Lista de películas puntuadas con 2 en amor

Dick Matthews parte hacia Alaska para hacer fortuna, dejando atrás a su novia. Cuando regresa está comprometida con otro, pero como se ha convertido en un hombre muy rico, ella trata de arreglarlo, con ayuda de su familia. Él acaba fijándose en su hermana, Betty, la única del clan que no parece una egoísta sin escrúpulos. Comedia un tanto disparatada. Aún así brilla como protagonista Ann Sothern.

Palma de Oro en Cannes, el film narra el viaje de una improbable pareja: Max (Gene Hackman), un ex convicto, que va a poner un negocio de lavado de coches; y Lionel (Al Pacino), que quiere conocer a su hijo, nacido cuando estaba en el mar.

Hastiado de su existencia, el juez Thomas Bailey deja Boston para lanzarse a la aventura. Tras encontrar un puesto de trabajo como cocinero en un restaurante de carretera, se enamora de la dueña, a la que ayudará cuando opta a que le den un niño en adopción. Pese a tratarse de un título poco conocido sorprende su crítica a los elementos más superficiales de la vida moderna. También el trabajo como actor principal del poco conocido Alexander Knox, también coguionista.

Agatha Sayers, autora de novelas de intriga, ha logrado un enorme éxito con sus últimos trabajos. Pero deja de recibir noticias de su hija, Sarah, que acaba de ingresar en una prestigiosa universidad. Decide ir al apartamento donde vive la joven, pero ésta ha desaparecido en circunstancias similares al argumento de su ultima novela. Correcto telefilm, que homenajea las obras de intriga de las dos grandes autoras británicas de este género, Agatha Christie y Dorothy L. Sayers, de ahí que la protagonista se llame Agatha Sayers. Los actores le ponen mucha pasión.

Carl Jasper es un gran chef, pero atraviesa una crisis personal. Divorciado de su mujer Inez, no se ocupa todo lo que debiera de su pequeño hijo Percy. Sometido a presión porque va a venir a su restaurante un afamado crítico gastronómico bloguero, su jefe le obliga a no arriesgar en el menú, lo que se traduce en un comentario muy negativo, que acaba volviéndose viral en las redes sociales, de las que Carl es un completo ignorante. Pero puede que no haya mal que por bien no venga, pues es la ocasión de hacerse un replanteamiento profesional, cambiando de aires y volviendo a descubrir el placer de la vida en familia. #Chef es sin duda un proyecto muy personal de Jon Favreau, no en vano el cineasta escribe, dirige, produce y protagoniza el film. Se trata de una agradable comedia de corte familiar –aunque no se evita algún detalle grosero, el tono general es elegante–, hecha con mimo y buen "rollito", narrativamente ágil. En su entramado argumental tiene varios méritos: por ejemplo, aborda la cuestión de las redes sociales, concretamente Twitter, y lo hace de modo imaginativo e instructivo a la hora de hablar de su enorme influencia y su manejo por las jóvenes generaciones. Hay un esfuerzo por dibujar las relaciones entre padre e hijo –bien interpretados por Favreau y el niño Emjay Anthony–, el esfuerzo educativo y de comunicación entre ambos, más lo importante que es para un chaval contar con un papá y una mamá. Y pinta de modo atractivo la riqueza multicultural de Estados Unidos, concretamente la comunidad latina de procedencia cubana alrededor de Miami. Y sin embargo, hay un par de "peros" que se pueden poner al film. Por un lado, la poca capacidad de riesgo a la hora de afrontar las aristas que propicia la historia, aunque sea con el propósito de dejar un buen sabor de boca, nunca mejor dicho en un film de corte culinario y gastronómico. Y por otro, lo muy desdibujados que están casi todos los personajes secundarios, aunque hay que reconocer la capacidad de Favreau para fichar a amigos en pequeños papeles –Iron Man, o sea, Robert Downey Jr., y la Viuda Negra, Scarlett Johansson–, más otros nombres de prestigio como Sofía Vergara, Oliver Platt y Dustin Hoffman. Pero la sensación es que éstos, al igual que Bobby Cannavale y John Leguizamo, están algo desaprovechados, se confía en su fuerza en pantalla y ya está.

Deborah Feldman es una mujer que se educó en el más estricto judaísmo hasídico en Brooklyn, Nueva York. Sentía que su vida no tenía voz y decidió abandonar su pasado ortodoxo. Leyla Hussein es una psicoterapeuta somalí que sufrió de niña la mutilación genital y ahora es una activista contra la ablación e imparte conferencias y realiza grupos de trabajo en todo el mundo. Rokudenashiko es una joven artista japonesa que causó un escándalo en su país por sus reproducciones de vaginas al estilo pop-art, actividad por la que fue arrestada. Doris Wagner es una ex monja alemana que fue violada varias veces en su convento por un sacerdote. Vithika Yadav es una activista de la India que se negó a casarse en un matrimonio concertado y fundó la asociación “El amor importa”. Con Placer femenino Barbara Miller ofrece un combativo documental con las historias de estas cinco mujeres que luchan por reafirmar su identidad en unas situaciones adversas en las que la condición femenina es o ha sido muchas veces sinónimo de esclavitud y desprecio, y en donde a menudo se las cosifica como meros instrumentos de placer y objeto de dominio por parte del hombre. Por medio de entrevistas a las protagonistas conocemos sus historias, siempre duras, al hilo de las cuales hablan de la situación de la mujer en el mundo, muchas veces consideradas personas de segunda clase –también aún en los países occidentales–, y de cómo ellas han afrontado sus problemas. La culpa de todo ello, según Barbara Miller, es de la religión. El documental deja claro que la responsabilidad de las muchas veces penosa vida de la mujer en el mundo recae en primer lugar sobre las religiones. Judaísmo, islam, cristianismo, budismo y sintoísmo son atacadas y señaladas explícitamente como caldo de cultivo para que los hombres hayan modelado las culturas a su manera. Se citan palabras textuales de los libros sagrados de estas religiones para acusarlas de denigrar a las mujeres, aunque otras veces se incide en que el mal proviene de interpretaciones extremistas de hombres que usaron la religión para su provecho. Ni que decir tiene que no hay ejemplos aquí de mujeres que se hayan sentido bien tratadas, consideradas y amadas. En este film sólo hay denuncia. Algunos enfoques de fondo causan menos impacto (aunque no dejen de ser terribles), como el tema de los matrimonios concertados; otras provocan un tremendo horror, como la cuestión de la ablación; y otras son un triste escándalo, como la violación de la monja, quien ya secularizada ataca a la Iglesia con desprecio y llega a afirmar que la existencia del estado religioso no tiene otro cometido que mantener la estructura de poder en la Iglesia. Quizá el enfoque más pintoresco es el de la artista japonesa, cuya personalidad de la protagonista se presta más al humor. Placer femenino quiere reivindicar también el cuerpo de la mujer como algo bueno, lejos del calificativo de tabú con el que muchas veces es considerado, relacionándolo con algo sucio o usándolo únicamente como reclamo en anuncios publicitarios. Barbara Miller cuida el aspecto formal y procura no resultar desagradable para espectadores sensibles, lo que no quita que ofrezca momentos impactantes que buscan concienciar acerca de la crudeza de ciertas costumbres, como la clase práctica que da Leyla Hussein sobre la ablación a unos cuantos jóvenes. Lo hace sobre una gran maqueta de plástico y aun así es espeluznante.

Al salir de la cárcel, tras cumplir condena por uno de los delitos de su padre, un chico se va de viaje de mala gana con éste, un estafador si escrúpulos. El británico Nigel Cole (Las chicas del calendario) dirige esta comedia dramática con reparto de lujo.

Un reparto muy apañado, encabezado por la guapa Diane Lane y el sólido John Cusack –en un papel parecido al que ya bordó en la encantadora Serendipity–, logra que esta simpática historia caiga como un cuento de hadas sobre el espectador de blando corazoncito. Los dos actores encarnan a Sarah y Jake, sendos solteros en busca del amor verdadero, y la casualidad quiere que se conozcan a través de las páginas de anuncios de citas en internet. La cosa tendrá sus obstáculos –errores, malentendidos, otros pretendientes–, pero el amor es siempre el amor, sobre todo en historias de corte clásico como ésta. Destaca por encima de cualquier otro elemento la veterana Stockard Channing, en un papel un poco tarambana, muy “ad hoc” para su perfil.

Drama que narra el enfrentamiento entre dos familias, una rica y otra pobre, a causa de un incendio en un bloque de viviendias. Entre ellas surgirá tanto el odio como el amor. Película que habla sobre la acentuada diferencia entre dos familias pertenecientes a dos clases sociales muy diferentes. Protagonizada por Sylvia Sidney (Sólo se vive una vez), Leif Erickson y Sidney Lumet.

Film patriótico sobre la guerra, que tiene lugar en plena invasión nazi de la ciudad de París. Allí se encuentra una decidida mujer británica que ayudará a escapar a los aviadores aliados. En realidad, la protagonista se basa en la historia verídica de Etta Shiber, una inglesa que, gracias a sus artimañas, logró salvar la vida a cerca de 300 pilotos aliados. La película obtuvo una candidatura al Oscar por la banda sonora de Alexander Tansman. Produce la estrella de los años 30 Constance Bennett (1904-1965), convertida en la gran protagonista de la historia. Sería este film el que marcaría su línea entre la fama y el olvido ya que, a partir de aquí quedaría relegada al mundo de la televisión y sólo reaparecería poco antes de su muerte en Madame X.

Nueva aventura del agente 007, con licencia para matar. Y de nuevo siguen los esfuerzos de los impulsores de la saga para adaptar un héroe con algunos rasgos ‘políticamente incorrectos’ al nuevo milenio. Lo que significa, vale, que James Bond sigue seduciendo a las mujeres, pero éstas tienen buena cabeza, y son capaces de mantener una conversación inteligente con 007, incluso dejándole con la palabra en la boca. En esta ocasión se retoma libremente “Casino Royale”, una novela de Ian Fleming que había sido llevada a la pantalla en clave paródica, en una de las dos entregas no oficiales de Bond. Tras un prólogo en blanco y negro que se diría diseñada para dejar claro que el nuevo Bond, Daniel Craig, es tan duro como el que más, la acción se traslada a África, donde hay una de esas escenas de persecución con mucha pirotecnia, de las que dejan sin resuello. Y a partir de ahí ya podemos meternos en harina: la idea es dejar sin fondos al villano de turno, que realiza crimenes terroristas por encargo. Porque Cifra tiene la mala costumbre de jugar en el casino, y por un problemas con sus acciones de bolsa, necesita urgentemente 'pasta gansa', pues en caso contrario su vida corre serio peligro. Para dejarle fuera de juego, nunca mejor dicho, Bond simula ser un experto en póker. Le ayuda un enlace francés, y su ayudante en la misión Vesper. Gracias a un guión en que ha participado el mismísimo Paul Haggis (Crash), la clásica película de acción Bond cobra más entidad (aunque tampoco exageremos), gracias a unos personajes más esbozados de lo habitual (Bond resulta ser vulnerable y capaz de amar, quién lo iba a decir), y a unos diálogos y situaciones pergeñados con ingenio. Aunque hay algún pasaje disparatado (Bond dispuesto a darse un masaje cardíaco a sí mismo), en general el film funciona. Y que la fidelidad conyugal –en sentido bastante amplio, que quede claro– resulte ser un valor en una película de 007 cabe calificarlo casi de revolucionario. Aunque tuvieramos a un Bond casado y enamorado en 007 al servicio secreto de su majestad.

Julio Medem produce este documental de Ione Hernández, directora que se encargó de rodar varias de las entrevistas de su película La pelota vasca. Medem estudió medicina con la intención de dedicarse a la psiquiatría, pero al parecer cambió de idea cuando descubrió la esquizofrenia, una enfermedad terrible sobre la que existe un gran vacío. Ione Fernández recoge declaraciones de especialistas, enfermos y familiares. Su trabajo cumple su propósito de concienciar a los espectadores sobre la necesidad de dedicar esfuerzos a investigar sobre la esquizofrenia.

Joe Chapin se introduce en la política animado por su esposa Edith, que ansía demasiado el poder y el dinero. El asunto se pone feo cuando tiene que corromper dentro de ese mundo para obtener votos. Chapin se da cuenta que nada de todo esto le hace feliz pero todo cambiará cuando conozca a la joven Kate. Oportunidad para Gary Cooper de protagonizar un drama en torno a la corrupción política aderezado con tintes románticos. Las féminas de la función son Diane Varsi, Suzy Parker y Geraldine Fitzgerald (Cumbres borrascosas (1939)).

Charles tiene un altercado con la policía y su condena será prestar servicios comunitarios. Le encargan restaurar una panadería en un pueblo de Francia. Acostumbrado a la buena vida el ambicioso ejecutivo tendrá que convivir en una humilde casa junto a tres mujeres. Poco a poco Charles comenzará a apreciar la vida sencilla que está llevando y se enamorará de Alice, una viticultora de la zona. Bonita y agradable comedia francesa, bastante tópica por otra parte, pero cuyo argumento está bien contado e incluye correctas interpretaciones.

Simpática comedia italiana dirigida por el especialista Alessandro Genovesi (Soap Opera), escritor teatral, guionista y director de cine, cuyas historias suelen hacer hincapié en la vida cotidiana de las familias, las dificultades y tiranteces en el hogar, siempre servidas con un humor amable. También 10 días sin mamá se caracteriza por su tono eminentemente positivo y ligero y su argumento –un padre en apuros con sus retoños– entronca así con otras comedias del mismo estilo que han tenido gran acogida por el público español, como El mejor verano de mi vida. Aunque ciertamente previsible en su desarrollo, Genovesi logra entretener en todo momento con las cuitas de Carlo, un padre pazguato que se verá avasallado por sus tres hijos –la quisquillosa adolescente Camilla, el inagotable Tito y la pequeña Bianca– cuando tenga que encargarse de ellos a tiempo completo, pues su madre Giulia ha decidido tomarse unas vacaciones. Compaginar esas necesidades familiares con el trabajo en su empresa será una ardua tarea y cada uno de sus hijos dará sus particulares quebraderos de cabeza al bueno de Carlo, quien finalmente sabrá poner en su lugar las prioridades de su vida. Hay gags por doquier, aunque algunos tienen más gracia, como la escena de “pesca” en la oficina, el tema de los dientes o el momento del videojuego. Quizá el conjunto vaya de más a menos en cuanto a originalidad y falte cohesión a la hora de cerrar el círculo. También probablemente se podría haber sacado mayor partido a la rivalidad en la oficina o a la relación del protagonista con la empleada del hogar, pero en cualquier caso se trata de una comedia agradable, rodada con un ritmo correcto y que da una visión alegre y desde luego nada aburrida de la vida familiar. Genovesi cuenta felizmente con su actor fetiche para el papel principal, Fabio de Luigi (Un día sin fin), un tipo eficaz que borda su aspecto de “atontao” de buen corazón a quien le sobrevienen todo tipo de calamidades. Y está muy bien la actriz Valentina Lodovini (Bienvenidos al sur), en los pocos pero intensos momentos en que aparece en pantalla en el papel de la madre.

Las hermanas Strattford son súper: Aunque Kat parece algo muerma, Bianca resulta hiperguay. Cameron acaba de aterrizar en el instituto, pero le basta ver un segundo a Bianca para quedarse colgadito de ella. La pena está en el troglodita padre de las Strattford, que piensa que sus retoños pueden quedarse preñadas en cualquier momento; así que no les deja salir. Pero por Snoopy, que la cosa no quedará así. Comedia de instituto para adolescentes. Caras bonitas de ellas y ellos, unas pocas gamberradas, chistes en torno al sexo... Así discurre el film de Gil Junger, en línea con la ya clásica serie televisiva Sensación de vivir. Dicen que está inspirada en "La fierecilla domada", de Shakespeare. ¡Atiza!

Película basada en la serie de televisiva homónima, que conquistó a los pequeños espectadores de TV3 en España en 1994. En su versión fílmica, la revoltosa Milésima altera a las gentes de Numerolandia. Obtuvo la nominación del premio Goya a la mejor película de animación.

El alemán Roland Emmerich es uno de los reyes del blockbuster, desde que se instaló en Hollywood a principios de los 90. Algo tendrá este director cuando le bendicen, pues lo cierto es que no ha tenido ningún batacazo y alguno de sus trabajosha sidotodo un acontecimiento para las taquillas. Y lo que tiene Emmerich es una habilidad innata para vender lo que rueda, y un sentido del espectáculo que compensa bastante sus defectos narrativos y sus frecuentes momentos surrealistas, estilo presidente de los Estados Unidos al frente de sus tropas en un caza –en su mayor éxito, Independence Day–, o el movimiento de emigración de Estados Unidos a México de El día de mañana. Así debe tomarse 10.000, un cómic de lujo que irritará a quienes se lo tomen demasiado en serio, pero que ofrece momentos muy vistosos, al jugar la baza de los efectos especiales de vanguardia, que ofrecen unos mamuts que parecen de carne y colmillos. El título español resulta confuso, pues no se sabe muy bien si hace referencia a 10.000 guerreros, como en 300, pero a lo bestia. En realidad se refiere al año 10.000 antes de Cristo. Uno se pregunta si la obsesión por el laicismo en la España actual ha provocado que los distribuidores tengan miedo de que aparezca la palabra Cristo en el título, y ése es el auténtico motivo de que rebautizaran así un film que originalmente se llama 10.000 B.C. Tiene muchos puntos en común la película con la mucho más redonda Apocalypto, que debió estrenarse cuando el propio Emmerich y el hasta ahora compositor Harald Kloser, ya tenían cerrado el guión y el proyecto estaba muy avanzado. En ambos filmes, un grupo de indígenas lleva una existencia idílica, dedicados a la caza. Hasta que unos guerreros de una civilización superior asolan su aldea y capturan a varios de los habitantes. En este caso, D’Leh, joven cazador, encabeza una expedición de rescate, pues los captores se han llevado entre otros a su amada Evolet, una joven que presenta un rasgo inédito entre los suyos, pues tiene los ojos azules. La prehistoria de Emmerich, en la que caben hasta pirámides egipcias, es tan fantasiosa que se parece mucho más al mundo mágico de Conan, el bárbaro que a En busca del fuego, que junto al principio de 2001: una odisea del espacio, es hasta la fecha la mejor de las pocas incursiones cinematográficas en los albores de la humanidad. También tiene puntos en común con Stargate, del propio Emmerich, en la que unos hombres prehistóricos convivían con civilizaciones más avanzadas y donde el espectador acababa aceptando cualquier elemento fantasioso. Quizás el error de Emmerich en esta ocasión es que no muestra sus cartas desde el principio, por lo que no acaba de funcionar del todo que de repente aparezcan unas monstruosos aves, unos villanos que usan barcos y son de una era distinta a los protagonistas, e incluso elementos de brujería. Y todo eso a pesar de que sus hombres de las cavernas, de estética rastafari, no resultaban del todo convincentes. El cine se toma muchas licencias en sus películas históricas, a veces sin un mínimo de rigor histórico. Aún así, en cintas como Gladiator, el espectador pone mucho de su parte para suponer que está en la antigua Roma. No ocurre así en este caso, en el que a partir de un punto del metraje deja de ser por completo una cinta prehistórica. Se aprecia un esfuerzo del director –y coguionista– por darle cierto fondo a un relato, que gira en torno al sacrificio en aras del amor, y que acierta al plantearse que los avances técnicos mal utilizados no dan lugar a una civilización mejor necesariamente, sino que eso depende de la finalidad con la que se utilicen. En cualquier caso, que el público sepa que lo que va a ver son secuencias tan apabullantes como la cacería inicial.

Alex y Sergi viven juntos en Barcelona, y tras 7 años de convivencia han decidido al fin intentar tener un hijo. Pero a ella le surge la posibilidad de una estancia de un año en Los Ángeles que podría ser su último tren para convertirse en artista de la fotografía. Aunque a regañadientes, Sergi, que es profesor, acepta la marcha de Alex, y el paso del tiempo pasa factura a la relación: a las charlas diarias vía videoconferencia atravesadas de complicidad, siguen los roces, las incomprensiones y el resentimiento, de modo que lo que al partir era un estrecho contacto, ya no se mantiene con la misma intensa frecuencia. 10.000 km, debut en el largo del cortometrajista Carlos Marques-Marcet, fue multipremiada en el Festival de Malaga, lo que incluye la Biznaga de Oro a la mejor película. Saludada como la última sensación del cine español, puede ser equiparada a la reciente La herida de Fernando Franco en su condición de íntima “obra de cámara” que dibuja la perplejidad y desorientación de los jóvenes que tratan de ubicarse en el mundo y encontrar la felicidad. Todo aderezado con las nuevas posibilidades tecnológicas, que sólo aparentemente acortan las distancias. Sin duda que Alex y Sergi se quieren, y se guardan fidelidad, pero en la sociedad del “pensamiento líquido” pesan demasiado los deseos poco consistentes de autorrealización, los sentimientos demasiado epidérmicos -el sacrificio o la generosidad son puro humo, se desea vivirlos, pero sin saber cómo-, la falta de un proyecto vital sólido en lo referente a formar una familia, la excesiva importancia que se concede al sexo. La distancia es un problema, pero no es, evidentemente, todo el problema de su relación. Comenzar la película con un alarde de plano secuencia que incluye una larga escena de sexo, quizá sea una forma plástica de subrayar que de distancia cero se va a pasar a una distancia oceánica entre los protagonistas, pero no deja de ser una expresión de lo limitada que a veces es la mirada fílmica a lo que debe ser una relación de pareja. El que podríamos denominar tercer personaje de la película, el ordenador, permite algunas originales ideas de puesta en escena, estéticamente originales, pero a veces da la sensación de que el director se entretiene en ellas porque Alex y Sergi no dan más de sí, están estancados, ahogados en un malestar. La estrechez antropológica de la propuesta -la sensación es que Marques-Mercet, director y coguionista, no tiene una mirada existencial mucho más amplia que la de sus protagonistas, los correctos Natalia Tena y David Verdaguer- no impide que, al menos como “foto” sociológica, el film tenga interés. También como cuidado ejercicio de estilo, aunque pagando el precio de la reiteración excesiva, que se trata de aliviar con el humor, a veces algo tosco.

Londres. Un matrimonio en crisis, debido a la infidelidad de él –ex estrella de nacional de rugby– y a la consecutiva infidelidad de ella, que intenta salir de ese estado y ser feliz con sus dos hijos pequeños; otro matrimonio sin hijos que aspira a poder adoptar un bebé; un joven camello que desea salir de la delincuencia y que conoce a un actor que podría ayudarle a vivir un futuro diferente. Tres historias humanas entrelazadas, algunas mínimamente apuntadas, que pinta un panorama dramático en cuanto a la búsqueda de la felicidad y la paz en los ciudadanos del Londres contemporáneo. El director Jim O'Hanlon logra imprimir la intensidad necesaria a cada una de las tramas narrativas, que interesan por igual, gracias a una estupenda labor actoral de un reparto a medias conocido, en donde sobresalen unos fantásticos Idris Elba y Gemma Arterton. La historias, sin dejar de ser realistas, y a menudo trágicas, ofrece una visión medianamente optimista, lo cual no significa que a menudo las vidas de las personas retratadas sean plenas o perfectas, nada más lejos de la vida real.