entretenido, con la clásica persecución implacable, y el romance de rigor entre dos de los actores que más encandilaban en aquel momento, los entonces juveniles Richard Gere y Kim Basinger.

Steve es un joven gimnasta que soñaba con llegar a lo más alto, pero se ha tenido que conformar con trabajar en la tienda de bicis de su padre. Hasta que un día llega a su gimnasio Julie, con deseos de descollar en la gimnasia, y ella le inspira para volver a intentar su viejo anhelo cara los próximos juegos olímpicos. Drama deportivo no demasiado inspirado, la banda sonora es del maestro Alan Silvestri.

Tres historias de irónico suspense, contra los vicios del tabaco, el sexo y los cuentos de gnomos. El film está protagonizado por Drew Barrymore, la encantadora niña de E.T., que se involucró en varios títulos de serie B antes de recuperar protagonismo y estrellato en films tan atractivos como El chico ideal y Por siempre jamás.

Las aventuras de Marty McFly a través del tiempo son casi un clásico. Robert Zemeckis reinventó las travesías temporales que ya ideara H.G. Wells en su célebre novela "La máquina del tiempo", varias veces llevada al cine. Zemeckis (Forrest Gump, Lo que la verdad esconde) logra un fabuloso cóctel de acción y comedia, gracias a un guión milimétrico y a una interpretaciones meritorias de los dos actores principales: Michael J. Fox, que da vida a Marty, y Christopher Lloyd, que encarna a Doc, el loco científico amigo del protagonista. En esta primera entrega, Marty viaja a la época del Rock'n Roll para conseguir el encuentro con sus futuros padres. Inolvidable el punteo en el baile de fin de curso.

Adaptación a la pantalla de la famosa saga prehistórica creada por Jean M. Auel. La trama se sitúa en el período de tiempo en que coincidieron los neandertales y los cromañones, y cuenta como una niña cromañón, Ayla, es encontrada 'in extremis' por un grupo de neandartales, y es acogida en el clan a regañadientes de la mayoría, gracias al buen oficio de la mujer-medicina Iza. Algunos tiende a cargar sobre Ayla todas las desgracias que les acontecen, aunque es ella la que encuentra la cueva donde se refugiarán. Cuando Ayla crece, y sus protectores envejecen, sus dificultades aumentarán. Y al tiempo, surgirá la posibilidad de retomar el contacto con los suyos, o sea, los cromañones. No es demasiado apasionante este film prehistórico, aunque en su descargo hay que decir que títulos como En busca del fuego o Hace un millón de años tampoco son un prodigio de diversión. La voz en off que acompaña el relato agota un tanto, y el toque feminista -hechos como el que los hombres no permiten a las mujeres tocar las armas, o el machismo rampante de un guerrero que viola a Ayla sin despeinarse, tendrán contestación- parece un poco fuera de lugar. Como en este segundo film, también aquí tenemos una bella cromañona. Si antaño era Raquel Welch la que se cubría con unas pieles, en esta ocasión la rubia prehistórica está interpretada por Daryl Hannah.

Joan Wilder es una escritora de novela rosa que sueña con su príncipe azul. De la noche a la mañana su vida cambia al tener que ir a Colombia a rescatar a su hermana Elaine, que ha sido secuestrada, pero contará con la compañía de Jack Colton, un aventurero que le ayudará a cambio de dinero. Entretenida cinta de aventuras con una divertida pareja protagonista: Michael Douglas en el papel de egoísta buscafortunas, y Kathleen Turner en el de una mujer algo simple y romanticona. Dirige Robert Zemeckis (Regreso al futuro). La película se sirvió del tirón de las historias de Indiana Jones y fue tan bien aceptada que se rodó una secuela titulada La joya del Nilo, en 1985.