Las mejores películas para niños y niñas de 0 a 7 años

El pez payaso Marlin pierde a su esposa y a sus futuros hijos por el ataque de un enorme pez. Poco después, eclosiona el único huevo que ha podido salvar, dando lugar al nacimiento de Nemo. Temeroso de que la tragedia se repita, Marlin prácticamente no deja que su vástago se aleje del arrecife que sirve de hogar familiar, y no es capaz de dejarle solo ni siquiera en su primer día de clase. Para probar su libertad, en un tonto ataque de rabia, Nemo le desobedece y se aventura mar adentro, con tan mala suerte que es capturado por un submarinista. Aunque el barco en el que viaja es más rápido que él, Marlin sigue su estela hasta que desaparece, y luego trata de recuperar unas gafas de buceo que se le han caído, con su dirección. Aunque Marlin lo ignora, se trata de la consulta de un dentista en Sidney, a cuya pecera va a parar Nemo junto con un grupo de peces desquiciados. Si no consigue escapar, acabará siendo un regalo para la nerviosa sobrina de su nuevo dueño. Mientras tanto, Marlin emprende una desesperada búsqueda de su hijo. En su camino le ayuda Dory, una simpática pez que a pesar de sus buenas intenciones sufre síndrome de Korsakov, lo que le provoca que olvide con rapidez los sucesos recientes. Juntos encontrarán inesperados aliados, pero también grandes peligros. El último trabajo de Pixar, pioneros de la animación por ordenador, y creadores de cintas tan memorables como Toy Story y Monstruos, S.A., se ha convertido con toda justicia en la cinta de animación más taquillera de la historia, desbancando a El rey león. Y esto se explica, como es habitual en la compañía, por un guión redondo que combina un tono humorístico a base de diálogos que parecen sacados de la alta comedia clásica, con un trasfondo muy serio que exalta la paternidad. De hecho, el tema central, la sobreprotección de los hijos, proviene del miedo a ser un mal padre del propio director, Andrew Stanton, impulsor del proyecto, y hasta ahora colaborador habitual del máximo responsable de Pixar, John Lasseter, que esta vez ejerce como productor ejecutivo. A mediados de los 90, Stanton pasaba la mayor parte del día en la oficina, dedicando poco tiempo a su hijo, lo que produjo cierto sentimiento de culpa. “Cuando íbamos al parque me pasaba todo el tiempo diciendo: ¡No toques eso! ¡No te metas ahí!”, explica. “Así que al final me di cuenta de que iba a echar todo a perder, y que el miedo puede hacer que la gente se convierta en malos padres”. El guión, dirigido también a los más pequeños, intenta justificar este tipo de comportamientos de los padres, haciéndoles entender que si alguna vez se exceden, es por su propio bien. La parte de la evasión de la pecera se basa en la realidad, exactamente en las visitas infantiles al dentista de Stanton. Cuando el director veía los peces de la consulta, imaginaba que al final idearían un método para salir de allí. Un día le propuso hacer una película sobre esto a John Lasseter, pensando que no le haría demasiado caso. Pero éste le respondió: “Tranquilo, desde que pronunciaste la palabra peces he dado luz verde al proyecto”. Otro de los puntos fuertes de cualquier trabajo de Pixar es la calidad de la animación, de estilo realista. La compañía vuelve a demostrar que es insuperable en su tratamiento de texturas casi reales, aunque quizás les quede por mejorar en las figuras humanas. Además, esta cinta supone un gran avance en cuanto a recreación de líquidos, que por lo visto hasta ahora era la asignatura pendiente de la animación digital, pues no conseguían ser lo suficientemente convincentes.

Fujimoto es un tipo que, harto de los destrozos que el hombre realizaba en la naturaleza, y más concretamente en el mar, decidió dar la espalda a ese mundo contaminado y vivir en el fondo del océano, en un entorno muy especial. Allí conoció a una diosa del mar, lo que le hizo padre de centenares de criaturas con aspecto de pececillos rojos encantadores, aunque con particularidades que les distinguen del resto de los habitantes del mar. Una pececilla de Fujimoto, Ponyo, va a perderse en una red de un barco de pescadores, y tras vicisitudes varias la recoge un niño de cinco años, Sosuke, que vive en lo alto de un acantilado. En contacto con la sangre humana, Ponyo empieza a desarrollar unos dones muy especiales que la aproximan de modo inesperado al mundo de los humanos. Lo que irrita sobremanera a Fujimoto, que trata de rescatar a Ponyo. Otra de las maravillas animadas con que nos suele obsequiar el genial Hayao Miyazaki. Su película es pura poesía, una delicia en cada uno de sus fotogramas. Siguiendo la tradición del 'anime' japonés, demuestra que no es necesario apabullar con las herramientas de ordenador -las usa con mesura y sabe que son eso, herramientas- para obsequiarnos con una historia deliciosa, de personajes bien construidos. Resulta conmovedora la estrecha relación que se establece entre Sosuke y Ponyo, que en un momento dado exigirá una gran prueba de amor. Además, es un encanto la madre de Sosuke, Lisa, una mujer muy activa y decidida -conduce por las serpenteantes carreteras del acantilado con una soltura que ni Fernando Alonso...-, trabaja con empeño en una residencia de anciano -otro acierto, el plantel de viejitas, muy bien presentado- y se plantea bien por ejemplo la decepción cuando su marido Koichi, capitán de barco, anuncia que no estará para cenar una determinada noche. Miyazaki transmite emociones, tan pronto nos conmueve como nos hace reír. O nos hace vibrar en la noche de la gran tormenta, la emoción de las olas que sacuden la costa, y que podrían ser el prólogo de un gran tsunami. Por supuesto, en el diseño de personajes destacan los pececillos, muy graciosos. Miyazaki, director y guionista, demuestra que ni siquiera es necesario contar con un supervillano para sacar adelante una película animada. Llama la atención lo positivos que son sus personajes, la naturalidad con que despliegan sus virtudes, la generosidad, el espíritu de servicio, la alegría, la gratitud. Por supuesto que puede haber reacciones intempestivas, un ecológico toque de atención acerca del descuido en tantas personas de las cuestiones de la naturaleza o una anciana cascarrabias, pero en el cineasta nipón domina un optimismo antropológico muy de agradecer en los tiempos que corren.

Producir el primer largometraje de animación digital de la historia era una empresa más arriesgada de lo que parecía. Pero John Lasseter, máximo responsable de Pixar, tenía claro que no bastaba con su avanzada y sorprendente tecnología. El secreto estaba en un guión ingenioso, crónica de una crisis de identidad. La que sufre Buzz Lightyear, convencido de que es un héroe galáctico, pero que en realidad es un juguete, que ha dejado en un segundo plano a la posesión más preciada de Andy hasta el momento, el sheriff Buddy.

La familia McCallister se marcha de vacaciones. Sin embargo, se olvidan de uno de sus hijos, Kevin (Macaulay Culkin). El niño aprovecha que está solo en casa para hacer las cosas que normalmente sus padres le prohiben: ver los programas para mayores y comer todo tipo de chucherías. Además, hace la compra, la comida e incluso pone la lavadora. Sin embargo, una pareja de ladrones pretende robar en su casa. Lejos de asustarse, el niño intenta defender su casa a toda costa. Para ello, utiliza su ingenio para tender todo tipo de trampas que disuadan a los intrusos. El clásico indiscutible del cine familiar de los años 90, que convirtió en estrella a Macaulay Culkin, que se haría el protagonista absoluto de los filmes posteriores de este género. El productor John Hughes y el realizador Chris Columbus crearon un estilo propio que sería imitado hasta la saciedad, basado en un tono amable y la recuperación de gags propios del cine mudo. Merece una especial reseña la estupenda banda sonora original compuesta por John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias, E.T., el extraterrestre, En busca del arca perdida).

Hay una extraña leyenda sobre un juego de mesa. Alan Parrish es un niño normal y corriente, que vive con sus padres en una bonita casa. Un día encuentra un tablero que se despliega para convertirse en un antiguo juego de mesa. De repente, Alan desaparece tras lanzar los dados que ponen en funcionamiento a Jumanji. Sus padres dedican todos sus esfuerzos en la búsqueda de su hijo, pero es inútil. Ha pasado casi un cuarto de siglo, y dos niños acaban de instalarse con su familia en la misma casa que habitó Alan. Curioseando en el desván, encuentran el juego y deciden probarlo. Nada más tirar los dados, comienza de nuevo la aventura. Alan ha pasado todo ese tiempo dentro del juego, luchando por volver a su vida anterior. Pero los peligros que acechan en el mágico y salvaje mundo de Jumanji son numerosos. Una película de aventuras con una acción constante. Tiene un ritmo frenético que cautiva al espectador desde el principio. Los efectos especiales son espectaculares. Parece que los monos y los elefantes que salen del juego están invadiendo la pantalla. La composición musical original es del prestigioso James Horner. Cualquier niño disfrutará de lo lindo con esta película, producida por Steven Spielberg, y basada en un cuento de Chris Van Allsburg.

Satsuki y Mei son dos niñas que tienen a su madre enferma en el hospital y se acaban de trasladar al campo junto a su fantasioso padre. En el bosque, las niñas hacen amistad con el espíritu Totoro, sólo visible para los niños, y que es una especie de conejo gigante. Cuando reciben un mensaje urgente del hospital, la pequeña Mei decide llevarle a su madre una mazorca de maiz pero se pierde por el camino y es entonces cuando Satsuki pide ayuda a Totoro. Da gusto ver a cualquier edad estos tiernos dibujos animados, obra de ese maestro llamado Hayao Miyazaki (Porco Rosso, La princesa Mononoke). En 1988 dirigió esta maravillosa película, plagada de personajes buenos, serviciales y encantadores, que interactúan en un gran número de escenarios llenos de colorido y detalles. Preciosa película que no pasa de moda, dedicada especialmente a los niños.

En el campo de la animación digital y salvo excepciones, como el humor estilo slapstick de Ice Age: La edad de hielo, prima el modelo establecido por Pixar, con sus soñadores personajes contemporáneos, cuidados guiones pensados para niños y adultos, elementos paródicos, multitud de referencias cinéfilas, etc. Iba en esa línea la excelente cinta de Disney Bolt, en la que se notaba que John Lasseter había tomado el control creativo de la Compañía del Ratón. El codirector de aquella cinta, Byron Howard, y uno de los animadores, Nathan Greno, son los responsables de Enredados (Rapunzel) que toma un rumbo completamente diferente, pues recupera los esquemas de los clásicos de la casa al tiempo que aprovecha las posibilidades de la animación digital. Flynn Ryder, granuja de medio pelo, huye de la ley tras haber robado una corona. Acaba refugiándose en la torre donde vive Rapunzel, joven princesa de largos cabellos, secuestrada cuando era una bebé por la anciana Gothel, porque su cabello tiene poderes mágicos que le devuelven la juventud. Rapunzel ignora su procedencia y piensa que Gothel es su madre, pero ésta no le deja abandonar la torre, y ansía ver el mundo exterior, por lo que pide al recién llegado Ryder, que le acompañe a la gran ciudad, a ver de cerca el lanzamiento de unos farolillos aerostáticos que cada año aparecen en el cielo, coincidiendo curiosamente con el día de su cumpleaños. Como los grandes títulos de Walt Disney –Blancanieves y los siete enanitos, La Cenicienta, La Bella Durmiente o La sirenita– estamos ante una historia romántica de princesas basada en un cuento clásico, en este caso de los hermanos Grimm, con canciones deudoras del musical londinense o neoyorquino, unos secundarios hilarantes, etc. La jugada de ir por este camino les ha salido bastante bien, hasta el punto de que sus inspirados creadores –incluyendo al mítico compositor Alan Menken– han logrado el título más sólido de la productora desde los tiempos de La Bella y la Bestia y El rey león. La animación es de primer orden, tan imaginativa como técnicamente brillante. Llaman la atención detalles como el pelo de Rapunzel, que adquiere las más insospechadas utilidades. El relato tiene mucho ritmo e incluye mucha acción. El punto fuerte es un guión muy cuidado, que a ratos recuerda a fragmentos de grandes clásicos de pícaro momentáneamente unido a una princesa (Vacaciones en Roma) o rica heredera (Sucedió una noche). Es sobre todo acerca de la iniciación a la vida de la protagonista, ilusionada por explorar el mundo exterior y el descubrimiento del amor. Salen también numerosas cuestiones en segundo término, entre ellas la necesidad de perseguir los sueños, el sacrificio por la persona amada, y otras. Incorpora también una divertida crítica a la obsesión por la estética, personificada en Gothel, una villana capaz de todo para mantenerse siempre joven, y que parece inspirada en Cher y sus famosas operaciones de cirugía. La protagonista, idealista con grandes dosis de ingenuidad, sin un pelo de tonta, que evoluciona muchísimo a lo largo del metraje, es todo un hallazgo, así como Flynn Ryder, ladronzuelo reconvertido en héroe, con un punto “canalla”, que como permite suponer su nombre de pila remite a Errol Flynn. Incluso está descrito con gran realismo el personaje de Gothel, que desde el punto de vista de Rapunzel es una madre sobreprotectora pero afectuosa. Destacan asímismo un caballo con un gran sentido de la justicia, un camaleón que cambia de color, y un nutrido grupo de tipos duros de una taberna. La intensidad dramática va en aumento hasta desembocar en un intenso final que evoca a los grandes relatos románticos y especialmente (a pesar de que transcurre por senderos distintos) a “Romeo y Julieta”, de William Shakespeare. Por una vez, se saca tajada al hecho de que la película sea en 3D, en el momento más romántico, cuando resuena el “Dueto” de la banda sonora, y queda en primerísimo primer término un farol que ayuda a reforzar la emotividad del momento.

Simba es el pequeño león hijo del rey Mufasa, y como tal heredero del trono. Vive despreocupado de su destino, jugando con su amiga Nala, y aprendiendo las lecciones de su padre sobre el ciclo de la vida. Pero el malvado Scar, hermano de Mufasa, conspira para derrocar al rey; y con ayuda de sus sicarios, las hienas, convence a Simba para marchar por un camino donde se produce una estampida de ñúes. Al intentar salvar a su hijo, Mufasa muere, y el pequeño, que se siente culpable, decide exiliarse lejos. Primer largo animado de Disney basado en un guión original, y en el que no aparece ningún ser humano. Batió en su momento los records de taquilla de una película animada. Además, ganó dos Oscar por la banda sonora y la canción "Can you Feel the Love Tonight", de Tim Rice y Elton John. El secreto reside en una historia sobre la ambición humana de reminiscencias shakespearianas, en una ambientación sugerente donde se nota que parte del equipo se trasladó a la sabana africana, y en los entrañables personajes, especialmente Timón y Pumba, divertidos secundarios. También destaca la cuidada mezcla de animación tradicional y por ordenador, gracias a la cual fueron posibles efectos realistas de humo, reflejos de agua, etcétera y secuencias muy espectaculares, especialmente la estampida. Contiene acertados mensajes sobre el equilibrio natural, la filosofía del Hakuna Matata (no hay problema), la responsabilidad y la amistad. Aunque la contribución más valiosa de esta cinta ha sido inculcar el amor a la naturaleza entre el público más joven, y no tan joven, pues, ¿cuántos de los espectadores sabían realmente qué forma tenía un suricato antes de conocer a Timón? La cinta se edita por primera vez en DVD e incorpora un novedoso sistema de sonido creado por Disney, el DEH Mix (Disney Enchanced Home Theather Mix). Especificaciones técnicas aparte, este sofisticado sistema amplifica el disfrute de escenas como la de la estampida.

Todo un clásico y una de las películas más inolvidables del mago de la animación Walt Disney, servida en la época de su asociación con RKO, es su largometraje animado más breve, apenas una hora de duración. Probablemente se trate de uno de sus filmes más redondos. El elefantito de un circo se encuentra muy traumatizado debido a sus enormes orejas, que producen las burlas de los demás paquidermos, sólo su madre, la señora Jumbo, le quiere con ternura y le defiende, lo que, en un momento en que le defiende con contundencia, le vale la etiqueta de loco y su encierro en una jaula. Sólo tiene un amigo, un minúsculo ratoncito llamado Timothy. Un buen día, descubre que puede volar con ellas. No tiene la gran calidad técnica que poseen otros clásicos de Disney, pero suple esta carencia con una trama deliciosa y un estilo muy sugestivo que se mezcla con el surrealismo, con algunos pasajes musicales que la emparentan con Fantasía. La letra que señala lo imposible que es siquiera imaginar a un elefante volando de una de las canciones, resulta pegadiza y encantadora.

El león Alex, la cebra Marty, la jirafa Melman y la hipopótama Gloria. Los cuatro animales, recluidos en el zoo de Central Park, en Nueva York, viven cómodamente en cautiverio. Pero Marty siente en cierta medida la llamada de la selva y echa de menos explorar el mundo desconocido, por lo que acaba fugándose en compañía de unos pingüinos. Sus amigos le persiguen para traerle de vuelta, pero cuando le encuentran en la Estación Central, la policía dispara dardos tranquilizantes, para dormir a todos los animales. Al despertar, todos están en un navío con destino a África. Los pingüinos sabotean el barco, que naufraga cerca de Madagascar. Allí, Alex, Marty, Melman y Gloria tendrán que aprender a sobrevivir. Nueva cinta de animación digital de DreamWorks, que sin llegar al nivel de Shrek, lo mejor de la casa en este campo, supera ampliamente a El espantatiburones, otra exitosa creación del estudio. La animación, más sencilla que la de las superproducciones digitales de Pixar, es colorista y caricaturesca. El guión es resultón, pero poco pretencioso, rico en gags humorísticos y alusiones cinéfilas y culturales, y además, perfila bastante bien a los protagonistas. Álex es un león presumido, Marty una cebra soñadora, Melman una jirafa hipocondríaca, y la hipopótama Gloria, la única sensata del grupo. En la sedentaria sociedad moderna, muchos espectadores se sentirán retratados en mayor o menor medida por unos personajes comodones, hedonistas y listillos, que prefieren sacrificar su libertad antes que buscarse la vida.

La Tierra vive un período de glaciación. Es la Edad del Hielo, y la tercera parte del planeta está cubierto por una superficie gélida. Todo bicho viviente debe emigrar a tierras más cálidas para sobrevivir. El hombre también. Lo que pasa es que un grupo, con las prisas, pierde a su bebé. Éste es recogido por Manfred, una mamut, y Sid, un oso perezoso, a los que se agrega más tarde Diego, un tigre de dientes de sable al que todos los elementos apuntan como villano aunque, quién sabe, quizás esconda en su interior un corazón de oro. Cuando puedan, devolverán al crío a su familia humana Así contado, el argumento presenta sin duda raíces absolutamente clásicas, que beben de El libro de la selva y El rey león. Las novedades provienen del disparatado y dinámico humor que salpica el metraje, en la mejor tradición del "cartoon". Y los gags en torno a la evolución y la extinción de especies también tienen un rato de gracia. El film es una nueva muestra de las altas cotas de perfección alcanzadas por la animación realizada mediante ordenador, de los que fueron maravillosas muestras Toy Story, Bichos, Monstruos, S.A. y Shrek. En esta ocasión, tenemos nueva compañía de animación al canto, dispuesta a hacer sombra a las ya asentadas Disney, Pixar y DreamWorks. Blue Sky, que debe su nombre al maravilloso cielo azul que se puede crear con el programa CGI Studio para imágenes de síntesis, fue creada en 1987 por Chris Wedge, casi al tiempo que John Lasseter fundaba Pixar.

Creado en 1902 por el novelista escocés James Barrie, el niño que no quería crecer ha cumplido cien años, pero no ha envejecido, y sus aventuras siguen fascinando a las nuevas generaciones. El niño del País de Nunca Jamás aparecía fundamentalmente en una obra teatral, clásico de las funciones escolares anglosajonas, y en la novela “Peter Pan y Wendy”. Hubo dos lectores que se sintieron especialmente identificados con el personaje, los hermanos Walt y Roy Disney, durante su infancia en Misouri, mucho antes de dedicarse al cine. A principios de los 30, cuando Walt Disney se consagró como el pionero más destacado del campo de la animación, empezó a pensar en una adaptación cinematográfica del personaje, pero aún no se veía capaz de producir un largometraje. Cuando logró estrenar Blancanieves y los siete enanitos, en el 39, compró inmediatamente los derechos de las obras de Barrie. En los 50, la situación era bastante diferente. Walt Disney había fracasado notablemente con Alicia en el país de las maravillas, y comenzaba a acusar la competencia de otros estudios. Probablemente el mago de la animación pensó que Peter Pan era una apuesta sobre seguro, y todavía más si colocaba al frente del proyecto a los tres directores de La cenicienta, que había sido un gran éxito en 1950. El guionista Milt Banta (La bella durmiente), se encontró con que el texto era un magnífico material, pero demasiado extenso (sobre todo en cuanto a los temas que se tratan) para adaptarlo en su totalidad, por lo que su trabajo consistió más que nada en dejar lo esencial. La fascinación que despierta este clásico de la animación en niños y mayores proviene de que muestra algunos de los sueños del ser humano, pero a la vez está presente su lado más oscuro. ¿Qué adulto no ha deseado haberse quedado en la infancia, y qué niño no ha querido vivir sin sus padres y volar? Sin embargo, todos ellos saben que eso no puede ser, tanto como la protagonista femenina, que por cierto se llama Wendy (nombre inventado por Barrie a partir del verbo “to wend” (irse), es decir, la que se irá del País de Nunca jamás. En suma, la que crecerá). Su principal pasión consiste en contarles cuentos de Peter Pan a sus dos hermanos, hasta que un día viene a visitarles en persona, y les propone que le acompañen a su mundo, situado en la “segunda estrella a la derecha”.

Dos destacados colaboradores de Walt Disney combinan sus talentos como realizadores de Frozen: el reino de hielo. Chris Buck había dirigido para la compañía Tarzán, mientras que Jennifer Lee fue la guionista de ¡Rompe Ralph!. Anna, hija menor de los reyes, estuvo a punto de morir de niña por culpa de la habilidad de su hermana, Elsa, la heredera del trono, que crea hielo y nieve por arte de magia. El día de la coronación de Elsa sus emociones se descontrolan, provocando un perpetuo invierno en el lugar. Anna emprende un viaje en su busca, con ayuda del montañero Kristoff. Frozen: El reino del hielo continúa la senda abierta con Enredados, que venía a aplicar a la factoría Walt Disney aquélla vieja consigna 'lampedusiana' de que algo tiene que cambiar para que todo siga igual. Al igual que aquélla, se vale de la animación digital más avanzada (se nota que Pixar ya está completamente integrada en Disney) para recuperar los viejos esquemas de los grandes títulos de la casa. Así, Frozen: El reino del hielo, se inspira en un cuento clásico, en concreto "La reina de las nieves", publicado en 1845 por Hans Christian Andersen, aunque introduce muchos cambios, pues por ejemplo, allí los protagonistas eran hermano y hermana. Incluye además numerosas canciones al estilo de Broadway, creadas precisamente por dos grandes del musical neoyorquino, Robert López ("Avenue Q", "The Book of Mormon") y su esposa Kristen Anderson López. Ambos habían trabajado para Walt Disney, en los temas musicales de Winnie the Pooh, y en la versión teatral de Buscando a Nemo. Su trabajo aquí quizás resulta convencional, pero bastante efectivo. No faltan otras señas de identidad que reconocerán los apasionados, como esos secundarios que siempre han sido el alma de las producciones de la casa (desde Pepito Grillo al cangrejo Sebastián). Frozen: El reino del hielo cuenta con Sven, un expresivo reno, y sobre todo con el simpático e hilarante muñeco de nieve Olaf, al nivel de sus predecesores más recordados. Ambos oscurecen a ratos al plantel protagonista, que sin embargo también derrocha personalidad propia, especialmente las dos hermanas Elsa y Anna. En Frozen: El reino del hielo se mezclan con fluidez las numerosas partes emotivas, con la abundante acción, y los momentos puramente humorísticos. No faltan reflexiones sólidas, especialmente sobre el amor fraternal, que sobrevive a distanciamientos provocados por errores y malas decisiones. Conviene quedarse a ver los títulos de crédito, pues incluye una pequeña broma final en torno al personaje de Marshmallow, enorme y amenazante sicario de hielo. Frozen: El reino del hielo se estrenó en cines en compañía del magistral corto Get a Horse!, de Lauren McMullan, que homenajea a las primeras cintas de Mickey Mouse mediante una imaginativa utilización del 3D moderno.

Pixar, a través de una de sus cabezas más visibles, John Lasseter (director de Bichos y las dos entregas de Toy Story) vuelve a dar en la diana con su última aventura animada. La fórmula funciona a la perfección. Perfección técnica en la animación 3D, sí, pero sobre todo una historia muy bien pensada, con personajes bien perfilados, capaces de interesar tanto al público infantil como al adulto. El film sigue la pista a Rayo McQueen, un automóvil que aspira a ganar la importante Copa Pistón él solito, sin la ayuda de nadie. Audaz en las carreras, Rayo es sin embargo un personaje egocéntrico y sin amigos, que únicamente piensa en el triunfo. Pero sus planteamientos vitales van a cambiar cuando se pierde en la ruta 66, una mítica pista que atraviesa Estados Unidos, y que quedó en desuso con la construcción de la autopista interestatal. Tras una desgraciada peripecia, Rayo debe recalar en la ciudad de Radiador Springs, habitada por autos que llevan una vida tranquila y sosegada, y donde conocen bien el significado de las palabras ‘amistad’ y ‘preocupación por los demás’. Lasseter acierta con la línea narrativa, combinando bien el humor los dilemas de sus distintos personajes. Destaca la caracterización de los autos, con la magnifica idea de que los expresivos ojos ocupen el lugar de los parabrisas, y la boca y nariz el del morro. Y se raya la perfección en la simulación de materiales metálicos de los autos, y en las escenas de velocidad y carreras.

Desde que inició su carrera como animador, a principios de los años 20, y mucho antes de Blancanieves y los siete enanitos, su primer largo, Walt Disney barajaba llevar a la pantalla uno de sus cuentos favoritos, La Cenicienta, el clásico de Charles Perrault. El relato había ilusionado a generaciones enteras, con su mensaje de esperanza sobre sueños que se hacen realidad. Incluso en circunstancias adversas, como las de la protagonista, Cenicienta, que a la muerte de su padre –como es sobradamente conocido–, queda bajo la tutela de su despiadada madrastra, que la obliga a limpiar, fregar platos y hasta hacer la comida para ella y sus hijas –hermanastras de Cenicienta–. En esta versión, Cenicienta cuenta con unos pequeños amigos, Gus y Jaq, dos simpáticos ratones que tratan de consolarla cuando sus hermanas se van al baile que organiza el príncipe para encontrar esposa, y a ella la dejan en casa. Cuando todo se diría perdido, aparece inesperadamente el Hada Madrina de la Cenicienta, una adorable ancianita que a golpe de varita es capaz de crear mágicamente un vestido inigualable para el baile. El propio Walt Disney declaró que se trataba de su favorita entre las numerosas películas que produjo, y que incluía la mejor secuencia que había rodado en su vida: cuando el Hada Madrina entrega el vestido para el baile a la Cenicienta. Por lo visto, Disney se sentía identificado con el personaje, porque había empezado desde cero, vendiendo periódicos en plena calle, y aún así había logrado fundar un imperio. Se trata de una de sus creaciones más universales. De esta adaptación proviene el famoso ‘zapatito de cristal’, que era de cuero en el cuento original. Dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske –responsables de títulos como Peter Pan–, en su elaboración participaron los famosos Nine Old Men (Nueve Sabios) el equipo de animadores de la época dorada de Disney. Estos pusieron en marcha una técnica novedosa que hoy día se usa habitualmente. Contrataron actores para que interpretaran a los personajes y filmaron todas las escenas en imagen real. Este material sirvió para inspirar a los dibujantes, que tomaban bocetos sobre el movimiento real y hasta los gestos de los intérpretes. El personaje central fue supervisado por dos de los mejores artistas de la compañía, Eric Larson y Marc Davis, que la concebían de forma distinta. Para Larson tenía que tener una apariencia de muchacha humilde, mientras que Davis la imaginaba más sofisticada. Entre los dos acabaron llegando a un acuerdo y crearon a la carismática Cenicienta que conocemos. El film obtuvo tres nominaciones a los Oscar, en las categorías de mejor sonido, banda sonora de musical y canción. Esta última candidatura fue para la canción ‘Bibidi-Bobidi-Bu’, en la que el Hada Madrina recita sus famosas palabras mágicas.

DreamWorks mantiene el aceptable nivel de sus producciones de animación digital (Shrek, Vecinos invasores, Bee Movie) con esta divertida parodia de las producciones de artes marciales orientales, protagonizada por uno de los animales más característicos de China central, un oso panda, que atiende al nombre de Po. Aunque sueña con ser un gran experto en kung fu, Po –que es bastante patoso y regordete– se dedica a echar una mano en el restaurante regentado por su padre, el ganso conocido como Mr. Ping (las razones por las que un ganso tiene como hijo a un panda son un completo misterio). Como no quiere desencantar a su padre, Po le hace creer que desea heredar el establecimiento y seguir sus pasos, y le oculta su verdadera vocación. Un día Po acude a la ceremonia en la que se elige quién será el Luchador Dragón, para ver de cerca a los candidatos al título, sus ídolos, los legendarios Cinco Furiosos, alumnos del maestro Shifu. El encargado de señalar al luchador dragón es la tortuga Oogway, viejo maestro de artes marciales, que contra todo pronóstico elige a Po, a pesar de que no tiene ninguna experiencia en kung fu. Según la profecía, el luchador dragón es el único que puede detener a Tai Lung, un vengativo leopardo de las nieves, que está a punto de llegar a la zona para sembrar el caos y vengarse de Shifu, que también fue su maestro. El film tiene como máximos responsables a dos directores poco experimentados pero valiosos, Mark Osborne (curtido en episodios de series como Bob Esponja) y John Stevenson (que ha sido responsable de episodios de la serie Father of the Bride). Osborne y Stevenson han cuidado mucho todos los elementos, sobre todo el diseño de unos personajes que resultan visualmente atractivos, una animación de alto nivel, a pesar de que no es tan impactante como la de las superproducciones de Pixar, y unas secuencias de acción trepidantes, especialmente la que tiene lugar en un puente colgante. El punto fuerte es la concepción gráfica de la cinta que homenajea a la estética oriental. No faltan los guiños a títulos populares de directores que vienen de allí, pues incluye, por ejemplo, una persecución en los tejados muy similar a la de Tigre & Dragón, un palacio idéntico al de Hero y otros detalles, dirigidos a los más cinéfilos. Con un montaje dinámico, los cineastas le sacan mucho partido a un guión inteligente, repleto de buenas dosis de humor, y que parte del viejo esquema del inútil que acaba convirtiéndose en héroe. En consonancia con la ambientación, incluye mucha filosofía oriental simplificada, que a veces parece que caricaturiza a los diálogos de la serie Kung Fu, Karate Kid y similares. A pesar de todo, estas frases son positivas, y apropiadas para el público infantil, sobre la aceptación de uno mismo, el destino o la autoconfianza. Refuerzan un mensaje central, también pensado para ellos, sobre la superación personal a través del esfuerzo. Asimismo, es bastante interesante la visión que se ofrece sobre las relaciones maestro-alumno o paternofiliales.

Con la mejor adaptación de la inmortal obra de Collodi, Disney ganó los merecidos Oscar (mejor música y canción) en 1940. El Hada Azul influya vida a una marioneta, Pinocho, creada por el anciano carpintero Gepetto, deseoso de tener un hijo. Cuando Pinocho dice una mentira, le crece la nariz, y su mayor deseo es convertirse en un niño de carne y hueso, como los demás. Sengundo largo de Disney, rodado en 1940 tras Blancanieves y los siete enanitos. Era un proyecto más arriesgado, porque se basaba en una obra poco conocida: aunque Collodi había tenido mucho éxito a finales del siglo XIX, la gente se había olvidado de ella. Fue el desbordante éxito del film de Disney el fenómeno que acabó convirtiendo la novela original en un clásico, retomado recientemente ppor Spielberg en Inteligencia artificial. El reconocimiento del público tardó porque se estrenó al comienzo de la II Guerra Mundial, por lo que no llegó a Europa hasta 1947.

A la muerte de su esposa, el señor Brown, gestor de una funeraria, debe encargarse de la educación de sus siete hijos. Éstos son un hatajo de diablillos, que han colmado la paciencia de todas las niñeras que han tenido hasta la fecha. La última huyó despavorida, después de que los pequeños salvajes consiguieran hacerle creer que se habían comido al más pequeño de todos. Para colmo de males, la tía del señor Brown, una anciana gruñona que pasa una pensión, le amenaza con echarle de su casa si no encuentra una nueva esposa en el plazo de un mes. De pronto aparece en la puerta de los Brown, como por arte de magia, Nanny McPhee, una mujer de aspecto desagradable. Aceptará el poco apetecible puesto de niñera, a condición de librar los domingos por la tarde; y enseñará a los chicos, con métodos inesperados, cinco lecciones: ir a la cama cuando se les manda, levantarse de forma responsable, vestirse a su hora, escuchar y obedecer órdenes. Emma Thompson ganó un Oscar como guionista, por su adaptación de Sentido y sensibilidad, que también protagonizaba. Ahora, repite esa doble función en esta versión de 'Nurse Matilda', serie de cuentos infantiles escritos en los 60 por Christianna Brand, novelista británica especializada en misterio. La propia Emma Thompson ha comentado que su labor ha sido algo complicada, porque el argumento no se basa en un libro concreto, sino que incorpora elementos de las tres obras sobre el personaje. Incluso tuvo que cambiarle el nombre, para evitar confusiones con Matilda, otro film para niños basado en un libro de Roald Dahl. El cineasta Kirk Jones, desaparecido desde que triunfó con Despertando a Ned, ha logrado mantener la esencia de las clásicas fábulas para niños, componiendo una especie de versión severa de Mary Poppins. El cineasta ha contado con secundarios bastante ilustres, como Derek Jacobi, Imelda Staunton y Angela Lansbury, cuya presencia no parece casual en una cinta que conecta con La bruja novata, uno de sus mayores éxitos. Combina elementos sacados de las comedias sofisticadas de los años 30, con partes que parodian los cuentos infantiles. Presenta una interesantísima visión de la educación infantil, centrada en estimular la propia responsabilidad de los chavales. En realidad, la niñera no les dice lo que deben hacer, sino que deja que lo aprendan ellos mismos colocándolos en situaciones extremas.

El doctor Harvey es contratado para echar a los fantasmas de una mansión. Acude al lugar con su hija, la pequeña Kat, que acabará haciéndose amiga de Casper, uno de los espectros. Casper no quiere asustar a nadie, al contrario que sus tres temibles tíos, Látigo, Tufo y Gordi, dispuestos a echar a cualquiera que intente entrar en su mansión. Recreación en imagen real de las aventuras delpopular personaje de los dibujos. Entretenimiento familiar con cuidados efectos especiales y golpes de humor, destaca una jovencita Christina Ricci.

Gru vive en una siniestra mansión que esconde su cuartel general, donde él y el doctor Nefario construyen los inventos más maquiavélicos. Y es que Gru es un villano de prestigio, un malo de toda la vida. Pero las cosas están cambiando en el mundo de los malvados, donde empieza a haber mucha competencia, especialmente por culpa de los jóvenes talentos como Vector. Por esto Gru prepara el gran golpe de su vida: robar la luna. Para conseguirlo adopta a tres huerfanitas, elementos indispensables para cumplir su plan. Como suele ser habitual, esta película de animación no alcanza el nivel de Pixar, pero es que este estudio está... ¡a la altura de la luna! Sin embargo, Gru ofrece un nivel muy bueno, yendo de menos a más. Los directores debutantes Pierre Coffin y Chris Renaud han hecho realidad la idea original del animador español Sergio Pablos. Han sabido transmitir estupendamente el clásico tema del hombre malvado que va “convirtiéndose” poco a poco, sin apenas darse cuenta. Y es que este Gru tiene un algo del señor Fredricksen de Up. A los dos les cambió la vida una llamada inoportuna a su puerta. Pero no todo es Gru en esta película. Fundamentales resultan las tres huérfanas –simplemente perfectas– y los minions, una suerte de curris de los Fraggle. Estos muñecajos amarillos son unos trabajadores infatigables de Gru. Son divertidísimos y un complemento perfecto de la historia. Los mayores también disfrutarán de lo lindo con estos personajillos así como con los detalles divertidos de la decoración de la casa de Gru (como las bombas-cama) o las críticas a la sociedad actual, donde enseguida se es demasiado viejo porque los jóvenes vienen pisando fuerte y parece no haber sitio para todos. En el apartado técnico hay que reconocer el esfuerzo realizado por aprovechar el 3D. Puede parecer que se limita a obviedades –como los divertidísimos títulos de crédito finales–, pero resulta gratificante teniendo en cuenta la cantidad de películas que venden este formato para luego quedarse en nada. Ya se ha dicho anteriormente, pero en España hay vida más allá de Florentino Fernández. Por increíble que parezca hay señores que se dedican al doblaje en este país. También es bueno saber que hay otros cantantes que podrían participar en este tipo de películas. David Bisbal empieza a ser un clásico –no tanto como Flo– en este tipo de títulos y su canción “Soñar”, que suena en los títulos de crédito, no pega ni con cola con la historia.