Lista de películas de la distribuidora Karma Films

En una casa de Goa se reúnen varias mujeres jóvenes, con motivo de la inminente boda de la anfitriona, Frieda, una fotógrafa de éxito. Algunas se conocen entre ellas, otras es la primera vez que se ven. Ahí están Joanna, actriz de Bollywood; Madhureeta, cantante; Suranjana, empresara y madre de una niña; Pamela, ama de casa inquieta; Nargis, activista política; y Laxmi, sirvienta de la mansión. Al inicio de 7 diosas parece que vamos a asistir a una historia costumbrista –varias mujeres indias charlan, ser ríen, conviven en una casa cerca de la playa– pero poco a poco nos damos cuenta de que es mucho más que un mero retrato social de la vida y costumbres indias. El director Pan Nalin (Samsara) ha escrito un film que reivindica la necesidad de un cambio en la mentalidad de la sociedad y las leyes indias, un cambio que deje atrás milenios de tradiciones que hoy en día no parecen tener cabida para el director en un país moderno. Digámoslo claramente, 7 diosas deriva poco a poco desde la comedia al drama trágico, con planteamientos que rozan la película-denuncia, haciendo hincapié en las desigualdades, a veces muy vejatorias, que todavía han de sufrir las mujeres en la India. Pero mucho más discutible es que el guión de Nalin sitúe en el centro de esa perseguida liberación femenina la cuestión de la ideología de género, como si ése fuera el núcleo de la emancipación de la mujer en materia sexual, matrimonial y social. Con un guión elaborado, el director va dando paso a las diferentes historias de las jóvenes protagonistas, porque cada una sufre una situación concreta, lo cual nos hablará de que sus vidas de chicas triunfadoras, hermosas, vitalistas, no es tal, sino que sus corazones albergan mucha tristeza, dolor y resentimiento. Que las chicas sean esencialmente creativas y emprendedoras –fotógrafa, cantante, actriz, alta ejecutiva, etc.– habla a las claras de que el mundo femenino ha cambiado en el país y que cortarles las alas a sus posibilidades no tiene cabida en la actualidad. Quieren tener voz, necesitan tener voz, y la sociedad así lo ve. El plano final es muy elocuente. Y aunque el film haya recibido críticas en su país por el tratamiento de las divinidades hindúes, no por eso se excluye la trascendencia; más bien parte de esa apertura argumental incluiría también la presencia del Dios cristiano. Visualmente 7 diosas es meritorio, rodado con ritmo, a menudo sazonado con canciones y bailes, tan propio del cine indio. Resulta también natural el trabajo coral de las actrices, que encarnan perfectamente sus roles de jóvenes que querían comerse el mundo y que ven cómo la realidad se lo pone difícil. Y está bien reflejada la vulnerabilidad de sus corazones: al tiempo hablan de cosas femeninas, bromean y se ríen, como al instante revelan sus frustraciones en momentos de angustia y llanto.

Este documental cuenta la historia de seis niños ciegos que se propusieron escalar uno de los picos situados en la cara norte del Everest. Para hacerlo contaron con la ayuda de su profesora, la también ciega Sabriye, y del alpinista invidente Erik y su equipo. La gran aventura llena de peligros sirve para profundizar en la realidad que viven estos niños en el Tibet, donde son marginados por la sociedad. Cada una de las historias es sobrecogedora, pero aún lo es más la capacidad de superación y de disfrutar de la vida que tienen los pequeños. Lo más interesante de A ciegas es que no sólo es una historia de superación personal de invidentes. El documental trata temas tan relevantes como la necesidad de comunicación, la capacidad de superación y el sentido último de las cosas. La educadora se pregunta en un momento hasta qué punto es conveniente poner a los niños en un peligro tan grande, ya que la idea original de que entiendan que ser ciegos no supone inferioridad puede quedar relegada en detrimento del triunfo personal que obtendrían los adultos y su causa. Reflexionar sobre lo fácil que es utilizar a un niño cuando puede ayudar a una causa mayor es muy interesante, al igual que hacerlo sobre la necesidad de que los miembros de un grupo sean capaces de comunicarse y ceder en sus pretensiones. Así pues, la historia de los niños ciegos que se convierten en alpinistas se completa con unas extraordinarias pinceladas de moralidad y sentido común, que atañen a todos los seres humanos sin distinción. La inglesa Lucy Walker dirige esta coproducción tibetano-germano-inglesa, que ganó el Premio del Público en el Festival de Berlín. Y es que todo el público podrá identificarse en esta historia donde cada uno de los personajes “abre los ojos” a una nueva realidad. Ya que videntes e invidentes tienen muchas más cosas en común que en contra, como así lo demuestra la gran preocupación que sintió el alpinista Erik Weihenmayer cuando perdió la vista: “No tuve miedo de quedarme ciego y ver la oscuridad. Tenía miedo de quedarme al margen y de que me olvidaran, de ser marginado”.

Con Adiós a la reina, Benoît Jacquot (Villa Amalia) adapta la novela homónima de la especialista en el siglo XVIII Chantal Thomas, traducida a numerosos idiomas, que reconstruye los últimos días en la corte de María Antonieta. Se trata de una coproducción francoespañola con un presupuesto lo suficientemente amplio que permite una convincente ambientación. Recrea los hechos históricos desde la perspectiva de Sidonie Laborde, que ejerce en la corte como lectora de la reina. El 14 de julio de 1789, el pueblo enfurecido toma la Bastilla, pero en Versalles no se sabe muy bien qué ha ocurrido, ni las consecuencias que tendrá esta acción. Sólo llegan rumores, lo que provoca que numerosos nobles abandonen la corte para salvar sus vidas. Laborde, fiel a la reina, decide quedarse a su lado, aunque ésta sólo parece preocupada por salvar sus trajes y joyas, y por la duquesa de Polignac, su joven amante. Adiós a la reina se apoya en un notable trabajo de las tres actrices protagonistas. La alemana Diane Kruger se revela como una María Antonieta ideal, la francesa Virginie Ledoyen resulta creíble como duquesa de Polignac, y la mucho menos conocida Léa Seydoux (Misión imposible: protocolo fantasma) sostiene la mayor parte del metraje del film, que cuenta todo a través de lo que su personaje puede deducir. El realizador ha optado por un estilo cercano al documental, con el que logra un inmenso realismo. Pretende posiblemente distanciarse del estilo irreal y videoclipero de María Antonieta, de Sofia Coppola. Pero finalmente el fondo no acaba siendo tan distinto, pues también viene a contar que la monarca vivía instalada en la frivolidad, la vacuidad y el tedio. Esto tiene su interés, aunque provoca que finalmente el film resulte repetitivo y algo frío.

Aita es una película singular, que a más de uno poco abierto a las gozosas experiencias estéticas puede descolocar, pillar con el pie cambiado. Toda la narración gira en torno a un caserón medieval del siglo XII en el País Vasco, casi invadido por la frondosa vegetación que lo rodea. Muchas historias se han desarrollado en el lugar, enfrentamientos entre familias y otras, si las paredes hablaran... Los que hablan son el guardés de la casa y el cura del pueblo, conversaciones llenas de vida aunque hablen de la muerte. La casa está pegada a la iglesia, y a través de los muros el guardés puede escuchar las voces del magnífico coro. Viene una visita escolar, presidida por la maestra. Unos jóvenes gamberretes irrumpen dentro por la noche. Y cuando no hay nadie, los fantasmas de la casa deshabitada se aparecen en forma de proyecciones espectrales en las paredes, donde los defectos de las viejas películas con escenas de antaño se confunden con las manchas de humedad y los sonidos de la lluvia que cae en el exterior. José María de Orbe se mueve en esa frontera cada vez menos nítida entre la realidad y la ficción. Con planos sostenidos bellísimos, e improvisaciones en la conversación de unos actores no profesionales, entrega una película mágica, que despierta en el espectador sentimientos inefables, nostalgia por la belleza, afán de eternidad. Esta magnífica película se encuentra despojada de los artilugios de la contemporaneidad, no hay móviles, ni internet, ni i-pods, lo más moderno es el cine, pero un cine humano, convertido en recuerdos del pasado.

Interesantísima colaboración entre dos directores debutantes en el largometraje, uno judío israelí (Yaron Shani) y el otro palestino (Scandar Copti). Esta combinación logra que su acercamiento a la situación de los ciudadanos de Oriente Medio sea bastante completa, poliédrica e imparcial. El título, Ajami, hace referencia a uno de los más peligrosos barrios de la ciudad de Jaffa. En ese lugar se entrecruzan las peripecias de varios personajes. Omar y su hermano pequeño Nasri son perseguidos por un clan beduino, después de que su tío disparase contra uno de sus miembros. Éstos han malherido ya a su tío, y han matado por error a un joven vecino. Tras llegar a un acuerdo económico con el vengativo clan, éstos acceden a acabar con la violencia a cambio de una gran cantidad de dinero, que Omar se propone conseguir rápidamente. Mientras, Malek, trabajador ilegal de un restaurante, también busca dinero, para pagar la operación que necesita su madre, ingresada en un hospital. Por último, Dando, un policía israelí, ha sufrido un trauma por la desaparición de su hermano, que servía en el ejército. Los dos realizadores no se han repartido los personajes, sino que han escrito y rodado juntos todas las secuencias. Rodada con un gran sentido del ritmo, mantiene un alto nivel, y crea una gran tensión en todo momento. Retratan a personajes corrientes rodeados de criminales, y sumergidos en un clima de violencia, tratada ésta con gran crudeza y realismo, lo que puede recordar a películas como la italiana Gomorra, y sobre todo a la brasileña Ciudad de Dios, que definitivamente se ha convertido en un punto de referencia para el cine social. Con secuencias de gran interés, como la fría negociación monetaria para acabar con el enfrentamiento, Ajami presenta una realidad mucho más compleja que un simple choque de religiones. Su principal aportación es que explica el punto de vista de los diversos personajes, por lo que el espectador no toma partido por ninguno de ellos. Destacan las espontáneas interpretaciones de actores no profesionales, casi todos debutantes, sacados del mismo barrio donde transcurre la cinta. La película ha sido nominada al Oscar a la mejor película extranjera.

Blanca es una adolescente francesa. Vive en Marsella con su madre, y le encanta el atletismo, siempre está corriendo de aquí para allá. Pero la desgracia se ceba con la chica: su madre muere, y le toca vivir en un centro de acogida. Una vieja carta le permitirá emprender la búsqueda de Manolo García, su padre, en España. Pero con quien se va a encontrar en el madrileño barrio de Vallecas es con Nieves, un anciano capataz de obras, hombre cabal pero todo un carácter. Como siempre sintió no haber tenido hijos, la llegada de Blanca se le antoja un auténtico regalo del cielo. Gabriel Velázquez, formado en el mundo del cortometraje, codirigió su primer largo, Sud Express, con Chema de la Peña. El título, de aires documentales, fue muy alabado por su mirada humanista y solidaria. Ahora, ya en solitario, y con las funciones de guionista, director y productor, insiste en fijar la atención en las personas y sus problemas cotidianos, subrayando con su verismo marca de fábrica la necesidad de amar y ser amados que todos llevamos a cuestas; de hecho el título del film es un juego de palabras, que alude a que en eso de amar todos somos unos aficionados, hay que entrenar todos los días. La historia puede definirse como minimalista, pero la construcción dramática es impecable. Velázquez saca todo el partido a sus actores, no profesionales excepto en el caso de Emilie de Preissac, con experiencia televisiva. La impresión es que algunas de las discusiones que mantienen los personajes son improvisadas, lo que contribuye a que parezcan algo reiterativas, pero sin duda que tienen la frescura de lo auténtico; cabe destacar más los silencios, por ejemplo en el matadero, y la inteligente opción de prescindir de una banda sonora musical; y el verismo de los pasajes en una obra. La especial conexión que se produce entre Blanca y Nieves tiene encanto, está bien perfilada con pequeños detalles, como las diferencias idiomáticas, la inscripción conjunta en la San Silvestre vallecana. Y es bonito el paralelismo que se produce entre esta suerte de inesperada paternidad, y la que va a empezar a vivir Guti, el jefe de Nieves. Hay algún pasaje brusco –esos celos que parece sentir Nieves, y que preparan el camino al desenlace–, pero el balance del conjunto es altamente positivo, con un desenlace emocionante y coherente.

Lisa es una joven rusa, casada con el portugués Víctor, con quien tiene un hijo pequeño, Mauro, que no pronuncia una palabra. Víctor está integrado en un banda mafiosa de medio pelo liderada por la española Fernanda, cuyos miembros se dedican a falsificar y vender papeles para inmigrantes ilegales. Mientras preparan la documentación para tres ucranianos recién llegados, Lisa empieza a verse atraída por uno de ellos, Andrei, con el que podría, tal vez, huir, de la espiral degradante en la que se encuentra atrapada. Sorprendente y dura película portuguesa, que aborda el tema de la inmigración centrando el foco en el submundo de los criminales que se aprovechan de la situación precaria de los que buscan un nuevo mundo, semejante a la América de siglos atrás. João Nuno Pinto, director y coguionista, rueda sin concesiones, evitando cualquier salida del “hábitat” objeto de su estudio, ni siquiera se nos muestra con nitidez a la policía cuando ésta hace su aparición. Con sobriedad y un deliberado “tempo lento” que toma fuerza a medida que transcurre el metraje, logra un ajustado estudio de personajes miserables, humano pero nada complaciente, donde incluso los que tienen mejor corazón están abocados a ejecutar actos terribles en aras de su supervivencia, domina una cierta desesperanza que sólo puede ser aliviada volcándose en la propia familia. Sobresale la fotografía con tendencia al claroscuro de Carlos Lopes, que logra que nos acostumbremos a un entorno desagradable.

Adam (Mark Ruffalo) es un adicto al sexo. Su vida puede cambiar cuando conoce a la bella Phoebe (Gwyneth Paltrow). Lleva cinco años “limpio” gracias a su esfuerzo y al apoyo del grupo de terapia al que acude. Su mentor es Mike (Tim Robbins), padre de familia con problemas en el pasado. A su vez, Adam ejerce de tutor de Neil (Josh Gad), un joven médico con serios problemas para controlar su impulso sexual. Los tres personajes tendrán que lidiar con sus adicciones y los problemas derivados. Debut en la dirección de Stuart Blumberg, guionista de filmes como Más que amigos y Los chicos están bien. Blumberg pone el dedo en el centro de una de las llagas de la sociedad actual, cuya hipersexualización deriva no pocas veces en patologías adictivas que se convierten en un verdadero calvario para sus víctimas. La historia –que aúna tres hilos narrativos diferentes y conectados– está abordada en clave de comedia, pero es muy clara a este respecto y avisa del peligro de dejarse llevar por los bajos instintos que continuamente despiertan todo tipo de agentes externos: la moda, la publicidad, la televisión, Internet, etc. La adicción al sexo –dice el film– destruye a la personas y las convierte en guiñapos cuya autoestima cae por los suelos, seres incapaces de amar, siempre al filo de la navaja, y cuyas acciones pueden causar graves trastornos familiares. Aunque no obvie algunas escenas sexualmente explícitas, Blumberg se muestra realista pero comedido y afortunadamente este panorama lo plantea desde un punto de vista netamente optimista: quizá las cosas pueden cambiar con esfuerzo personal, ayuda externa y ese tipo de virtudes que son las bases de una vida verdadera: la humildad y la sinceridad. El reparto de Amor sin control –¿no hubiera sido mejor traducir directamente el título original por “Gracias por compartir”?– es estupendo y está sobresaliente, y seguramente tiene mucho que ver con el resultado, que si no es notable, sí funciona. Destacar a alguno de los intérpretes sería una injusticia con los demás.

Los esquimales tienen una forma de vida tan diferente, que han dado juego en el celuloide, en Nanook, el esquimal, de Robert J. Flaherty, obra maestra del documental mudo, y Los dientes del diablo, de Nicholas Ray. Esta producción canadiense es la primera película rodada íntegramente en ‘inuit’, el lenguaje de los esquimales. Atanarjuat es un joven esquimal continuamente humillado por Oki, el hijo del actual líder de la tribu. Este último es un usurpador que a su vez mató al padre de Atanarjuat. Llega un momento en que Oki y sus compinches intentan acabar con Atanarjuat, pero aunque asesinan a su hermano, él consigue escapar y despistarles corriendo. El debutante Zacharias Kunuk, canadiense de origen ‘Inuit’, obtuvo con esta película la Cámara de Oro a la mejor ópera prima, en el Festival de Cannes de 2001. Kunuk se basa en una antigua leyenda que le han contado los ancianos esquimales, y que ha pasado de padres a hijos durante generaciones. El director ha recurrido a intérpretes no profesionales que le dan una gran autenticidad a la cinta. Juega en su contra un ritmo premioso y su duración excesiva, teniendo en cuenta que la acción tarda en arrancar. Sin embargo, la fotografía del círculo polar ártico es fascinante, y el film tiene un gran valor documental, como testimonio de la vida cotidiana de los lugareños. Recoge detalles de lo más fascinante, como el desplazamiento en trineo, la preparación de la comida, las cacerías de focas, e incluso la construcción de un iglú, en una secuencia que remite directamente a la citada obra de Flaherty. Al parecer, Flaherty tuvo que falsear el tamaño del iglú para poder meter dentro las pesadas cámaras de la época, pero Kunuk ha podido rodar en uno de tamaño real, gracias a las ligeras cámaras digitales actuales. Sabe retratar a sus personajes con gran humanidad, y acaban resultando muy cercanos sus problemas, pues es una historia universal sobre la codicia, la infidelidad conyugal y la importancia de la familia.

Película basada en el bestseller homónimo de la escritora sueca Åsa Larsson, está claro que el cine nórdico se está abonando al thriller desasosegante con elementos morbosos, del que tan representativas son las adaptaciones, fílmicas y televisivas, de la obra de Henning Mankell y Stieg Larsson. La trama arranca con la aparición del cadáver, con las manos mutiladas, de un popular predicador. Su hermana ha encontrado el cuerpo en la iglesia de la pequeña población sueca de Kiruna, y pronto se convierte en principal sospechosa del crimen. Ella llama a su amiga Rebecka, abogada, que estuvo saliendo con su hermano, para que cuide de sus hijitas. Más allá de lo rocambolesco y poco creíble de la trama, que explota elementos actualmente escandalosos en la Iglesia –y también en otros ambientes–, y da una imagen reduccionista y negativa de la religión -todos son fanáticos, manipuladores e hipócritas-, lo peor de esta película es su inexistente pulso narrativo. La trama está plagada de pasajes torpemente resueltos, hasta la pirueta final del desenlace, que parece es el único 'conejo' con el que cuenta el director Leif Lindblom en su pobre 'chistera'.

Ponijao, Mari, Bayarjargal, Hattie. Epembe, Namibia. Tokio, Japón. Mongolia. Oakland, California, Estados Unidos. Cuatro bebés, niñas, en distintas partes del globo, desde su nacimiento hasta que arrancan a dar sus primeros pasos. Tal es el contenido de este singular documental, un sincero canto a la vida y la maternidad dirigido por Thomas Balmès, que ha hecho suya la idea original de Alain Chabat. Las cámaras han seguido a papás y criaturas durante el tiempo mentado, y las muchas horas de filmación han permitido entregar un film de bellas imágenes con momentos muy naturales –aunque se abuse a veces del naturalismo–, que despierta ternura y sonrisas, aunque también consigue agotar. Hay ideas simpáticas, y hasta el más duro puede conmoverse con un bebé al que hace rabiar su hermanito, el reconocimiento de la mamá que acaba de llegar a casa, las experiencias con distintos animalitos mostradas en montaje paralelo. También podemos ser testigos de distintas costumbres, como la de la tribu himba, donde la madre embarazada se unta el vientre con una tintura roja, o aquella otra que se succiona la leche materna de sus pechos, para luego dársela al crío con el biberón.

El superdotado Ben es a la vez el típico pardillo acostumbrado a ser el blanco de todas las gamberradas del instituto. Su día a día no resulta muy fácil que digamos. Además es hijo de padres divorciados y no es muy comunicativo. Así las cosas, sólo tiene un aliciente para ser feliz. Se trata de un juego informático de rol con el que interacciona en la red con personas de todo el mundo, y concretamente con una jovencita con la que juega en red. Allí las cosas son diferentes, su personaje, Ben X, es un poderoso guerrero al que todo el mundo teme y respeta. Tan metido está Ben en el juego, que la disociación entre el mundo real y el virtual comienza a ser un problema. Pero curiosamente, su confusión de las dos realidades podría salvarlo de su desagradable vida en el mundo real. Esta película de los Países Bajos tiene un tono dramático con el que intenta plantear las dificultades a las que se enfrenta un ser humano que ha creado un mundo a su medida, que choca frontalmente con la realidad circundante. En esta sociedad informatizada hay que valorar el interés de Nic Balthazar por tratar este tema, aunque el planteamiento es mucho más interesante que el desarrollo, francamente reiterativo, combinando animaciones de videojuego y situaciones reales. Resultan agotadoras las torturas que padece el protagonista, como las humillaciones grabadas con el teléfono móvil, repetidas hasta la saciedad. Resulta sugerente la idea de comparar el sufrimiento con el de Cristo en la cruz, pero tal planteamiento no va mucho más allá. El efectismo de la escena del funeral funciona, y al menos sirve para entregar un final irónico pero al menos esperanzado, lo que se agradece, porque la narración invitaba a concluir con violencia, mucha violencia.

Ignacio Salazar-Simpson, hasta ahora felizmente dedicado sobre todo a la producción de largometrajes de gran éxito, como No habrá paz para los malvados, Atrapa la bandera, Ocho apellidos catalanes o Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas, dirige también esta producción propia sobre una de las figuras más eminentes del fútbol español, Santiago Bernabéu (1895-1978), presidente del Real Madrid durante 35 años. El guión de Joaquín Andújar desarrolla cronológicamente las andanzas de Santiago Bernabéu a lo largo de casi todo el siglo XX, hechos que van casi en paralelo con la trayectoria del Real Madrid, club que alcanzó su incólume prestigio mundial gracias a la capacidad de gestión y a la honrada entrega de Bernabéu, quien fuera jugador, capitán, entrenador y presidente de la entidad. A través de numerosas imágenes de archivo, fotografías y grabaciones cinematográficas, asistimos con narración en off a los hitos más señalados de su vida, que, a falta de hijos, siempre tuvieron que ver con el Real Madrid. Al margen de numerosas escenas esencialmente futbolísticas –en donde se recuerdan principalmente los logros europeos en los años 50, los fichajes más emblemáticos, la labor de la directiva, etc.–, que harán las delicias del madridismo, el documental ofrece lógicamente un retrato personal de Santiago Bernabéu, hombre sencillo y de hábitos humildes, pero de ideas sumamente claras y de juicios contundentes (y mano dura a la hora defenderlos). Resulta clarificador el episodio en que expulsó del palco del estadio al general Millán Astray por su conducta indecorosa (algo que ni la mediación del mismísimo Franco pudo cambiar) o sus palabras acerca de que fue el régimen quien se apropió indebidamente de las victorias del Real Madrid, pues el club blanco era sin duda el mejor embajador español fuera de las fronteras. Y fuera de la disciplina puramente deportiva nos encontramos con un hombre que valoraba la amistad por encima de todo, que calaba los hombres al primer vistazo y que sin embargo nunca entendió bien a las mujeres, que amaba el mar y que durante los últimos años de su vida necesitaba pasar largos tiempos de tranquilidad junto a su mujer en su finca de Santa Pola. El film no esconde en ningún momento la admiración por Santiago Bernabéu y por los logros que bajo su mandato cosechó el Real Madrid, pero muestra al hombre con objetividad, lejos de la hagiografía edulcorada.

El 24 de febrero de 2010, la orca Tilikum del parque acuático SeaWorld en Orlando, Florida, atacó a su entrenadora Dawn Brancheau provocando su muerte, por ahogamiento. Los hechos provocaron una investigación del Departamento de Salud y Seguridad Laboral del estado. Este documental de Gabriela Cowperthwaite, presentado en Sundance, sigue la trayectoria del animal, capturado a la edad de 3 años en 1983 cerca de Islandia, y los incidentes en que ha estado envuelto, con el trágico balance de 3 víctimas mortales. Y, partidaria de su liberación, indaga con preguntas razonables sobre las condiciones de cautividad en que viven las orcas y su posible influencia en un comportamiento agresivo, que se estaría ocultando a la opinión pública, y lo que aún sería más grave, al personal que debe manejarlas a diario. ¿Hay una relación causa-efecto entre confinamiento en una “pecera” y comportamiento violento? ¿Resulta razonable que procree un animal -Tilikum es macho- que podría legar a sus descendientes la envenenada herencia de su agresividad? ¿Se ha fabricado una falsa imagen de las orcas? Uno de los grandes méritos de Blackfish es su magnífico sentido del ritmo en la narración, el espectador se ve envuelto paulatinamente por los datos, que muestran que sabemos poco de las orcas, más allá de estereotipos de ficción que pueden cubrir dos extremos, desde el planteamiento de filmes tipo Tiburón como Orca, la ballena asesina, a otros familiares que muestran su carácter juguetón, como si estuviéramos ante una mascota muy inteligente, tipo Liberad a Willy. Cowperthwaite y su coguionista Eli B. Despres saben adoptar un tono desapasionado, esforzándose en aportar los datos de los diversos ataques mortales -incluido uno en el tinerfeño Loro Park- o de feliz resolución -por los pelos-, la política informativa sobre los mismos y las investigaciones subsiguientes. Hay además un buen puñado de testimonios de entrenadores de orcas que vienen a cuestionar a sus empleadores, que no habrían sido transparente a la hora de hablar de algunos riesgos de su trabajo. El problema con filmes como Blackfish es que a veces una de las partes se cierra en banda y no acepta ofrecer su punto de vista, no necesariamente porque duden de la imparcialidad de sus realizadores, sino porque creen que la mera existencia del documental les perjudica. En una sociedad tan mediática como la actual cualquier paso en falso puede pagarse caro, una mala imagen puede hundir negocios, y la postura de los propietarios de SeaWorld ante la filmación del documental fue el silencio; de modo que se echa en falta su defensa -los realizadores sólo pueden recoger sus explicaciones oficiales-, u otras voces de entrenadores que no vean mal que las orcas puedan vivir en cautividad ofreciendo espectáculos de tipo circense. Así que la balanza no puede inclinarse a otro lado que al de resaltar las penosas circunstancias en que viven Tilikum y sus parientes, o al de cuestionar la responsabilidad empresarial de SeaWorld.

Un grupo de budistas abandona temporalmente su retiro en un monasterio para desplazarse a la India. Se trata de una experiencia que interiorizar en sus vidas, acostumbrados al silencio que conduce al equilibrio. Documental del productor Luis Miñarro, realizado en colaboración con el Lama Jimpa Gyatson, supone una morosa mirada contemplativa al budismo, a su característica circularidad e introspección. Todo ello con ritmo pausado, desde la admiración a su estilo de vida, al vaciamiento de uno mismo para sumergirse en la meditación.