Lista de películas distribuidas en DVD por Avalon

  Tercera película como director, del también guionista Robin Campillo, que ha colaborado en varias ocasiones con Laurent Cantet, en títulos como El empleo del tiempo y La clase, con los que comparte cierto aire realista próximo al documental. Además, como responsable de la película La resurrección de los muertos y la subsiguiente serie televisiva Les revenants, esta especie de muertos con vida que son los enfermos de sida a principios de los años 90 del pasado siglo, conectan con los zombies que habitaban las citadas obras. 120 pulsaciones por minuto describe el activismo con amplia repercusión mediática del grupo Act-Up, que en su rama de París nació en 1989. Aglutinaba sobre todo al colectivo homosexual francés que padecía el azote de la pandemia del sida, y que no deseaba quedarse de brazos cruzados ante la inoperancia de los gobernantes. Así, lejos de conformarse con reunir a un grupo de enfermos, lo que trataban era de llamar la atención de la opinión pública mediante una militancia llamativa, en manifestaciones y actos de protesta, sobre todo protestando contra los que consideraba actores ineficaces del drama, entre ellos los políticos y la industria farmacéutica, interrumpiendo actos, y desparramando sangre falsa por doquier. Nathan acaba de incorporarse a las actividades de Act-Up, y pronto se va a enamorar de Sean, uno de los miembros del grupo más combativos, sobre todo porque sabe que tiene los días contados. A pesar de sus numerosos premios, incluido el grande del jurado en Cannes, la película es irregular. Contiene momentos vigorosos, rebosantes de energía, en los momentos de protesta. Otros son reiterativos, de clara intencionalidad didáctica, las asambleas en que todos participan apasionadamente pero con orden y respetando los turnos, decidiendo posturas y actos de protesta, que retrotraen a La clase o al cine social de Ken Loach. En la película se incide en la burocracia o poca sensibilidad administrativa, denunciando la ineficacia de las campañas de prevención acerca de la enfermedad. Pero al mismo tiempo se muestra indulgente en lo relativo a la promiscuidad. Para llegar al espectador, se hace necesaria una historia personal que atrape, de modo que se dibuja el enamoramiento homosexual de Nathan y Sean con esta finalidad. Pero se nota que le mismo Campillo es consciente de esta debilidad, nos falta conocer un poco mejor el drama individual de las personas que vemos, hasta el punto de que incluye una escena en uno explica a otro quién es quién, desvelando rasgos que el espectador no puede sospechar, simplemente porque no estaban integrados en la narración. También se trata de paliar esta carencia en el tramo final, cuando el avance de la enfermedad en uno de los personajes, golpea fuerte en el ánimo de todos los que le rodean. La puesta en escena tiene fuerza, sobre todo los momentos de protestan, las escenas intimistas son convencionales. Hay alguna escena simbólica poderosa, la del río Sena sin duda es una de ellas. Los actores realizan un trabajo interpretativo convincente, sobre todo Nahuel Pérez Biscayart.  

A mediados del siglo XIX Japón vive una época de paz entre los señores feudales. Sin embargo, las ascensión al poder del señor Naritsugu, hermano del Shogun del clan Akashi, puede llevar de nuevo a miles de hombres a la guerra. Naritsugu es un hombre increíblemente cruel, que mata y tortura por placer. Tras uno de sus excesos, el Sr. Doi, oficial del shogun, pedirá en secreto a Shinzaemon, experto samurái, que asesine a Naritsugu. Para enfrentarse a sus tropas, Shanzaemon contará con la ayuda de otros 12 hombres.  El japonés Takashi Miike es uno de los directores más prolíficos, prestigiosos y versátiles de su país. Desde que irrumpiera en 1999 con su durísima Audition, no ha parado de entregar películas de todo tipo, desde el puro terror (Three Extremes), la acción (Crows Zero) o incluso el musical de humor surrealista (La felicidad de los Katakuri). Ahora rinde un apoteósico homenaje al espíritu de clasicismo japonés con una película de guerreros feudales que retrotrae innegablemente a Los siete samuráis de Kurosawa, aunque en realidad es un remake de un film de 1963 dirigido por Eiichi Kudo. La puesta al día es de una gran maestría y por supuesto de un ritmo en las escenas de acción incomparable con su predecesora. El film se puede estructurar en tres partes claramente diferenciadas. Se inicia con los diálogos conspirativos contra Naritsugu, a la vez que se ofrecen escenas desagradables acerca de la crueldad y la psicopatía de este abominable personaje; seguidamente tiene lugar el viaje a lo largo de la selva emprendido por el grupo de asesinos, que pretenden enfrentarse a sus enemigos en territorio favorable y buscan su emboscada en un pequeño pueblo; y en tercer lugar tiene lugar el enfrentamiento. Esta tercera parte dejará al espectador totalmente epatado debido a su larguísima duración: casi una hora de combates entre 13 hombres contras 200, con flechas, lanzas, piedras y por supuesto katanas. En este sentido, y aunque la producción está sumamente cuidada, es muy difícil que muchas imágenes no resulten también reiterativas. Esto se debe, claro, a la propia naturaleza de las mismas –la cámara va de un samurái a otro, mientras va matando todo lo que le sale al paso–, pero también a que hay un tratamiento deficiente de los personajes. Puede decirse que sólo conocemos a seis de ellos –Shinzaemon, su sobrino Shinrouko, su discípulo Hirayama y el cazador Koyata, por un lado; y Naritsugu y su principal guardaespaldas, Hanbei, por otro–, y este handicap lleva consigo cierta falta de implicación emocional, aunque no por eso el film deje de ser muy entretenido. Por lo demás, en una película de este jaez Miike ofrece como era de esperar una visión heroica del mundo samurái, de sus convicciones y su entrega casi ciega a las órdenes de su señor, que ellos ven como su único destino. Pero el director japonés es travieso a su modo y acierta al mostrar un contrapunto muy original –y actual– con el humorístico y gamberro personaje del cazador, quien se ríe de la presuntuosidad de ese mundo de zalamerías y honorabilidad que entonces estaba cerca de extinguirse. En cuanto a los actores, hay que destacar, sin duda, al estupendo Koji Yakusho en el papel de Shinzaemon.

El primer trabajo de Jean-Pierre Melville, se trata de un expresivo corto documental sobre el payaso Beby, al que sigue tras el final de una de sus funciones, con el regreso al hogar junto a la esposa, y el despertar de los recuerdos de su vida mientras repasa algunas fotografías. Permite vislumbrar ya al gran director que llegó a ser Melville.

Una familia del Kurdistán iraní lucha desesperadamente para conseguir dinero para curar a uno de sus hijos que está gravemente enfermo. No parece haber salida, así que la menor de las hijas se ofrece para casarse con un hombre iraní a cambio de que éste cuide de su hermano. La película fue reconocida en Cannes con el premio Fipresci y Cámara de Oro. También el Festival Internacional de Cine de Gijón se fijó en ella y le concedió el premio especial del jurado.

Historia de los hermanos alemanes Max y Emil Skladanovsky, anteriores a los archiconocidos hermanos Lumière, y cómo idearon el bioscopio, primera versión del proyector de películas. Su invento proyectaba 8 imágenes por segundo. Wim Wenders (París, Texas, El final de la violencia) dirigió este título y especial documento cinematográfico en 1995, y el propio realizador hace un cameo en el film interpretando a un lechero. Curiosamente, Wenders trabajó poco después en el experimento Lumiere y compañía.

Adam y Paul son un par de amigos muy colgados, que después de pasar la noche durmiendo sobre un colchón en un descampadado, deambulan por las calles de Dublín, para “pillar” algo. La jornada que abarca el film les lleva a encontrarse con un amigo divorciado que está jugando con su hijo en un parque, y también obtienen noticias de un tercero que era su amigo inseparable, y que murió, seguramente por algo relacionado con la droga. En un pub van a reunirse otros conocidos y familiares, y puede que Adam y Paul acudan.Película irlandesa minimalista, a ratos graciosilla con un humor sobrio a lo Aki Kaurismäki, otras veces la inspiración parece venir del Danny Boyle de Trainspotting, e incluso de esas películas algo surrealistas en que pasan cosas increíbles en la nocturnidad, como Jo, ¡qué noche!. Pero el resultado es inferior, bastante soso y lento, y eso que la película no es muy larga.

Un grupo de difuntos están a punto de cruzar el límite que separa el mundo de los vivos del de los muertos y se preparan para entrar en él llevándose recuerdos de su vida. El director eligió tan solo diez personas de unas quinientas para ser entrevistadas en el film, y la peculiaridad es que los actores profesionales interpretan a los muertos mientras que los aficionados hacen de los vivos. Koreeda realiza una reflexión emotiva y fantástica sobre el tema de la muerte. Anima a aquellos cercanos a ella a repasar su vida y valorar los recuerdos y vivencias porque sería a su entender lo único que queda al final.

Un matrimonio vasco cuya familia ha tenido varias generaciones de hijas, desea concebir un varón, pero pronto tienen una niña, a la que llaman Ami. A pesar de que finalmente nace un niño, la hija pasa toda su vida expuesta al machismo de su padre y abuelo y al desprecio que le tienen por ser mujer. Algo tremendo ocurre dentro del seno familiar que hace que madre e hija dejen de hablarse. El debutante Juanma Bajo Ulloa (Frágil) dirige con tino un magnífico y denso drama con buen ritmo y unas estupendas interpretaciones, especialmente las de sus actrices. Dirección, guión y la actriz principal Silvia Munt recibieron sus correspondientes Goya.

Phil es un reportero alemán, que prepara un artículo para una publicación, recorriendo Nueva York y alrededores. Acompañado siempre de su máquina Polaroid, toma sugerentes instantáneas, pero el caso es que el tiempo pasa y no tiene nada escrito. Su editor le insta a volver a Alemania y entregar su artículo. En el aeropuerto coincide con una mujer y su hijita Alicia. Como hay huelga de controladores aéreos, deben retrasar el viaje y pernoctar un hotel. Cuando quiere darse cuenta, Phil encuentra una nota de la mujer, en que le cuenta que ha ido a tratar de resolver sus problemas conyugales, y le ruega que marcha a Amsterdam con Alicia, ella se reunirá con ellos más tarde. Phil acepta, pero luego la madre no llega a Amsterdam. Obligado a cargar con la niña, trata de dar con el paradero de la abuela, aunque las pistas que ofrece Alicia para encontrarla son escasas. Sensible película de Wim Wenders, recorrida por un poderoso aliento poético. Tiene formato de "road movie", y presenta elementos de la experiencia viajera de Wenders por Estados Unidos, quien maneja bien cierto minimalismo, hasta el original final, un plano estupendo del tren, y que nos da cuenta de que Phil tiene su artículo. Cuenta el cineasta que la trama se la sugirió "Memphis", una canción de Chuck Berry, aunque también toma elementos de "Carta breve para un largo adiós", un relato de Peter Handke. Con gran habilidad el director va delineando los lazos cada vez más fuertes entre Phil y Alicia. Curiosamente, antes de rodar el film, Wenders vio Luna de papel de Peter Bogdanovich, y le entró el pánico, pues le pareció que tenía demasiados elementos en común con su proyecto. Le tranquilizaría su buen amigo Samuel Fuller, que le animó a tener en cuenta que "hay sólo un puñado de historias", y todas son variación de ellas. Protagoniza la cinta uno de los actores emblemáticos de Wenders, Rüdiger Vogler, al que da réplica la pequeña Yella Rottländer, que había aparecido en otro trabajo del director, del que no estaba muy satisfecho, La letra escarlata.

Adaptación de un relato juvenil de Jane Austen, que la propia escritora no publicó en vida. Sigue los manejos de lady Susan Vernon, una viuda con fama de seductora, que acude a Churchill, la casa de campo de su familia política. Ahí el hermano de su cuñada, Reginald DeCourcy, no tardará caer rendido a sus encantos, pese a su inicial reticencia. A la casa llega también Catherine, la hija de Susan, para la cual busca marido, y esté en el punto de mira sir James Martin, que aunque no demasiado inteligente, tiene un atractivo patrimonio. Al conocedor de la filmografía del estadounidense Whit Stillman no puede extrañarle que al fin haya acometido la adaptación de un texto de Jane Austen, pues al director de Metropolitan le encantan los retratos de personajes de la alta sociedad y/o intelectuales que destilan ingenio en sus intercambios dialógicos, un poco al estilo Woody Allen. La intención manifestada por el cineasta –"la esperanza de añadir otro volumen de Austen a la estantería de sus grandes obras de madurez, a través de la película"– resulta ambiciosa y valiente, pues da a conocer a la escritora británica en una faceta donde prevalece sobre todo el humor, muy "british" con su suave ironía, aunque se apuntan sus temas favoritos, la colisión entre la búsqueda del amor y el sentido práctico. Sin embargo el resultado no es del todo satisfactorio, quizá porque entrega un film poco cinematográfico, demasiado teatralizado con sus interiores y una cámara demasiado estática. Se puede disfrutar, el contenido reparto funciona, pero resulta algo sosita; la música está algo descompensada, y la forma de introducir a los personajes con letreros al inicio desconcierta, mirar los letreros impide fijarse bien en quién es quién.

Documental que supone el debut como director de Sacha Gervasi, cuyo mayor mérito hasta el momento es que coescribió el guión de La terminal, de Steven Spielberg. Gervasi ha retratado a la banda de rock canadiense Anvil, de la que fue ferviente seguidor en su juventud en los años 80. Incluso llegó a acompañarles en una gira como técnico, estrechando lazos con los músicos del grupo. Aunque por aquel entonces despertaban pasiones, y prometían convertirse en un auténtico fenómeno, los Anvil cayeron en el olvido. Más de dos décadas después, Gervasi decidió reencontrarse con ellos y descubrir qué había sido de sus vidas. Aunque varios de los integrantes de los Anvil originales han dejado el rock, los dos miembros principales de la banda, Lips (cantante) y Robb (batería), siguen intentando triunfar en el mundo de la música, a pesar de que se han convertido en cincuentones. Trabajan en empleos muy precarios, en empresas de catering o de teleoperadores. Sin embargo, dedican sus ratos libres a preparar el que será su decimotercer disco. En vacaciones, emprenden una gira por diferentes países donde todavía conservan algunos fans. Lo organiza todo Tiziana, la nueva manager de la banda, una nerviosa mujer suizo-italiana que tiene dificultades hasta para hacerse entender en inglés. La experiencia es bastante agridulce: a veces pierden el tren que tienen que coger, otras veces el tipo que les ha contratado se niega a pagarles... Anvil. El sueño de una banda de rock incluye numerosos testimonios de roqueros de renombre, como Slash (Guns N’Roses) y Lars Ulrich (Metallica). No se explican cómo los miembros de Anvil no han logrado triunfar, habiendo sido tan prometedores. Aunque los protagonistas son unos heavys de estética agresiva y pose de tipos duros, con melenas, que hacen canciones sobre Satanás, o tocan con un consolador en los escenarios, curiosamente, Sacha Gervasi logra mostrar su lado humano, y el público acaba entendiéndoles y empatizando con ellos. Son capaces de interpretar una canción sobre torturas y a continuación, expresar sin complejos su amor a la familia. El film es la historia de una gran amistad, pues Lips y Robb llevan siendo inseparables desde que eran adolescentes, y supone un excepcional documento sobre los sueños y la importancia de la perseverancia. Algunos momentos son graciosos, y otros resultan emotivos.

Béla Tarr vuelve a entregar una película tan fascinante como críptica. Con su eterna fotografía en blanco y negro y sus largos y elegantes planos secuencia, parte de una novela de László Krasznahorkai, que él mismo ha guionizado junto al director. El film sigue al joven János, y la narración se inicia en un bar a punto de cerrar, donde a petición de los habituales del local, hace una representación de la armonía del sistema solar, con la tierra girando alrededor del sol, y la luna alrededor de la tierra. Ocasionalmente se producen eclipses, pero siempre vuelve a brillar la luz. Esta descripción del equilibrio cósmico va a contrastar con lo que ocurre después en la innombrada ciudad de János, donde el orden queda alterado por la llegada de un circo en uno de cuyos vagones se encuentra una enorme ballena disecada y maloliente; también viene con el grupo el Príncipe, una especie de misterioso charlatán con desconocidas intenciones. Tünde, tía de Jäno, le pide que convenza a su tío György, estudioso de la armonía musical y del que se ha separado, para que ayude a mantener el orden entre la gente. En realidad le quiere utilizar como pieza de una extraña conspiración en la que participa el jefe de policía.El film de Tarr habla de los miedos que nos atenazan, y de los desmanes que puede realizar una turba incontrolada, pero también el individuo manipulado. Es difícil adivinar el sentido simbólico de algunos elementos, como la ballena varada en el plano final en la plaza del pueblo, que parece desmentir una armonía providente, como si hablara de Dios, piénsese en otra ballena literaria, la imaginada por Herman Melville en “Moby Dick”.

Película generacional, que narra los esfuerzos de un asesino profesional que va a pasar el testigo de su ocupación a un veinteañero en quien cree ver algo distinto a los demás jóvenes en los que no reconoce el código de honor por el que solía moverse. Matthieu Kassovitz adaptó su propio corto de 1992 tras el éxito de El odio. Este film y Assassin(s) son sin duda sus trabajos más personales, luego haría películas que intentan llegar a un público amplio y que han sido menos valoradas.

Adaptación de una novela de Malcolm Lowry, transcurre en México en la noche de difuntos, en vísperas del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Sigue la pista a Geoffrey, el consul británico en ese país, consumido por el alcohol y por un comportamiento a todas luces autodestructivo. La llegada de su hermanastro Hugh, un idealista, y su ex mujer, no parecen mejorar su humor. John Huston ofrece un buen retrato masculino de esos que dominan su casi entera filmografía, bien apoyado por Albert Finney. Lo mejor de la película es el modo en que atrapa la peculiar atmósfera que rodea en México a la conmemoración de los difuntos, mezcla de fiesta, piedad y superstición, con una magnífica fotografía de Gabriel Figueroa.

Repaso a los últimos años de vida del músico Benjamin Smoke, un hombre excesivo en cada una de sus facetas. Además de músico fue poeta, drag queen y una pieza clave del movimiento underground norteamericano de los ochenta. Jem Cohen tiene experiencia en el mundo de la música gracias, entre otras cosas, a varios vídeos que grabó para el grupo R.E.M.

Documental que recoge la vida cotidiana de Calcuta. Con sonido ambiente y sin respaldo musical alguno, vemos a la gente a la orilla del río lavándose, el ajetreo de las calles, cons sus vacas, carritos, autobuses, guardias urbanos, los cláxones... Unos venden sus productos en la calle, otros tocan instrumentos musicales y canten... No se busca ofrecer discurso alguno preconcebido, sino simplemente atrapar la realidad corriente de una ciudad fascinante, donde mucha gente vive en la miseria.

Primer trabajo del director de Entre copas. Se trata de una parodia de la ópera “Carmen”, trasladada a una gasolinera donde uno de los encargados, bastante lelo, se deja engatusar por una preciosidad en el turno nocturno, sirviéndole la gasolina y las golosinas que se lleva gratis total. La cosa no quedará así, y además el pobre donjuán descubrirá que su amada se ha burlado de él. Con la música de Bizet, se urde la inofensiva broma.

David Lynch vuelve a ponerse detrás de la cámara, y el resultado es esta película que cuenta con las virtudes y defectos de sus antiguas realizaciones. La historia se centra en el matrimonio compuesto por Fred Madison y Renée, que viven en un lugar aislado. Un día alguien llama a la puerta. Cuando abren no encuentran a nadie, sólo una cinta de video. El hecho vuelve a repetirse día tras día. Las cosas empeoran, cuando un día la cinta contiene la filmación de un asesinato real. Ahora la vida de Fred se convierte en una auténtica pesadilla... Bill Pullman, Balthazar Getty y Patricia Arquette son el excelente trío de actores que encabeza el reparto de este film inquietante, enfermizo y onírico, absolutamente inclasificable, que incluye traslación de personalidades y revueltas narrativas sin causa aparente. Es decir, David Lynch en el momento más alto de su mundo pesadillesco e insano. La película cuenta con la fotografía de Peter Deming, que sabe recoger ese tono psicodélico que tanto gusta a Lynch. Destaca también la excelente banda sonora a cargo de Angelo Badalamenti, habitual del director.

Godard homenajea a Jean Cocteau en este corto en que retoma con el mismo tono agridulce a su personaje de Charlotte de Charlotte y Véronique o todos los chicos se llaman Patrick. Todo se desarrolla en el interior de un apartamento en que la continua verborrea de Jean, novio de Charlotte, le hace mil y un reproches a ella porque no le hace suficiente caso. Ella, con sonrisa irónica, y haciendo burla a sus espaldas de un modo ambiguo, acaba sorprendiéndonos con su frase final, en que explica su aparición en el apartamento. El mismo año de ese corto, Jean-Paul Belmondo hizo para Godar Al final de la escapada.