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Biografía

Geraldine Chaplin

Geraldine Chaplin

75 años

Geraldine Chaplin

Nació el 31 de Julio de 1944 en Santa Monica, California, EE.UU.

Premios: 1 Goya

La hija

16 Enero 2013

Su carta de presentación bastaría para abrirle todas las puertas del mundo del cine. Y es que no hay muchas hijas de Charles Chaplin. Pero además Geraldine es una actriz espléndida de reconocida trayectoria internacional.

La filmografía de Geraldine Chaplin es extensísima –más de un centenar de películas– y ello se debe a que, además de su gran dedicación al trabajo, no elude escoger papeles muy secundarios, casi marginales, si le parecen convincentes. A veces le bastan tan sólo un par de minutos para dejar claro su talento, como en los recientes film Lo imposible o Encontrarás dragones. Quizá por eso en casi la mayoría de sus películas no ha sido la gran protagonista, si exceptuamos, claro está, la fantástica época en que se convirtió en musa del director español Carlos Saura.

Geraldine Leigh Chaplin nació el 31 de julio de 1944 en Santa Monica, California, fruto de la relación entre Charles Chaplin y su cuarta mujer Oona Chaplin. Cuando tenía ocho años se mudó a vivir a Suiza y más tarde marchó a Londres para estudiar en la Real Academia de Ballet. Parece que fue precisamente allí donde la descubrió David Lean, de modo que le otorgó el inmortal papel de Tonia en su Doctor Zhivago. La actriz tenía entonces veinte años y en su rostro delgado, huesudo y de grandes y expresivos ojos negros, se adivinaba el mismo gesto del creador de Charlot, tanto se parecía a su genial padre. Aunque con ocho años Geraldine había aparecido en el film Candilejas, su presencia era esporádica y no había estado acreditada, por lo que el film basado en la obra de Boris Pasternak puede considerarse su debut. Ese mismo año estrenó con Jean-Paul Belmondo el thriller Secuestro bajo el sol. Al contrario que su padre, desde el comienzo y a lo largo de su carrera se especializó en papeles dramáticos, a menudo atormentados, que ella era capaz de transmitir con fuerza.

Aunque en los años posteriores rodó diferentes películas europeas, donde destacan Andremo in città (1966) y Generación en conflicto (1967), lo cierto es que su primera incursión en España con David Lean le dejó una gran huella. A partir de 1967 su vinculación con España se vería incrementada por su relación sentimental y laboral con el director Carlos Saura, uno de los más grandes cineastas españoles. Con él vivió quizá la época dorada de su carrera. Rodaron juntos un total de nueve películas, entre las que destacan Peppermint Frappé (1967), maravilloso homenaje de Saura a su paisano Luis Buñuel y en donde Geraldine interpretaba a dos mujeres diferentes; Ana y los lobos (1973), brillante aunque oscura metáfora acerca de las lacras y excesos de la dictadura franquista; Cría cuervos (1976), en donde era la madre muerta de la niña interpretada por Ana Torrent; Elisa, vida mía (1977), drama sobre una mujer en crisis conyugal; y Mamá cumple 100 años (1979), último trabajo conjunto de la pareja. Pero durante la década de los 70 no sólo rodó para Saura. Son estimables sus apariciones en Los tres mosqueteros, de Richard Lester, o en Roseland, de James Ivory, además de su colaboración con Robert Altman en Nashville (1975) y Buffalo Bill y los indios (1976).

Tras su época con Saura, Geraldine Chaplin amplió su cine a otras geografías, principalmente en Europa, pero también rodando varios filmes en Estados Unidos. Es cierto que en general dejó de ser protagonista, pero también que su rostro se hizo más presente en el panorama internacional, ya que antes actuando en España no había obtenido demasiada repercusión. Destacó así junto a Angela Lansbury en El espejo roto (1980); como la Lily Bart de The House of Mirth (1981), adaptación de la célebre novela de Edith Wharton; y con los franceses Claude Lelouch, Jacques Rivette y Alain Resnais en Los unos y los otros (1981), El amor por tierra (1984) y Quiero ir a casa (1989), respectivamente.

Más tarde dejó un poco de lado el cine europeo y participó en proyectos de mayor éxito comercial, entre ellos el singular biopic sobre su padre en Chaplin (1992), donde la actriz interpretaba a su verdadera abuela. Por este film Geraldine obtuvo su tercera nominación al Globo de Oro. Al año siguiente se puso a las órdenes de Martin Scorsese en la estupenda La edad de la inocencia, tercera película de la actriz con guión basado en una novela de Wharton (antes rodó The Children en 1990). Y también destacó en Jane Eyre (1996). Tras protagonizar el cuidado retrato Mother Teresa: In the Name of God's Poor (1997), regresó finalmente al cine español con la irregular Finisterre (1998), drama denso con buen reparto. Desde entonces Geraldine Chaplin ha sido rostro habitual en multitud de producciones españolas, aunque también ha aparecido puntualmente en el cine internacional. Fue profesora de baile en Hable con ella (2003), y nana en Encontrarás dragones (2010) entre un sinfín de minúsculos papeles, hasta el punto de que en los últimos tiempos ha llegado a participar en cinco y hasta en seis películas en un año.

Desde que interpretó a una médium en El orfanato (2007), se ha convertido en la actriz fetiche del realizador español Juan Antonio Bayona, que ha vuelto a reclutarla para sus dos siguientes películas, Lo imposible y Un monstruo viene a verme.

En 2006, Geraldine Chaplin decidió casarse con el director de fotografía Patricio Castilla, después de una relación de tres décadas. Juntos han tenido una hija, Oona Chaplin, también actriz, nacida en 1986. Años antes, Geraldine había tenido otro hijo, Shane Saura Chaplin, fruto de su relación durante doce años con Carlos Saura.

Goya
2003

Ganador de 1 premio

Filmografía
Jurassic World: El reino caído

2018 | Jurassic World: Fallen Kingdom

Cuando el volcán de la isla Nublar entra en erupción, los dinosaurios resucitados del abandonado Parque Jurásico –que ahora campan a sus anchas– están condenados a volver a extinguirse. Por eso la ex gerente de las instalaciones, Claire Dearing, se ha convertido en activista, y con otros compañeros del Grupo de Protección de Dinosaurios trata de influir en que los políticos asignen fondos para salvar a las criaturas. Contacta con ella el misterioso Eli Mills, que trabaja para el moribundo potentado Benjamin Lockwood, socio de Hammond, el ya fallecido responsable de traer a estos seres de nuevo a la vida, un tipo obsesionado con su jovencísima nieta, tras la muerte en accidente de coche de su hija. Le proponen a Claire que viaje de nuevo a la ínsula, si puede ser llevando consigo a su ex novio, el cuidador Owen Grady. Su objetivo sería rescatar al máximo número de especies para ponerlas a salvo. La prueba de fuego para el español Juan Antonio Bayona, ya que se trata de su largometraje de mayor presupuesto, y tiene como padrino al gran referente de su cine, Steven Spielberg, cuyo estilo sabe imitar a la perfección, basta fijarse en una subasta iluminada al estilo de Encuentros en la tercera fase, o en las peripecias de Chris Pratt, que recuerdan a la saga de Indiana Jones. Acompañado de colaboradores habituales como el montador Bernat Vilaplana y el director de fotografía Óscar Faura, el realizador español logra una factura perfecta, luciéndose por ejemplo en el largo plano con el que ilustra una huida en uno de los vehículos esféricos vistos en la entrega anterior, o en la vibrante secuencia de la erupción. El realizador también sabe llevarse el relato a su terreno, dando importancia a la niña encarnada por la eficiente debutante Isabella Sermon, aunque por una vez no hay madre, ya que se trata de una huérfana. Tiene –eso sí– como cuidadora a Geraldine Chaplin, actriz fetiche de sus películas, de nuevo como mujer sabia, a la que conviene escuchar. Ambas están acompañadas de un estimable reparto, repitiendo en la saga Bryce Dallas Howard, el carismático Chris Pratt, y en una breve intervención el carismático Jeff Goldblum, que estuvo presente en las dos primeras entregas, las que firmó el mismo Rey Midas, otra vez como el matemático Ian Malcolm, firme seguidor de la Teoría del Caos. Por lo demás, Justice Smith, protagonista de la serie The Get Down, aporta el toque cómico, y se ha recurrido a algún actor de primera fila para dar entidad a papeles muy secundarios, como Toby Jones –subastador de dinosaurios–, James Cromwell –el millonario Lockwood–, Rafe Spall –empleado de este último que parece ocultar algo– y sobre todo la niña Isabella Sermon, pese a que no había hecho ni siquiera un spot de televisión antes de ponerse ante la cámara. Quizás no llegue al nivel de Jurassic World, la anterior entrega, pero tiene el mérito de adentrarse por caminos nuevos en la saga. Vuelve a versar sobre el hombre jugando a ser Dios, pero añade a sus predecesoras un mensaje ecológico, y  una advertencia en torno al peligro de que los intereses económicos se antepongan a las vidas humanas.

7/10
Los Rodríguez y el más allá

2018 | Los Rodríguez y el más allá

Con sus padres y sus dos hermanas, Nicolás acude a visitar a su abuela, interna en una residencia, aquejada de Alzheimer. En un momento dado, la anciana se las ingenia para quedarse a solas con el niño, con el fin de entregarle antes de perder por completo la cabeza un paquete que sólo puede abrir cuando tenga quince años. El chico no puede resistirse a la tentación, por lo que descubre que contiene una extraña moneda y un enigmático mensaje, grabado en una antigua cinta de vídeo VHS por el abuelo, fallecido años atrás. Tercer largometraje como director y guionista de Paco Arango, que tras dos gratas comedias dramáticas, Maktub y Lo que de verdad importa, retoma el tono infantil, el humor surrealista, los elementos fantásticos y la abundancia de efectos especiales de ¡Ala…Dina!, la serie televisiva con la que inició su singladura audiovisual, tras una larga carrera como cantante. Parece un producto concebido sobre todo para el público infantil, con un tono amable y un guión sin muchas pretensiones, al quizás se pueda reprochar que con una reescritura podría haber interesado más al público adulto. Esto no quiere decir que quien mantenga su niño interior no disfrute con una sonrisa, también porque parte de la recaudación va destinada a la labor solidaria para ayudar a los jóvenes enfermos de cáncer, como ocurría con los anteriores trabajos de su autor. Gracias a este encomiable objetivo, se ha conseguido atraer para los papeles secundarios al tenor Plácido Domingo (el abuelo) y a conocidos actores como Macarena Gómez o Santiago Segura. De cara a lograr tirón internacional, el reparto principal combina a estrellas de diversas nacionalidades, como la británica Geraldine Chaplin, la mexicana Mariana Treviño, y el español Edu Soto, que triunfó como El Neng de Castefa, en un popular show televisivo. Todos ellos ofrecen actuaciones acorde con el disparatado argumento, así como los niños, que tienen más presencia que los adultos, sobre todo el debutante Rodrigo Simón Prida o María Blanco (finalista en Masterchef Junior). Encierra un mensaje para los más jóvenes que advierte del valor de los familiares pese a que puedan tener sus rarezas, como todo hijo de vecino.

5/10
The Crown (3ª temporada)

2018 | The Crown | Serie TV

La tercera temporada de The Crown arriesga, y mucho, con el cambio casi al completo del reparto, empezando por la actriz que interpreta a Isabel II, Olivia Colman, que reemplaza a Claire Foy. Porque en realidad no ha pasado un largo período de tiempo entre los hechos narrados en la segunda temporada y la que aquí arranca. Sin embargo, se logra el milagro de que aceptemos la propuesta, con un original artificio, mostrando a la reina la nueva serie de sellos que el servicio postal propone con su efigie, y en que se reemplaza a Foy por Colman. Y en efecto, es de esperar que para las próximas temporadas, el contar con una actriz de más edad sea acertado, no hay que exagerar a la hora de mostrar su envejecimiento. La serie creada por Peter Morgan continúa con el esquema que tan eficaz se ha demostrado previamente. Van avanzando los años 60 y 70, hasta el jubileo de la reina, y somos testigos de algunos acontecimientos políticos y sociales que debe afrontar Gran Bretaña, de los que no es el menor la recesión económica, lo que implica un rescate por los “primos” americanos, y protestas del sector minero. También de momentos estelares de la historia de la humanidad, como la llegada del hombre a la Luna. Y ello con los primeros ministros que semanalmente despachan con la Reina, esas audiencias a las que se incorporan Harold Wilson, laborista, muy bien interpretado por Jason Watkins, que le da un aire popular, tranquilo, torpón y pragmático adecuados, y el gris Edward Heath. Además, se presentan otros sucesos dramáticos de envergadura, como la tragedia de la escuela de Aberfan, por el colapso de una escombrera, que da pie a uno de los momentos más emotivos. Hay mucha inteligencia en el enfoque de Morgan, que procura que en cada episodio se aborden cuestiones que quedan cerradas, como por ejemplo la estancia de Carlos en Gales para aprender el galés, antes de ser proclamado príncipe; lo que no impide que se desarrolle posteriormente el personaje del joven heredero, que se siente desconectado de su familia, incomprendido hasta el punto de acabar sintonizando con el duque de Windsor,  también por su primera historia de amor, con una tal… Camilla. Así, las cuestiones de estado conviven con los acontecimientos familiares de un clan tan singular como el que preside la reina Isabel II, donde no se pueden dar pasos en falso, por una opinión pública que lo escruta todo. Tiene mucha fuerza el desarrollo de Felipe de Edimburgo –está mejor Tobias Menzies, que su predecesor joven, Matt Smith–, sobre todo con sus crisis de la mediana edad, y el modo en que maneja la llegada de un nuevo pastor para el servicio religioso de los domingos. La dificultad de madurar y aceptar la propia edad y posición que la vida nos ha deparado también afecta a la princesa Margarita, muy bien interpretada por Helena Bonham Carter, o a lord Mountbatten, al que da vida Charles Dance. Y resulta sorprendente el personaje de la princesa Alicia, la madre de Felipe, a la que se concede un inesperado papel redentor. Imposible e innecesario es describir en estas líneas todos los conflictos y situaciones que se plantean. Baste decir que Morgan no se pierde en una madeja cada vez más complicada y rica en matices, y que sabe dotar de unidad al conjunto, con resonancias que encantarían al mismísimo Willliam Shakespeare.

9/10
Tierra firme

2017 | Ancher and Hope

Eva y Kat, una pareja de lesbianas, afincada en un barquito en los canales de Londres. Se les ha muerto el gato, Chorizo. Viene a verles desde Barcelona un buen amigo de Eva, Roger, y se queda a vivir con ellas. Tras varias copas una noche, Roger se ofrece a aportar su "semillita", y así Kat podrá ver cumplido su sueño de ser madre. La idea no la encaja demasiado bien Eva. Nueva muestra de "pensamiento líquido" de Carlos Marques-Marcet, tras su debut tras la cámara con 10.000 Km, en esta ocasión respaldado en el guión por Jules Nurrish. En esta ocasión, atravesada de pensamiento LGBT, o de amor libre si se prefiere, uno debería estar con quien quiera, hombre o mujer, para siempre o mientras aquello dure, y traer hijos al mundo, solo o en compañía de otros, formando particulares modelos de familia, aunque sólo sea, como se dice medio en broma, medio en serio, en un momento dado, para contrarrestar los muchos hijos que tendrían los homófobos. Tierra firme hay poca en este film de superficiales personajes a la deriva, aunque disfrazados de espíritus libres y risueños, que hacen lo que les viene en gana según les apetece, en lo que uno de los personajes considera que es coraje frente al espíritu de la revolución del 68, que habría pretendido cambiarlo todo para finalmente hacerse conformista y buscar algún tipo de aceptación social. La película muestra esta especie de reproche generacional en los intercambios entre Oona Chaplin y Geraldine Chaplin, hija y madre en la realidad y en la ficción. En cualquier caso vemos las evoluciones de personajes insatisfechos, que sólo parecen afirmarse en su individualidad egoísta, aunque luego necesitan a los otros, la soledad es amarga. Marques-Marcet sabe componer escenas, tiene gusto por el encuadre, aunque resulta cansino en muchos de los diálogos y situaciones que propone, relativos a intentos de satisfacer frívolamente las necesidades afectivas y sexuales.

2/10
Philip K. Dick's Electric Dreams

2017 | Philip K. Dick's Electric Dreams | Serie TV

Serie antológica compuesta de diez episodios basados en relatos cortos de Philip K. Dick, el prestigioso autor de ciencia ficción responsable de "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?", que dio pie al mítico film Blade Runner. De hecho, el título englobador "Electric Dreams", "Sueños eléctricos", es una alusión a las historias imaginadas por Dick a partir del título de esa obra. El planteamiento, de historias sorprendentes de anticipación con final rompedor, conecta con otros populares seriales televisivos, como Alfred Hitchcock presenta, Dimensión desconocida, Cuentos asombrosos, o, más reciente, Black Mirror. Los diez episodios cuentan con directores, guionistas y actores diferentes, por lo que el interés de las historias es desigual, algunos entusiasmarán más que otros, también según gustos o humor cuando se ven. En cualquier caso, se trata de fábulas de advertencia, que nos proponen situaciones con una humanidad cada vez más deshumanizada, que corre el riesgo de perder sus rasgos de identidad con una tecnología cada vez más perfecta, pero que nos puede hacer olvidar nuestra singularísima e irrepetible condición personal, quiénes somos, de dónde venimos, adónde vamos. Y lo que se cuenta trata de adaptarse a las circunstancias de los comienzos del siglo XXI, no podemos olvidar que muchos relatos originalmente fueron escritos hace más de 50 años, cuando no había móviles, internet, etc, etc. Tampoco era entonces tan abrumadora la presión en pro de la diversidad sexual. En "Real Life", se nos presenta una historia donde el escapismo a través de la realidad virtual conduce a no distinguir cuál de dos posibles vidas es la verdadera. "The Conmuter" nos habla de una parada no prevista en un tren, que conduce a Timothy Spall a un mundo de felicidad demasiado perfecta. En "Impossible Planet" una anciana con la cara de Geraldine Chaplin ahnela volver a la romántica e idílica Carolina del Norte de su niñez, aunque la Tierra es un planeta radioactivo. Un científico anodino al que da vida Steve Buscemi podría ver cómo cambia su vida si acepta los planes de una mujer sintética para rebelarse contra el sistema en "The Crazy Diamond". "Kill All Others" habla con acidez de la manipulación de los políticos, con una lideresa a la que encarna Vera Farmiga, que invita a matar a los diferentes, mientras que los "borregos" no se cuestionan nada. También habla con fuerza de la manipulación, en este caso a cuento de la amenaza terrorista, "Safe & Sound", hasta el punto de que va a sufrir una relación entre madre (Maura Tierney) e hija (Annalise Basso). Y "The Hood Maker" habla de una sociedad controlada por policías que usan los poderes telepáticos de algunos de sus agentes, y que se rebelan con unas misteriosas máscaras. Tu padre (Greg Kinnear) tal vez no sea tu padre, propone la inquietante "Father Thing", una curiosa variación muy lograda sobre el clásico La invasión de los ladrones de cuerpos. "Autofac" alerta acerca de los peligros del consumismo. También en "Human Is", un marido militar (Bryan Cranston) vuelve cambiado de la batalla.

6/10
Un monstruo viene a verme

2016 | A Monster Calls

El propio autor de la novela juvenil "Un monstruo viene a verme", Patrick Ness, firma el guión de esta historia de iniciación a la vida adulta, que parte de unas notas dejadas por la escritora Siobhan Dowd, muerta por un cáncer, y que bosquejó la trama a partir de su experiencia con la enfermedad. Conor es un adolescente que crece en un hogar roto, sus padres se separaron, él se quedó con su madre en Inglaterra, el padre formó una nueva familia en Los Ángeles. Un cáncer con mal pronóstico que padece la madre hace sufrir al chaval, que se refugia en su imaginación y su habilidad para el dibujo, mientras se hacen preparativos para que vaya a vivir con la abuela, y sufre el “bullying” de algunos compañeros de clase. En esta tesitura de sufrimiento, un monstruo con aspecto de gigantesco árbol comienza a visitarle por las noches, justo siete minutos después de la medianoche. Promete contarle tres relatos que deben ayudarle a afrontar sus personales miedos, tras las cuales será Conor quien deba componer su propia y última narración, siendo el protagonista de la misma. El film, con la parafernalia de efectos especiales, y algunos temas de difícil adolescencia bastante tradicionales, corría el riesgo de caer en “lo de siempre”. Pero Juan Antonio Bayona, a partir de la historia de Ness, sabe dar originalidad a la descripción del proceso de maduración del protagonista. Los relatos del monstruo logran no quedar aprisionados en el estereotipo, e incluso la animación utilizada en algunos pasajes funciona mejor de lo esperado. Tiene sentido y resulta aleccionadora la idea de mostrar a Conor la complejidad del mundo, las personas no deben ser juzgadas y condenadas precipitadamente, las cosas no se reducen a blancas y negras, todos tenemos nuestras razones para actuar, pero hay que buscar la verdad y ser fiel a ella. Bayona ya se inspiraba en Steven Spielberg y El imperio del sol a la hora de acometer Lo imposible, y aquí también se notan influencias visuales y de descripción de familias desestructuradas en sus películas fantásticas –Encuentros en la tercera fase, E.T., el extraterrestre...–, como marco que invita a recurrir a la imaginación y la fe propia de la inocencia infantil como mecanismos de defensa, aunque empiece a asomar la oscuridad del mundo de los adultos. Esto no quiere decir que Bayona carezca de personalidad propia, la fuerza de las imágenes en el clímax en el cementerio y junto a la capilla confirman que la frescura al mostrar el tsunami en Lo imposible no fue fruto de la casualidad. Tiene mérito el chaval protagonista, Lewis MacDougall, al que le toca estar presente en prácticamente cada plano; y la poderosa voz original del monstruo, la de Liam Neeson, funciona muy bien.

7/10
Marguerite et Julien

2015 | Marguerite et Julien

Yo y Kaminski

2015 | Ich und Kaminski

Doce años han pasado desde que el director Wolfgang Becker y el actor Daniel Brühl colaboraran felizmente en la divertida comedia sobre la caída del muro Good Bye, Lenin!. Desde entonces Brühl ha llevado una interesante carrera interpretativa, pero Becker no se ha prodigado demasiado, y desde luego, nada en el largometraje de ficción. Yo y Kaminski supone una interesante mirada a la trastienda del mundo de arte pictórico, a través de los deseos carentes de escrúpulos del periodista Sebastian Zöllner por convertirse en el biógrafo de mítico pintor Manuel Kaminski. Adapta una popular novela en Alemania de Daniel Kehlmann. Se trata de una historia ficticia, pero a Kaminski, que rima con Kandinski, se le inventa un interesante pasado como discípulo de Matisse, y artista cuya obra interesa sobremanera a Picasso. Zöllner piensa que puede lograr una gran obra si encuentra pruebas de que la idea extendida de que Kaminski pintó gran parte de sus cuadros siendo ciego es una completa superchería. Para ello en primer lugar averigua que el artista, olvidado por muchos en la actualidad, aún vive, y logra introducirse en su círculo íntimo, en una aproximación que se observa resulta demasiado interesada. Al principio el film, que tiene un guión de Becker y Thomas Wendrich, resulta disparatado en exceso, y hasta cargante, con pasajes algo surrealistas y la presencia de los pensamientos en off de Zöllner. Pero se consigue dar la vuelta a la aparente banalidad de la trama e insuflar algo de humanidad cuando el biógrafo progresa en su averiguaciones, y se lo lleva de su casa un tanto a la fuerza con la idea de propiciar un reencuentro con un antiguo amor. La relación entre artista y biógrafo se vuelve más íntima, y lo que parecen consejos atravesados de palabrería vana –“no tenemos nada, pero hemos de despojarnos de todo”–, cobran un sentido inesperado, lo que propicia un hermoso y sobrio final. Brühl hace un buen trabajo como periodista cínico que puede extraer alguna lección de su triste existencia –tal vez aprenda a ver, está más ciego que el sujeto tema de su biografía–, pero no le anda a la zaga Jesper Christensen, muy convincente como artista en el crepúsculo de la vida.

6/10
Mi otro yo

2014 | Another Me

La adolescente Fay atraviesa una etapa difícil. Su padre sufre esclerosis múltiple y está anclado a una silla de ruedas. Su madre no lo lleva bien, aunque se esfuerza, y podría estar buscando otro consuelo amoroso. Y su elección para el papel principal de la representación en el colegio de "MacBeth" ha despertado la envidia de una compañera. Por si fuera poco, empiezan a acosarle extraños sucesos paranormales que se dirían están relacionados con su hermana gemela, muerta cuando ella nació, y de la que desconocía su existencia. Sorprende a priori encontrarse a Isabel Coixet detrás de un film de terror adolescente, aunque la directora se esfuerce en darle un envoltorio de complejidad psicológica, en cuyo tono parece tener de referente a El otro, de Robert Mulligan. Está claro que hay que vivir, y Mi otro yo tiene cierta cualidad de producto alimenticio, aunque la directora ha puesto en juego todo su buen hacer profesional, incluso asumiendo el guión, que adapta una novela de Cathy MacPhail. Tal vez para ella el film tiene algo de desafío, después de que toda una hornada de directores españoles, desde Alejandro Amenábar a Rodrigo Cortés, Paco Cabezas, Juan Antonio Bayona y compañía, hayan demostrado que el thriller y el terror se da bastante bien por estos páramos. De todos modos, y a pesar de la gran tradición en estos géneros en las cuestiones de gemelos, duplicidades y desdoblamientos de personalidad, no se la acaba de ver a Coixet muy a gusto con su film. Juega a entregar escenas de suspense, se esmera en el ejercicio de estilo en que consiste el film, pero al mismo tiempo incide en muchos clichés y trucos para captar al público juvenil, con actores guapitos, celos muy evidentes y sustos fáciles, más personajes prescindibles como la anciana vecina a la que da vida Geraldine Chaplin. En realidad todo en la trama resulta bastante caprichosa, en relación a la cuestión de la gemela y el porqué surge cuando surge y no diez años antes o diez años después, por poner un poner.

4/10
Wax

2014 | Wax

Max, intrépido joven, acepta la propuesta de una productora de cine, que le insta a pasar la noche en un museo de cera donde tienen lugar fenómenos paranormales, para grabar todo lo que le ocurra. Ya es mala suerte que también acuda a este sitio en el mismo momento el Dr. Knox, un psicópata con aviesas intenciones. Tras demostrar un enorme amor al fantaterror con el interesante documental ¡Zarpazos!, sobre la eclosión del género en la España de los 70, cuando copaban las pantallas las películas de Paul Naschy, Jesús Franco, Narciso Ibáñez Serrador y Eugenio Martín, el autor de libros de cine Víctor Matellano debuta en el largometraje con Wax, muy en la línea de las películas de los autores citados. Esto significa que hereda sus virtudes, pero también sus defectos. Entre las primeras, destaca una inquietante ambientación, pues la fotografía convierte al museo de cera de Barcelona, donde se ha rodado íntegramente Wax, en un lugar bastante inquietante. Pero también está presente su excesiva morbosidad, por ejemplo cuando se explican las torturas salidas de la mente del villano. Además, el guión no acaba de estar cuidado, los personajes de las dos historias –el chico y el loco– convergen por pura casualidad, y el ritmo resulta excesivamente premioso, con un aluvión de diálogos excesivamente largos o de tomas de relleno que sólo parecen destinadas a alargar artificialmente el metraje. Aunque abundan los homenajes, que agradecerán los incondicionales de los sustos en el cine, el guión tiene pocos puntos de interés. Además, faltan secuencias que tengan cierta fuerza, y Matellano carece de talento para la dirección de actores. Para empezar, resulta un evidente error de casting haber reclutado como protagonista a Jimmy Shaw, conocido por el público como el alocado cuñado extranjero de uno de los protagonistas de La que se avecina, al que resulta imposible tomar en serio, sobre todo por su falta de cualidades actorales para cambiar de registro. Cuenta también con intérpretes mejores, como Jack Taylor, toda una leyenda del spanish-horror, pero que sobreactúa en su papel de 'mad doctor'. Tampoco dan con el tono el habitualmente correcto Saturnino García (Justino, un asesino de la tercera edad) ni la legendaria Geraldine Chaplin, lo que tiene delito.

1/10
Dólares de arena

2014 | Dólares de arena

Tres-60

2013 | Tres-60

Debut en la gran pantalla de Alejandro Ezcurdia, que tiene como padrino a Santiago Segura, en su primer film como productor que no es una comedia. El título, Tres-60, hace referencia a una compleja maniobra de surf, que consiste en dar un giro completo de 360 grados sobre la ola, por lo que lógicamente se vuelve a la misma posición. En Tres-60, Guillermo, joven estudiante universitario apasionado del surf, encuentra casualmente un viejo carrete fotográfico en las obras de reforma de la casa de sus padres. Al revelarlo, descubre fotos que sugieren que Iván, su amigo de la infancia desaparecido en misteriosas circunstancias, fue secuestrado por una red de tráfico de órganos. Investigará lo que le ocurrió con ayuda de Ángela (una estudiante de Bellas Artes que le tiene enamorado), Ruso (su mejor amigo) y Mario, su jovencísimo hermano especialmente brillante para las nuevas tecnologías. Lo mejor es el trabajo de Roque Baños, que ha compuesto una evocadora partitura muy superior al nivel del film. Por lo demás, también se agradece que Ezcurdia trate de componer un thriller sin pretensiones destinado al público juvenil, que quiere seguir la senda del cine comercial de calidad de Alejandro Amenábar o José Antonio Bayona. Desafortunadamente, Ezcurdia no llega por ahora ni de lejos al nivel de los realizadores citados, pues su factura no pasa de correcta, e incluso por momentos parece propia de cualquier serie española del montón. El principal problema de Tres-60 reside en un guión mediocre, firmado por Luiso Berdejo, que obtuvo un prestigio increíble por el guión de [Rec], cuando en realidad éste era el único punto débil del exitoso film de terror. En esta ocasión todo resulta forzado desde el principio (ridículo que los malos se hayan dejado un carrete con fotos de los órganos con los que trafican, en una bolsa que casualmente tiene escritas las iniciales del desaparecido). Lo que peor funciona es la casualidad final, que intenta dar que pensar sobre la responsabilidad de la sociedad en la génesis de la delincuencia (como cuando Amenábar mostraba el morbo de los telespectadores en el desenlace de Tesis), pero resulta bastante grotesco. Tampoco acaba de resultar convincente el reparto, encabezado por el jovencísimo Raúl Mérida, famoso por la serie Los protegidos. Le arropan veteranos como Geraldine Chaplin, Manuel Morón y Joaquim de Almeida, que no parecen demasiado convencidos con el proyecto.

3/10
Panzer Chocolate

2013 | Panzer Chocolate

Un grupo de jóvenes arqueólogos que busca reliquias nazis en los Pirineos, da accidentalmente con una base clandestina nazi en donde todavía se usan Panzer Chocolates, tabletas de chocolate untadas con metanfetamina como las que Hitler daba a sus tropas. un ser mostruoso ataviado con el uniforme de las SS, les masacrará por su osadía.

Lo imposible

2012 | The Impossible

Lo imposible se encuadra en un género, el catastrofista, que se presta mucho al convencionalismo, al tópico, al “déjà vu”. Y el mérito, enorme, de Juan Antonio Bayona y su guionista Sergio G. Sánchez, es contar con frescura y mirada de “la primera vez” algo que en otras manos habría sido simplemente normalito, una bonita historia de interés humano, pero como tantos telefilmes, si acaso con efectos especiales más elaborados... En Lo imposible se nos cuenta la historia -basada en un caso real- de los Bennett, el matrimonio, María y Henry, y sus tres hijos Lucas, Thomas y Simon, de doce, siete y cinco años de edad, de vacaciones por Navidad en Tailandia. Días placenteros en un lugar idílico, puestos literalmente patas arriba por el tsunami destructor que asoló la costa en 2004. La familia se dispersa, tenemos dudas sobre la supervivencia de unos y otros, viven experiencias personales, y con otros individuos que conocen, muy fuertes. Lo típico, pero contado con un talento narrativo excepcional. Porque la recreación de la catástrofe en Lo imposible resulta sencillamente asombrosa, el espectador vive el desastre en primera persona. Nada que envidiar a lo que hizo Clint Eastwood en uno de los hilos narrativos de Más allá de la vida. Si acaso más espectacular, mejor. Pero dentro del despliegue de producción, asombroso, está la historia, muy bien llevada, con pulso dramático excelente y momentos emocionantes de genuino suspense, sostenidos con increíble osadía, jugando al despiste sin caer en las trampas fáciles. Sí, se confirma que lo de Bayona y Sánchez en El orfanato no fue un espejismo. Pero están además los personajes, anglosajones, rubitos, preciosos. ¿No podía ser aquello la puerta abierta a lo meloso y acaramelado, un empacho de buenos sentimientos mil veces vistos en cine? Y sin embargo, imposible no sufrir con el pequeño Tom Holland y su Lucas, obligado a madurar al estilo de Jim en El imperio del sol de Steven Spielberg. Imposible no llorar con Ewan McGregor y sus llamadas con el teléfono móvil. Imposible no pensar que las estrellas de las que habla Geraldine Chaplin conforman una hermosa metáfora sobre la vida y la muerte. Los críos más pequeños son críos, y eso es muy bueno, y se les concede el espacio justo. Y Naomi Watts, imposible no padecer con ella, o dejar de recordar que ya vimos a otra madre sufriente en las manos de Bayona y Sánchez, la que encarnó Belén Rueda en El orfanato.

7/10
Memoria de mis putas tristes

2012 | Memoria de mis putas tristes

No ha tenido suerte en el cine Gabriel García Márquez, cuyas grandes novelas suelen dar lugar a adaptaciones decepcionantes, como en los casos de El amor en los tiempos del cólera o Crónica de una muerte anunciada. Se salvan pocas, en todo caso El coronel no tiene quien le escriba, mientras que su trabajo más importante, "Cien años de soledad", sería casi imposible de llevar a la pantalla. Memoria de mis putas tristes adapta una novela tardía muy menor, por lo que al menos no cuenta con el lastre de que se vaya a comparar con un texto magistral. La acción de Memoria de mis putas tristes comienza en 1960, cuando un veterano periodista conocido como el Sabio decide regalarse para la noche de su 90 cumpleaños un encuentro sexual con una mujer virgen, que le proporciona Rosa Cabarcas, una anciana meretriz. Aunque finalmente se encuentra con la chica presuntamente dormida, y se limita a acostarse a su lado, el ya nonagenario comienza a obsesionarse con ella, por lo que concertará nuevos encuentros. Memoria de mis putas tristes levantó cierta polvareda cuando una periodista mexicana la acusó de fomentar la pederastia. Y aunque el máximo responsable del film, el desconocido pero muy activo realizador danés Henning Carlsen, ha negado que su intención sea fomentar tal aberración, y asegura que se trata únicamente de una película poética, no aparece en la cinta ningún elemento que sugiera una crítica contra la actitud de su protagonista, asiduo cliente de prostitutas, que acepta irse a la cama con una joven de la que en la ficción se albergan serias dudas sobre si tiene la edad legal para consentir relaciones sexuales. Se ha encargado del guión adaptado nada menos que Jean-Claude Carrière, conocido por sus colaboraciones con Luis Buñuel en títulos como El discreto encanto de la burguesía o Ese oscuro objeto del deseo, pero no logra darle interés a la historia, ni siquiera cuando un crimen dificulta las citas entre los protagonistas. Sus divagaciones en torno al paso del tiempo, y la dificultad para asumir la edad, apenas tienen entidad. Pero el peor lastre de Memoria de mis putas tristes reside en sus desastrosas interpretaciones, pues ni actores de solvencia demostrada como Emilio Echevarría (Amores perros) o Geraldine Chaplin (Doctor Zhivago) parecen haber sido dirigidos de ninguna forma, por lo que se limitan a gritarse entre sí, sin darle ningún matiz a sus frases. Se salva, sin que por ello logre levantar la cinta, la también 'buñuelesca' Ángela Molina, en una breve aparición.

2/10
¿Para qué sirve un oso?

2011 | ¿Para qué sirve un oso?

A Alejandro y Guillermo les fascina la naturaleza desde que eran unos tiernos infantes. Hermanos, el primero es un excéntrico naturalista conocido como “El señor de los osos”; vive en un bosque asturiano, empeñado en salvaguardar la belleza del paraje con la excusa de que hay que proteger a unos osos que no se ven por ahí desde hace años. El otro es un prestigioso científico, eterno candidato al Nobel, preocupado por el imparable cambio climático. Tras muchos años van a convivir juntos en plena naturaleza. Comedia amable con ribetes ecologistas de Tom Fernández (La torre de Suso), director y guionista, con uno de los actores españoles más dotados para el género, Javier Cámara. Aunque el arranque en la Antártida es poderoso –Guillermo descubriendo un brote verde en medio del hielo, sintomático de que algo está cambiando en el planeta–, lo cierto es que la trama discurre torpemente, no goza el film del timing que está pidiendo a gritos. Se acumulan personajes y subtramas de escaso interés –la mujer que crió a los hermanos, el ayudante de Alejandro y la maestra de que está enamorado, la propia veterinaria y su niña...–, y algunos elementos ingeniosos –la película muda que inspiró la dedicación profesional de los hermanos– están metidos con calzador. De modo que se salva algún gag aislado –es muy divertida la secuencia de la clase que el célebre Guillermo da a los niños del pueblo–, pero no basta para que el film levante el vuelo. Incluso un momento como el del hacha incrustado en la cabeza de Alejandro, que debería ser tronchante, resulta, simplemente, desconcertante. Así que no sabemos para qué sirve un oso, pero todavía menos sabemos para qué sirve una película como ésta, que se pregunta para qué sirve un oso.

3/10
Americano (2011)

2011 | Americano

Martin se entera de que su madre, afincada en Estados Unidos desde hace años, y con la que no mantenía contacto, ha muerto. Sólo vivió con ella dos años siendo un niño, y los recuerdos de esa etapa los tiene muy desdibujados. El caso es que debe viajar a California para repatriar el cadáver y vender su apartamento, pero el regreso allí enciende el deseo de saber más, quiere salir de dudas acerca de hasta dónde llegaba el amor de su madre por él, y cuáles fueron los motivos que propiciaron su separación definitiva. Es el comienzo de un periplo que le llevará hasta Tijuana, México, donde se trasladó Lola, una buena amiga de su madre. Mathieu Demy, también guionista y protagonista de la cinta, entrega en su debut en el largo un drama con formato de thriller, y acomete con acierto la tarea no sencilla de que compartamos con el protagonista su viaje, sobre todo emocional, de descubrimientos y autodescubrimiento. Combina bien el cineasta la narración principal con breves flash-backs de la niñez, como si fueran retazos de películas familiares. Afrontar honradamente esta etapa inesperada de su vida, aunque toque beberse las lágrimas, podría ayudar a Martin a encauzar un futuro que hasta entonces se prometía errático. Aunque no falta el sexo gratuito -la escena de arranque, y el striptease de puticlub-, hay sentido fílmico en el relato, incluido el del apartado musical, tal vez en Mathieu Demy quepa decir aquello de que de tal palo, tal astilla. El reparto está bien, empezando por el propio Demy.

6/10
El monje

2011 | Le moine

La España de finales del siglo XVI. Siendo un bebé, Ambrosio fue abandonado a las puertas de un convento de capuchinos. Criado con ellos se hará monje, hasta el punto de convertirse en una celebridad local como predicador infatigable y riguroso director de almas. Sus certezas espirituales se verán puestas a prueba cuando ingresa como novicio el hermano Valerio, joven que oculta su rostro desfigurado tras una máscara. Adaptación de la novela gótica de Matthew Gregory Lewis (1775-1818), escrita cuando el autor contaba sólo 20 años, y admirada por sus coetáneos lord Byron y el marqués de Sade. Está tras la cámara Dominik Moll, que sirvió en 2000 la inquietante Harry, un amigo que os quiere. Se trata de un film altamente desconcertante, a modo de cuento moral para los que se creen superiores a los demás hombres, y que sin embargo albergan en su interior las mismas flaquezas sino peores. Llama la atención el retrato del diablo como un ente real, capaz de seducir a los hombres, aunque subrayando que éstos, por su arte, no harán nada que ellos mismos no quisieran hacer libremente. El cineasta francés se las compone para crear una atmósfera desasosegante en su descripción de cómo el virtuoso se precipita hacia el abismo. De todos modos no evita cierto aire de folletín en el fatalismo de ciertas revelaciones finales, y desconcierta con algunas líneas del relato -la monja pecadora castigada de modo nada cristiano por su abadesa, el amor limpio de dos jóvenes que se han conocido con motivo de un sermón de Ambrosio-, cuya imbricación en la trama principal no queda suficientemente clara. Aunque se juega la baza de recordar a títulos populares como El nombre de la rosa, no parece que haya intención de dar una visión negativa de la religión. Lo que no quita para que en la reduccionista visión de Moll brille por su ausencia el amor de Cristo encarnado, todo se limita al estoicismo de un conjunto de reglas que pueden llegar a ser muy opresivas e incluso carentes de sentido.

5/10
¿Y si vivimos todos juntos?

2011 | Et si on vivait tous ensemble?

Albert y Jeanne, Jean y Annie, más Claude. Dos matrimonios mayores, más un viudo, amigos del alma, que van notando los achaques de la edad. Inicio de demencia senil y un cáncer ocultado en la primera pareja, el deseo del control y la añoranza de los nietos a los que nunca ven en los segundos, más la soledad y un infarto del tercero, siempre hambriento de sexo. Después de que un hijo de Claude le persuada para ingresar en una residencia, y sus amigos se convenzan de lo deprimente que es su nuevo hogar, se impone que los cinco se vayan a vivir juntos a la amplia casa con jardín de Jean y Annie. Va a sumarse al grupo el joven Dirk, que está haciendo su tesis doctoral sobre la ancianidad. El desconocido Stéphan Robelin escribe y dirige ¿Y si vivimos todos juntos?, una película con elementos dramáticos y de comedia que tiene bastantes puntos a su favor. De entrada, tiene interés abordar las dificultades inherentes a la tercera edad, unas limitaciones difíciles de aceptar, que alejan de los hijos, y que pueden hacer difícil la convivencia. Luego se cuenta con un magnífico reparto, están muy bien los seis actores protagonistas, el joven Daniel Brühl, y los veteranos Pierre Richard, Guy Bedos, Claude Rich, Geraldine Chaplin y Jane Fonda, ésta en un inesperado regreso al cine francés tras sus películas de los 60 con el que fuera su marido, Roger Vadim. ¿Cuál es entonces el problema? Pues una cuestión muy sencilla -o quizá no tanto- llamada sexo, que con frecuencia en el cine francés conduce a transitar por rutas bastante retorcidas. La vieja obsesión que domina tantas veces más de lo que sería deseable en las tramas, y que aquí es abordada con enorme simpleza, tal vez con la intención de dar un poco más de contenido a la historia de ¿Y si vivimos todos juntos?. De modo que ahí está Claude, que acude con frecuencia a los servicios de prostitutas, que necesita viagra como sea. O Jeanne dando consejos “de amor” (!?) a Dirk, ella sabe la mujer que le conviene. Aunque más estrafalario y forzado es el secreto de años atrás que afecta a los cinco amigos, que iría conduciendo el film hacia su clímax, y en el que subyace la sorprendente idea de que adulterio y traición pueden convertirse en algo, no sabemos, muy parecido a una muestra de ¡¡amistad!! La sombra de la muerte, que planea desde la escena de Jeanne en la funeraria, sirve para afrontar una realidad innegable, aunque de modo limitado, al final sólo quedan los recuerdos para los que sobreviven de lo que sería, para Robelin, una “buena vida”.

5/10
La mosquitera

2010 | La mosquitera

Mirada terrible a una familia y alrededores donde domina el egoísmo y el hastío. Está el matrimonio con su hijo adolescente, al que consienten tener en casa un montón de perros y gatos. Él tira los tejos a la guapa empleada doméstica. Ella se acuesta con un amigo del hijo, evidentemente menor de edad. Por otro lado están los padres del marido, que intentan suicidarse, entre otros "planes". Y está la hermana de ella, que utiliza una "pedagogía" muy peculiar con su hijita. Aunque seguramente el propósito de Agustí Vila es criticar el egocentrismo de una buena parte de la sociedad actual, un narcisismo que no conduce a ninguna parte, lo cierto es que su película es aburrida y reiterativa, excesiva en los defectos que acumula en los patéticos personajes, sin ningún elemento argumental que despierte el interés a no ser que identifiquemos esta palabra con el morbo. Parece exagerado que haya cosechado dos premios en la Seminci de Valladolid, aunque la dirección y las actuaciones sean correctas.

4/10
La trampa de la luz

2010 | L'imbroglio nel lenzuolo

1905, el cinematógrafo ha alcanzado el sur de Italia, y pone el miedo entre la gente, a la que le parece una trampa diabólica. Lo llaman o ´imbroglie din t´o lenzuolo - El truco en la Hoja, con sábanas blancas que se utilizan para la proyección.

Encontrarás dragones

2010 | There Be Dragons

Robert, un periodista llegado de Estados Unidos, está investigando la vida de Josemaría Escrivá, un sacerdote español en proceso de beatificación que era de su mismo pueblo aragonés. Descubre que hay más puntos de conexión, pues su padre y él estuvieron juntos en el seminario cuando eran jóvenes. Pero seguir indagando supone sacar a la luz dolorosos secretos del pasado, que tuvieron entre otros telones de fondo el de la fraticida guerra civil española. Roland Joffé, tras dos excelentes películas, Los gritos del silencio y La misión, vio cómo su carrera se desinflaba progresivamente. Vuelve a alzar el vuelo con este arriesgado film, que aborda la figura de un personaje histórico, el fundador del Opus Dei, cuya vida discurre paralela a la de otro personaje creado para la ocasión, Manolo Torres, que habría sido buen amigo de la infancia. Tal recurso y el de la indagación periodística sirven para deslizarse del presente al pasado, y reflexionar sobre las distintas reacciones que se pueden dar a las situaciones duras que trae consigo la vida. Pueden entonces alzarse los “dragones” –feliz y hermosa expresión de Joffé, destinada a perdurar en el imaginario colectivo– que conducen a una espiral de odio y violencia, o ser dominados éstos por una respuesta basada en el amor y el perdón, respaldada por las convicciones religiosas. La película, de indudable tirón popular y amplio lienzo épico que se nota en su esfuerzo de producción, tiene el mérito de no tratar de ajustar cuentas guerracivilescas, aquí la dialéctica de vencedores y vencidos brilla por su ausencia, no se entra a ese trapo. Tenemos en cambio los dramas personales, y el pensamiento de que hay que procurar ponerse en la posición del otro. Aunque pueda reprocharse alguna situación folletinesca –especialmente en los pasajes de los milicianos republicanos–, domina la emoción pura y dura, una narración vibrante, que conduce al catártico e impactante desenlace. Hay un gran acierto en el reparto, incluso los papeles pequeños –Derek Jacobi, Unax Ugalde, Jordi Mollà, Ana Torrent...– llaman la atención. Pero sobresale Charlie Cox, que supera con nota el desafio de encarnar a un santo del que existen abundantes filmaciones. Quizá sea Wes Bentley el que lo tiene más difícil, por el carácter de su Manolo, continuamente crispado y con caóticas motivaciones a lo largo de la trama, sobre todo en su relación con la estupenda Olga Kurylenko. El film supone el regreso estelar de Joffé, superproducción que narra una historia muy humana, intensa y emocionante, que se ajusta perfectamente a sus prioridades. Tanto se ha implicado Joffé en el proyecto que, además de dirigir, firma el guión y ejerce de productor, siendo la primera vez que aúna esa triple dedicación en una sola película. Destaca la sólida y verosímil puesta en escena –hay en la producción un equipo artístico superoscarizado que incluye al diseñador de producción Eugenio Zanetti, al compositor Stephen Warbeck y a la diseñadora de vestuario Yvonne Blake–, y aunque el color ocre cuando la historia se remite al pasado puede resultar una elección obvia, hay un tratamiento muy inteligente de la fotografía, diferente según la época en que discurre la acción.

8/10
El hombre lobo

2010 | The Wolfman

Lon Chaney Jr., hijo de “El hombre de las mil caras”, la gran estrella del terror mudo, siguió los pasos de su padre al protagonizar El hombre lobo (1941), que contaba también con dos de las grandes estrellas del género de la época: Claude Rains y Bela Lugosi. Dirigida por George Waggner, es una de las grandes películas de terror de la Universal. Ahora, la misma productora recupera al mito, en una versión que se inspira en aquel clásico film. Los guionistas Andrew Kevin Walker y David Self han mantenido algunos puntos en común con el libreto original de Curt Siodmak: una importante subtrama romántica, una gitana que lee el futuro. Además, el protagonista, Lawrence Talbot, se llama igual, y también es un noble que vuelve a la majestuosa mansión de su padre en la época victoriana. En esta nueva cinta, Talbot –que pasó una infancia muy dura por culpa de la traumática muerte de su madre– ha perdido a su hermano, que ha sido atacado por una monstruosa criatura que habita en el bosque. Por esta razón, Francis Abberline, inspector de Scotland Yard, ha viajado al lugar para investigar las muertes causadas por este ser. Mientras intenta reconciliarse con su padre, con el que mantiene una relación tormentosa, Talbot se siente atraído por Gwen Conliffe, la prometida de su hermano. Pero después de sobrevivir a duras penas a un ataque de la criatura, Talbot también se transformará en un ser similar. Parecía que este film estaba tan maldito como su protagonista. Iba a ser el salto a la gran superproducción de Mark Romanek, genial director de videoclips que dejó un buen sabor de boca con Retratos de una obsesión. Pero Romanek acabó dejando el proyecto por desavenencias con los productores. Acabó sustituyéndole Joe Johnston, gran profesional que ha demostrado su valía en el terreno del género fantástico con Jumanji, Rocketeer y Parque Jurásico III. Pero Johnston se encontró con que finalizado el rodaje, su monstruo parecía ridículo. La idea era homenajear al original, con un hombre lobo muy parecido, que camina de pie como un humano, al estilo de Chaney o Paul Naschy, pero lo que funcionaba en los años 40 se ha quedado totalmente desfasado, después de películas como Un hombre lobo americano en Londres –que contaba con el mismo maquillador de este film, el inigualable Rick Baker–. Finalmente, Johnston tuvo que rodar planos adicionales para solucionar el problema, con el hombre lobo atacando a cuatro patas. Pero lo que mal andaba mal, mal ha acabado. Es cierto que Johnston se ha esforzado en lograr una ambientación gótica al estilo clásico. Ha filmado también algunas secuencias –un ataque en un poblado gitano, y la huida del monstruo en Londres– que tienen la espectacularidad adecuada. Sin embargo Johnston no consigue superar el principal escollo del film, un guión fallido –tan tópico como ligero– que explica la deserción de Romanek. Los tensos encuentros entre el padre interpretado por Anthony Hopkins y el personaje de Benicio del Toro no tienen interés, y tampoco está muy bien explicado por qué el primero parece empeñado en hacer la vida imposible a su hijo. No se entiende tampoco si la muchacha interpretada por Emily Blunt quiere salvar o matar al hombre lobo al que ama. En estas condiciones, estos esforzados intérpretes, de solvencia probada, poco pueden hacer por evitar el naufragio.

4/10
La isla interior

2009 | La isla interior

Es ésta una de esas películas bien dirigidas, con un guión elaborado y con unas interpretaciones excelentes. Sin embargo, el espectador no sabe muy bien qué sentido tiene esta historia, absolutamente deprimente y con un planteamiento descorazonador llevado hasta el límite. Se trata de hablar de la carga de la herencia familiar y de las tragedias que pueden existir en el pasado de una familia, y que a la postre puede envenenar las vidas y las relaciones entre sus miembros. En este sentido, el título del film, La isla interior, es muy apropiado para transmitir la soledad que invade a los personajes de esta historia. Las Palmas de Gran Canaria. Dos hermanos, Martín y Coral, esperan en el aeropuerto la llegada de otra hermana, Gracia, procedente de Madrid. Los tres irán a visitar a su padre, Juan, que se encuentra grave en el hospital. Allí se reencuentran con su madre Victoria. En un “flash back” nos trasladamos entonces a lo acontecido tres días antes... Juan y Victoria son un matrimonio de edad avanzada que vive en una casa al borde del mar. Hay un ambiente cargado en el lugar, como una pesadumbre que llena cada mueble de tristeza. Juan es esquizofrénico y se adivina que su hijo Martín tiene serios problemas de convivencia, de estabilidad emocional. Vive en una constante inseguridad e ingenuamente espera escribir una novela... Fuera del hogar vive Coral, joven triste y amargada que trabaja limpiando la casa de un matrimonio y que vive una aventura secreta con el marido... Y, por último, está Gracia, que trabaja de actriz en una serie televisiva y que sufre serios problemas mentales, por lo que necesita tomar medicación diariamente. Los directores Dunia Ayaso y Félix Sabroso han dado muestras de que forman un sólido tándem dentro del panorama cinematográfico español, con seis largometrajes y dos series de televisión a sus espaldas. Pero entre su filmografía, donde destacan Descongélate y Los años desnudos. Clasificada "S", y pese al cierto humor melodramático que emplean, se puede adivinar que el problema son las historias que eligen contar, pues suelen transmitir desasosiego, a través de personajes tristes que viven vidas deprimentes. Aquí las únicas sonrisas del espectador son motivadas por situaciones llenas de patetismo, provocadas por el desequilibrio de los personajes. Lo mejor del film es por eso el trabajo de los actores. Tanto Candela Peña (actriz fetiche del equipo Ayaso-Sabroso), como Alberto San Juan están especialmente soberbios, aunque los demás también hacen unas buenas composiciones.

4/10
Imago mortis

2009 | Imago mortis

Bruno estudia en una escuela de cine donde descubre un peculiar aparato llamado tanatógrafo. Su utilidad es la de captar la imagen que se produce en el ojo humano justo cuando muere una persona. Inicialmente Bruno no tiene ni idea de la virulencia que encierra el objeto que ha descubierto, aunque poco a poco se verá envuelto en una macabra práctica que ponen en marcha quienes intentan recuperarlo ya estén vivos o muertos. Lo mejor de la película sin duda alguna es la ambientación. El gigantesco caserón que hace las veces de escuela de cine a lo Hogwarts –pero con un gran aire tétrico–, es un escenario perfecto para rodar una película de terror. Y la iluminación se complementa perfectamente con este escenario lúgubre y tenebroso. Dicho esto, toca hacer mención al sinsentido argumental de la historia. Hacer una película de terror sin pretensiones no implica pasar absolutamente de la historia que se quiere contar. Desgraciadamente, esto sucede a veces e Imago Mortis está dentro de esta categoría. Todo ocurre porque sí, por mucho que se intenten meter con calzador unas explicaciones a todas luces insuficientes y arbitrarias. Se dice que las películas no tienen porqué ser realistas, pero sí creíbles. La credibilidad es lo que hace que el espectador se meta en una historia. Y aquí está fuera, por lo que es imposible sentir miedo. Todo lo que acontece suena a tomadura de pelo, como, por ejemplo, el irrisorio e incomprensible discurso final de Astolfi que supuestamente es la guinda de un pastel totalmente edulcorado. Y es que por mucho que Imago Mortis sigua algunas recetas actuales como los giros de guión finales a modo “¡ta chán!”, y cuente con un plantel de bellos y modernos jóvenes actores –desentona Alberto Amarilla, que está todo el metraje al borde del ataque de una manera exageradísima–, al espectador hay que darle algo más que una sucesión de imágenes inconexas y caprichosas.

3/10
Ramírez

2008 | Ramírez

El español Albert Arizza ganó la Biznaga de Plata al mejor director en el Festival de Málaga por este thriller, con vitola decididamente independiente y muy poco presupuesto. El director debutante, también autor del guión, narra una historia bastante truculenta y descorazonadora, llena de nihilismo vital, rodada a buen ritmo. El protagonista es un joven atractivo que deambula por la vida sin un norte fijo. Se dedica sobre todo seducir a mujeres para llenar la vida de sexo rápido. Pero esa situación pronto desembocará en otras peligrosas aficiones que poco a poco irán dejando huella. Entre el reparto destaca la presencia de Geraldine Chaplin.

4/10
Inconceivable

2008 | Inconceivable

Sátira fallida sobre el mundo de la manipulación con tubos de ensayo para la fecundación "in vitro", a cargo de la directora y guionista irlandesa Mary McGuckian (Escándalo en la redacción). El reparto es de campanillas, pero el resultado general, entre el drama y la comedia, alcanza poca altura. La trama se centra en las actividades de un médico que trabaja en una clínica de fertilidad en Las Vegas (Nevada). Allí van a visitarle nueve mujeres variopintas que desean concebir un hijo en una probeta. Cuando finalmente reciben a sus retoños comprueban que, sospechosamente, los bebés se parecen demasiado...

3/10
Háblame de amor

2008 | Parlami d'amore

El actor italiano Silvio Muccino adapta su propia novela, y la traslada a la pantalla en su debut como director, asumiendo el papel principal. Él es Sasha, un joven hijo de padres toxicómanos, que acaba de salir de un centro de acogida, y que asiste a las reuniones de un grupo de adictos anónimos. Su benefactor le ha dado un trabajo de albañilería en su mansión, lo que le permite estar cerca de Benedetta, una joven caprichosa a la que ha amado desde que era una chiquilla. Una noche lluviosa se ve implicado en un accidente de automóvil, gracias al cual conoce a la psiquiatra Nicole, que sufrió el suicidio del hombre que amaba, y que luego se sumergió en un matrimonio donde domina la frialdad. Entre Sasha y Nicole surge una complicidad, en forma de consejos amorosos de la segunda al primero.Historia de amor algo empalagosa, y a la que se ve venir desde el minuto uno. Quiere ser una reflexión de la ceguera que nos domina en cuestiones sentimentales, y de los caminos zigzagueantes de la existencia humana. Pero todo es trivial y falta hondura -ahí está la tonta frase de "Toda mujer puede ser conquistada" como botón de muestra-, las borracheras y los revolcones se diría que no tienen consecuencias, y las variantes de las apuestas de póker y el amigo desesperado resultan forzadas. Falta naturalidad en los personajes -la brusquedad del marido de Nicole-, y Muccino se muestra demasiado guaperas y risueño todo el tiempo como para convencer al espectador de su vida atormentada. Más correcto resulta el trabajo interpretativo de Aitana Sánchez-Gijón, aunque pasajes como aquel en que planta a su marido en la cena con unos amigos, son insalvables incluso para ella.

4/10
Diario de una ninfómana

2008 | Diario de una ninfómana

Valérie Tasso es una prostituta de lujo que narró sus vivencias en una novela autobiográfica, ‘Diario de una ninfómana’, que se convirtió en un gran éxito en 2003, a pesar de unas críticas nefastas. Se ha encargado de la adaptación al cine el joven director Christian Molina, con mucha experiencia como foquista a las órdenes de prestigiosos directores de fotografía, pero sólo un título en su haber como director, la desconocida Rojo sangre. El film es bastante fiel al texto literario que comienza cuando Val –la autora– tiene un buen trabajo en una oficina, pero es incapaz de encontrar la estabilidad sentimental porque está obsesionada con el sexo que mantiene con sus diversos amantes. Es consciente de que así no encontrará la felicidad, y tiene una buena amiga, Sonia, más centrada, que no encuentra el amor pero tiene las ideas mucho más claras. Aún así, sigue acumulando sexo ocasional, hasta que es despedida por un ajuste de plantilla. En busca de un nuevo empleo se enamora de un tipo que la entrevista para contratarla en su empresa, Jaime, a simple vista un tipo idílico que se plantea casarse con ella y tener hijos. Pero resulta ser un psicópata que combina su lado idílico con ataques incontrolables de frivolidad. En primer lugar se nota demasiado que es la segunda película del director, porque acumula fallos de principiante como secuencias innecesarias fácilmente suprimibles o la omnipresente voz en off, estilo diario, que narra a veces cosas que estamos viendo en la pantalla. Además, parte de un guión mediocre de Cuca Canals, habitual autora de los libretos de las películas de Bigas Luna, que acumula diálogos rudimentarios sin gracia y giros evidentes que parecen de un culebrón de medio pelo. En la parte interpretativa desaprovecha a Leonardo Sbaraglia (Jaime), un gran actor que intenta resultar creíble, pero cuyos esfuerzos se quedan en el dique seco, porque su personaje está descrito de forma tan exagerada que parece el doctor Jekyll y Mr. Hyde. La protagonista, Belén Fabra, aunque no carece de talento, parece haber sido escogida por su cuerpo de modelo que exhibe exageradamente durante todo el metraje.

3/10
Los Totenwackers

2007 | Los Totenwackers

Esforzado intento de rodar en España un film de aventuras infantiles al estilo de Harry Potter o Los Goonies. Aunque al parecer ha sufrido muchísimos cambios, el film parte de un guión anteriormente titulado Santa Ana 17, de David Muñoz y Antonio Trashorras, responsables de El espinazo del diablo. Como aquella, también se trata de una historia de niños y fantasmas. Concretamente está protagonizada por Sara, una pequeña asmática que se muda con sus padres a un edificio antiguo de Barcelona. Pronto, Sara descubre que en el lugar ocurren sucesos paranormales, pues la televisión se enciende sin explicación y las sillas se mueven solas. Resulta que la niña tiene la capacidad de ver gente muerta, concretamente a un fantasma que deambula por el edificio. Con ayuda de su amigo Mahdi, y de John, un pequeño investigador de sucesos paranormales, Sara investiga al espectro, que resulta ser un antiguo inquilino fallecido de muerte violenta, y a la misteriosa casera, que parece una bruja de cuento. Destaca la presencia de actores veteranos, como Celso Bugallo, Terele Pávez y Geraldine Chaplin, que ha rodado esta historia de fantasmas casi a la vez que El orfanato. Aunque todos ellos se esfuerzan, no parecen creer mucho en el proyecto, y además les secundan actores televisivos muy poco creíbles, como Mar Regueras, o Josep Julien. Los niños no acaban de resultar naturales, sobre todo porque sueltan unas parrafadas que no parecen espontáneas. En su segundo trabajo, el cineasta vasco Ibón Cormenzana (Jaizkibel) no transmite pasión por el proyecto, pues se diría que lo ha rodado por compromiso. Todo esto da al traste con las buenas intenciones, y con el hecho de que cuenta con imaginativos técnicos de efectos especiales.

4/10
Boxes

2007 | Boxes

Anna, una mujer cincuentona, acaba de mudarse a su nueva casa en el litoral costero. Mientras revisa las cajas de la mudanza, Anna rememora su tormentoso pasado. Estuvo casada tres veces, y tiene tres hijas, cada una de ellas de diferentes padres. Primer largometraje de cine de la veterana actriz Jane Birkin (La bella mentirosa), que también es la autora del guión y se reservó el papel protagonista. Ha sabido arroparse por grandes actores.

4/10
Parc

2007 | Parc

George Nail, un hombre humilde felizmente casado, con un hijo y una vida de lo más normal, vive tranquilamente en Parc. Allí iniciará una gran amistad con Paul Hammer, un rico e inteligente individuo. Adaptación de la novela "Les lumières de Bullet Park", de John Cheever. Cuenta con un reparto solvente, encabezado por Jean-Marc Barr y Sergi López.

4/10
El orfanato

2007 | El orfanato

Laura y Carlos, un matrimonio con un hijo pequeño, Simón, se dispone a inaugurar una minirresidencia para niños discapacitados, situada a las afueras de una localidad costera. El antiguo caserón, reacondicionado para su nueva función, fue la sede años atrás un orfanato, entre cuyas paredes creció Laura, antes de que fuera finalmente adoptada. Recién instalados con la ilusión de ayudar a los futuros huéspedes de la residencia, y en vísperas de ponerla en marcha, se acentúa la costumbre del pequeño de jugar con sus “amigos invisibles”. Lo que sus padres consideran una afición más o menos inofensiva, pero que debería ser erradicada, crece de grado cuando el chaval asegura tener como compañeros de sus juegos a antiguos habitantes del lugar. El extremo de conducta tan poco convencional se alcanza en la jornada de la inauguración: entre los niños que van a ser internados y sus familiares, se deja ver un pequeño con uniforme de otra época y la cabeza cubierta con un capuchón; tal hecho coincide con una discusión entre Laura y su hijo, que termina con la inexplicable desaparición de este último. Los esfuerzos de la policía para dar con su paradero se revelan inútiles, y la madre, convencida de que para explicar los hechos no bastan las explicaciones puramente racionales, confía en la ayuda de un equipo de espiritistas. Notable muestra del género de terror, supone el debut en la dirección de Juan Antonio Bayona. El cineasta, respaldado en la producción por Guillermo del Toro –que se apuntó un tanto notable en 2006 con El laberinto del fauno, film también fantástico de producción española, y ganador de 3 Oscar–, consigue producir auténtico miedo; y lo hace con sutileza, sin recursos facilones: incluso los golpes de efecto –el atropello, las carreras por la playa, los hallazgos macabros, el recurso a los juegos infantiles...– tienen un agradecible punto de contención. Ciertamente en El orfanato están presentes muchas de las convenciones del género –aunque Geraldine Chaplin está estupenda, su personaje, sensible a las manifestaciones de los espíritus, o el siniestro caserón, remiten a títulos como Poltergeist–, pero Bayona sabe darles un toque personal, y demuestra llevar bien aprendida la imprescindible “asignatura” del género, la creación de atmósferas, de tensión y angustia crecientes; además, sabe concluir de modo sugerente –otra “asignatura” nada fácil–, sin aspavientos; todo apoyado en un concepto fuerte capaz de sostener la trama, el del amor de una madre por su hijo. Belén Rueda lleva la mayor parte del peso interpretativo de la película, y resiste bien el embate, primero en su faceta de madre de familia ilusionada con abrir la residencia, luego como mujer destrozada por la desaparición del hijo y la creciente sensación de que se está distanciando de su marido, que no ven las cosas del mismo modo, como sería deseable.

7/10
Miguel y William

2007 | Miguel and William

Leonor de Vibero, hija de un comerciante español afincado en Inglaterra, mantiene una relación amorosa con William Shakespeare, un dramaturgo aún desconocido pero prometedor. Contra su voluntad, Leonor debe dejar Inglaterra y viajar a Castilla, donde se ha concertado su matrimonio con un duque viudo y acaudalado. Tras instalarse en el castillo de su prometido, Leonor es cortejada por Miguel de Cervantes, literato que para seducirla se ofrece a escribirle una obra de teatro, con la excusa de que sirva para conmemorar su boda. Por su parte, Shakespeare viaja a España para impedir la boda de su amada. Daba para mucho la idea de unir en una misma trama dos de las figuras más grandes de la literatura universal. ¿Qué se habrían dicho si se hubieran encontrado estos dos gigantes de las letras? Pero Inés París (Semen, una historia de amor, A mi madre le gustan las mujeres) es una directora y guionista mediocre, y sus diálogos resultan cutres. El proyecto parece concebido en el año 2005, con ganas de pillar subvenciones por el cuarto centenario del Quijote, pero falta una trama con un poco de imaginación. Para colmo, aunque reúne a actores más que competentes, estos están tan mal dirigidos que las secuencias resultan pobretonas, como de obra de teatro de poco nivel. Se desperdicia así lo único valioso de la cinta, la banda sonora de Trevor Jones, el compositor de El último mohicano.

2/10
Les aventuriers des mers du Sud

2006 | Les aventuriers des mers du Sud

Miniserie televisiva donde el novelista Robert Louis Stevenson adquiere el protagonismo, al trasladarse con su esposa a una isla de los mares del sur, por motivos de salud. Allí, en parajes exóticos de deslumbrante belleza vivirá las aventuras que plasmó en su novela.

4/10
Teresa: el cuerpo de Cristo

2006 | Teresa: el cuerpo de Cristo

Venía precedido el estreno de este film de declaraciones polémicas de su director y guionista, el escritor Ray Loriga. Pero se ve que ofende no quien quiere, sino quien puede. Y a Loriga la vida y figura de santa Teresa de Jesús le viene grande, muy grande... Dice que ha leído todo lo que ha caído en sus manos sobre ella. Tal vez, pero... La película arranca con un prólogo que, se supone, intenta situarnos en la época. Lo que significa referencias a los desmanes de la inquisición e imágenes de orgías que vienen a cuento de no se sabe qué... De ahí pasamos a una Teresa de Cepeda y Ahumada coqueteando y algo más, con un apuesto caballero... Pero no, lo suyo no son los amores de este mundo, e ingresa en un convento carmelita. De ahí pasamos a un acercamiento más fiel a la historia, en que la candidata a monja se somete a un régimen de vida muy austero... Se nos sugieren sus experiencias místicas en clave sexual –hay algunos que parecen no poder ver la vida por otro prisma que el erótico, ya se sabe...–, y somos testigos de sus deseos de santidad y unión con Cristo, que le llevarán a su idea de reformar el Carmelo. El film tiene un despliegue de producción más que notable... Podría haberse hecho algo muy digno. Pero los complejos de Loriga le llevan a quedarse entre dos aguas, lo que seguramente no contentará a nadie. El cineasta es consciente de que el público objetivo de su film es el cristiano al que interesa la vida de la santa, motivo por el cual intenta no ser demasiado ofensivo en su aproximación al personaje... Por otro lado, no puede dejar de alimentar sus ínfulas de artista de vanguardia, que aborda la vida de una mujer que se sobrepuso a su época y bla, bla, bla... Y así, incluye secuencias oníricas trufadas de pedantería, con Teresa embuchada en un espléndido vestido rojo diseñado por la japonesa Eiko Ishioka, que no debía tener bastante con los hábitos de las monjas, y que hace parecer a la santa un trasunto de novia recién salida del Drácula de Coppola... El resultado de las componendas de Loriga es un film frío, que ha dejado escapar aspectos básicos del carácter de Teresa de Jesús, como su proverbial sentido del humor. Ella, encarnada por una esforzada Paz Vega, aparece como una mujer terca y decidida en sus propósitos, con deseos de amor de Dios. Pero se pierde el sentido de lo que hace, por ejemplo en su exigente uso de las disciplinas, o en sus ayunos... En el dibujo de personajes eclesiásticos hay de todo. Si Eusebio Poncela compone un Gaspar Daza más convincente de lo que cabía esperar, el dominico inquisidor de Manuel Morón es absolutamente risible, mientras que a la doña Guiomar de Leonor Watling se la dota de una extraña ambigüedad, que da que pensar, y el Pedro de Alcántara de José Luis Gómez es un santón al que falta humanidad. Ay, esos corros de personajillos, pensando en reformar la Iglesia, si les dejan... La película queda muy lejos de logros de la serie televisiva de Josefina Molina Teresa de Jesús, o del moderno, éste de verdad, acercamiento de Rafael Gordon, en forma de entrevista televisiva, en Teresa, Teresa.

3/10
Miss Marple (2ª temporada)

2006 | Agatha Christie's Marple | Serie TV

Cuatro casos de intriga que debe resolver la señorita Marple, la madura heroína detectivesca creada por Agatha Christie, aquí interpretada por la británica Geraldine McEwan. En "Un crimen dormido" una joven de buena posición le pide ayuda por ciertas visiones que está experimentando en su recién adquirida casa en la costa. Todo podría tener que ver con un pasado infantil en la India que había olvidado. En "El caso de los anónimos", el veterano de guerra Jerry Burton y su hermana buscan la tranquilidad mudándose a vivir a un pueblecito. Pero allí resulta que alguien comienza a envenenar a la gente por medio de cartas anónimas. En "El cuadro", Marple comienza a investigar en una residencia de ancianos tras una muerte y una desaparición. Y en "El misterio de Sittaford", Clive Trevelyan, miembro del parlamento británico, es asesinado y todo parece relacionado con el hallazgo de una tumba egipcia.

6/10
Oculto

2005 | Oculto

Tres jóvenes coinciden en una conferencia sobre el significado de los sueños. Beatriz trabaja en el centro cultura donde se imparte, y tiene complejo de chica aburrida y sin novio. Álex es un periodista, que ha venido a cubrir el evento. Finalmente, Natalia forma parte del público, y llama la atención de todos cuando interroga al ponente acerca de lo que esconde uno de sus sueños recurrentes. Antonio Hernández sorprendió agradablemente con En la ciudad sin límites. Aquí cambia de registro con un thriller excesivamente estirado, con demasiados vericuetos, donde también están presentes los sentimientos y frustraciones de los personajes. Laia Marull hace una estupenda interpretación, y sorprende con su buen hacer la desconocida Angie Cepeda.

4/10
BloodRayne

2005 | BloodRayne

Es lamentable que con semejante plantel de actores se realice una película tan mediocre como BloodRayne, pero, en fin, esa parece ser la seña de identidad de Uwe Boll. Aquí, el director alemán adapta el videojuego del mismo nombre para contar una historia de acción fantástica, con algún toque de humor. La historia tiene lugar en la Rumanía del siglo XVIII y la protagonista es BloodRayne (Kristanna Loken), una damphir –mujer medio humana, medio vampiro– que trabaja para una sociedad secreta encargada de perseguir las amenazas sobrenaturales.

2/10
Heidi (2005)

2005 | Heidi

Adaptación de la novela de Johanna Spyri, en que la niña Heidi se traslada a vivir a las montañas con su huraño abuelo. Allí hará migas con el pastor de su edad Pedro, y la niña paralítica Clara, aunque le produce temor reverencia la señorita Rottenmeier. Desde luego en esta adaptación destacan dos pesos pesados de la interpretación, Max von Sydow, el abuelo, y Geraldine Chaplin, la señorita Rottenmeier.

5/10
Melissa P

2005 | Melissa P

Melissa, adolescente con problemas de comunicación con su familia, sobre todo con su madre, se enamora de Daniele, un compañero de colegio. La atracción es tal que Melissa permite que Daniele la utilice para mantener relaciones sexuales de lo más turbio y humillante para ella. Adaptación de 'Los cien golpes', libro muy polémico en Italia de una tal Melissa Panarello, adolescente que narraba su despertar sexual y que ocultó su apellido hasta los 18 años. Por lo visto, la actriz María Valverde, que obtuvo el Goya por su buen hacer en La flaqueza del bolchevique, también esperó a cumplir la mayoría de edad, para rodar las muchas secuencias de sexo del film.

5/10
A Christmas Carol

2004 | A Christmas Carol

Adaptación del famoso cuento navideño de Dickens, en esta ocasión en la versión musical con partitura de Alan Menken –bien conocido por sus aportaciones a los filmes animados de Disney–, y libreto de Lynn Ahrens y Mike Ockrent. El avaro Scrooge tendrá ocasión de reconsiderar su trayectoria vital cuando recibe la visita de los fantasmas de las navidades pasadas, presentes y futuras. Destaca entre las canciones la voz de Jennifer Love Hewitt en el tema "A Place Called Home".

5/10
El puente de San Luis Rey

2004 | The Bridge Of San Luis Rey

Adaptación de la célebre novela de Thornton Wilder, escrita en 1927. En el Perú del siglo XVII, el puente del título se rompe y cinco personas que se encontraban en él caen al abismo. Detrás del argumento se plantea la pregunta de si fue el azar, la providencia o la actuación de las personas quien provocó el desastre. La película indaga acerca de por qué esas personas concretas se encontraban en el puente, a través de la crónica de sus vidas. Sobresale la ambientación y el magnífico reparto internacional, con mención especial para la española Pilar López de Ayala.

4/10
Hable con ella

2002 | Hable con ella

"Cafe Müller", espectáculo de Pina Bausch. Dos tipos se emocionan viendo a dos mujeres moverse como sonámbulas en el escenario. Es la apertura, resumen plástico del film. Benigno es enfermero, y cuida con esmero a Alicia, que se encuentra en coma (¿en el país de las maravillas?). A su clínica llega Lidia (mujer torero, por supuesto) tras una grave cogida; le acompaña su amante Marco, autor de libros de viajes. Benigno y Marco son muy distintos; pero se hacen amigos e intercambian confidencias sobre sus cuitas amorosas. Pedro Almodóvar ya ha probado de sobras su oficio narrativo. Aquí acude a una estructura más compleja, con saltos temporales y pequeños “descansos” o cambios de aire –los espectáculos de Bausch, las corridas, la película muda, la canción de Caetano Veloso, la aparición “estelar” de Chus Lampreave…– que en manos de otro chirriarían hasta decir basta. Así el manchego compone un folletín. De sentimientos exacerbados y heridas sangrantes. Sin entrar a cuestiones de fondo –a la violación, sin ir más lejos, se le resta importancia–, mostrando el puro deambular de los personajes. Ése es Almodóvar, guste o no. Se toma o se deja. La historia acumula elementos melodramáticos, muchos tomados de las páginas de sucesos del periódico. Y se salpica con el humor que tanto agrada a su parroquia.

6/10
Dinotopía. El país de los dinosaurios.

2002 | Dinotopía | Serie TV

El avión de Frank Scott sufre un accidente, y sólo sobreviven sus hijos Karl y David, que se encuentran perdidos en un continente donde no rigen las normas de nuestro mundo: Dinotopía, lugar idílico donde hombre y dinosaurios conviven pacíficamente. Adaptación a la pequeña pantalla de los libros de ilustraciones de James Gurney, el film combina actores reales con efectos especiales y animatronics, dentro de una historia muy trabajada. Dirige Marco Brambilla, reponsable de Demolition Man.

4/10
Las caras de la luna

2002 | Las caras de la luna

Cinco mujeres de países diferentes se reúnen en Ciudad de México. Ejercerán de Jurado en un Festival de Cine Latinoamericano de Mujeres. Durante seis días seguidos compartirán sus experiencias. La directora costarricense establecida en México Guita Schyfter dirige un drama sobre las mujeres hispanoamericanas contemporáneas. Cuenta con un reparto internacional.

5/10
En la ciudad sin límites

2002 | En la ciudad sin límites

Max padece un cáncer terminal. Y su familia –esposa y tres hijos, dos casados, uno con novia– le acompañan durante esos duros momentos en una clínica de París. El extraño comportamiento del enfermo parece corroborar que la cabeza se le va. ¿O no? Sea como fuere Víctor, el hijo pequeño, quiere entender a su padre, lograr un acercamiento que quizá nunca intentó antes. Y le sigue el juego en una búsqueda alrededor de un oscuro secreto del pasado. Una de las películas españolas más inteligentes del presente año, reflexiona sobre las relaciones padre-hijo, inspiradas en la experiencia personal de Antonio Hernández. Según sus desoladas palabras, cuando su padre enfermó, “nos dimos cuenta de que perdía la razón. E hicimos, hice, lo que entonces me pareció normal: le cuidé e ignoré su locura. Tenía miedo de nosotros, se escondía, parecía temer que le hiciéramos daño. Cuando se murió me di cuenta de que, a pesar de nuestra presencia y de nuestro cariño, mi padre se había muerto solo.” La atención durante la enfermedad, y el esfuerzo por comprender al otro, son la columna vertebral de una historia que el director y coguionista plantea en forma de enigma. Alrededor dibuja con trazos fuertes unos personajes y las razones que les mueven. Fernando Fernán Gómez destaca en un reparto pletórico y muy bien seleccionado.

6/10
¿Tú qué harías por amor?

2001 | ¿Tú qué harías por amor?

Milio es un travieso niño de 13 años, que corretea a diario por los descampados del extrarradio de Madrid junto a su amigo Alber, un chico africano. Luis, hermano de Milio, intenta alejarle de las pandillas callejeras, tras la muerte de un adolescente. Adaptación de la novela "El chico que imitaba a Roberto Carlos", de Martín Casariego. El film fue un intento de que la actriz principal, Silke, recuperase el tirón perdido, pero no lo consiguió.

4/10
En el comienzo

2000 | In the Beginning

Recreación de diversos pasajes del Antiguo Testamento, como la historia de Abraham y la de José. También recrea el periplo de Moisés, y los Diez Mandamientos. Destaca el trabajo del veterano Martin Landau, como Abraham, y de Christopher Lee, como el faraón Ramsés I.

4/10
María, madre de Jesús

1999 | Mary, Mother of Jesus

El director londinense Kevin Connor (La tierra olvidada por el tiempo) reconstruye la historia de la Virgen María, a partir de la Anunciación, cuando el arcángel Gabriel le anuncia que dará a luz al hijo de Dios. La cinta sigue los acontecimientos más destacados: el viaje a Belén, el nacimiento de Jesús, la huida a Egipto, etc. El film cuenta con una presupuesto amplio, que permite una eficaz ambientación. Pernilla August borda su papel de Virgen María, mientras que Christian Bale realiza una esforzada interpretación de Jesús.

5/10
Beresina o Los últimos días de Suiza

1999 | Beresina oder Die letzten Tage der Schweiz

Comedia de coproducción europea, con muchos momentos de dudoso gusto, pero con un fondo decididamente humorístico. Dirige el suizo Daniel Schmid (Fuera de temporada) y entre el reparto prácticamente desconocido descolla Geraldine Chaplin. La trama se centra en la joven Irina, una prostituta rusa que está en manos de un abogado sin escrúpulos. Los servicios de Irina serán requeridos por altos politicastros y ella accederá a sus demandas para ser confidente y con la esperanza de lograr la ciudadanía suiza.

4/10
Finisterre

1999 | Finisterre

Los gallegos Berto y Mario son dos hermanos que emprenden un viaje para encontrar a su padre que los abandonó hace años. Como suele ser habitual en este tipo de películas, tan importante es el viaje físico que emprenden los protagonistas como el espiritual que éste supone. Una decisión así conlleva enfrentarse a muchos demonios interiores.

4/10
Caminando con leones (To Walk with Lions)

1999 | To Walk with Lions

Biografía del británico George Adamson, activista comprometido con la conservación de los animales salvajes en Kenia. Adamson escribió el libro que dio lugar a la película Nacida libre. El gran actor británico Richard Harris se esfuerza en su interpretación del carismático protagonista.

4/10
Cousin Bette

1998 | Cousin Bette

La solterona Bette cree que su suerte ha cambiado cuando cree que se va a convertir en la esposa de un adinerado viudo. No es así, sino que se pasa a ser su ama de llaves. Despechada, convierte en blanco de sus ansias de venganza a la familia a la que sirve. Adaptación de una novela de Honoré de Balzac, situada en el siglo XIX, es una historia de personajes amargados entre los que destaca el trabajo de la actriz Jessica Lange.

6/10
La Odisea

1997 | The Odyssey

Coproducción televisiva internacional que narra la aventura clásica de Ulises contada por Homero. Ulises debe ir a luchar a Troya, dejando atrás a su pequeño hijo Telémaco y a su amada esposa Penélope. Tras conquistar Troya, Ulises regresa a Itaca, pero en su camino deberá superar numerosas dificultades. Título de aventuras en toda regla, donde el director ruso Andrei Konchalovsky (Siberiada) trata con fidelidad el texto clásico. Aunque los efectos especiales no son demasiado memorables, el reparto artístico es muy notable.

5/10
Madre Teresa: En el nombre de los pobres

1997 | Mother Teresa: In the Name of God's Poor

Biopic en torno a la impresionante figura de la Madre Teresa de Calcuta, beatificada en 2003 por el Papa Juan Pablo II. El film recoge los hitos principales de la vida de esta religiosa, de vida ejemplar, desde sus inicios hasta la fundación en los años 50 de de las "Misioneras de la Caridad" y su entrega infatigable a los más pobres en la ciudad de Calcuta. El guión es obra, entre otros, del escritor Dominique LaPierre, quien dedicó un libro titulado "Más grandes que el amor" a la labor emprendida por la Madre Teresa y quedó profundamente impresionado por su vida. Protagoniza con mucho esmero y verosimilitud la actriz Geraldine Chaplin (Los ojos de Asia).

6/10
Los viajes de Gulliver (1996)

1996 | Gulliver's Travels

Adaptación para televisión de la clásica novela de Jonathan Swift. Cuenta la historia de Lemuel Gulliver, un inglés que ha sido encerrado en un manicomio, pues existen serias dudas acerca de su salud mental. Y no es de extrañar pues, en efecto, cuenta que le han sucedido tal cantidad de aventuras mágicas, con los más variopintos personajes, que hace falta tener una fe de gigante para creer sus aventuras. El director de esa excelente serie televisiva llamada Retorno a Brideshead, que responde al nombre de Charles Sturridge, ha sido el responsable de esta divertida película fantástica, donde desfilan tipos como los Yahoos, unos extraños humanoides, o los célebre liliputienses. Una esmerada ambientación y efectos especiales, y un reparto de viejas glorias, como Peter O'Toole o Geraldine Chaplin, son garantía del film.

6/10
La hora del crimen

1996 | Crimetime

Thriller violento y rebuscado sobre un programa de televisión llamado como el título del film "La hora del crimen". En él, los espectadores denuncian los delitos. En un programa se enfrentan al brutal asesinato de una mujer, en la que además le han vaciado un ojo. Un actor deberá encarnar al criminal en la reproducción de los hechos. El film no ahorra truculencias varias, pero ni por esas logra ser lo suficientemente atractivo. Su reparto, sin embargo, es bastante solvente.

3/10
Los ojos de Asia

1996 | Os Olhos da Ásia

Coproducción europea que recrea la época de las misiones de los católicos en el lejano oriente. La trama, ambientada en el siglo XVII, se centra en concreto en la historia de un grupo de religiosos de la Compañía de Jesús que van a evangelizar el Japón. Sin embargo, allí serán presa del odio y de la intolerancia religiosa cuando la religión católica quede prohibida por el "shogun", y los jesuitas acabarán sufriendo torturas y martirio. Entre el reparto destaca la presencia de Geraldine Chaplin.

5/10
Jane Eyre (1996)

1996 | Jane Eyre

Película rebosante de dramatismo, basada en la inmortal obra homónima de Charlotte Brontë. Jane Eyre es una chica inglesa, huérfana desde su infancia, cuya vida en casa de su tía y luego en un internado está llena de penalidades y de sufrimiento. Tras los penosos primeros años de su vida, el destino quiere que un día sea elegida para trabajar en la enorme y lujosa mansión de Edward Rochester. Éste es un caballero refinado pero reconcentrado en sí mismo. Con el tiempo Jane comienza a descubrir la verdadera naturaleza de su señor, un hombre en realidad de un gran corazón, pero que vive bajo un pasado que le tortura hasta el presente: un oscuro misterio se oculta en la mansión. No es ésta una historia de amor convencional, sino una obra clásica plena de valores y de integridad. Franco Zeffirelli acertó plenamente en la dirección de William Hurt (El doctor, Perdidos en el espacio), un actor de extraordinarias dotes dramáticas.

5/10
Para recibir el canto de los pájaros

1995 | Para recibir el canto de los pájaros

Un equipo de cine hace los preparativos para rodar una película sobre la conquista de América en Colombia. Pronto surgen cuestiones de tipo ideológico acerca de tales hechos históricos. Film de un país que no produce demasiadas películas, Bolivia, que pese a la pobreza de medios se esfuerza en aportar elementos para el debate acerca de lo que aportó España al Nuevo Mundo.

4/10
A casa por vacaciones

1995 | Home for the Holidays

Día de Acción de Gracias. Como tantos norteamericanos, Claudia (Holly Hunter) se dispone a cumplir con la rutina anual de reunirse con su familia; esta vez, con menos ganas que nunca: a la responsabilidad de educar sola a una hija adolescente, se une la reciente pérdida de su empleo. Tendrá que convivir junto a Henry (Charles Durning) y Adele (Anne Bancroft), unos padres, ya mayores, que la quieren mucho pero que la atosigan demasiado; Tommy (Robert Downey Jr.), el hermano homosexual, bromista empedernido, que viene acompañado de un amigo; y Joanne, la hermana responsable y algo amargada, casada y con dos hijos. La tía Glady, con sus rarezas, termina de dar un aire pintoresco al cuadro familiar. Jodie Foster escoge para su segunda película como directora una historia que dibuja las no siempre fáciles relaciones familiares. Usando el personaje de Claudia como hilo conductor, mezcla los aspectos dramáticos con los propios de la comedia. El propósito: mostrar en tono positivo y esperanzado que nadie es perfecto, que en la vida familiar se presentan discusiones y diferencias, y hasta posibles entrometimientos, que a todos cuesta expresar con claridad los propios sentimientos. Esta última cuestión, la de comunicarse, está muy presente en los filmes de Foster como directora (El pequeño Tate) y como actriz (Nell, El silencio de los corderos...). Ella misma ha reconocido que le atraen «las situaciones donde no hay comunicación, donde ese instinto falla». En cualquier caso, las excentricidades y conductas inmorales de los personajes se salvan —a veces con cierto permisivismo— por el cariño con que la directora los mira. Hay un reconocimiento tácito de que esas dificultades son, al fin y al cabo, la vida misma, y que no hay que darles más importancia de la que tienen; también el tiempo se presenta como medicina capaz de desdibujar los malos tragos para dejar presentes, en cambio, los recuerdos entrañables del pasado. Aunque con un personaje principal, la película tiene un carácter coral, con un reparto envidiable, en el que resulta difícil destacar a alguien por encima del resto. Foster, con bastante acierto, decide permanecer detrás de la cámara, concentrándose en narrar la historia y dejando hacer a los actores dentro de unas pautas bien precisas. Así consigue un relato ágil, bien estructurado y planificado, pero a la vez insuflado de cierto aire de espontaneidad. Sin duda que el espectador se reconocerá a sí mismo y a sus parientes en algunas de las situaciones que presenta el film.

6/10
Words Upon the Window Pane

1994 | Words Upon the Window Pane

Adaptación de la obra teatral de Keats, a la vez aborda la vida de otro escritor, el autor de "Los viajes de Gulliver" Jonathan Swift. La idea es que los espíritus de Swift y sus amigos visitan la mágica Irlanda para contar sus penas en una sesión de espiritismo.

5/10
La edad de la inocencia

1993 | The Age of Innocence

La escritora Edith Wharton llevó a cabo en su novela 'La edad de la inocencia' una notable radiografía de la alta sociedad de la Nueva York de principios de siglo, que ahora se traslada a la pantalla. Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un joven producto de esa sociedad, acaba de comprometerse con May Welland (Winona Ryder). Su vida anodina sufre un vuelco cuando irrumpe en ella la condesa Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), la prima de su prometida y una mujer nada convencional. Ellen se acaba de divorciar, ha vivido muchos años en Europa, y no acaba de encajar en los rígidos convencionalismos que gobiernan la sociedad puritana de Nueva York. Los sentimientos de Newland se hallan divididos. Sinceramente desea ser leal a su futura mujer, de modo que se empeña en adelantar la boda. Sin embargo ve en May a un ser aburrido, incapaz de mantener una conversación interesante, la perfecta dama de una sociedad que está empezando a odiar. Todo lo contrario de lo que representa Ellen, por quien se siente cada vez más atraído. Martin Scorsese –que coescribe el guión con Jay Cocks– fue exquisitamente fiel al espíritu de la novela. Del italoamericano podía haberse esperado otra vuelta de tuerca a sus demonios personales, aprovechando una historia que habla de sentimientos reprimidos. En cambio se pone al servicio de la misma con esmero, convirtiendo una mirada, un silencio, un gesto, unas palabras sin aparente contenido, en momentos harto expresivos de un grupo social a veces hipócrita, defensor a ultranza de unos valores y unas apariencias. El principal reparo que se puede poner al film es un uso abusivo de la voz en off, aunque ésta pertenezca a esa gran actriz llamada Joanne Woodward. Le cuesta a Scorsese plasmar la historia en imágenes que puedan sustituir la magnífica prosa de Edith Wharton. Aunque utiliza alguna buena metáfora visual, como la de los leños del hogar de una chimenea, que con su crepitar aumentan la sensación de ahogo, de verdades no dichas con palabras. Acierto pleno hay en la dirección artística de Dante Ferreti, en la fotografía de Michael Ballhaus, en la música de Elmer Bernstein, que dan el perfecto empaque visual y de ambientación a la historia. En éste Scorsese reconoce la influencia de Wyler (La heredera), Ophüls (Madame de...) y Visconti (El gatopardo). Luego están los actores –Day-Lewis, Pfeiffer, Ryder–, que se han metido de lleno en sus personajes, convirtiendo algunos de los momentos del film en memorables. La última conversación entre Newland y May es sencillamente de quitarse el sombrero.

7/10
Chaplin

1992 | Chaplin

Richard Attenborough (Gandhi, Grita libertad) dirige esta película sobre la vida del más genial cómico que haya dado el Séptimo Arte. El film elabora el retrato del hombre que se oculta tras el personaje. Así, somos testigos de sus comienzos, de la llegada de la fama, del éxito profesional, de sus fracasos matrimoniales... en definitiva, de las luces y sombras, que acompañan a todos los personas que han hecho historia. El reto de interpretar a Chaplin fue asumido por Robert Downey Jr., quien salió airoso del mismo, hasta el punto de que obtuvo una nominación al Oscar por su papel. Le acompañan en el reparto Dan Aykroyd, Kevin Kline, Anthony Hopkins y Milla Jovovich (El quinto Elemento, Juana de Arco). Attenborough imprime al film un correcto tono académico, en el que sobresale una excelente fotografía y una gran banda sonora. Pero en especial hay que destacar la recreación de diversos gags, que constituyen un auténtico homenaje al cine mudo.

6/10
Fuera de temporada

1992 | Zwischensaison

Película deudora del cine de Federico Fellini –por si no estaba claro, entre los actores está una hermana del cineasta–, describe con aire onírico los recuerdos de infancia de quien se crió en un albergue en los Alpes suizos. La historia tiene pliegues y repliegues como una muñeca rusa, y algunos se han atrevido a comparar el film con los caminos más intrincados de Stanley Kubrick.

4/10
Duel of Hearts

1991 | Duel of Hearts

Lady Caroline Faye se enamora perdidamente de Lord Vane Breccon. Pero éste es acusado de un crimen que no ha cometido. Discreta adaptación televisiva de una novela de la exitosa autora de best-sellers Barbara Cartland. La reconstrucción histórica es barata, y el argumento está lleno de giros propios de un folletín decimonónico.

5/10
Buster's Bedroom

1991 | Buster's Bedroom

Una mujer a la que le da por imitar las carreras locas de Buster Keaton en una autopista, es recluida en un manicomio. Allí, tras la muerte del director, los locos tienen a su candidato favorito para gobernar el lugar. Curiosa coproducción de Alemania, Portugal y Canadá, de trama delirantemente surrealista. Amanda Ooms es la mujer obsesionada con Keaton.

4/10
Gentille alouette

1990 | Gentille alouette

Un coronel chileno acude a París para hacerse cargo de una misión de una agencia de espías de un país sudamericano. Allí se relaciona con Angela, una actriz sospechosa de estar conspirando contra él. Geraldine Chaplin se puso a las órdenes del director chileno Sergio M. Castilla, su cuñado, al ser hermano de su marido Patricio Castilla. El argumento mezcla los tópicos del cine de espionaje con la comedia.

4/10
The Children

1990 | The Children

Kim Novak es una mujer de mediana edad que quiere conquistar el corazón de un viudo. La tarea no será fácil pues tendrá que enfrentarse a los hijos de su amado, que no están por la labor de que su padre inicie una relación a su edad. La presencia de Kim Novak y Ben Kingsley en el reparto son los dos principales alicientes de esta película, basada en una novela de Edith Wharton. Para Novak éste fue su penúltima trabajo, luego rodaría Pasiones prohibidas a las órdenes de Mike Figgis.

5/10
El regreso de los mosqueteros

1989 | The Return of the Musketeers

D'Artagnan sigue al servicio de la reina y del nuevo valido, el cardenal Mazarino, mientras que sus antiguos amigos, Los 3 mosqueteros, se han retirado, siguiendo cada uno su camino. Mazarino le encarga a D'Artagnan una nueva misión para la que tendrá que recurrir a sus ex compañeros. El realizador Richard Lester esperó quince años desde sus primeras películas basadas en las novelas de Dumas, para rodar la adaptación de "20 años después", que retomaba a los personajes en su madurez. Repiten todos los actores originales, salvo Faye Dunaway y Charlton Heston, que no quisieron repetir. Lester se aparta más que nunca del tono de aventuras de la obra de Dumas al introducir muchísimos golpes de humor, a veces en la línea de los gags visuales del cine mudo. Destacan las nuevas incorporaciones de Kim Cattrall (Sexo en Nueva York), como la intrigante Justine de Winter, hija de Milady (que en la novela era un varón) y Philippe Noiret, como un exageradamente tacaño cardenal Mazarino. El actor Roy Kinnear, que interpretaba a Planchet, criado de D'Artagnan, falleció durante el rodaje por culpa de un accidente con un caballo.

5/10
Quiero ir a casa

1989 | I Want to Go Home

Joey Wellman, dibujante estadounidense de comics, acepta una invitación para ir a París a una exposición. Espera reunirse con su hija, Elsie, que estudia en la Sorbona. Pero su estancia no será fácil, sobre todo porque su hija se resiste a quedar con él. Uno de los más desconocidos trabajos del francés Alain Resnais, que explora el choque cultural entre su país y Estados Unidos. Obtuvo el galardón al mejor guión, y el premio Pasinetti a la mejor película en el Festival de Venecia.

5/10
Los modernos

1988 | The Moderns

Recreación del mundillo cultural parisino de los años 20 del siglo XX, un mundo habitado por pintores y escritores bohemios entre los que se encontraban, por ejemplo, Ernest Hemingway o Gertrude Stein. El reparto es llamativamente bueno, con protagonismo para Keith Carradine (Los duelistas), y momentos estelares de Linda Fiorentino o Geraldine Chaplin. La trama narra las vicisitudes de un pintor americano llamado Nick Hart, que trabaja ilustrando un periódico de París. Lo que consigue apenas le da para vivir, pero sus dificultades llegan sobre todo cuando descubre a su mujer Rachel con otro hombre. Él la ama aún y quiere recuperarla. Estos hechos coincidirán con una curiosa oferta laboral que le hacen: falsificar tres famosos cuadros. El resultado del film es más que aceptable, con una cuidada recreación de época y una trabajada dirección de actores a cargo de Alan Rudolph (Afterglow).

5/10
Pasiones en Kenia

1987 | White Mischief

En los años 40, una pareja de recién casados de la alta sociedad se instala en Kenia. Pero ella se siente atraída por un cínico conde. El autor de El cartero (y Pablo Neruda) adapta una novela de James Fox (II).

4/10
El amor por tierra

1984 | L'amour par terre

Película muy del estilo de Jacques Rivette (La duquesa de Langeais), un poco parsimoniosa y literaria. La historia se centra en el mundo del teatro, y en concreto en un autor que decide que los actores de su última obra, Charlotte, Emily y Silvano, interpreten también la siguiente. Pero para ello deberán trasladarse a una casa durante una temporada para ensayar los textos, y sólo conocerán el desenlace en la representación final. Entretanto en la casa escuchan extraños sonidos... Film muy estudiado, con encuadres de escuela y sólidas interpretaciones.

6/10
La vida es una novela

1983 | La Vie est un Roman

6/10
The House of Mirth

1981 | The House of Mirth

Elaborado drama costumbrista, producido para la televisión, a partir de una novela exquisita de la norteamericana Edith Wharton llevada al cine varias veces, la más conocida de las cuales lleva por título La casa de la alegría. Como es habitual en sus historias, y como sobre todo pudimos comprobar en la adaptación de Scorsese de La edad de la inocencia, aquí también tienen que ver con el argumento el choque y la tristeza que provoca la escisión entre los sentimientos verdaderos y las convenciones sociales. Ambientada a principios del siglo XX, la historia narra la vida y los sentimientos de Lily Bart, una mujer inteligente que vive asfixiada por las costumbres anquilosadas del Nueva York de su época. Pero sobre todo, sufre por no poder afrontar exteriormente sus verdaderos sentimientos con respecto al hombre que ama. Excelente Geraldine Chaplin.

6/10
Los unos y los otros

1981 | Les uns et les autres

El cineasta galo Claude Lelouch (Un hombre y una mujer) se toma su tiempo –más de tres horas de película, que se dice pronto– para narrar las vidas de cuatro familias (estadounidenses, alemanes, franceses y rusos) desde mediados de los años 30 del siglo XX hasta final de milenio. Las vidas de todos ellos viene marcada por su pasión por la música y a la vez por las terribles consecuencias de la II Guerra Mundial. Lelouch sabe lo que hacer en todo momento, pero exige mucha paciencia al espectador. El reparto, plagado de nombres conocidos, es tan monumental como la propuesta.

6/10
Le voyage en douce

1980 | Le voyage en douce

Lucia y Elena son amigas desde la infancia, se entienden una y otra casi sin hablar. Juntas emprenden un viaje de París al campo, donde hablan a corazón abierto de todo lo que les importan. El cineasta francés Michel Deville, guionista y director, se esfuerza en atrapar el alma femenina, sus anhelos y esperanzas. Ello da pie al duelo actoral entre Dominique Sanda y Geraldine Chaplin, que pasan de lo banal a lo importante con increíble soltura.

5/10
El espejo roto

1980 | The Mirror Crak'd

El inspector Craddock de Scotland Yard decide vigilar de cerca a las estrellas de Hollywood, porque el caso que le ocupa le permite estar cerca de sus ídolos de pantalla. Sus investigaciones parecen no prosperar, por lo que su anciana tía decide echarle una mano. Adaptación de una novela de Agatha Christie, con misterioso caso a resolver de por medio, y un reparto plagado de estrellas. Eso sí, ya algo maduritas.

4/10
Mais où et donc Ornicar

1979 | Mais où et donc Ornicar

Las vidas de tres personas se entrecruzan. Isabelle es una psicóloga que juega a la seducción con el marido al que dejó; Anne, que trabaja en taller mecánico, está hecha polvo por el abandono de su marido; y Michel, técnico forestal, busca desesperadamente al amistad de Vincent. Segundo film de Bertrand Van Effenterre, que volvió a contar con el trabajo de Brigitte Fossey, además de con Geraldine Chaplin.

4/10
La viuda de Montiel

1979 | La viuda de Montiel

Adaptación de un relato de Gabriel García Márquez. Se trata de una mirada a la mujer del título, encarnada por Geraldine Chaplin, que no era consciente de las monstruosidades de las que era culpable su marido, al que tomaba por alguien adorable. Dirige el chileno Miguel Littin, que se exilió a México tras la caída de Allende y la subida al poder de Pinochet.

4/10
Adoption

1979 | L'adoption

La única película dirigida por Marc Grunebaum, ayudante de dirección de cineastas como Roman Polanski y Louis Malle, muerto prematuramente. Se trata de un dramón malsano, sobre una pareja que no puede tener hijos. Cuando su granero se quema, encuentran ahí a un adolescente con un ataque epiléptico. Lo llevarán al médico y lo cuidarán, sin sospechar, oh, ingenuidad, que él fue quien provocó el incendio. Y está decidido a producir más “incendios”, seduciendo a la esposa.

4/10
Mamá cumple 100 años

1979 | Mamá cumple 100 años

Curiosa secuela de aire surrealista de Ana y los lobos, que retoma a muchos de sus personajes. La matriarca de un gran clan familiar va a cumplir años, 100 ni más ni menos, y el acontecimiento se presenta oportuno para celebrar una fiesta. Los preparativos, los invitados y las relaciones entre unos y otros será lo que acompañe a los días previos de la fiesta. Con sus particulares obsesiones, no pueden dejar de salir a la luz los delirios personales, que incluyen la idea de "adelantar" la muerte de la anciana, para acometer una operación urbanística con la vieja finca. La historia mezcla momentos hilarantes con otros más dramáticos donde las rencillas entre familiares protagonizan más de una secuencia. Y entre medias, la anciana madre con sus achaques y con un pie casi en la tumba, procura mantener a la hipócrita familia unida, a pesar de que ésta no lo esté tanto. El aspecto de esperpento del film, con risas a propósito de la idiosincrasia hispana, ayudó sobremanera al éxito comercial en España, y demostró que Carlos Saura estaba capacitado para hacer comedia. Curiosamente, más si se tiene en cuenta el carácter localista, constatable por ejemplo en la chispa de Rafaela Aparicio, la película fue nominada al Oscar al mejor título extranjero.

6/10
Un día de boda

1978 | A Wedding

Una de las más conocidas películas corales de Altman, que incorporó algunas anécdotas que le habían ocurrido durante algunas de las bodas a las que asistió. Se rodó en una lujosa mansión de Illinois con complejos movimientos de cámara con los que aglutinar a tantos personajes moviéndose por la pantalla. Como su propio nombre indica, todo transcurre durante una ceremonia nupcial, primero en la iglesia y luego en el convite, donde suceden un montón de acontecimientos, principalmente centrados en la comedia y en cierta crítica social.  Por supuesto, lo más recordado de la cinta es su numeroso reparto que incluye a Geraldine Chaplin, Carol Burnett, Mia Farrow, Desi Arnaz Jr., Vittorio Gassman y Lillian Gish, entre otros.

5/10
Remember My Name

1978 | Remember My Name

Drama psicológico del "moderno" Alan Rudolph, describe el reencuentro en un bar donde las copas corren, de un tipo infelizmente casado y su primera mujer, recién salida de la cárcel tras pasar allí doce años por asesinato. Aunque agota un poco, el trabajo de Geraldine Chaplin y Anthony Perkins es notable.

5/10
Une page d'amour

1978 | Une page d'amour

François es un joven que trabaja para una compañía de seguros y está comprometido con una muchacha judía. Su ordenado mundo sufre un vuelco cuando se entera que un asesino es declarado no responsable de sus actos y recluido en un psiquiátrico. Algo se revuelve en el interior de François, hasta el punto de romper su relación. Película "de tesis"presentada en el Festival de Berlín, resulta algo críptica, no se entiende lo que bulle en la psique del protagonista.

4/10
The Word

1978 | The Word | Serie TV

Thriller seudoteológico, a propósito del hallazgo de un manuscrito que podría tener la misma categoría que los cuatro evangelios, pues su autoría correspondería al apóstol Santiago. La idea es jugar con la intriga y la crisis de fe del protagonista, pero todo suena a más falso que Judas.

3/10
Short Letter to the Long Goodbye

1978 | Der kurze Brief zum langen Abschied

Un joven austríaco huye de su pequeño y aburrido mundo emprendiendo un viaje del este al oeste de los Estados Unidos. Pretende así redescubrirse, aunque la sombra de su mujer planea sobre él todo el tiempo. Se trata de una adaptación televisiva de la novela del introspectivo Peter Hanke.

4/10
Los ojos vendados

1978 | Los ojos vendados

Durante un acto en contra de la tortura, el testimonio de una mujer argentina conmueve a Luis, que dirige una escuela de teatro. Más tarde, de modo casual, coincide con la mujer, Emilia, que resulta ser la esposa de su dentista. A los deseos de ella a asistir a sus clases se suma un matrimonio desgraciado, lo que conduce a una relación amorosa. La idea de este film le surgió precisamente a Carlos Saura de un acto semejante al que asiste el protagonista de su historia. E imaginó lo que podía dar eso si añadía la reacción de dos jóvenes ultras atentando contra una mujer que expusiera en público las torturas que había padecido: estaba en la memoria de todos en ese tiempo la matanza de cinco abogados laboralistas en Atocha. Jugando con la idea de realidad y representación, ya abordada en su cine, entrega una historia interesante y comprometida, pero que no acaba de satisfacer, quizá por lo artificioso del modo de narrar.

5/10
Roseland

1977 | Roseland

El director de Lo que queda del día reúne en esta cinta tres historias que tienen en lugar en Nueva York, en Roseland, una legendaria sala de baile. Todos los protagonistas tienen en común que buscan a la pareja de baile ideal. Como es habitual, Ivory hace gala de su exquisitez para la puesta en escena. Y aprovecha que cuenta con grandes actores como Teresa Wright y Christopher Walken.

6/10
In memoriam

1977 | In memoriam

Único largometraje cinematográfico del guionista y crítico Enrique Brasó, que cuenta con grandes actores como protagonistas. Narra una destructiva historia de amor a tres bandas.

5/10
Elisa, vida mía

1977 | Elisa, vida mía

Elisa, una joven que sufre una crisis conyugal, acude a visitar a su padre junto a su hermana y la familia de éste, a la casa a las afueras de Segovia donde vive un voluntario retiro. No ha visto a su progenitor desde hace una veintena de años, cuando era niña. Ahora padece una grave enfermedad, y Elisa decide prolongar su estancia para acompañarle. La convivencia ayudará al conocimiento mutuo. Uno de los títulos más importantes de Carlos Saura, cuidado y complejo relato intimista, trufado de referencias literarias, desde el título, que alude a unos versos de Garcilaso de la Vega, a la ocupación del padre de escritor, un personaje en el que algunos han querido ver huellas de Carmen Laforet, y la cita explícita a “El criticón” de Baltasar Gracián. Fernando Rey hace un memorable trabajo, que fue premiado en Cannes, aunque el actor reconocía a la periodista Pilar Urbano que inicialmente no agradó a Saura su modo de enfocar el personaje: “No me gusta nada como trabajas últimamente. Hay en tus parlamentos un aire profesoral. Tienes que partir de cero,”, le dijo. Curiosamente la indignación que mostró Rey fuera de las cámaras ante un suceso del que dieron noticia los periódicos, le sirvió al cineasta para indicarle el tipo de energía que deseaba que insuflara al padre enfermo.

7/10
Noroît

1976 | Noroît

Giulia, marinera dedicada a la piratería, recibe la visita de Morag, que se gana su confianza. Pero ésta ha venido en busca de venganza. Curiosa incursión del realizador francés Jacques Rivette (Vete a saber) en el género de los piratas femeninos. Destaca el trabajo de Geraldine Chaplin, especializada en papeles de mujer frágil, que en esta ocasión interpreta a un personaje vengativo.

5/10
Scrim

1976 | Scrim

María, una joven fotógrafa, se hace amiga de Ann, la esposa de su amante Jim. Éste ha acabado finalmente en prisión. Una de las pocas películas del desconocido Jacob Bill. Estamos ante un film impredecible con toques surrealistas, y correctos actores.

4/10
Bienvenido a Los Angeles

1976 | Welcome to L.A.

Carroll Barber, compositor de rock, vuelve a Los Ángeles, donde una gran estrella, Eric Wood, va a grabar un disco con canciones suyas. Durante su estancia, Carroll busca diversas aventuras amorosas, al tiempo que retoma su relación con Carl, su adinerado padre, del que se había distanciado. El primer gran éxito internacional de Alan Rudolph, que escribió también el guión, inspirándose en el tema musical "City of the One Night Stands", de Richard Baskin.

5/10
Buffalo Bill y los indios

1976 | Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson

Robert Altman (Vidas cruzadas) dirige este western en clave de comedia sobre el legendario Buffalo Bill, al que interpreta Paul Newman. El soldado está pensando muy seriamente en crear su propio espectáculo sobre el Oeste americano. Su proyecto cuenta con el apoyo del también famoso Toro Sentado, que está dispuesto a participar en él, aunque lo que no sabe Buffalo Bill es que el indio tiene sus propios planes, que incluyen al general Custer y al presidente. El director de Kansas City rueda con oficio encomiable y otorga al film el aire ácido y poco mitificador que le caracteriza. Impresionante plantel de actores.

5/10
Nashville

1975 | Nashville

Film coral en en el que Robert Altman sigue los pasos durante cinco días de variopintos personajes que acuden a Nashville donde tiene lugar un espectáculo musical y las campañas electorales. Critica la industria discográfica de la época. Está considerada una de las cumbres del cine estadounidense de los 70. Aunque todos los actores son primeras espadas, destaca el trabajo de Lily Tomlin, habitual en la filmografía del director, como un ama de casa que ignora a su amante fingiendo que no le conoce de nada.

6/10
Cría cuervos

1975 | Cría cuervos

Tras la muerte de su padre, quedan huérfanas las tres hermanas pequeñas Irene, Ana y Maite. Ana, una introvertida y misteriosa niña, no ha podido olvidar a su madre, también muerta años atrás, de modo que la imagina de vez en cuendo acompañándola en la gran casa que ocupa la familia en Madrid. Los únicos referntes adultos son la tía Paulina, ahora encargada de ellas, la criada Rosa y la abuela impedida. Poderoso drama de Carlos Saura que indaga en el mundo infantil, en sus traumas y en el impacto que los problemas de los adultos pueden ocasionar. La imaginación, la obsesión por la muerte y la vida cotidiana son una misma cosa en el personaje de Ana, una niña de un magnetismo especial, maravillosamente interpretada por Ana Torrent, en el que fue su segundo gran papel en el cine tras El espíritu de la colmena. Con merecimiento Cría cuervos, que cuenta con la presencia de la entonces esposa del director Geraldine Chaplin, ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes en 1976.

6/10
Sommerfuglene

1974 | Sommerfuglene

Film extraño, de vitola claramente europea y sello independiente. Un profesor joven es enviado a una pequeña granja solitaria que está en medio de un bosque misterioso. Su misión será enseñar a una joven adolescente a hablar, después de pasar muchos años de silencio. Allí en la casa viven en un padre, una madre y sus dos hijas. La naturaleza envuelve el paisaje y la situación invita al romanticismo. Pero quizá las cosas no sean todo lo que parecen. Protagoniza el film la enigmática Geraldine Chaplin (El espejo roto), especialista en papeles algo estrafalarios.

4/10
¿... Y el prójimo?

1974 | ¿... Y el prójimo?

El actor español Ángel del Pozo (Pampa salvaje) debuta en la dirección con esta película dramática que toca el tema de los transplantes de órganos, y cuya historia está igualmente escrita por él. Cuenta el film con un reparto muy apañado de actores españoles, con especial mención para Fernando Rey, Geraldine Chaplin y el protagonista Antonio Ferrandis, quien con su papel logró el premio al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary.

4/10
Los cuatro mosqueteros

1974 | The Four Musketeers

Los cuatro mosqueteros, Atos (Oliver Reed), Portos (Frank Finlay), Aramis (Richard Chamberlain) y D'Artagnan (Michael York), defienden a la reina y a su dama de honor de las maquinaciones del cardenal Richelieu (Charlton Heston) y la ladina Milady de Winter (Faye Dunaway). Adaptación del clásico de Alejandro Dumas. En realidad es la segunda parte de Los tres mosqueteros, ya que ésta duraba más de 200 minutos y hubo que aligerar el metraje y dividirla en dos partes. Dirigida por un Richard Lester bastante en forma, se trata de una coproducción entre España, Panamá, Reino Unido y Estados Unidos y el resultado es bastante entretenido, aunque en algún momento el pulso narrativo ande falto de ritmo. El reparto es fantástico.

6/10
La banda de Jaider

1973 | Verflucht, dies Amerika

Más que curioso western producido por Elías Querejeta para España y Alemania, con una historia rebuscada y poco verosímil, pero que tiene atractivo gracias a los trabajos protagonistas de Geraldine Chaplin (Ana y los lobos) y William Berger (... Y dejaron de llamarle Camposanto), que en el film tienen nombres míticos del Oeste americano, como Kate Elder y Doc Holliday. Tras muchos años en prisión una banda de malhechores son deportados de Baviera y llegan libres como emigrantes a Estados Unidos. Allí matan a un indio por accidente y dan varios tumbos y realizan trabajos variopintos y humillantes como limpiar letrinas, hasta que consiguen instalarse en una casa abandonada junto a una mujer india que encuentran por el camino. Un día alguien les propondrá perpetrar un robo...

4/10
Los tres mosqueteros (1973)

1973 | The Three Musketeers

Un jovencito D’Artagnan (Michael York) llega a París con idea de convertirse en mosquetero. El clásico de Dumas, en versión de Richard Lester. Aroma de aventuras, con un reparto que no puede ser mejor.

7/10
Edicto siglo XXI - Prohibido tener hijos

1972 | Z.P.G.

Curioso film setentero que hoy suena tan desfasado como las peregrinas ideas de Malthus (1766-1834), el demógrafo inglés que presagiaba el peligro de la superpoblación. El argumento se centra en ese supuesto problema que por 1972 –año de la película– tanto preocupaba. En el siglo XXI los gobiernos deciden que, para evitar la masificación, queda absolutamente prohibido tener hijos en los próximos 30 años. Pero una pareja no seguirá las reglas y concibe un hijo. las consecuencias de tal acto pueden ser catastróficas para sus vidas. Protagoniza una buena pareja de actores, Oliver Reed (Gladiator) y Geraldine Chaplin (Cría cuervos).

4/10
De Oriente a Occidente para matar

1972 | Innocent Bystanders

Un agente de la organización británica K, especializada en espionaje,sufre un desequilibrio emocional debido a las torturas que ha sufrido por un enemigo. Sin embargo, será el elegido para una peligrosa misión, consistente en encontrar a un científico ruso que ha escapado de una cárcel en Siberia. Pero el KGB también va en su busca. Sorprende el más que buen reparto para una película de espías con pocos vuelos, aunque con planteamiento entretenido dentro de los parámetros de las películas que hablaban de las tensiones de la Guerra Fría, a uno y otro lado del Telón de acero. Los parecidos con las películas de James Bond son manifiestos.

4/10
Ana y los lobos

1972 | Ana y los lobos

Alegoría sobre la situación sociopolítica española, posible por las circunstancias del tardofranquismo, en que la censura prefería aflojar su control sobre la cultura antes que permitir un escándalo tanto en el interior como allende las fronteras. El film describe la llegada de una institutriz extranjera a un caserón, donde vive una madre con sus tres hijos adultos. La lectura más común de Ana y los lobos es que se trata de una simbología, donde la madre es la España franquista que ha engendrado tres monstruos que representan los tabúes del sexo, la religión y la política; la recién llegada aportaría la visión del exterior. Producido por Elías Querejeta, este film alegórico de Carlos Saura está impregnado de una apropiada atmósfera opresiva.

6/10
La casa sin fronteras

1972 | La casa sin fronteras

Inquietante film del español Pedro Olea (El maestro de esgrima), que cuenta con un nutrido reparto, con rostros internacionales. El argumento está basado en un relato de José Agustín y narra las vivencias de un joven que entra a trabajar en una rara organización gracias al apoyo de un siniestro anciano. El nuevo empleado deberá investigar el paradero de una mujer, que desapareció en extrañas circunstancias cuando otro empleado fue hallado muerto. Film bastante hermético, atmósfera desasosegante y buen trabajo de Geraldine Chaplin.

4/10
Caídos sobre un árbol

1971 | Sur un arbre perché

Louis de Funès es un empresario sin escrúpulos que emprende un viaje en coche. Por el camino recoge unos autoestopistas y acto seguido tienen un accidente. Caen por un barranco y sobreviven milagrosamente porque el coche cae sobre un árbol. Aún así, no pueden abandonar el vehículo hasta que lleguen los servicios de emergencia. Louis de Funès comparte cartel con su hijo Olivier, en el último trabajo que hizo su vástago como actor.

4/10
Los indomables

1970 | The Hawaiians

A finales del siglo XIX, Whip Hoxworth, un acaudalado terrateniente, se enamora de una de sus sirvientas. Impecable adaptación de una novela de James A. Michener, que anteriormente había dado lugar a Hawaii, con Julie Andrews .

5/10
La madriguera

1968 | La madriguera

Un matrimonio vive una vida completamente anodina en un chalet a las afueras de Madrid, "la madriguera" del título. Ella se dedica a matar el tiempo, pues no trabaja ni tienen hijos. Una inesperada herencia trae al hogar un montón de muebles de la familia de ella, que primero van a parar al sótano, pero que poco a poco van ocupando distintos espacios de la casa, con lo que despiertan ciertos fantasmas del pasado. Críptico film con guión donde intervinieron activamente Rafael Azcona y Geraldine Chaplin, que arroja una mirada corrosiva hacia la vacía burguesía. Según Saura, su idea con la película era criticar, en pleno marco de mayo del 68, la idea de la imaginación por la imaginación, que nunca le convenció: "Quería mostrar lo falaz de esa exaltación sin matices".

5/10
Stress es tres, tres

1968 | Stress es tres, tres

Título fallido de Carlos Saura, en torno a un matrimonio, donde él es especulador inmobiliario, que viajan a Almería con el arquitecto de la empresa. El marido, un tipo celoso, se entrega a un curioso juego facilitando el coqueteo entre su esposa y el tercero en discordia, con una venganza prevista en la recámara. Según parece el film fue rodado de modo muy espontáneo, pero perdía al tener que doblar todos los diálogos, según el productor Elías Querejeta. La solución de reducir todo lo contado a un juego de la imaginación tampoco parece demasiado brillante.

4/10
Tormenta en San Petersburgo

1967 | J'ai tué Raspoutine

En 1909, en Rusia el monje Rasputín llega a la corte imperial para salvar al hijo de la emperatriz Alejandra. Tras lograrlo se convertirá en favorito de la corte y en un inquietante aliado del poder. Pero los timpos son turbulentos, y cuando llega la guerra muchos verán en él a un enemigo y harán planes para asesinarlo. Destaca el papel de Geraldine Chaplin en este film de contenido histórico sobre el famoso monje, que ha pasado a la posteridad como un ser siniestro y manipulador.

4/10
Peppermint Frappé

1967 | Peppermint Frappé

Julián trabaja como radiólogo en Cuenca. Su enfermera Ana le ama en secreto, pero él no se da cuenta. La llegada un amigo de la infancia, Pablo, especulador inmobiliario casado con Elena, una extranjera, despierta la pasión de Julián por ella. Pero como no es correspondio, debe conformarse con su enfermera, a la que trata de moldear a imagen del objeto de sus deseos. Film simbólico y opresivo de Carlos Saura, rápidamente emparentado con el cine de Luis Buñuel, al que se rinde explícito homenaje con la idea de la hermosa joven tocando el tambor en la Semana Santa de Calanda. La película fue seleccionada para competir en Cannes, pero curiosamente fue boicoteada por el propio cineasta, que se unió así a las protestas de mayo del 68. La interpretación de Geraldine Chaplin le mereció un telegrama de su padre Charles Chaplin donde le decía "por fin encarnas un personaje verdadero, humano, que ama y sufre... ¡Bravo!".

6/10
Generación en conflicto

1967 | Stranger in the House

Thriller con ribetes de melodrama que se deriva de una novela del belga George Simenon (1903-1989), uno de los más prolíficos autores de libros policiacos de todos los tiempos, que tuvo una extensa relación con el cine y fue el creador de inolvidables personajes como el inspector Jules Maigret. En esta ocasión se adaptó "Les inconnus dans la maison", que con ese título ya había sido llevada al cine en Francia en una versión de 1941 dirigida por Henri Decoin, y que volvería a ser adaptada en 1992 bajo las órdenes de George Lautner. En ella, un agrio abogado retirado vuelve a ejercer su oficio para defender de un crimen que no ha cometido al novio de su hija. Cuenta con un reparto algo extravagante con James Mason, Geraldine Chaplin y el cantante Bobby Darin.

5/10
Andremo in città

1966 | Andremo in città

Una de las primeras películas en la filmografía de Geraldine Chaplin, que acababa de interpretar el año anterior a la inolvidable Tonya de Doctor Zhivago. Aquí la hija del genial Charles Chaplin protagoniza un film altamente dramático sobre una mujer y su hermano ciego que viven en la Yugoslavia ocupada por los nazis. El padre de ambos parece que ha sucumbido en un campo de concentración, pero al cabo del tiempo aparece de nuevo en sus vidas, lo cual no será del todo bueno. Dirige, con no demasiado atractivo, Nelo Risi, hermano del mucho más célebre y talentoso Dino Risi.

5/10
Secuestro bajo el sol

1965 | Par un beau matin d'été

Producida entre Francia, Italia y España, se trata de una nueva adaptación de la memorable novela 'No Orchids for Miss Blandísh', escrita por el maestro de la novela negra James Hadley Chase (1906-1985). La obra, que incluso fue llevada al teatro en Londres, ya había sido versionada en una película inglesa de 1948 con el título original del libro y dirigida por John L. Clowes. Después volvería a ser trasladada a la pantalla como la obra maestra de Robert Aldrich, La banda de los Grissom (1971) y en The Flesh of the Orchid, de Patrice Chéreau (1975). En esta versión son un grupo de delincuentes quienes raptan a una joven española cuya familia es millonaria. Dirige sin la violencia necesaria pero con un buen clima de tensión, Jacques Deray. Lo más interesante es su variado reparto con Belmondo, Geraldine Chaplin, Gabriele Ferzetti, Analía Gadé y Akim Tamiroff.

5/10
Doctor Zhivago

1965 | Doctor Zhivago

Megahistoria de amor romántico bajo el manto de la revolución soviética. El médico poeta Yuri Zhivago se casa con Tonia, pero conoce a una muchacha llamada Lara Antipova. Ésta se encuentra esclavizada económicamente por un tal Komarovsky, de principios poco éticos. Mientras, la revolución comunista triunfa en Rusia. Pasan los años... Impresionante e inolvidable epopeya de David Lean, parte de ella rodada en Soria. Algunos pasajes son estremecedores, como la llegada de Zhivago medio muerto y el hallazgo de la llave, los lobos en la dacha de Varykino, el impactante final... Reparto estelar en el que sobresale Julie Christie y el inconmensurable Alec Guinness. Guión de altura firmado por Robert Bolt y música para el recuerdo de Maurice Jarre. Grandeza clásica con cinco Oscar.

8/10
La madriguera

1968 | La madriguera

Un matrimonio vive una vida completamente anodina en un chalet a las afueras de Madrid, "la madriguera" del título. Ella se dedica a matar el tiempo, pues no trabaja ni tienen hijos. Una inesperada herencia trae al hogar un montón de muebles de la familia de ella, que primero van a parar al sótano, pero que poco a poco van ocupando distintos espacios de la casa, con lo que despiertan ciertos fantasmas del pasado. Críptico film con guión donde intervinieron activamente Rafael Azcona y Geraldine Chaplin, que arroja una mirada corrosiva hacia la vacía burguesía. Según Saura, su idea con la película era criticar, en pleno marco de mayo del 68, la idea de la imaginación por la imaginación, que nunca le convenció: "Quería mostrar lo falaz de esa exaltación sin matices".

5/10

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