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Biografía

Mélanie Laurent

Mélanie Laurent

37 años

Mélanie Laurent

Nació el 21 de Febrero de 1983 en París, Francia

Mujer polifacética

29 Marzo 2016

Actriz, cantante, directora y escritora, Mélanie Laurent tuvo su debut en el cine con tan solo 16 años, y en ese momento ya supo a lo que se quería dedicar. Desde entonces, un puñado de buenas películas la avalan.

Esta actriz parisina llegó al mundo el 21 de febrero de 1983. Desde pequeña se crió en un ambiente artístico, ya que su padre es un actor de doblaje francés, conocido por ponerle voz al personaje de Ned Flanders en Los Simpsons en su versión francesa, y su madre es profesora de baile. Y aunque Mélanie nunca tuvo en mente seguir el mismo camino que sus progenitores, en 1998 le surgió la oportunidad al conocer al actor francés Gérard Depardieu, quien le propuso su primer papel en la película Un puente entre dos ríos (1999), codirigida por el actor.

Entre los primeros trabajos de Mélanie Laurent se encuentran las películas francesas Ceci est mon corps (2001), Snowboarder (2003), Une vie à t'attendre (2004) y El último día (2004), entre otras. En 2002, ganó mucha fama gracias a su papel como novia del protagonista Gaspard Ulliel en la película de Michel Blanc Besen a quien quieran. Además fue ganadora de un Premio César en 2007, gracias a su interpretación en la película Je vais bien, ne t’en fais pas (2006), en la categoría de Mejor revelación femenina y actriz emergente. En este drama da vida a una joven con problemas de anorexia.

Su salto a la popularidad internacional llegó de la mano del gran director Quentin Tarantino, quien eligió a la actriz para ser Shosanna Dreyfus en la exitosa Malditos bastardos (2009), película ambientada en la Segunda Guerra Mundial, y en la que compartía créditos con actores de la talla de Brad Pitt y Diane Kruger. Tuvo muy buenas críticas por su papel. Además la actriz confesó que “matar” a Hitler en la película de Tarantino era algo personalmente muy simbólico ya que ella misma es judía e incluso su abuelo fue deportado a Auschwitz. Otra película en la que triunfó notablemente fue El concierto (2009), dirigida por Radu Mihaileanu, un film en el que de una manera indirecta se denuncian también las injusticias contra la comunidad judía.

Otros títulos destacados en la filmografía de Mélanie Laurent son Beginners (2010), comedia dramática con Ewan McGregor y Christopher Plummer; Tren de noche a Lisboa (2013), adaptación de la novela de Pascal Mercier; y Ahora me ves... (2013), producción hollywoodense donde interpreta a una detective de la Interpol y comparte pantalla con Morgan Freeman, Michael Caine e Isla Fisher, entre otros.

Entre sus últimos trabajos destaca Enemy (2013), un drama basado en la novela de José Saramago “El hombre duplicado”. La actriz declaró que aceptó el papel sin leer el guión, solo porque le encantó la anterior película del director Denis Villeneuve. El mismo año, ya embarazada de su primer hijo, Mélanie interpretó a una periodista en No llores, vuela (2013). Y dos años después tuvo un papel en Frente al mar, sobre una crisis matrimonial, película dirigida por Angelina Jolie y que no tuvo buen recibimiento en taquilla.

Mélanie Laurent también es directora y guionista, y aunque su filmografía en este sentido no es muy extensa,  son de obligada mención los dramas Les adoptés (2013) y Respire (2014), y el documental Mañana (2015). Además en 2011 se inició en el campo de la música y publicó su primer disco, “En t’attendant”, junto con el cantante irlandés Denis Ménochet. Está claro que es una mujer polifacética.

Filmografía
Mia y el león blanco

2019 | Mia et le lion blanc

Agradable película familiar, que transcurre en África. Sigue a la familia Owen, el matrimonio, John y Alice, y dos hijos, Mia y Mick, de 11 y 13 años, que vuelven a Sudáfrica desde Londres para ocuparse de una granja familiar, donde crían leones, en principio con propósitos nobles, para conservar la especie o exhibirlos en zoos en condiciones adecuadas. Mia no está nada contenta con la mudanza, echa de menos a sus amigos londinenses, y aunque está muy unida a su sensible hermano Mick, éste tiene problemas psíquicos que dificultan la relación. Cambiará su modo de ver África cuando establece una conexión especial con Charlie, un cachorro de león blanco, nacido en la granja. Sus padres tratan de advertirle que no podrá acercarse al animal en cuanto crezca un poco, pero ella sigue buscando su trato, a pesar de algunos momentos con sustos, y de las consiguientes prohibiciones de los progenitores para evitar cualquier trato con Charlie. La película dirigida por Gilles de Maistre se ajusta al formato de clásica cinta de aventuras africana, que puede hacer pensar en títulos como Nacida libre, y que invita al amor y respeto por los animales. El gran mérito, además de que la sencilla trama funciona, es que se ha rodado a lo largo de tres años, siempre con el mismo león, mientras crecía, y con dos chavales que debían arreglárselas para no tener miedo al animal, guiados por un especialista. Se desarrollan bien las relaciones padres-hijos-hermanos, y con el animal, y los dilemas típicos de la rebeldía adolescente, de una autoridad paterna que se excede y no explica sus razones, y de la cesión a prácticas que contradicen el propio código ético, cuando los agobios económicos aprietan e incluso ahogan. Quizá algún conflicto y revelación en el último tramo resultan algo forzados, pero se perdonan estas licencias melodramáticas. En los tiempos que corren, no faltará quien proteste porque la mayoría de los personajes sean blancos, la única africana con algo de presencia es la mujer que atiende a la familia, todo un carácter pero que sobre todo es un contrapunto cómico. Pero el mensaje ecológico y medioambiental de respeto a los animales y denuncia a los cazadores horteras que sólo se quieren hacer una foto delante de un animal muerto, o los que comercian para satisfacer sus deseos, quizá les haga mirar para otro lado acerca de este punto. Mientras que el público con sentido común simplemente disfrutará con una cinta de aventuras muy adecuada para disfrutar en familia, que aboga por que padres e hijos sean sinceros en sus relaciones y coherentes con sus principios, y que cultiven la buena disposición para reconocer los errores propios.

6/10
6 en la sombra

2019 | 6 Underground

Un millonario que ha fingido su propia muerte ha reclutado a cinco individuos para formar un equipo que persigue a peligrosos criminales y tipos sin escrúpulos. No se conocen entre sí por sus nombres, sino por números, comenzando con su líder, que se hace llamar Uno. Tras perder a uno de los miembros del equipo, durante una misión contra un narcotraficante en Italia, Uno llevará a sus hombres a Turdistán, un país árabe, para secuestrar a un temible individuo que ha dado un golpe de estado. Tras más de una década dedicado casi al completo a la saga iniciada con Transformers, de Paramount, Michael Bay ha logrado que Netflix le ceda la friolera de 150 millones de dólares y le haya dado luz verde para rodar lo que quisiera. Como consecuencia ha dado rienda suelta a su estilo propio, lo que quiere decir que parte de un guión aún más inexistente que en sus últimas entregas de la saga de los robots convertibles, pues únicamente parece interesado en componer vistosas secuencias de acción, más violentas que las de sus trabajos precedentes, compuestas con un montaje frenético. En el arranque sorprende, por la vistosa persecución inacabable por las calles de Florencia, pero finalmente acaba agotando, por la falta absoluta de personajes de entidad, o de secuencias con un mínimo de tensión dramática. De esta forma desaprovecha a actores de probada solvencia, como Ryan Reynolds y Mélanie Laurent, pues les han tocado personajes estereotipados.

5/10
Operación Final

2018 | Operation Finale

Película basada en hechos reales, describe la localización y captura en Buenos Aires, Argentina, del criminal nazi Adolph Eichmann, conocido como "El Arquitecto del Holocausto", que se ocultaba con su familia bajo el nombre supuesto de Ricardo Klement. Con bastante fidelidad a lo ocurrido, describe la identificación casual de Eichmann cuando su hijo Klaus sale con una chica alemana judía, y el operativo montado por el Mossad, con un grupo de once hombres liderados por Peter Mankin, que perdió a su hermana en el holocausto. Chris Weitz (Un niño grande, La brújula dorada) se revela como director inesperado de este film dramático de corte histórico. La histora –que ya había sido llevada a la pantalla en La caza de Eichmann– atrapa, y Ben Kingsley y Oscar Isaac comparten un par de escenas eléctricas, en que se establece una inesperada conexión entre verdugo secuestrado y captor. Pero le falta algo de equilibrio, sobre todo por el contraste de las dos intensas escenas que comparten los protagonistas, en una de ellas hay un acercamiento, en la otra hay una cruedad que no se explica ni se logra entender. Del mismo modo, el dibujo del hijo de Eichmann, Klaus, resulta algo burdo, y la escena de una reunión nazi también se antoja algo caricaturesca.

5/10
Un seductor a la francesa

2018 | Le retour du héros

El capitán Neuville acaba de prometerse con Pauline, la hija pequeña de los Beaugrand, pero el deber le requiere, debe partir a Austria para combatir a las órdenes de Napoleón. Aunque promete escribir a diario, no lo hace, y la hermana mayor de Pauline, Elizabeth, consciente de su desconsuelo, empieza a mandar cartas falsas escritas por ella, que dan cuenta de su heroísmo en el campo de batalla, y cuando llega el armisticio, de sus andanzas por las Indias, donde se convierte en rico propietario. Aquello crece como una bola de nieve, y Elizabeth tiene que inventar la muerte del amado, para que la vida de Pauline siga adelante y forme una familia. Las cosas se complican cuando Elizabeth descubre que Nauviella ha vuelto convertido en un pordiosero, y que lejos de ser un héroe se convirtió en desertor. Sin embargo, el antiguo capitán advierte que el entorno de los Beaugrand tienen una imagen muy diferente, que cultivará en su propio provecho. Amable comedia francesa del especialista Laurent Tirard, quien además de haberse movido en el universo de René Goscinny con El pequeño Nicolás y Astérix y Obélix: Al servicio de Su Majestad, ha entregado cintas del género de época –Las aventuras amorosas del joven Molière– y contemporáneas –Un hombre de altura–. Ahora repite con el protagonista de ésta Jean Dujardin, y con la eficacísima Mélanie Laurent en una trama de guerra de sexos donde la química actoral es perfecta, que se mueve en un terreno que evoca las novelas de Jane Austen por sus diálogos ingeniosos y por el vestuario, pero también el vodevil y la picaresca. La cinta es divertida, aunque se embarulle en algunos momentos, sobre todo en el último tramo, apuntando varios posibles finales que no lo son. Y está muy ambientada, incluso permitiéndose en la produccción el lujo de una improbable batalla a cañonazos contra jinetes cosacos, que podría servir para probar que, en las grandes ocasiones, asoma a la luz el héroe capaz de arriesgarlo todo que todos llevamos dentro.

6/10
Perdido

2017 | Mon garçon

Julien recibe una alarmante llamada de Marie, su ex mujer: Mathys, el hijo de ambos, de siete años de edad, ha desaparecido. Cuando se reúne con ella en la aislada localidad en la que reside, la policía le hace preguntas incómodas sobre su divorcio. Tras perder la cabeza y dar una paliza a la nueva pareja de Marie, Julien tratará de compensar sus carencias como padre encontrando como sea al niño desaparecido, tras descubrir pistas en las imágenes captadas en vídeo por la madre. Christian Carion, autor de las notables La chica de París y sobre todo Feliz Navidad, ha rodado en seis días una especie de ejercicio de estilo con cámara al hombro, en el que vuelve a contar con Guillaume Canet, presente en su film sobre la Primera Guerra Mundial. Este intérprete desconocía durante la filmación el guión, iba averiguando el misterio al mismo tiempo que su personaje. Realiza un gran trabajo como padre con complejo de culpa, cada vez más amargado; le acompañan competentes actores como Melanie Laurent, vista en títulos como Malditos bastardos, en el rol de ex mujer, y Olivier de Benoist, la nueva pareja de ésta. Sorprende poco, acaba siendo un film sobre la venganza en la línea del cine de Charles Bronson; quizás el final no acaba siendo todo lo redondo que promete el inicio. La puesta en escena resulta demasiado sencilla, se espera un poco más de brillantez por parte del realizador.

5/10
Éternité

2016 | Éternité

A finales del XIX, Valentine se enamora de Jules, con el que se casa. El matrimonio tendrá siete hijos… Hasta el momento, Tran Anh Hung se distinguía por la primacía de sus imágenes sobre los diálogos, por ejemplo en las excelentes El olor de la papaya verde y Cyclo. En su sexto largometraje, adaptación de la novela “L'élégance des veuves (La elegancia de las viudas)”, de Alice Ferney, el asiático afincado en Francia opta por la opción radical de suprimir los segundos casi por completo, cambiados por una voz en off que se centra en exclusiva en el amor maternal hacia los retoños a través de tres generaciones de una misma familia. La propuesta, de tonalidad onírica, puede agotar (e incluso desesperar) al común de los espectadores, y a gran parte de la crítica, pues apenas ofrece datos de los personajes, sólo lo relativo a los enamoramientos, y los hijos. Cuenta con un sólido reparto en el que se lucen sobre todo ellas, Mélanie Laurent, Audrey Tautou y Bérénice Bejo, a pesar de la dificultad del peculiar rodaje, en el que la última se sentía muy desconcertada… ¡y eso que le debe su fama a un film mudo! Todo está filmado con elegancia y buen gusto, con una cuidada fotografía de Ping Bin Lee (el genio que hizo posibles los planos de Deseando amar) y decorados y vestuarios que llaman la atención, pero no deja de resultar artificiosa, y a ratos puede parecer un videoclip de lujo, que se sigue con cierta distancia. No sólo contemplar a los personajes desde fuera puede resultar frío, sino que para más inri tiene un ritmo pausado y la duración casi alcanza las dos horas. A pesar de todo, sus reflexiones sobre todos los aspectos del tema central alcanzan cierta hondura. Se analiza lo positivo, sobre todo el amor desprendido, y las satisfacciones que la descendencia ofrece a la larga, pero también las pequeñas decepciones, el sacrificio cuando una hija no será a su vez madre porque ha optado por tomar los hábitos, y el dolor supremo de la muerte, en especial cuando los avances médicos aún no posibilitaban que la mayor parte de los retoños salieran adelante, o la angustia tras haber sufrido un aborto, que frustra varios meses de sueños… Con sus puntos negativos, refleja la obsesión del realizador, que antes de llegar al país galo en su juventud perdió a la mayor parte de los suyos por la guerra de Vietnam, por los núcleos familiares sólidos, que se perpetúan hasta la eternidad. Tiene algunos momentos de un lirismo magistral.

6/10
Frente al mar

2015 | By the Sea

Tercera película de ficción como directora de Angelina Jolie, decididamente plúmbea. Vista en retrospectiva, tras su ruptura matrimonial con Brad Pitt, se diría concebida como terapia para restañar las heridas de su propia relación, con decisiones como la de firmar el film –de cuyo guión también es autora en solitario– como Angelina Jolie Pitt, y el protagonismo de los dos actores dando vida a marido y esposa. El film sigue en los años 70 a un matrimonio sin hijos, Vanessa y Roland, en crisis. Ella era bailarina, él es escritor falto de ideas. Ambos se establecen en un idílico y solitario pueblecito de la costa francesa por unos días, con idea de que eso les puede venir bien. Allí Michel, el tipo que atiende el bar, viudo, escucha los lamentos de Roland y le da sabios consejos sobre el amor. Por otro lado, conocen a un joven matrimonio de luna de miel, Lea y François, que ocupan la habitación contigua en su mismo hotel, y a los que espían con cierta envidia y deseo por un orificio de la pared. Jolie parece tener en mente cierto cine italiano sobre crisis de parejas, Bertolucci, Antonioni, Rossellini, para decantarse por un ritmo lento y el antiargumento de que no pasa nada, mientras una relación está yéndose al garete. Pero se encuentra lejos de sus modelos, por lo que sobresale más la vacuidad de su propuesta, con un recurrente voyeurismo que agota a cualquiera.

2/10
No llores, vuela

2013 | Aloft

Tercer trabajo de la peruana Claudia Llosa, tras Madeinusa y La teta asustada, con la que obtuvo el Oso de Oro en Berlín en 2009. La sobrina lejana del premio Nobel Mario Vargas Llosa rueda por primera vez en su carrera en inglés, con actores conocidos internacionalmente. En No llores, vuela Jannia Ressmore, joven periodista, le pide a Ivan, experto en cetrería, que la conduzca junto a su madre, Nanna Kunning, una artista y sanadora a la que desea entrevistar. Ivan le conducirá hasta ella, a pesar de que se ha distanciado de su progenitora por un trauma que arrastra desde su infancia. La realizadora mantiene sus señas de identidad, pues recurre de nuevo a temas como la infancia desdichada, el universo femenino y la superación de duros golpes del pasado. Esta vez ha desterrado sus golpes de humor surrealista, lo que confiere a No llores, vuela, mayor entidad dramática que la de sus trabajos anteriores. Además, el guión de la propia Llosa –como suele ser habitual– dosifica muy bien los datos de una historia que el espectador va componiendo poco a poco. Como ha demostrado antaño, la cineasta tiene mano con los actores, por lo que logra el lucimiento de Jennifer Connelly –la madre–, que aprovecha que tiene más papel que nunca. A Cillian Murphy su particular físico le ayuda a componer a un personaje –el hijo– que arrastra desequilibrios, mientras que la siempre eficaz Mélanie Laurent cumple como periodista. En papeles menores también destacan Oona Chaplin (Juego de tronos) y sobre todo el polifacético y reputado barítono William Shimell (Amor). Por momentos, No llores vuela, destila enorme poesía, con sus imágenes del hielo y la cetrería, que adquieren enorme simbolismo. Introduce muy bien elementos de realismo mágico, tan propios de la cultura latinoamericana, en las curaciones milagrosas de la madre. Además acaba siendo un film más positivo que los anteriores de la autora. Pero a No llores, vuela le pesa un desarrollo un tanto irregular, por momentos un tanto pretencioso, sobre todo al recrearse en la filosofía “new age” que divulga el personaje de Connelly. Y concluye de forma poco convincente. Aparte, se nota demasiado que la realizadora se inspira claramente en el cine de Terrence Malick, hasta el punto de que acaba tratando un conflicto muy similar al de El árbol de la vida.

6/10
Ahora me ves...

2013 | Now You See Me

Durante un espectáculo en Las Vegas, un grupo de magos denominado Los cuatro jinetes teletransporta desde el escenario a un tipo elegido al azar entre el público a su banco en Francia para robar una gran cantidad de dinero que reparten entre los espectadores. Investiga el asunto el agente del FBI Dylan Hobbs, que cuenta con la ayuda de Alma Vargas, una detective de la Interpol. Descubren que entre los asistentes al show se encontraba Thaddeus Bradley, un delatador de magos, que sospecha los trucos usados por el cuarteto para llevar a cabo el golpe. Thriller que parte de un guión de Boaz Yakin (director y libretista de Fresh, El precio de la libertad), Ed Solomon (guionista de Men in Black) y el debutante Edward Ricourt, que parecen aplicar al cine las reglas de un buen espectáculo de magia. Primero captan la atención del público con un prometedor punto de partida, y posteriormente se sacan continuos conejos de la chistera para sorprender una y otra vez. Exigen suspender la credulidad en algunos puntos, como la extrema habilidad para el hipnotismo de uno de los personajes, y sus numerosos giros pueden acabar agotando, pero el espectador que se deje llevar pasará un rato ameno. Cuenta además con un elenco muy bien escogido, en el que destacan Jesse Eisenberg, Isla Fisher, Woody Harrelson y un inmenso Mark Ruffalo que le da mucha gracia a su personaje, el policía. Recupera a José Garcia (Utopía), un tanto desaparecido últimamente en un papel muy secundario, y reúne a Morgan Freeman y Michael Caine, tras la saga de El caballero oscuro, que le dan lustre a la función. Con el trabajo de todos se puede pasar por alto la extrema ligereza de la cinta, y que la realización de Louis Leterrier (Transporter 2, El increíble Hulk) no pase de correcta.

6/10
Tren de noche a Lisboa

2013 | Nachtzug nach Lissabon

Adaptación de la novela de Pascal Mercier, cuyos pulcros resultados bien apoyados en la magistral interpretación de un actor, Jeremy Irons, hacen pensar en otra novela llevada al cine, Sostiene Pereira, de Antonio Tabucchi, que contó con el gran Marcello Mastroianni. Raimond Gregorius, maduro profesor de humanidades en Berna, Suiza, impide que una joven materialice su intentona de suicidio. Le pierde la pista, pero conserva en sus manos un impermeable de la desconocida, un libro escrito por el médico portugués Amadeu Prado, y un billete de tren para viajar a Lisboa. Fascinado por el relato que tiene en su poder, que narra las tribulaciones de un grupo de jóvenes que se enfrentan a la dictadura de Salazar, Gregorius abandona su vida gris en Suiza y emplea el billete de tren para averiguar más “in situ” acerca de los hechos que está leyendo, lo que supone para él empezar a sentirse vivo. El danés Bille August apoya su película sobre todo en el trabajo de un Irons que hace absolutamente creíble a su personaje, cómo cambia su modo de ver las cosas, subrayado con su nuevo modelo de gafas. El guión de Greg Latter y Ulrich Herrmann acentúa bien el carácter de misterio intrigante del relato, en lo relativo a la amistad de Amadeu, hijo de un juez bien considerado en el régimen, con Jorge, hijo de un verdulero, puesta a prueba por la atracción que ambos siente por una joven de la resistencia a Salazar, Stephania. Y usa como buen telón de fondo el texto literario de la obra de Prado, como voz en off, y las magníficas posibilidades una ciudad tan preciosa como es Lisboa. Quizá en las escenas de flash-backs se concentran demasiados momentos próximos al folletín, o la mirada política sea algo convencional, pero la elegancia narrativa de alguien tan curtido como August y el poderío de Irons impiden que el conjunto chirríe. También ayuda, y mucho, un trabajo de casting sensacional, aunque pueda también saber a poco la breve presencia en pantalla de Christopher Lee, Charlotte Rampling, Bruno Ganz, Lena Olin, Martina Gedeck... Los más jóvenes, Mélanie Laurent, Jack Huston, Tom Courtenay, August Diehl, están bien interpretando a los personajes en su etapa juvenil.

6/10
Enemy

2013 | Enemy

Coproducción española, en la que ha intervenido Televisión Española, y que cuenta con un guión de Javier Gullón (El rey de la montaña, Invasor), que adapta la novela del Nobel portugués José Saramago “El hombre duplicado”. El hombre duplicado al que sigue Denis Villeneuve en Enemy tiene el rostro de Jake Gyllenhaal. Un anodino profesor de universidad, que convive sin grandes ilusiones con una mujer de la que espera un niño, y que se deja llevar por sus pulsiones sexuales, descubre en una película de vídeo, El que la sigue, la consigue, que uno de los actores con un minúsculo papel de botones es idéntico a él. Aquello acrecienta su ya habitual angustia vital, y trata de contactar con el otro, que también se agobia bastante con la insólita situación. Película difícil y críptica, se supone que se trata de una exploración de la identidad humana y los mecanismos del subconsciente, los enfrentamientos de corte esquizofrénico que experimentamos contra nosotros mismos, aquello que apuntaba san Pablo de que hay una ley en mis miembros por la que hago lo que no quiero, de modo que queremos ser nosotros mismos, pero de otra manera, nunca estamos satisfechos en la situación actual. Lo cierto es que la trama de que somos nuestro peor enemigo, no parece conducir a ninguna parte, con la idea de aproximar de algún modo orden y caos. Como el director de Incendies y Prisioneros es un auténtico especialista en la creación de atmósferas opresivas, sí que consigue transmitir incomodidad, el ambiente de la ciudad con unos edificios que parecen aprisionarte. Uno puede pensar un poco en Enemy, al enfrentarse a determinados elementos surrealistas, en el David Lynch más delirante. Pero todo esto no basta para entregar una película suficientemente sólida, queda la sensación de arriesgado experimento no satisfactorio.

5/10
Requiem pour une tueuse

2011 | Requiem pour une tueuse

Beginners (Principiantes)

2011 | Beginners

  Oliver está triste, muy triste. Su padre Hal acaba de morir, padecía un cáncer. También su madre murió poco tiempo antes de una enfermedad terminal, momento que Hal, tras 44 años de matrimonio, aprovechó para “salir del armario” y explorar su faceta gay. En esa etapa Oliver, artista incapaz de lograr relaciones duraderas con las mujeres con las que ha salido, cuida a su padre, y acepta la “nueva cara” de su progenitor, que se traduce entre otras cosas en una relación con el joven homesexual Andy. Los recuerdos de Oliver de la viudez de su padre se combinan con su situación actual, solo en compañía del perro de Hal, hasta que entra en su vida una actriz francesa, Anna, de la que tal vez se esté enamorando. Tristeza, infinita tristeza. Es lo que trasluce este film escrito y dirigido por Mike Mills (Thumbsucker), basado en su propia experiencia personal, la muerte de sus padres y la homosexualidad del progenitor recién descubierta, recreadas libremente. La nueva relación padre-hijo a partir de los “inputs” de la condición gay y la enfermedad de Hal al descubierto, más el progresivo conocimiento y amor de Oliver y Anna, son los ejes sobre los que se asienta la película. Pero todo traspasado por un “mood” pesado, insoportable, en que se diría que la felicidad es una quimera, un estado deseable pero no alcanzable. Conviven dolor, sufrimiento y tristeza, pero es sobre todo esta última la que pesa como el plomo. Mills, con modos narrativos audaces, voz en off y collages que tratan de entender la época en que Hal no podía hablar abiertamente de homosexualidad, denuncia los prejuicios del pasado, el disparate que sería, desde su punto de vista, tratar de disimular, crear el ambiente falso de una familia “normal”, donde no cabe que él sea gay y ella judía. Pero el cineasta es probablemente consciente de su confusión, de sus propias contradicciones, pues Hal quería a su esposa, de su amor nació Oliver, él quiso mantener la comedia, y se entiende que le fue fiel mientras ella vivió. Y si en la actualidad puede celebrar el orgullo gay, llevar banderas arco iris y poner anuncios de contactos para vivir una promiscuidad semejante a la de su pareja Andy, no está claro que esta “libertad” le haga más feliz que antaño. Quizá lo que se detecta en esta exploración del amor, es la estrechez de miras con que se maneja el concepto, pues al final parece que lo deseable es la autosatisfacción personal del momento, el sentirse a gusto con uno mismo y más o menos comprendido por los seres queridos. Está ausente en todo momento el sentido moral, es como si no existiera, convenciones de épocas oscuras, y la entrega mutua sin condiciones en que consiste el amor se presenta con demasiadas limitaciones. La película cuenta con tres personajes que permiten grandes interpretaciones, y Ewan McGregor, Christopher Plummer y Mélanie Laurent aprovechan la oportunidad. Hay ciertamente momentos muy bien resueltos, como la fiesta donde se conocen Oliver y Anna, en que ella no puede hablar.  

4/10
La redada

2010 | La rafle

Los tristes acontecimientos que acontecieron en julio de 1942 en Paris, durante la ocupación Nazi. La situación para los judíos de la ciudad es difícil. Son obligados a llevar una estrella de David cosida al pecho y se ven excluidos de los parques, los recintos públicos y los cines. A pesar de esto, Jo Weisman, un muchacho judío de 11 años y su familia sobrellevan la situación con cierto optimismo. Hasta el 16 de julio de 1942 cuando su frágil felicidad se verá irremisiblemente truncada. Gendarmes franceses irrumpen violentamente de madrugada en su casa arrastrándolos a autobuses repletos de otras familias judías.Serán conducidos al Velódromo de invierno que se convertirá en un improvisado campo de detención donde se hacinarán más de 13.000 judíos durante 5 días sin agua y sin ningún tipo de atención médica a la espera de ser trasladados a un destino aún más cruel; el Campo de Concentración de Auschwitz.

El concierto

2009 | Le concert

El director rumano afincado en Francia Radu Mihaileanu es de esos cineastas que poco a poco, sin que se note, comienza a labrarse una envidiable filmografía. Ha dado sobradas muestras de su talento con filmes como Traidor (1993), El tren de la vida y, sobre todo, con Vete y vive. En sus filmes, Mihaileanu se descubre como un humanista, un atento observador de las pequeñas y grandes tragedias humanas que él sabe encarnar en personajes de carne y hueso, que llegan al alma del espectador. Normalmente sus historias tienen que ver con la opresión de los desfavorecidos, en especial con las injusticias contra la comunidad judía, de la que él mismo forma parte. En El concierto habla del mismo tema a través de una comedia, también dramática y emotiva, con el mundo de la música clásica como telón de fondo. En su juventud Andreï Filipov fue un consumado maestro musical, prodigioso director de la orquesta del mítico Teatro Bolshoi de Moscú. Pero, treinta años atrás, fue consifderado un enemigo del pueblo por negarse a expulsar a los judíos que había en su orquesta. La consecuencia de esa ‘insurrección’ fue el desmantelamiento inmediato del grupo y la caída en desgracia de todos los instrumentistas. Humillado, Filipov es en la actualidad quien pasa la fregona en el teatro, mientras que sus compañeros músicos, entre ellos su mejor amigo, el violenchelista Sacha, han salido adelante trapicheando en trabajos de poca monta, viviendo prácticamente en la miseria. Sin embargo, por casualidad, mientras limpia el despacho del actual director del Bolshoi, cae en manos de Filipov un fax procedente de París en el que invitan a la orquesta para tocar en el espléndido Théâtre du Châtelet. El antiguo músico idea rápidamente un plan: reunir furtivamente a sus antiguos compañeros y hacerse pasar por la verdadera orquesta del Bolshoi para celebrar en París su primer concierto en tres décadas. Radu Mihaileanu logra una formidable y arriesgada compenetración entre los hondos conflictos dramáticos que se plantean en la trama (y que no conviene desvelar) y un excelente tono de comedia y optimismo que se agradece mucho. El humor, muchas veces de aire surrealista y fuertemente folclórico, y que lo emparenta enormemente con el cine del balcánico Emir Kusturica (Underground), impregna todo el film y encuentra su máxima expresión en la ridiculización del comunismo. La punta de lanza es el divertido personaje del ex agente del KGB, toda una perita en dulce en manos de Mihaileanu (quien, no lo olvidemos, huyó de Rumanía durante la dictadura de Ceaucescu). El tipo es la monda y sigue anclado en la prehistoria, pero no es la única diana del director, pues los actuales oligarcas rusos también se llevan su ración de mofa. En cuanto al drama de fondo, aunque pueda resultar un poquito rebuscado, se juegue quizá demasiado al misterio y se resuelva demasiado cinematográficamente, en general también funciona. Por lo demás, Mihaileanu muestra su pericia en la planificación, el montaje y el ritmo durante la larga escena del Concierto para violín de Tchaikovsky, emocionante centro musical de toda la trama. Los actores, salvo algún desperdicio (como el de Miou-Miou) están todos bien, con mención especial para la rubia Mélanie Laurent (Malditos bastardos) y los secundarios Dmitri Nazarov (en el papel de Sacha) y el inefable François Berléand.

7/10
Malditos bastardos

2009 | Inglourious Basterds

  “Érase una vez... en la Francia ocupada por los alemanes de 1940”. Así empieza Malditos bastardos, frase de Quentin Tarantino que supone toda una declaración de principios, homenaje a Sergio Leone y compañeros, por su peculiar manera de mirar al western y al cine bélico, subrayado por la partitura musical, casi siempre integrada por viejas partituras de Ennio Morricone. Y a la vez, frase con que se inician habitualmente los cuentos y relatos de corte fantástico. El film consta de un prólogo de inusitada fuerza dramática, y la narración se estructura a través de varios capítulos que llevan al esperado momento climático y a un epílogo, donde Tarantino da rienda suelta hasta el paroxismo a su característica violencia paródica. En el primer año de la ocupación, el coronel de la SS Hans Landa, apodado “el cazador de judíos”, rastrea sus piezas en plena campiña francesa. Es toda una secuencia concebida con enorme habilidad, con elementos de western y de puro suspense, que sirve de insuperable tarjeta de presentación de Landa, personaje que ha puesto en el mapa al actor austriaco Christoph Waltz, premiado como mejor actor en Cannes. Shosanna, una joven judía a la que nunca vio el rostro, escapa de las garras de Landa por su irracional indulgencia. Varios años después la chica está en París, y tiene una pequeña sala de cine. Los servicios de propaganda nazis, con Joseph Goebbels a la cabeza, la escogen para estrenar la última película de la UFA, protagonizada por un heroico soldado alemán. Podría ser la ocasión ideal para que Shosanna se vengue de los nazis. Mientras, y de modo independiente, un comando compuesto por judíos americanos, opera en la Francia ocupada matando nazis y arrancándoles la cabellera; los alemanes los conocen con el sobrenombre de “malditos bastardos”. También ellos van a tener la idea de dar un golpe en el cine, aprovechando a una actriz alemana, que colabora con ellos. Tarantino demuestra ser un gran contador de historias, conocedor profuso de sus referentes, buen escritor de diálogos, que sabe definir personajes y sorprender con ciertas audacias que no es cuestión de desvelar. Destaca el tratamiento coral, que permite el lucimiento de todos los actores, hasta de los que tienen menos líneas. Por supuesto, su film es completamente intrascendente, una especie de cómic gamberro y violento, con elementos operísticos, también en las ‘ensaladas de tiros’ que remiten a Leone o al mencionado por él Enzo Castellari, del que incluso toma prestado el título de la película. Ir más allá –hay quien habla de audaz planteamiento de cómo el cine puede cambiar las cosas– parece una lectura un tanto excesiva. Su regodeo en la violencia puede cansar –hay varios momentos que piden apartar la vista–, pero es preciso reconocerle el dominio del medio, y su particular sentido del humor.  

8/10
París

2008 | Paris

El director francés Cédric Klapisch encontró el éxito con el film Una casa de locos en 2002, y repitió buenas críticas con la segunda parte, Las muñecas rusas en 2005. Cuatro años después no ha podido emular la altura de esas obras con París, la película que nos ocupa. Por primera vez se aleja del aire tragicómico de sus otros guiones y entrega un drama coral, de resultado correcto pero falto de la emoción y la vitalidad de sus otros filmes. El planteamiento es atractivo: se trata de ofrecer una visión coral de las vidas de unas cuantas personas que confluyen en París. El nexo de unión es Pierre, un joven a quien han diagnosticado una grave enfermedad de corazón. Ante la perspectiva de la muerte comienza a ver con otros ojos a las personas que le rodean. Ese es el resorte que le sirve a Klapisch para introducirnos en las existencias de un grupo de personajes mínimamente conectados, que pasan su días normalmente, que trabajan, sufren, ríen y buscan el amor: la hermana de Pierre, trabajadora social; el vendedor de fruta y verdura; una guapa vecina que estudia en la universidad; el profesor de ésta, enamorado como un quinceañero; el hermano arquitecto; un emigrante africano; la dependienta de una panadería, etc. Quizá el mayor defecto de la película es haber querido abarcar demasiado. Hay dispersión en la historia y aunque los personajes resultan verosímiles, apenas avanzan e interesan poco. Es cierto que hay algunos momentos logrados, magníficamente ambientados con la escogida música (uno de los puntos fuertes del cine de Klapisch), pero al final sólo planea la idea algo manida de la dura realidad de la muerte, que tarde ayuda a darnos cuenta de la maravilla de estar vivo. Lo mejor son los actores, con especial mención al formidable y cómico Fabrice Luchini y a la sempiterna Juliette Binoche.

4/10
Days of Glory

2006 | Indigènes

Hasta hace poco la sociedad francesa ha cerrado los ojos a la contribución de los indígenas de sus antiguas colonias al esfuerzo bélico de la Segunda Guerra Mundial. Incluso cuando se produjo el fenómeno de la descolonización, el estado acabó retirando las pensiones a las que, como veteranos de guerra, tenían derecho. Por ello este film puede definirse como un acto de ‘justicia poética’, pues viene a poner la injusticia cometida ante la opinión pública, y lo hace con una trama repleta de humanidad, que nos recuerda que los que se encuentran en medio del fragor de la batalla son seres humanos, no importa el color de su piel, o el idioma en que se expresan. El grandioso lienzo de la lucha en Europa, donde se salta de un escenario bélico a otro, no impide, al contrario, la definición de una serie de personajes que vienen del Magreb dispuestos a luchar por los ideales que encarna la República de Francia, a la que consideran como su país, a pesar de que en ocasiones, demasiadas, sean tratados como ciudadanos de segunda.Rachid Bouchareb (Little Senegal), gracias al documentado guión coescrito junto a Olivier Lorelle, sabe dar matices a los distintos tipos humanos que pululan por la trama, que encajan bien en determinados arquetipos, pero sin caer en tópico, con su punto de originalidad. El intelectual, que reclama un trato semejante al de los soldados nacidos en Francia, el analfabeto pero espabilado asistente del sargento, éste que se avergüenza de sus orígenes, los hermanos, muy unidos, el cabrero que encuentra el amor en una linda francesita… conforman una interesante y creíble galería de combatientes, encarnados por un reparto excepcional, premiado justamente en su conjunto en Cannes.En cierto modo, se podría considerar el film deudor de títulos como Salvar al soldado Ryan, donde el fragor de la batalla –son espectaculares las escenas bélicas– no impide fijar la atención en un rico microcosmos. A tal efecto todo el tramo final, que se desarrolla en un pueblecito francés donde la suerte de los civiles depende de los magrebíes, esta desarrollado de un modo que roza la perfección. Su sacrificio frente a los alemanes es heroico, y el modo en que es olvidado, no por mala voluntad sino, y tal vez por ello, peor, porque en el fondo esos hombres no cuentan. La escena en que un soldado trata de recordar a un oficial cierta promesa es conmovedora por esa ‘invisibilidad’ forzada.

7/10
Une vie à t'attendre

2004 | Une vie à t'attendre

Alex regenta un restaurante en París, junto con su hermano Julian y su amiga Camille. Alex está a punto de irse a vivir con Claire, pero antes de hacerlo vuelve a ver a Jeanne, su primer amor. Ésta, que ahora vive casada en Brasil, ha regresado a París después de doce años para visitar a su madre. La atracción entre Alex y Jeanne será difícil de evitar. Los franceses y el amor... Este film se enmarca en el típico drama turbulento francés, lleno de decisiones difíciles y consecuencias fatales. Hay escenas logradas y en general la película se deja ver. Buen trabajo del reparto.

4/10
Snowboarder

2003 | Snowboarder

Gaspar sueña con convertirse en as del snowboard (surf en la nieve), siguiendo la estela de su ídolo, el campeón Josh Attersen. Durante una competición, Gaspar conoce a Josh, que le propone formar parte de su equipo, y entrenarse para el más importante campeonato del mundo, que tendrá lugar en Suiza. Espléndidas secuencias deportivas en la nieve, elevan el interés de una cinta que hará las delicias de los aficionados a los deportes de invierno.

3/10
Besen a quien quieran

2002 | Embrassez qui vous voudrez

Mientras su marido se queda en la ciudad con su amante, Elizabeth pasa unas vacaciones en una pequeña localidad, donde coincide con varias parejas de amigos. Comedia coral, sigue las tórridas relaciones amorosas de un variopinto grupo de personajes amorales. Esta adaptación de una novela del británico Joseph Connolly la escribe y dirige Michel Blanc, que también interpreta un papel, junto a otros grandes nombres del cine galo.

5/10
Galveston

2018 | Galveston

Nueva Orleans. Roy trabaja haciendo el trabajo sucio de un mafioso local. Será enviado a hacer un trabajito nocturno en casa de un abogado, pero en realidad es un trampa ideada por su jefe. Salvará la vida por los pelos y en la casa encontrará a Rocky, una joven desvalida que simplemente estaba en ese momento en el lugar equivocado. Huirán juntos de aquel lugar y marcharán hacia el oeste, hasta hacer escala en un motel de Galveston. Sólida adaptación de la novela homónima de Nic Pizzolatto, autor texano cuyo reconocido prestigio viene unido al éxito de True Detective, serie noir creada por él. Sorprendentemente no se pone detrás de las cámaras ningún aguerrido cineasta de filmografía violenta, sino alguien a quien a priori no se le relacionaría con este tipo de cine: las actriz francesa Mélanie Laurent. La protagonista de El concierto firma así la autoría de su cuarto largometraje, el primero de ellos con producción estadounidense. El resultado es notable al trasladar a imágenes el atormentado mundo de Pizzolatto, un autor que no es precisamente la alegría de la huerta y que se ha encargado también de escribir el guión. Sin apenas personajes secundarios, la película se centra en la pareja formada por Roy y Rocky. Asistimos a sus conversaciones, discusiones y decisiones apresuradas. Ocurren pocas cosas y todo es inestable, pero a su vez cada uno extrae lo mejor del otro. En términos generales Galveston narra el tortuoso y largo viaje de un asesino que será a su modo redimido por el amor. Pero no hablamos aquí de un sentimiento blandito y pasajero, sino de un amor potente y duradero, un amor que es puro sacrificio, medio quizá de expiar las propias culpas. Se inscribe así la historia en el modelo clásico del antihéroe capaz de renunciar a sí mismo hasta el fin. Será un itinerario interior y misterioso, una supervivencia violenta ligada también al fatalismo de este tipo de historias que muestran las bajezas y también las grandezas del ser humano, pero que no dan resquicios a la algarabía de los finales de cuentos de hadas. No se ocurre un actor más adecuado para encarnar a Roy Cady que Ben Foster, un tipo que parece siempre a punto de explotar. A su lado Elle Fanning hace un papel excelente de joven vulnerable que no ha tenido suerte en la vida y que va camino de infelices derroteros. Logra la directora mostrar la dureza y degradación del ambiente en que se mueven ambos personajes, pero se agradece su comedimiento a la hora de explicitar la sordidez y la violencia.

6/10
Plonger

2017 | Plonger

Mañana

2015 | Demain

Un grupo de veintiún científicos de reconocido prestigio publicó en la revista Nature un informe que concluye que en menos de un siglo, los recursos se agotarán, por lo que no será posible la vida tal y como la conocemos. Ante semejante porvenir, Mélanie Laurent, actriz francesa que ha participado en títulos como Malditos bastardos y Enemy, y el también actor y activista Cyril Dion, han dirigido a cuatro manos este documental para concienciar a la población de que se debe actuar. Mañana, financiado a través de una campaña de crowdfunding, se convirtió en un fenómeno de taquilla en el país galo, pero también en Bélgica y Suiza. Obtuvo el Cesar al mejor documental. Se entiende, porque la mayoría de documentales que abordan problemas que van a agravarse en el futuro, acaban siendo casi todos en mayor o menor medida catastrofistas, en la línea de Una verdad incómoda, pero aquí se adopta un tono positivo y constructivo, no se trata de lloriquear, sino de abrir la mente y buscar soluciones. Por ejemplo no se queda en el enésimo recordatorio de que el calentamiento global va cada vez a más, sino que se buscan personas que han puesto en práctica métodos que permiten reducir las emisiones de CO2. La mirada hacia el futuro está dividida en cinco capítulos, dos de temática ecológica (agricultura, energía) y otros tres que dividirían claramente a los espectadores, en función de su ideología política (economía, democracia, educación). El equipo se ha trasladado a diferentes países, en los que se entrevista a diversos personajes. Sobresale el apartado agrario, por sus propuestas de agricultura urbana, como solución para abastecer a la población en el futuro con productos de mayor calidad que los transgénicos. No acaba arrojando nada concluyente, pues al final todo son buenas intenciones, y se queda en bellas imágenes con ritmos melosos, pero se sigue bien y algún que otro testimonio presenta especial interés. 

6/10
Respire

2014 | Respire

Plonger

2017 | Plonger

Mañana

2015 | Demain

Un grupo de veintiún científicos de reconocido prestigio publicó en la revista Nature un informe que concluye que en menos de un siglo, los recursos se agotarán, por lo que no será posible la vida tal y como la conocemos. Ante semejante porvenir, Mélanie Laurent, actriz francesa que ha participado en títulos como Malditos bastardos y Enemy, y el también actor y activista Cyril Dion, han dirigido a cuatro manos este documental para concienciar a la población de que se debe actuar. Mañana, financiado a través de una campaña de crowdfunding, se convirtió en un fenómeno de taquilla en el país galo, pero también en Bélgica y Suiza. Obtuvo el Cesar al mejor documental. Se entiende, porque la mayoría de documentales que abordan problemas que van a agravarse en el futuro, acaban siendo casi todos en mayor o menor medida catastrofistas, en la línea de Una verdad incómoda, pero aquí se adopta un tono positivo y constructivo, no se trata de lloriquear, sino de abrir la mente y buscar soluciones. Por ejemplo no se queda en el enésimo recordatorio de que el calentamiento global va cada vez a más, sino que se buscan personas que han puesto en práctica métodos que permiten reducir las emisiones de CO2. La mirada hacia el futuro está dividida en cinco capítulos, dos de temática ecológica (agricultura, energía) y otros tres que dividirían claramente a los espectadores, en función de su ideología política (economía, democracia, educación). El equipo se ha trasladado a diferentes países, en los que se entrevista a diversos personajes. Sobresale el apartado agrario, por sus propuestas de agricultura urbana, como solución para abastecer a la población en el futuro con productos de mayor calidad que los transgénicos. No acaba arrojando nada concluyente, pues al final todo son buenas intenciones, y se queda en bellas imágenes con ritmos melosos, pero se sigue bien y algún que otro testimonio presenta especial interés. 

6/10
Respire

2014 | Respire

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