Christopher Walken

El hiperactivo magnate y empresario Tom Brand descuida la vida familiar, su esposa Lara y su hijita Rebecca apenas gozan de su compañía, mientras que el hijo David, que le ayuda en el trabajo, se encuentra eclipasado por su poderosa personalidad. Su deseo de construir el edificio más alto del mundo en Nueva York peligra por otro proyecto que se prepara en Chicago, y tanto le ocupa el tema la cabeza que está a punto de pasar por el alto el cumpleaños de Rebecca y su deseo de tener un gato. In extremis compra al enigmático Grant, que tiene una tienda de mascotas, un felino. Y por un extraño encantamiento, mientras Tom sufre un accidente que le deja en coma, su alma pasa a residir en el minino de su niña, lo que hará ver la vida de un modo diferente. De entrada, se trata de un amable entretenimiento familiar, en la línea de títulos como Big y Ponte en mi lugar. Pero la cosa no acaba de funcionar, una vez planteada la trama todo se torna reiterativo, reduciéndose lo que se ofrece a una serie de trompazos, bromas fáciles del tipo "donde las dan, las toman" a modo de cura de humildad, conspiraciones del malo de turno, y advertencias de Grant acerca de cómo superar la situación. El reparto con Kevin Spacey, Jennifer Garner y Christopher Walken prometía más diversión, y al conjunto le falta un poco más de picardía para encandilar a los adultos, y menos tontunez, a estas alturas meterse con George W. Bush en un gag duplicado parece no venir demasiado a cuento.

El drama deportivo basado en hechos reales se ha convertido en todo un subgénero, que suele dar buenos resultados, aunque arrastra el inconveniente de que en general las tramas suelen ser muy similares: una persona o un equipo se esfuerzan denodadamente por alcanzar la victoria en su disciplina deportiva, con constancia y tesón, tratando de dejar a un lado el ego, y en competición con otros rivales a veces no demasiado buenas personas. El interés adicional muchas veces radica en que el susodicho no parece tener demasiadas opciones para ganar. Pues bien, la historia del británico Eddie el Águila, que participó en los Juegos Olímpicos de Invierno en Calgary en 1988 como saltador de esquí, logra trascender los convencionalismos, usándolos cuando le conviene a su favor, sin que resulten nunca cargantes. Y es que muchos de los elementos citados en el párrafo anterior se encuentran presentes, pero se les da una vuelta, el guión de Simon Kelton y Sean Macaulay ofrece más de un inteligente requiebro. Para empezar, el espectador tiene claro que, en sintonía con el espíritu olímpico y la máxima de Pierre de Coubertin –lo importante no es ganar, sino participar– que lo que le importa a Eddie Edwards es competir en los Juegos Olímpicos. Lo que no tiene nada fácil, pues siendo niño tuvo problemas con las rodillas, no es un atleta natural. Además su familia es de extracción humilde –el padre es escayolista–, y no disponen de medios para darle una preparación adecuada. Pero Eddie tiene a su favor un optimismo a prueba de bombas, que alguno describiría como ingenuidad, y una fuerza de voluntad que no se rinde ante nada, él, simplemente, lo da todo. Así que sorteará mil y un obstáculos, incluida la incredulidad de tantos, y logrará la complicidad de un saltador malogrado, Bronson Peary, que podría hacer las veces de entrenador. Dexter Fletcher parece haber encontrado su camino como director tras Amanece en Edimburgo en títulos que logran que el espectador salga de la sala de cine animado y reconfortado para el quehacer diario. Su film, producido por Matthew Vaughn, tiene por momentos un tono de epopeya, pero sin que suene exagerado, siempre ajustado, porque no estamos ante un personaje que pretenda ser “el rey del mundo”. Y combina bien los aspectos dramáticos con los humorísticos, incluidos los tiernos y emotivos –esa madre que siempre cree en su hijo– y por supuesto los deportivos, cada vez que el protagonista, eficaz y creíble Taron Egerton salta desde el trampolín desde distintas alturas se nos encoge el corazón. La relación de Eddie con Bronson (magnífico Hugh Jackman, tremendamente natural) funciona muy bien, y hay momentos mágicos, que algún torpe director habría convertido en ridículos –las dos escenas que podríamos describir de “encuentros”, de las que mejor no desvelar detalles–, y que aquí resultan memorables.

Adaptación de un popular musical de Broadway, basado en la historia del grupo sesentero The Four Seasons, con guión a cargo de los propios autores del libreto original, Marshall Brickman y Rick Elice. Como es de sobras conocido el amor de Clint Eastwood por la música –ha creado bandas sonoras de sus cintas y le encanta el jazz–, existían fundadas esperanzas de que dirigiera un buen film. Pero Jersey Boys resulta más bien fría y desangelada. Pese a las buenas canciones, el film no parece un musical, sólo el número final remite al género. Lo que cuenta es una historia bastante convencional, de cómo se forma una banda musical en un ambiente gangsteril, con los altibajos y rencillas que propician la fama y el dinero. No está en tal sentido lejos de cintas recientes como Cadillac Records y Dreamgirls, con la diferencia de que la segunda película citada es bastante superior al film de Eastwood. Incluso la autocita de Eastwood a una vieja serie televisiva en la que tuvo importante presencia, se revela como detalle perezoso en un querer y no poder. Es como si estuviéramos ante un sucedáneo de lo que pudo ser y no fue, su proyectado remake no realizado de Ha nacido una estrella. Faltan, sobre todo, las emociones genuinas. Los diálogos de los protagonistas a cámara, en que ofrecen sus impresiones sobre el modo en que discurre su carrera, resultan artificiales y descolocan. Los actores, desconocidos procedentes casi todos del musical original, no resultan memorables, aunque la voz cantarina de John Lloyd Young, que encarna a Frankie Valli, es poderosa. El veterano Christopher Walken compone bien a su gángster, prácticamente sin despeinarse.

Val acaba de salir de la cárcel tras un encierro que ha durado 28 años. Le aguarda su amigo Doc, que ha recibido el desagradable encargo de matarle, un capo gangsteril quiere venganza pues culpa a Val de la muerte de su hijo. Pero la noche es larga, Doc no tiene tan claro lo que debe hacer, y de momento se impone recuperar los días de juerga de antaño, y unir a la “fiesta” a Hirsch, otro colega con los achaques compartidos de la tercera edad. Reunir a tres grandes y veteranos actores con Oscar como Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin no hace, necesariamente, una buena película. Tipos legales podía haber sido una entretenida cinta gangsteril con puntos de comedia negra surrealista a lo Quentin Tarantino, que reivindica la amistad y la ancianidad. Pero querer no es poder y se queda en una cinta pesadita y reiterativa, donde las gracias recurrentes sobre viagra y sexo, con prostitutas comprensivas, cansan. Siempre se puede destacar algún acierto parcial, ciertas ocurrencias como la agradable camarera que sirve a Doc cada día, o la escena del confesonario, pero dominan los lugares comunes, como la venganza de la mujer desnuda. Al final se nota demasiado la bisoñez del director Fisher Stevens y el guionista Noah Haidle, a los que les falta un hervor.

Los integrantes de un cuarteto de cuerda se preparan para celebrar su 25 aniversario con una nueva temporada de conciertos. Pero al mayor del grupo, Peter, viudo desde hace un año, le han diagnosticado la enfermedad de Parkinson, todavía en sus inicios, pero que inevitablemente le llevará a la retirada. Lo que provoca no sólo dudas sobre el futuro y la continuidad del grupo –la interpretación del difícil Opus 131 de Beethoven será en principio la última actuación de Peter–, sino replanteamientos en el modo en que cada uno está enfocando su vida. Robert y Guliette están casados, pero él arrastra cierto complejo por ser segundo violín frente al cerebral primer violín Daniel, y el matrimonio ha dejado que se enfríe un tanto su amor. Por otro lado Alexandra, jovencita hija de Robert y Guliette, quiere romper la “coraza” de Daniel, en el fondo porque siente cierta atracción que adivina mutua. Debut en el largometraje de ficción del documentalista Yaron Zilberman, donde el delicado equilibrio que lleva a la armonía en un cuarteto se convierte en metáfora del idéntico equilibrio que hay que lograr en la existencia cotidiana, en las distintas relaciones humanas, marido-mujer, padres-hijos, profesor-alumno, enamorado-enamorada, amigo-amigo. Se nota que el director y coguionista de El último concierto es un apasionado de la música, y logra transmitir la vibración por la ejecución de los cuartetos, y concretamente de la elegida Opus 191 de Beethoven, composición triste de 7 movimientos que debe interpretarse en stacatta y sin pausas, y que se dice fue lo que pidió escuchar Schubert en el lecho de muerte. El acierto de Zilberman es entregar una historia de interés humano, con personajes creíbles en los problemas que deben afrontar –la enfermedad, la soledad, el cansancio, el egocentrismo...– y sus soluciones –el amor, el perdón, la magnanimidad...­–, interpretados por un atinadísimo reparto, sobre todo con los veteranos Christopher Walken, Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener y Mark Ivanir, aunque la joven Imogen Poots también aguanta el tipo. De todos modos se nota la bisoñez del director en algún pasaje un poco pasado de rosca en la interpretación actoral, concretamente el del enfrentamiento de madre e hija en el apartamento de la segunda, con unos reproches desequilibrados frente al tono del resto de la película.

Martin McDonagh ya era un dramaturgo prestigioso cuando despuntó en 2008 con Escondidos en Brujas, singular y notable debut. Pero posteriormente el británico ha pasado cuatro años sin dar un golpe de claqueta, tiempo en el que únicamente ha aparecido en los títulos de crédito de un largometraje, como productor ejecutivo. Fue en El irlandés, otra meritoria ópera prima, firmada por su hermano, John Michael McDonagh. McDonagh vuelve a contar con Colin Farrell, que en esta ocasión interpreta a Marty, que intenta escribir un guión cinematográfico titulado Siete psicópatas. Le echa una mano su mejor amigo, Billy, un actor desempleado que junto con un cómplice, Hans, ha 'secuestrado' al perro de Charlie, un psicótico gángster. Los sucesos subsiguientes servirán de gran inspiración para que Marty describa a los asesinos de su obra, pero su vida correrá serio peligro... La única pequeña pega de Siete psicópatas es que ya no coge al espectador por sorpresa, pues el cineasta mantiene el tono, a medio camino entre el thriller y la comedia negra. El elemento un poco novedoso sería su carácter metacinematográfico, ya que el protagonista, Marty –que no por casualidad comparte el nombre de pila con el director– va componiendo el guión conforme transcurre el metraje, hasta que se mezclan realidad y ficción. Siguiendo el modelo del cine de Quentin Tarantino y Guy Ritchie –a ratos también recuerda a los hermanos Coen–, Siete psicópatas es un film de elaborados diálogos, y tiene un carácter muy coral. McDonagh aprovecha que ha contado con un reparto excepcional, en el que el citado Farrell está acompañado por un Sam Rockwell al que le viene al pelo un papel de desquiciado, el intachable Christopher Walken y un correcto Woody Harrelson. No desentonan en Siete psicópatas Olga Kurylenko, Harry Dean Stanton, Gabourey Sidibe –la protagonista de Precious– y el veteranísimo Tom Waits, algunos en apariciones muy breves. La secuencia inicial homenajea a la serie Boardwalk Empire, con dos de sus protagonistas, Michael Pitt y Michael Stuhlbarg, como asesinos conversando sobre trivialidades.

La ascensión y caída de Danny Greene, un gángster sin miedo a nada que se metió en medio de la Mafia en el Cleveland de los años 70 y abonó el camino para una cruenta guerra que asoló la ciudad con bombas y tiroteos. Cuando los numerosos intentos de asesinar a Greene fracasan y la leyenda de su invencibilidad aumenta, también crece su poder y sus matanzas callejeras. ¿Quién detendrá al gángster a prueba de balas?  Historia inspirada en hechos reales, basada en el libro de Rick Porrello. El reparto espectacular engrandece este film realista sobre el mundo de la mafia, con una puesta en escena de la época muy verosímil, pegada al terreno, y donde el director Jonathan Hensleigh (El castigador) no se corta lo más mínimo en las escenas violentas. Destaca el protagonismo de Ray Stevenson (Roma).

Al salir de la cárcel, tras cumplir condena por uno de los delitos de su padre, un chico se va de viaje de mala gana con éste, un estafador si escrúpulos. El británico Nigel Cole (Las chicas del calendario) dirige esta comedia dramática con reparto de lujo.

El gobierno de Estados Unidos requiere los servicios de un antiguo campeón de ping pong para que participe en un torneo que se celebrará en China. La idea es que no sólo haga deporte, pues se teme que el torneo es la tapadera de una red criminal. La vuelta de un veterano a la élite deportiva provoca todo tipo de situaciones cómicas, a las que se añade el hecho de que también debe actuar como espía. Aún así, la película podía haber dado más de sí: el punto de partida es original, pero el espectador tendrá la sensación de que debería reír con unas ganas que echa en falta.

En 1988, el casi siempre impresentable John Waters rodó una película titulada Hairspray (o sea, 'laca'), que consiguió hacer bastantes adeptos, acerca de una adolescente de Baltimore de los años 60, que sueña con acudir al Corny Collins Show, un programa de baile de la televisión local. La historia de Tracy Tumblad, que superaba las dificultades de su figura rechonchita para triunfar meneando el esqueleto, se trenzaba con una lucha más importante, la de la integración racial. Una historia así, simple y de buenas intenciones, era carne de cañón de musical de Broadway, y en efecto, en 2002, llegó la versión escénica, con música y libreto de Marc Shaiman y Scott Wittman. Han bastado 5 años para que ahora tengamos la correspondiente película, donde John Travolta da el salto de la brillantina (Grease) a la laca, con el papel de la madre de Tracy. ¿Es ésta una gran película? La respuesta es 'no'. Evidentemente las canciones son agradables, muy sesenteras, y la cosa se deja ver. Pero Adam Shankman (Se montó la gorda, Un canguro superduro, Doce fuera de casa) es un director discretito, incapaz de trascender la escasa estructura dramática para ofrecer algo memorable. Así, nos entrega un "pastelito" de buenos y malos, donde da un poco de pena ver a Michelle Pfeiffer en plan seductora "madrastra" ejecutiva de una cadena televisiva; la causa racial queda como excusa para decir 'qué fetenes somos' –resulta difícil imaginar a un Spike Lee, pongamos por caso, filmando en esta dirección– y las puyas al puritanismo –la "beatorra" encarnada por Allison Janney, la CJ de El ala oeste de la Casa Blanca– resultan impropias de un musical de estas características. Quizá lo mejor es el descubrimiento de la jovencita Nikki Blonsky, una encantadora protagonista; y sin duda tiene mérito Travolta convertido en oronda mujer y esforzándose por bailar con ritmo, aunque alguien debería explicarnos alguna vez por qué tanto empeño en complicadas tareas de maquillaje, cuando seguro que hay ahí afuera alguna señora gruesa encantadísima de hacer el papel de madre de Tracy.

El genial cineasta estadounidense Orson Welles y el artesano británico Oliver Parker tienen una cosa en común: ambos han llevado al cine Otelo, la celebérrima obra teatral de William Shakespeare. Welles rodó una obra maestra y Parker una apreciable versión. Ahora, Parker ha convertido a Welles en protagonista de esta cinta de ficción, su primera película como director no basada en una obra de teatro, como el film citado, Un marido ideal y La importancia de llamarse Ernesto (2002). Sigue los pasos de Welles, cuando en 1948 llega a Roma para protagonizar Cagliostro. El cineasta intenta superar la dramática separación de su esposa, Rita Hayworth, al tiempo que tiene problemas para financiar su versión de Otelo, proyecto poco atractivo para los estudios. Durante el rodaje, un secundario muere en brazos de Welles. La policía piensa que ha sido un suicidio, pero él investiga en el asunto y descubre indicios de que ha sido un asesinato, relacionado con una oscura trama de corrupción. Parker integra de forma coherente los elementos ficticios con los sucesos reales. Las referencias a Welles harán las delicias de los cinéfilos. Además, el nivel interpretativo es alto, incluso en el caso de la española Paz Vega y el mexicano Diego Luna, contratados no se sabe por qué, para encarnar a italianos. De todas formas, es un thriller demasiado ligero, salvo por alguna deliberación puntual sobre el sacrificio, y su visión de la política italiana es superficial, pues ofrece una visión idílica del partido comunista y prácticamente demoniza a los demócratacristianos.

Sátira política escrita y dirigida por Barry Levinson, a la que falta el mordiente que el cineasta supo imprimir a Cortina de humo, tal vez por carecer de un guionista como David Mamet, y por confiar en las bromas de Robin Williams, como ya hizo previamente en Good Morning Vietnam y Toys. El film describe cómo el cómico televisivo Tom Dobbs, que en su show semanal ironiza sobre los políticos con gran éxito de público, toma la peculiar decisión de presentarse a las elecciones presidenciales estadounidenses como independiente. Sabe, o eso cree, que no tiene ninguna posibilidad, pero imagina que su presencia y comentarios podrían contribuir a la regeneración de la vida política. Contra todo pronóstico, ganará las elecciones. Pero en realidad todo se debe a un fallo informático en un nuevo sistema de votación y recuento de votos, supuestamente perfecto. Aunque las intenciones sean buenas –poner en la picota a una clase política sólo preocupada por la imagen y por complacer a los "lobbies" que les apoyan–, lo cierto es que el film de Levinson es irregular. No acaba de funcionar la mezcla de comedia con thriller, drama e incluso romance. Se diría que el cineasta tiene muchas ideas que exponer: el poder en la sombra de las grandes corporaciones; la trivialización de la política, hasta el punto de dar por bueno un resultado erróneo, tal vez porque se supone que el presidente no pinta nada frente a los grandes empresarios; el peligro de confiar nuestra vida a las máquinas... Además parte del "mensaje" queda aguado cuando al fin Levinson, sin demasiado recato, nos dice que un presidente demócrata es lo mejor que puede pasarle al mundo y a los Estados Unidos.

Michael es un arquitecto de gran proyección, que apenas consigue compaginar el trabajo con sus responsabilidades familiares. Un día acude a comprar un mando a distancia universal, y acaba adquiriendo un sofisticado aparato que le permite manejar su propia vida a su antojo: saltando capítulos, deteniéndola, avanzando rápido o rebobinando. El director Frank Coraci y el actor Adam Sandler empezaron con buen pie, colaborando juntos en la inteligente comedia El chico ideal. Pero después han ido bajando el nivel, con la fallida El aguador, y esta nueva comedia. El prometedor arranque va desembocando poco a poco en un desarrollo previsible –Capra lo bordó hace ya más de sesenta años– y, al margen de algunas divertidas excepciones, el film se diluye por culpa de una sucesión de chistes soeces o simplemente “tontarros”, que no llegan a funcionar. Lástima también que se desaproveche el trabajo de Kate Beckinsale, aquí convertida en simple comparsa. Sandler, eso sí, mantiene intactas sus dotes de comediante. Aunque nunca pierde el tono de comedia, a mitad del metraje se añaden elementos con cierta carga dramática, que resaltan la importancia de la familia, a veces relegada a un segundo plano frente a otras cosas que no son tan importantes como parecen. Entre los secundarios destaca la presencia de David Hasselhoff, legendario protagonista de Los vigilantes de la playa, que se ríe de sí mismo y de su imagen de chulito.

Aturullado film de acción, con planos brevísimos, cámara con Parkinson y alto nivel de ruido. Prueba de que la carrera de Tony Scott (Marea roja, Spy Game) sigue en peligroso declive. Se cuenta el caso real de Domino Harvey, quien, deseosa de llevar una vida ‘entretenida’, se unió a un equipo de cazarrecompensas que detenía a delincuentes por razones pecuniarias.

John y Jeremy son dos amigos del alma, especialistas en mediar en casos de divorcio, que tienen un curioso pasatiempo favorito: acudir a bodas a las que nadie les ha invitado, y convertirse en el centro de atención por su agradable conversación y habilidades varias, lo que suele terminar en cita en la alcoba con alguna de las participantes en la celebración. Pero en una de estas ‘juerguecillas’ uno se encapricha más de la cuenta de una dama. ¿Será amor después de todo? Comedia con su punto de gracia, buena pareja cómica Owen Wilson-Vince Vaughn y un asumido tono zafio, aunque envuelto de moraleja acerca de la inmadurez, el clásico complejo de Peter Pan que ya es hora de que los protagonistas superen.

Un herrero que construye puentes, casado con la hacendosa Kitty, mantiene una relación con Tula, una mujer más joven. Comedia musical de John Turturro (Illuminata), chillona y extravagante, donde el director se sale de la norma y muestra a unos personajes casi caricaturescos. Protagonizan James Gandolfini (Los Soprano), Susan Sarandon (El aceite de la vida) y Kate Winslet (Sentido y sensibilidad), entre otros.

Jason se queda al cuidado de su hijo, Zach, de cuatro años, cuando su esposa decide irse a Nepal para dedicarse a la pintura. Junto con su padre y su abuelo, emprende un viaje para descubrir un secreto del pasado de la familia. Road movie escrita y dirigida por Jordan Roberts, que se inspiró en su propia experiencia con su padre, al que apenas conoció. Aunque es un film muy menor cuenta con logradas interpretaciones de Michael Caine y Christopher Walken, dos 'monstruos' de la pantalla.

Tim y Nick son amigos y vecinos, sus mujeres son amigas, se lo pasan en grande juntos… Nick tiene una pequeña manía: siempre se le ocurren inventos e ideas disparatadas que, dice, introducidos con el necesario marketing, podrían hacerle de oro. Una de sus últimas ocurrencias es un spray que, aplicado a las cacas de perro, las volatiliza al instante. Tim piensa que es una más de las estupideces que se le suelen ocurrir a su amigo, y rehúsa convertirse en socio para explitar el invento. Craso error, pues contra pronóstico, el spray de Nick es un éxito en todo el mundo. De la noche a la mañana Nick se convierte en multimillonario, mientras que Tim sigue el siendo el mismo tipo mediocre de siempre. Pronto surge la envidia, alimentada por J-Man, un tipo estrafalario con el que Tim se topa casualmente. Una comedia a descubrir, que pasó sin pena ni gloria por las taquillas, injustamente a nuestro entender. Con dos expertos en comedia, Ben Stiller y Jack Black, secundados por un Christopher Walken en una vena inesperadamente graciosa, y por las esposas suspicaces Rachel Weisz y Amy Poh Poehler, el film sabe explotar los comportamientos ridículos a que puede conducir el sexto pecado capital. El guionista, Steve Adams, admite que “esta historia empieza en mi propia envidia por el éxito de otras personas. Me pareció que era un tema universal.”

John Creasy es un ex agente de la CIA cuyo pasado está sembrado de muerte y destrucción. Matar ha sido su vida, pero ya ha llegado al límite. Su mejor amigo y antiguo colega, conocedor del lamentable estado de Creasy, le consigue un trabajo de guardaespaldas en México D.F., un lugar que los últimos meses está sufriendo una vertiginosa ola de secuestros. Creasy es contratado para cuidar de Pita Ramos, una niña muy despierta y locuaz. Poco a poco, Creasy le cogerá cariño a la pequeña. La película tiene una primera parte sosegada, donde nos hacemos cargo de la situación de un hombre que ha perdido el sentido de su vida y de cómo la inocencia de una niña comienza a influir positivamente en su corazón. Pero es apenas un momento de calma antes de la tormenta, porque el consumado guionista Brian Helgeland (L.A. Confidential, Mystic River) se limita más tarde a servir una truculenta historia de venganza sin apenas recovecos. Y es que, si al comienzo son apreciables ciertas ideas sobre la descomposición moral de un hombre, a la postre todo queda al servicio de una película extremadamente violenta, donde una insana sed de sangre se convierte en el único móvil. El virtuosismo técnico de Tony Scott, uno de los mayores especialistas en películas de acción, está fuera de toda duda. Aquí le saca todo el partido posible a su cámara y a su modo de rodar visualmente impactante y realista, tremendamente atractivo, con un uso también intenso de los recursos técnicos –ralentización, colores, angulaciones, transiciones trepidantes– de los que ya hizo gala en Spy Game (2001), su anterior película. Que Denzel Washington es capaz de hacer maravillas con sus personajes ya lo sabemos, por eso hay que destacar sobre todo a la pequeña actriz Dakota Fanning, que con sólo diez añitos compone su personaje con perfección inaudita.

Joanna y Walter son un matrimonio en crisis. Ella era una profesional triunfadora, pero de pronto la han despedido y el mundo se le ha caído encima. Para superar sus diferencias, ambos acuerdan mudarse a la idílica ciudad de Stepford, a una zona residencial luminosa, de grandes mansiones, donde los hombres son muy felices, y las mujeres siempre están guapas y bien maquilladas, lucen perpetuas sonrisas, y tienen la casa a punto en todo momento. Y a pesar de tanta aparente dicha, Joanna y otros recién llegados están con la mosca detrás de la oreja: porque ese ‘mundo feliz’ parece un poquito de plástico, se diría que hay gato encerrado. Adaptación de la inquietante novela de Ira Levin, ya llevada al cine en 1975 por Bryan Forbes, pero a la que en esta ocasión se le da un inesperado toque de comedia y crítica social. De modo que la ciencia ficción lindante con el terror prácticamente desaparecen, y el film queda en una serie de gags, algunos graciosos, en que se pretende señalar que la mujer debe evitar caer en dos posibles extremos: la dedicación hiperactiva al trabajo, que lleva a descuidar el hogar, o la entrega exclusiva a las tareas domésticas, sobre todo si el marido es incapaz de valorarla. Destaca el reparto estelar, encabezado por Nicole Kidman.

Dos amigos de la infancia, jóvenes y algo patanes. Uno es hijastro de un gángster, y está un poco dolido de que ‘papá’ nunca le encarga nada. Tanto insiste el chico, que le dan un trabajillo que parece fácil: entregar un dinero a un tipo nada recomendable en Australia. Por avatares del destino, ese dinero va a parar a una sudadera que se ha puesto un simpático canguro. De modo que deben hacer lo posible para recuperar la pasta con ayuda de una guapa experta en bichos, mientras un matón de su padrastro con malas pulgas viene al ¿rescate? Comedia simpatiquilla, que nos permite ver el desierto australiano y sus simpáticos canguros. Los “protas” no son muy conocidos, pero como secundarios resultan familiares Christopher Walken, como gángster supervillano, y Estella Warren, la caperucita de Chanel 5, que quizá no sea una superactriz, aunque nadie negará que es mona (y no sólo por haber intervenido en El planeta de los simios, versión Tim Burton).

Un matoncillo (Ben Affleck) debe secuestrar al hermano, retrasado mental, de un fiscal antimafia. Le echará una mano en el “trabajillo” una experimentada y dura gángster lesbiana (Jennifer López). Acabarán enamorándose. Pocas películas han sido tan vapuleadas como la que nos ocupa. Y eso que el film tiene detrás a un director competente, Martin Brest (Esencia de mujer, Huida a medianoche), y a dos actores con gancho, Affleck y López, que encima, en el momento del estreno, salían juntos. Hay que verla, para juzgarla.

Un capo mafioso encarga a Beck, su gorila de confianza, que vaya a la caza de su hijo Travis, el cual se ha pirado a la selva del Amazonas para buscar un objeto de mucho valor. Pero cuando Beck llega allí y encuentra a Travis, ambos se las tendrán que ver con el jefe de un tinglado que huele mal, pero que muy mal. Para colmo, entre los dos se colará Mariana, una bella nativa que encandila a ambos, pero que guarda más de un secreto. Tras el superéxito de El rey Escorpión, The Rock vuelve a las andadas con esta entretenida película que explota al máximo su físico y su cara de tótem, aparte por supuesto del clásico móvil de los tesoros perdidos en medio de la jungla. Los paisajes son espléndidos, aunque lo mejor son sin duda las coreografías de las escenas de lucha (hay una con un enano saltarín que quita el hipo) y el ajustado tono de comedia con que el director Peter Berg ha logrado impregnar todo el film. De todas maneras, hay de todo, como tiene que ser en este título de puro entretenimiento: peleas a mansalva, caminatas sudorosas, chistes graciosos, romance con rivalidad y hasta un punto de intriga. Destaca el trabajo del joven Seann William Scott, quien tras su participación en El monje cada vez se siente más cómodo haciendo de graciosillo en busca de acción. Mención especial también a los caretos del malvado de turno, encarnado por un inconmensurable Christopher Walken.

Boris y Betty son dos seres timidillos, que se amaban secretamente en la adolescencia, pero que nunca reconocieron su amor mutuo. Veinte años después Betty vive un matrimonio infeliz, con un vividor que le engaña sin apenas disimulos. Mientras, Boris regenta una funeraria, el negocio familiar. La muerte de la suegra de Betty, una viaja bruja, propicia el reencuentro de los dos enamorados. Y se reaviva la vieja llama. Hasta el punto de que traman un plan: simularán la muerte de Betty, con velatorio incluido, para luego huir juntos y ser felices. Pero el macabro plan no es tan sencillo. Agradable comedia británica (aunque con reparto internacional), que sigue la estela de los viejos filmes de los estudios Ealing: humor elegante y nada estruendoso, y buenos actores constituyen la eficaz fórmula del film. Destaca Brenda Blethyn, una actriz que logró despuntar gracias a su papel de sufrida madre y esposa en Secretos y mentiras, de Mike Leigh.

A los diez años, el osito Barry descubre que sus padres humanos no son sus padres biológicos como él creía, sino que es adoptado. Ante la conmoción, decide abandonar su hogar y reunir a su grupo musical favorito, los Osos a todo ritmo, muy populares años atrás, pero cuyos miembros andan dispersos por toda la geografía nacional. Película de imagen real de Disney basada en una popular atracción de Disneylandia, con muñecos que interpretan temas musicales. El argumento parodia Granujas a todo ritmo

Johnny y Joe. El superjugador de billar y su mentor, que maneja un increíble tinglado de apuestas. Un mundo turbio, del que Johnny desea escapar para ser feliz con su chica. Pero las cosas no son tan sencillas. Que el mundo del billar puede dar buenos resultados en pantalla fue demostrado por dos títulos emblemáticos, El buscavidas y El color del dinero, ambos protagonizados por Paul Newman. En esta ocasión el intento es de Mars Callahan, que cuenta con un reparto bastante apañado.

Steven Spielberg cineasta lo ha probado prácticamente todo. Dotado de indudable talento y dueño por méritos propios de una posición privilegiada en el paisaje hollywoodiense, puede hacer lo que se le antoje. Así se explica su decisión de dirigir esta comedia ligera de ladrón sofisticado y con encanto, que no se parece a nada de lo que había hecho antes, y que en principio estaba destinada a ser realizada por el artesano Gore Verbinski. El film parte de hechos reales, recogidos en las memorias de Frank Abagnale Jr. Este singular personaje, reconvertido con los años en agente de la oficina americana de lucha contra el fraude, llegó a figurar entre los más buscados por el FBI por sus estafas monetarias cuando era un adolescente. El hecho de que sus delitos no supusieran daño físico para las personas, unido al ingenio con que los perpetró, facilita la labor del guionista Stephen Nathanson, que alimenta una corriente de simpatía hacia Frank, aunque sin buscar disminuir la gravedad de sus acciones. Más bien presenta los elementos que pudieron empujarle por el mal camino. Entre ellos ocupa lugar principal la decepción del divorcio de sus padres, a los que tenía idealizados. El intento frustrado de una fuga imposible de Frank, ya detenido, anticipa las dificultades de su captura nada más empezar la película. Sigue entonces, en flash-back, la narración de los años locos de Frank, desde su adolescencia truncada. Y abundan las escenas de comedia, en que despliega su talento para el fingimiento; pero vemos también el atractivo que el dinero y el sexo ejercen en él, una frívola vida de playboy que, piensa, es necesaria para cumplir el proyecto de reunir a sus padres. Y cuando advierte que ellos no son lo que él quisiera, busca sin saberlo figuras paternas sustitutivas: sobre todo, su tenaz perseguidor, con quien vive un juego del ratón y el gato, y que a veces es la única persona con quien puede sincerarse. Leonardo DiCaprio resulta perfecto como el eterno adolescente, mientras Tom Hanks carga con aplomo sobre sus hombros un papel incómodo, de tipo reservado y refugiado en su trabajo.

En vísperas de la Revolución Francesa, tuvo lugar en la corte de Luis XVI el histórico suceso conocido como “l’affaire du collier”. Todo gira alrededor de un precioso collar de 647 diamantes, una pieza de ensueño que Luis XV pensaba regalar a su amante. El rey murió, y los joyeros se quedaron con un palmo de narices. ¿Qué hacer con el encarguito que ha costado una pasta gansa? Entonces entra en escena la condesa Jeanne de la Motte-Valois que, despojada injustamente de sus privilegios nobles, dedica toda su vida a tramar una venganza contra todo y contra todos: y hace creer al ambicioso y libertino cardenal Rohan que Maria Antonieta desea la joya, enredando en sus manejos a un montón de personajes influyentes, hasta configurar un escándalo de proporciones mayúsculas. Hillary Swank, oscarizada por Boys Don't Cry, quizá no tiene el mejor físico posible para un film de época. Pero la intriga que nos cuenta Charles Shyer –que cambia la comedia de El padre de la novia por los misterios palaciegos– es lo suficientemente curiosa para tenernos con la mosca detrás de la oreja durante casi todo el metraje.

Gwen (Catherine Zeta-Jones) es una superestrella de Hollywood, guapa y caprichosa, que cuenta con la eficaz ayuda de su hermana Kiki (Julia Roberts). Divorciada del también actor Eddie (John Cusack), con el que ha hecho filmes de enorme éxito en taquilla, se encuentra en plena promoción de su última película conjunta. Pero para nada desea volver a encontrarse con su esposo. Lo malo es que el excéntrico director de la película, que tiene en su poder la única copia de la misma, desea mostrarla directamente a la prensa, sin la aprobación del jefe del estudio. El veterano jefe de prensa Lee (Billy Crystal) debe lidiar con tan delicada situación: reunir a los dos actores, y distraer a los periodistas mientras consigue al fin la película. Para volver a la dirección tras más de diez años de ausencia, Joe Roth ha escogido una comedia al estilo clásico ­–el director cita como referencias las películas de Frank Capra y Preston Sturges–, ambientada en el mundo del cine. Definida como “un cuento de hadas”, en el guión ha intervenido el mismísimo Billy Crystal. No se trata de la primera vez que Roberts hace una película de “cine dentro del cine”, pues en Notting Hill daba vida a una actriz de la gran pantalla; pero en este caso, le toca hacer de patito feo, auténtica Cenicienta que a pesar de su atractiva personalidad, se encuentra a la sombra de su dominante hermana, Zeta-Jones, ella sí estrella cinematográfica.

Joe el Guarro es un tipo cuyo pelo parece una fregona. Cuando era pequeño, sus padres le abandonaron mientras jugaba en un cubo de basura. Ahora, adulto, desea econtrar a sus padres a toda costa. En su búsqueda se va a convertir en motivo de burla de un popular locutor de radio. Esta comedia disparatada a más no poder tiene como productor a un especialista en comedia: Adam Sandler.

Que el bien y el mal luchen perpetuamente es cosa sabida. Pero en esta película ambos conceptos llevan el nombre de ángeles y demonios. Pyrel es un brutal ángel decidido a acabar con la humanidad. El único capaz de luchar contra él y de desbaratar sus planes es Danyael, hijo de un ángel y una mujer. Sin embargo, Danyael desconoce sus poderes contra el mal. Será Gabriel, un ángel caído, el que le haga descubrir su destino. Tercera entrega de la serie, tiene el don de enganchar desde el comienzo, gracias a un actor de la talla de Christopher Walken. Junto a momentos de gran intensidad, hay que notar que el guión a veces hace aguas. Para incondicionales del terror.

A lo largo de su filmografía, Tim Burton ha plasmado en la pantalla personajes increíbles... Pee Wee, Eduardo Manostijeras, Jocker, Catwoman, Pingüino, Bitelchús, Ed Wood, Jack Skellington... son algunos de ellos. Una galería de tipos estrafalarios, marginales, que configuran su muy particular mundo fantástico. Sleepy Hollow cuenta también con un personaje, el del jinete sin cabeza, que encaja a la perfección en el universo burtoniano. Burton presenta poco a poco los elementos con que arranca la inquietante e intrigante película. Ichabod Crane es un investigador policial, que ha de resolver los crímenes que acontecen en Sleepy Hollow. Las fuerzas vivas de la villa no ayudan mucho en sus primeras indagaciones. Son pasajes tranquilos, hasta que se desata la tempestad. Uno de los conflictos más interesantes del film es el que se plantea el investigador Ichabod, entre el racionalismo a ultranza al que se apuntó tras un trauma infantil, y la fe necesaria para encarar el caso que le ocupa. El guión de Andrew Kevin Walker, quien trató este mismo tema en su libreto de Seven, sabe preparar la cuestión, sin sacar desde el principio los ases que guarda en su manga. Mención aparte merece el trepidante final de la historia, que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería. Johnny Depp –que ya había trabajado con Burton en Eduardo Manostijeras y Ed Wood– da muestras otra vez de su buen hacer interpretativo, al dotar a su personaje de variados matices. Lo exagera cuando es necesario –véanse las autopsias con instrumentos de su invención–, muestra su determinación y, al tiempo, su fragilidad; su carácter frío en apariencia, y su ternura; su apego a la razón y su creciente espíritu romántico. Todo el reparto resulta muy ajustado pero Depp es, sin duda, la estrella.

Años 60: los años de la Guerra Fría. Calvin Webber es un científico algo alocado, que piensa que Estados Unidos puede ser invadido en cualquier momento por rusos comunistas. Hasta el punto de que ha construído un refugio antiatómico debajo de su casa. Un accidente, al que acompaña una explosión, es confundido con el estallido de un conflicto nuclear. Así que Calvin se refugia con su esposa embarazada. 30 años después es el momento de salir fuera: la radioactividad debe ser menor, y es tiempo de que Adam (el niño nacido en el refugio, que ya es bastante mayorcito pero tremendamente ingenuo) busque chica y vea mundo. Comedia entretenidísima, que tiene mucho ingenio detrás. El film juega con la inocencia de Adam para hacer una crítica mordaz a muchas de las paranoias del mundo moderno, que ya acostumbramos a ver como normales. Alrededor de la idea de que muchos de los nuevos inventos son desconocidos para Adam se articulan muchos y divertidos gags. Finalmente, una curiosidad: la fotografía del film es de un español, el veterano José Luis Alcaine.

Tuccio es un autor de teatro, ansioso por escenificar una de sus obras. Querría contar con una de las más importantes divas del momento como protagonista. Pero la cosa no es tan sencilla. El actor John Turturro dirige su segunda película, una mirada irónica y amorosa a la vez al mundo del teatro. La búsqueda de la inspiración y la facilidad con que surgen las relaciones amorosas son diseccionadas por Turturro con agudeza. Entre el reparto destaca Susan Sarandon, en un pequeño papel. Asegura el director que sus referencias a la hora de hacer el film han sido La regla del juego de Jean Renoir y Las zapatillas rojas de Michael Powell. Casi nada.

Si la ciencia ficción hay que entenderla como ficción con envoltorio más o menos científico, el film que se comenta pertenece a la religión ficción. Cuenta la supuesta rebelión del arcángel Gabriel, envidioso del amor que Dios muestra a los hombres. Ello ha provocado una batalla entre ángeles; los buenos piensan que la solución es que uno de ellos, Daniel, engendre un hijo de una humana. Atmósfera maligna, con un algún detalle de humor. Acción y estilo un poco en línea con El cuervo. Es la oferta de esta segunda entrega de Ángeles y demonios donde Christopher Walken repite su papel de Gabriel.

Dos poderosas corporaciones tecnológicas se disputan el talento de Hiroshi, un genial ingeniero genético. La empresa nipona Hosaka contrata a dos mercenarios, Fox y X, para que logren ganarse el favor de Hiroshi en contra de los intereses de la empresa alemana Maas. Ellos planearán una estrategia utilizando a la prostituta Sandii. Ejemplo de cine ciberbunk, ambientado en un futuro cercano e incierto. Hay morbo en las situaciones y cierta intriga en el relato escrito por William Gibson, mientras el director Abel Ferrara consigue implicar medianamente al espectador gracias a un reparto estelar.

Esta peculiar comedia pretende poner en la picota a los desaprensivos que convierten la religión en puro negocio. Cuenta las vicisitudes del hermano Juvenal, un tipo con estigmas, que tiene el don de curar. Periodistas, representantes, fanáticos... toda una fauna se reúne a su alrededor con el deseo de explotarlo. La adaptación que Paul Schrader hace de una novela de Elmore Leonard prueba lo difícil que es conciliar la sátira con lo trascendente.

Nadie más apropiado para interpretar esta refrescante comedia que la simpática Alicia Silverstone, una de las actrices jóvenes con un futuro más prometedor. En esta película da vida a Emily, la cual, desatendida por su padre, decide fingir un secuestro para poder reembolsarse su propio rescate. Para ello se introduce maniatada en el maletero de un BMW, del cual ignora la procedencia. Por azares de la vida el coche es robado por Vincent (Benicio del Toro), un ladrón profesional que desconoce por completo el "regalito" que se encontrará en el maletero... Alicia Silverstone, una singular mezcla entre Meg Ryan y Cameron Díaz, ofrece la necesaria frescura a esta ingeniosa película cuyo mayor logro es el guión escrito por Max D. Adams, Dick Clement y Ian La Frenais. Benicio del Toro (Sospechosos habituales) despliega también todo su talento para redondear este entretenido film.

Dos hermanos reciben en herencia, de su difunto padre, un enorme caserón. No le prestan demasiada atención: su estado abandonado y las capas de polvo no lo hacen apetecible para vivir. Inesperadamente llegan expertos arquitectónicos que aseguran que la casa es una joya, de valor incalculable. Los hermanos deciden restaurarla para sacar pingües beneficios en una subasta. Pero no cuentan con un inquilino: un simpático ratoncito que les hará la vida imposible. Emulando al gato de los dibujos animados de Pixie y Dixie, los protagonistas de la película podrían chillar aquello de "¡maldito roedor!". Tan mal se lo hace pasar el ratoncito de turno. Con el estilo de esos "cartoons" y los de Tom y Jerry se nos ofrece una divertida película, con diseño artístico y efectos especiales para caerse de espaldas. Imposible distinguir entre ratones auténticos, mecánicos e imágenes creadas por ordenador. Algunos gags son antológicos como la apurada situación que transcurre en una sala sembrada de trampas para ratones.

Recreación de la gestación de un título clave del neorrealismo italiano, Roma, ciudad abierta. El resultado, aunque algo académico, rebosa amor por el cine por todos sus poros. El film se ambienta en 1945, y describe la amistad del director católico Roberto Rossellini y el escritor comunista Sergio Amidei, de la que surgió la obra maestra. Están presentes los esfuerzos por superar mil y un obstáculos que dificultan rodar en una ciudad que ha sufrido los destrozos de la guerra.

En 1987 el pintor Jean-Michel Basquiat se convirtió en el pintor de moda de Nueva York. Sus coloristas cuadros eran la comidilla de la intelectualidad de la Gran Manzana. Pero el éxito no duró mucho, al menos para él, que murió al año siguiente, con apenas 27 años. Su amigo y compañero de profesión Julian Schnabel debutó en el cine con este film, que quiere ser un homenaje a su memoria y a la creatividad del artista. Y aunque Schnabel consigue algunos pasajes vigorosos, bien apoyado en la dirección artística y musical, el conjunto sabe a caos y vacío, tal vez porque la connivencia de Basquiat con la droga y la frivolidad tampoco daban para más.

El joven Johnny Tempio ha sido asesinado por Gaspare Spaglia, el mayor enemigo del clan. Toda la familia se reúne en el funeral y deciden vengar la muerte del muchacho. Sus hermanos Ray y Chez se encargarán de hacer justicia. Intenso y violento drama dirigido por Abel Ferrara y ambientado en el mundo de la mafia. El reparto es de lo mejor, encabezado pro Christopher Walken y seguido por Annabella Sciorra, Isabella Rossellini o Benicio del Toro.

John Smith es un mercenario pistolero que huyendo de la justicia, llega a la ciudad de Jerichó, que está dividida en dos grupos, los italianos y los irlandeses. Smith se posicionará en uno u otro bando, según le convenga económicamente. Remake de Yojimbo de Akira Kurosawa con un Bruce Willis en su salsa, es decir, haciendo de tipo duro. Walter Hill dirige un western moderno con un estilo a los clásicos y se nota en los planos y en el uso de la música. La acción es constante y la violencia traspasa la pantalla, por momentos, colocando a un protagonista que no tuerce el gesto cuando ha de aniquilar a alguien. Recomendable film con secundarios de lujo como Bruce Dern o Christopher Walken.

Abel Ferrara aborda por primera vez el género de terror. Lo hace con un film de vampiros poco convencional. La protagonista, Kathleen, estudiante de filosofía, se interroga sobre la capacidad de obrar el mal que reside en el hombre. Atrocidades como las perpetradas por los nazis despiertan interrogantes que no encuentran respuesta. De pronto, en plena noche, es poseída por una vampira, que despierta su personal sed de sangre. El director, valiéndose de la leyenda de los vampiros, traza una curiosa parábola sobre el origen del mal. Hay una cuidada fotografía en blanco y negro, y buenos intérpretes. Pero el resultado es un film farragoso, de extrañas pretensiones, que avanza con insoportable lentitud. La amalgama de elementos filosóficos y religiosos, junto a otros sanguinolentos, difícilmente satisfará a los seguidores del cine fantástico; ni tampoco a los que saben que el cine es algo más que entretenimiento.

Martin es un productor cinematográfico que quiere hacer una película sobre un gurú de la autoayuda. A éste sólo le interesa el dinero, por lo que los problemas entre ambos se sucederán. Visión satírica del mundo de los negocios, las prisas, los agobios y la necesidad de hacer dinero a toda costa. Entre los personajes secundarios llama la atención la presencia de Martin Scorsese, quien ejerce también como productor ejecutivo de la película.

Gene Watson (Johnny Depp) y su hija pequeña, bajan del tren en la Estación Central de Los Angeles un día cualquiera a las doce del mediodía. De repente, dos extraños les abordan y les conducen una furgoneta. Allí proponen a Watson un terrible trueque: debe matar a la gobernadora Eleanor Grant, que se encuentra en plena campaña política en un hotel frente a la estación, si quiere volver a ver a su hija con vida. Película de acción e intriga servida con intensidad. Un joven Johnny Depp y un malvado Christopher Walken realizan unas interpretaciones convincentes. Aunque abusa de efectismos, la emoción que supone la carrera contrarreloj de Watson por salvar la vida de su hija es provocada con inteligencia por el director John Badham.

En su vida de gángster no mató ni a una mosca. Ahora, una inesperada chapuza puede llevarle al "hoyo". Elaborada trama de cine negro, bien ambientada y de ágil narración. Destacan el buen guión de Scott Rosenberg (Beautiful Girls) y Andy García, listo para darle el pasaporte a quien sea y sin despeinarse.

Thomas es un seminarista que decide abandonar la Iglesia en el mismo altar en el que iva a ser consagrado sacerdote. Años más tarde lo vemos transformado en detective del departamento de homicidios. Durante la investigacion de un caso, al practicarsele la autopsia a la víctima se descubre un hecho inquietante, la no pertencia de la misma a la naturaleza humana. Una serie de pistas conducen a Thomas a Gabriel (Christopher Walken) y Simon (Eric Stoltz) que encarnan dos fuerzas sobrenaturales venidas del más allá Gregory Widen dirige esta película que mezcla hábilmente los generos policíacos y de terror, pero que parece especialmente reservada a los incondicionales del género y del siempre inquietante Christopher Walken.

Kate, una atractiva mujer, vive a la sombra de su marido, Alec Bolton, un famoso escritor que en realidad es un hombre egocéntrico e introvertido. Kate sueña con triunfar también con escritora, y acaba manteniendo un idilio extraconyugal con Vanni, un editor estadounidense que está a punto de publicar su primera novela. La directora francesa Charlotte Brandstrom desaprovecha a un gran reparto, en esta fallida comedia romántica. El punto de partida es interesante, pero el film no pasa de ser una sucesión de pasajes sórdidos, que realiza un retrato ridículo de España en uno de sus pasajes.

Dos años después de su hiperviolento debut tras las cámaras con Reservoir Dogs, Quentin Tarantino sorprendió a la crítica y al público de todo el mundo con un magnífico ejercicio de estilo. El título hace referencia a los 'pulp', tal como se llamaban unas novelillas baratas que narraban historias criminales, con humor negro y secuencias violentas. Es el mismo tono que predomina en los relatos de este film, que transcurren en Los Ángeles. Vincent Vega, un matón de la mafia, debe acompañar a la novia de su jefe. Al boxeador Butch Coolidge le persigue un mafioso, por no cumplir con un combate amañado. Tarantino introduce numerosas referencias a la cultura pop, homenajeando a películas de artes marciales, a los cómics, y a la música rock, mediante una modélica utilización de la banda sonora. Tarantino también se luce en el guión, con ingeniosos diálogos, eso sí, groseros e irreverentes. Los pasajes violentos y sórdidos están filmados de forma irreal, y con sentido del humor y un enfoque ‘kitsch’. Lo cautivador de este peculiar producto es lo inverosímil de unas situaciones que parecen concebidas por la mente violenta de un Peckinpah mezclada con la de los hermanos Marx. El film supuso la resurrección cinematográfica de John Travolta, quien tras Grease y Fiebre del sábado noche se había perdido entre subproductos de difícil digestión. Sólo el bailecito con Uma Thurman le convirtió de nuevo en estrella. Tarantino da muestras de su extraordinario talento para narrar con imágenes y con ritmo trepidante. Pero... nada de realidad, aquí todo es puro cine. Y la música es tan original y ecléctica como todo lo demás. Estuvo nominada para 7 Oscar y ganó merecidamente la estatuilla al mejor guión original.

Telefilm basado en la novela de Craig Smith. En ella, una pareja trama un plan con el que conseguir una gran cantidad de dinero, para lo que deben robar a un peligroso criminal. Sin embargo, elementos de celos se mezclan, poniendo en peligro todo el plan. Lo mejor es su reparto, con Lorraine Bracco, Christopher Walken y Miguel Ferrer. Dirige John Flynn (1932-2007), quien tras comenzar prometedoramente su carrera en el cine con El sargento (1968), a la que siguió la violenta El expreso de Corea (1977), acabó enredado en películas de acción de Stallone (Encerrado, 1989) y Steven Seagal (Buscando justicia, 1988).

Clarence es un joven solitario que, como regalo de cumpleaños, tiene una noche pasional con una joven prostituta llamada Alabama. Los dos se enamoran y deciden pasar el resto de su vida juntos. Pero los problemas no tardan en llegar cuando aparece Drexl, el anterior protector de la chica, al cual le han robado un maletín lleno de cocaína. Los jóvenes ven aquí la oportunidad de vender la droga y empezar una nueva vida. Comienza entonces una persecución atroz por la policía y la mafia, en medio de una espiral de mentiras, violencia y muerte de la que será difícil salir. La puesta en escena es trepidante y toda la película está plagada de rostros conocidos. El guión y el tono sórdido-humorístico del film lleva claramente escrito el nombre de Quentin Tarantino, lo cual pesa mucho más que el hecho de que esté dirigido con soltura por Tony Scott (Spy Game). La película es romántica y violenta, con momentos muy logrados. Se llevan la palma las escenas del diálogo entre Walken y Hopper, y la de la ensalada de tiros, sangre y muerte en la habitación del hotel.

Wayne y Garth continúan con su programa de televisión. Pero la rutina pronto desaparece cuando Wayne tiene un sueño en que Jim Morrison le dice que debe poner en marcha un festival de música llamado Waynestock. Secuela de Wayne's World: ¡qué desparrame!, donde el componente musical vuelve a jugar un papel importante. En esta ocasión, esta peculiar pareja de amigos friquis deja el mundo de los programas radiofónicos y televisivos para poner en marcha un macrofestival, lo que les acarreará todo tipo de problemas.

Sátira del mundo del cine, y más concretamente sobre Hollywood, aunque sin llegar a los extremos cínicos de El juego de Hollywood de Robert Altman. Sigue a un director de cine venido a menos, al que un productor venido a menos, propone rodar un guión del primero que duerme en algún cajón, y que se supone tiene una calidad comparable al cine de Jean Renoir. Lo malo es que los inversores del proyecto se empeñan en que sus novias y amantes tengan algún papel en la película. Robert De Niro produce esta cinta de Barry Primus, perteneciente a ese subgénero de 'cine dentro del cine', que otra llaman narcisismo o 'mirarse al ombligo'. La idea es mostrar con humor la triste condición humana, en el contexto de una declaración de amor al Séptimo Arte.

La ciudad de Gotham se ve amenazada por un nuevo enemigo: el pingüino (Danny DeVito), un siniestro y deforme personaje traumatizado por haber sido abandonado por sus padres al nacer. Crecido en las cloacas sin otra compañía que un ejercito de pingüinos, planea su terrible venganza sobre la humanidad. Batman (Michael Keaton) deberá enfrentarse no solo a él sino también a un industrial de pocos escrúpulos (Christopher Walken) y a una atractiva pero peligrosa Catwoman (Michelle Pfeiffer). Tim Burton vuelve a dirigir las aventuras del hombre murciélago, enriqueciendo la saga con la aparición de nuevos personajes. Burton mantiene la estética oscura y gótica de la primera parte, aunque como curiosidad señalemos que no pudieron volver a utilizarse los mismos decorados, ya que éstos desaparecieron en un incendio de los estudios. Aventuras, acción, magníficos efectos especiales, y una excelente banda sonora acompañan a esta superproducción puesta al servicio de nuestro héroe.

Jacob Witting es un granjero del medio Oeste, viudo y con dos hijos pequeños. Decide poner un anuncio, con la intención de encontrar una nueva esposa, y recibirá respuesta de Sarah, una maestra de Nueva Inglaterra. Bonita historia familiar sobre segundas oportunidades, que cuenta con un reparto eficaz, encabezado por Christopher Walken (Pulp Fiction) y Glenn Close (El misterio Von Bulow), quien también ejerce como productora ejecutiva. El guión adapta una célebre novela de Patricia MacLachlan.

Colin y Mary conforman una pareja que ha caído en la rutina y el aburrimiento, no saben si casarse o no, ella tiene dos niños y a él no le gustan... Por ello, deciden darse un respiro y hacer un viaje a Venecia, que les ayudará a desconectar y a reavivar la llama de su amor. Allí conocen a un enigmático y cautivador individuo llamado Robert, y a su mujer Caroline con los que establecerán un extraño vínculo protagonizado por la obsesión y el erotismo. Basada en una novela de Ian McEwan, Paul Schrader dirige una asfixiante y morbosa película ambientada en una sofocante Venecia llena de callejuelas laberínticas –la ciudad es una auténtica protagonista de la cinta– que llegan a aprisionar a la pareja protagonista. Christopher Walken interpreta notablemente a un hombre obsesivo que acaba influyendo en el matrimonio formado por Everett y Richardson. Helen Mirren completa el cuarteto, en el papel de esposa de Walken, enfermiza y siniestra. La cálida fotografía de Dante Spinotti y la música de Angelo Badalamenti, en su segunda colaboración con el director, contribuyen a crear ese ambiente que atrapa y conduce la historia hacia un sorprendente final.

Violento film de Ferrara. Un señor de la droga, recién salido de la cárcel, trata de recuperar el control de las calles neoyorquinas. El enfrentamiento con la poli y las otras bandas está servido.

Un vaquero boxeador llamado Johnny Walker se dedica a pelear en combates menores pues atrás quedaron los años donde era un joven púgil. Un día, en una ciudad de la costa que acude a pelear, conoce a la feriante Ruby, de la que se enamora, y a Wesley, que le propone un atraco. Johnny decide competir. Mickey Rourke escribió y actuó en esta película de boxeo con un personaje llamado como el whisky, donde le acompañaba su propia esposa en aquel momento, Debra Feuer. El actor, peleaba de joven lo que le hizo ganar diferentes premios. Destaca la presencia también de Christopher Walken (Panorama para matar, Amor a quemarropa, Pulp Fiction).

Comedia de aire mágico. Describe cómo el pueblo de Milagro en Nuevo México se pone en pie de guerra  por los nuevos planes urbanísticos para la zona. Se trata del segundo film que dirigió Robert Redford.  

Adaptación de la célebre comedia de Neil Simon, que se desarrolla en un campamento durante la Segunda Guerra Mundial. Matthew Broderick (Juegos de Guerra, Tiempos de Gloria) da vida a Eugene Morris, un muchacho que es destinado a una base de entrenamiento en Mississippi. Ahí esperaba encontrar bailes, juergas y en definitiva una vida nada aburrida con sus compañeros. Sin embargo se encuentra con un extraño y sádico sargento (Christopher Walken) y un buen grupo de reclutas, la gran mayoría hostiles. Gracias a su sentido del humor y a un despierto ingenio, Morris se las arreglará para sobrevivir e intentará salir del campamento tal y como entró, aunque una hermosa chica (Penelope Ann Miller) se cruzará en su camino. Gracias al talento de Mike Nichols (El graduado, A propósito de Henry, Armas de mujer) esta película goza de una gran calidad y un puñado de interpretaciones magníficas capaces de conjugar drama y humor con igual eficacia.

Brad es un ladronzuelo de poca monta que quiere prosperar en el "negocio", así que está esperando a reunir el suficiente dinero para salir de Pensylvania e ir en busca de su padre, un experto ladrón, implacable y eficaz. Cuando se reencuentra con él, poco a poco comprueba como la vida delictiva le puede llevar a un pozo sin fondo y que los hurtos mezclados con asesinato ya son palabras mayores. Thriller bien rodado por parte de James Foley (Cámara sellada) que mantiene el interés hasta el final. Sean Penn interpreta a un delincuente juvenil, y el actor no cambia su cara de malo en toda la cinta, lo cual le iba muy bien al personaje de este joven que acaba enfrentado a su padre, un correcto Christopher Walken.

Bond se hace pasar por un millonario, aficionado a las carreras de caballos, para infiltrarse en el entorno de Max Zorin, un rico industrial, sospechoso de vender información a la Unión Soviética. Zorin descubre la verdadera identidad de Bond, y envía a su ayudante May Day, para liquidarle. Pero Bond consigue escapar, y con ayuda de Stacey Sutton, una mujer chantajeada por Zorin, descubre que éste tiene un siniestro plan para inundar Silicon Valley, donde se fabrican una gran cantidad de microchips, para que su empresa acapare el mercado. Decimocuarta entrega oficial de Bond, y última protagonizada por Roger Moore, que llevaba siete films encarnando al personaje y se sentía él mismo demasiado mayor para el personaje. Las escenas de acción son bastante imaginativas, especialmente la persecución en motos en la nieve, o la que tiene lugar en las calles de París, así como el final, en lo alto del Golden Gate.

Otra versión del accidentado que al recuperarse todo lo ve distinto (como ocurría en A propósito de Henry). Pero, esta vez, resulta que tiene poderes... Predecir el futuro, cambiarlo.... La película parte de una novela de Stephen King llevada al cine por el inquietante director canadiense David Cronenberg. Como es habitual en los filmes de Cronenberg, lo repulsivo se inserta en la trama en todo momento.

El doctor Michael Brace y la doctora Lillian Reynolds lideran un equipo científico que ha desarrollado un impresionante aparato de realidad virtual. Las posibilidades de aplicación son impresionantes: puede servir para el aprendizaje ultrarrápido de idiomas, como terapia familiar -gracias al aparatito y a la evocación de recuerdos Michael endereza su deteriorado matrimonio-, para pilotar... Pero claro, también puede usarse con fines turbios, ya sea el estímulo sexual onanista, o, proyectos militares más que dudosos. Y en efecto, Michael se va a enterar de que el ejército ha accedido a su investigación a través del llamado Proyecto Brainstorm.Entretenida película de ciencia ficción que, como ocurre con tantos avances de la ciencia, piénsese en la energía nuclear, advierte del uso y abuso de los mismos, al final la clave está en el sentido moral con que se buscan aplicaciones prácticas. Se trata del primer argumento de Bruce Joel Rubin llevado a la pantalla, y ya anticipa su interés por las cuestiones científicas y por el más allá, tema éste que desplegaría en Ghost y Mi vida. Y dirige la cinta el mítico Douglas Trumbull, que aunque abordó la dirección en varias ocasiones, es conocido sobre todo por su faceta de creador de efectos especiales en títulos míticos como 2001: una odisea del espacio, Encuentros en la tercera fase y Blade Runner. Seguramente no es casual que uno de los personajes del film se llama Hal, un guiño a 2001. Aunque el resultado es un tanto irregular, hay buenas ideas como la de usar dos anchos de pantalla, uno de los cuales, el más ancho, simula las grabaciones registrada del cerebro, y tiene cierto dinamismo la “invasión” del laboratorio desde la distancia a través de un ordenador y una línea telefónica; hay que tener en cuenta que esta idea se presenta en 1983, cuando internet todavía no era la red de redes que abarca y conecta todo el planeta. El film opta por un reparto madurito y resultón, con Christopher Walken, Natalie Wood y Louise Fletcher en los principales papeles.

En el Chicago de la Gran Depresión, Arthur es un vendedor de partituras musicales que quiere abrir su propia tienda. El problema es que su esposa Joan se niega a darle el dinero para ello. Mientras, en la carretera, Arthur conoce a la profesora Eileen y ambos viven un apasionado romance. Adaptación cinematográfica de una miniserie británica escrita por Dennis Potter y exhibida en la pequeña pantalla en 1978. La novedad era que la narración se seguía mediante conocidas canciones que salían de los labios de los protagonistas. En su reparto encontramos a Bernadette Peters, una actriz procedente del musical y que era pareja sentimental de Steve Martin desde 1977, quien consiguió un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia por su actuación. A pesar de su elevado coste de producción y notable fracaso en taquilla obtuvo tres nominaciones al Oscar: Dennis Potter por el guión adaptado, en la categoría de sonido (Michael J. Kohut, Jay M. Harding, Richard Tyler y Al Overton) y vestuario (Bob Mackie).

Unos ganaderos americanos de finales del siglo XIX contratan el trabajo de unos mercenarios para dar muerte a un centenar de inmigrantes, pues creen que son un impedimento para el progreso, en un momento de la historia donde Norteamérica era considerada la tierra de las oportunidades. Desmesurada película que fue un impresionante fracaso de taquilla y a la que se acusó de ser la causante de que la compañía UA cayera en picado. Pero, lo cierto es que la historia, dirigida por Michael Cimino (El cazador), es una epopeya con una preciosa fotografía y un mensaje claro y violento de lo que supuso el nacimiento de los modernos Estados Unidos y del sueño americano. Fue nominada a los Oscar por la dirección artística y destaca en el reparto Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert o Jeff Bridges, entre otros.

Vibrante adaptación de una célebre novela homónima del escritor inglés Frederick Forsyth. Protagoniza un joven Christopher Walken, que entonces se encontraba en un momento álgido, pues dos años antes había rodado El cazador. La trama se centra en un grupo de mercenarios que actúa llevando a cabo una misión en un país de África dominado por un tirano. El lugar se llama Zangora, y es rico en depositos minerales...

Peli con la que Demme descolló (luego vendrían Philadelphia y El silencio de los corderos). La intriga en torno a un agente de la CIA cuya esposa es asesinada encuentra su clímax en las cataratas del Niágara.

Tres amigos americanos, trabajadores de una fábrica en Pennsylvania, son enviados a Vietnam. Allí son capturados por el Vietkong y sufren todo tipo de vejaciones y torturas. Cuando uno regresa a USA, se entera de que a otro le han amputado las piernas, y otro más sigue allí medio loco... Memorable film de lo que ya es un subgénero dentro del cine bélico: el dedicado al conflicto de Vietnam. El film ofrece la escalofriante secuencia del juego suicida de la ruleta rusa. El film recibió 5 Oscar, entre ellos los de mejor película y director. Christopher Walken se llevó una estatuilla al mejor actor de reparto.

El director de Lo que queda del día reúne en esta cinta tres historias que tienen en lugar en Nueva York, en Roseland, una legendaria sala de baile. Todos los protagonistas tienen en común que buscan a la pareja de baile ideal. Como es habitual, Ivory hace gala de su exquisitez para la puesta en escena. Y aprovecha que cuenta con grandes actores como Teresa Wright y Christopher Walken.

Allison, una guapa modelo católica especialista en spots televisivos, no acaba de decidirse a aceptar las proposiciones de matrimonio que le hace su novio. Parece ocuparle más la cabeza su deseo de encontrar un bonito apartamento donde estar a solas consigo mismo, y lo acaba encontrando en Brooklyn Heights. Pero pronto va a tener con que entretenerse: tras la muerte repentina de su padre, que le trae a la memoria la vez en que, siendo una colegiala, le sorprendió en plena bacanal, siguen sus raros vecinos y cosas raras que pasan en su nuevo apartamento, que tal vez tengan con ver con un antiguo inquilino, sacerdote. El terror aguarda… Película muy setentera, de narración tirando a torpe y que ha envejecido mal: sus pasajes escandalizantes y sus sustos transmiten una inevitable sensación de cutrerío, aunque son típicos de la época (piénsese que Michael Winner dirigió también El justiciero de la ciudad, con el mismo aire descuidado). En algunos momentos se diría que quiere aprovechar el tirón de pelis diabólicas propiciado por El exorcista, cosa que no logra. Lo que más llama la atención es su reparto de caras conocidas, donde se combinan algunas estrellas, jóvenes que luego triunfaron más o menos, y jóvenes que no triunfaron en absoluto.

Escrita y dirigida por Woody Allen, Annie Hall narra la relación que surge entre un neurótico escritor de comedias (Woody Allen) y una joven cantante (Diane Keaton). Excelente film, considerado por muchos como la mejor película del genio neoyorquino, ofrece unos elaborados diálogos en los que no faltan las referencias a los temas preferidos por Allen: sexo, religión, la influencia paterna y, por supuesto, psiquiatras. Todo ello interpretado por un envidiable reparto; así, la pareja protagonista está acompañada por Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon y Christopher Walken. Como anécdota que encantará a los admiradores de la heroína de la saga de Alien, el octavo pasajero hay que señalar una brevísima aparición de unos diez segundos de Sigourney Weaver. Annie Hall fue galardonada con cuatro Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor guión original. El célebre director no acudió a la ceremonia para recibir la dorada estatuilla, alegando que tenía que tocar el clarinete en su club de jazz.

Film autobiográfico según los sucesos que le ocurrieron a su director, Paul Mazursky, cuando partió de su pequeña población hasta Nueva York para formarse como cineasta. En esta ocasión su "alter ego" es Larry (Lenny Baker), quien en 1953 llega al bohemio barrio del Greenwich para iniciar una carrera como actor, lo que le lleva a conocer a todo tipo de personajes. Los mejores chistes de su guión son debidos a la condición de judío del individuo, todo ello dentro de una estructura algo desordenada y que, en ocasiones, parece le cuesta enlazar con cierto sentido las secuencias y así hacer narrativa la historia. Eso sí, entusiasmó a parte de la crítica, que encumbró a Mazursky como un nuevo talento en cuanto a tragicomedia social se refiere. Algo que siguió en otros de sus títulos como Una mujer descasada (1978) y su homenaje a Truffaut en Willie & Phil (1980). Lamentablemente, el director y guionista demostró ser flor de un día, con una desconcertante filmografía durante los 80, y alcanzando directamente la mediocridad los años sucesivos.

Un ladrón recién salido de la cárcel, planea volver a las andadas dando un golpe en el edificio donde vive su antigua novia, en la zona más chic de Manhattan, junto a Central Oark. Lo que no sabe es que por extrañas razones, alguien está grabando en audio y vídeo todo lo que se cuece en dicho inmueble.Antes de que diera el supergolpe (nunca mejor dicho, con el título de este film en español) con el guión de Tarde de perros, Frank Pierson escribió éste también para Sidney Lumet, más convencional, basado en una novela de Lawrence Sanders. El director definió la trama con una escueta frase, muy ilustrativa: "Las máquinas nos están ganando". Y en efecto, articula una peli de ladrones más o menos sofisticada, con elementos irónicos de comedia -subyace la idea del protagonista de que, quien más, quien menos, todos roban-, y una partitura musical electrónica muy adecuada de Quincy Jones.