Lista de películas de la distribuidora Filmax

La vida de Ramón parece ir a las mil maravillas. Joven, casado, con un hijo y otro en camino, es un ejecutivo experto en marketing muy bien valorado en su empresa. Pero el diagnóstico de una esclerosis múltiple le cambia la vida. Empieza a notar las limitaciones de la enfermedad, aunque logrará sobreponerse gracias al apoyo de la familia y a una meta insólita: prepararse físicamente para participar en un triatlón y hacer así un “Iron Man”. 100 metros –una alusión a la predicción hecha al protagonista, de que llegaría el momento de que sería incapaz de recorrer por sí solo esa distancia– es una película inspirada en los hechos reales vividos por Ramón Arroyo y su familia, cargada de buenas intenciones, que desea aleccionar sobre las dificultades de sobrellevar una enfermedad degenerativa, para el afectado y los que le rodean, con el propósito de transmitir esperanza. Una meta loable, y a la que la productora nunca ha sido ajena, Filmax ha producido previamente la exitosa serie televisiva sobre niños con cáncer Pulseras rojas. Marcel Barrena, guionista y director, había abordado el mundo de los enfermos que se proponen metas increíbles en el documental Mundo pequeño. Aquí reincide en el tema, pero en el terreno de la ficción, buscando combinar el dramatismo de la trama con algo de humor que permita respirar; un propósito al que ayuda la presencia en el reparto de Dani Rovira y Karra Elejalde, que vuelven a hacer de yerno y suegro tras Ocho apellidos vascos y su secuela. Curiosamente, lo que mejor funciona es la interacción de Rovira con auténticos enfermos de esclerosis, mientras recibe tratamiento, pasajes que recogen algunos de los miedos y oscuridades que se presentan. En cambio la relación con la esposa y el hijo no está demasiado desarrollada, mientras que se da demasiado juego al tencontén entre el protagonista y su suegro Manolo, muy distintos y que no se llevan bien, pero que acaban beneficiándose mutuamente de su compañía, con el segundo ejerciendo de entrenador. Toda la subtrama amorosa de Manolo, su viudez y un nuevo interés amoroso, el background de ciclista, resulta demasiado convencional y traido por los pelos. Por supuesto, el tramo final se adscribe al subgénero del drama deportivo, la competición, con la emoción consiguiente de si el protagonista logrará culminar su sueño.

Una película de atracos que juega a la intriga, porque se guarda argumentalmente varias cartas en la manga. Seguimos a Raquel, que escoge cuidadosamente una sucursal bancaria de Bilbao para solicitar un crédito. Necesita 35.000 euros –o sea, 70 binladens, en el argot delictivo así se conocen los billetes de 500 euros–, para el tratamiento de una enfermedad de su hijita, o eso asegura al director de la entidad. Pero justo cuando se está tramitando loa operación, una pareja de ladrones asalta el lugar. Las cosas se complican y el atraco se convierte en una situación con rehenes, en toca negociar con dos especialistas de la ertzaintza, la policía autonómica vasca. Curiosamente Raquel va a convertirse en una especie de intermediaria, por la torpeza de los atracadores. Koldo Serra tiene a sus espaldas una larga década de experiencia como cineasta desde su debut en el largo de Bosque de sombras, un thriller que prometía más de lo que daba, ahí está la ambiciosa Gernika, sobre el bombardeo a esta población durante la guerra civil, que también dejaba parcialmente insatisfecho al espectador. El caso es que 70 binladens, sin ser una película perfecta, resulta mucho más redonda. El director maneja bien los recursos del género, con escenas típicas en torno al nerviosismo de los atracadores, la negociación con la policía y la actitud de los rehenes. Sin duda que lo más novedoso es el comportamiento singular de la protagonista, muy bien interpretada por Emma Suárez, su manejo de la situación, conversando con asaltantes y policía, despierta el interés acerca de por qué es alguien tan especial. Los toques humorísticos y de crítica social con la crisis económica y de valores como telón de fondo, pueden hacer pensar en El mundo es nuestro, pero los giros y sorpresas, y las conversaciones telefónicas, también remiten a la exitosa serie La casa de papel.

Adaptación al cine de "Sunshine on Leith", de Stephen Greenhorn, que obtuvo una excelente acogida en los escenarios británicos, tras su estreno en 2007. Sigue la línea de otros musicales nostálgicos que recopilan las canciones de conocidos conjuntos musicales "jukebox", como Queen, en "We Will Rock You", o Abba, en Mamma Mia!, que también conoció su correspondenciente adaptación a la pantalla. Amanece en Edimburgo cuenta con los conocidos temas de The Proclaimers. Dos jóvenes –buenos amigos– regresan de la Guerra de Afganistán. Uno de ellos, Davy, se enamorará de Yvonne, mientras que el otro, Ally, hace lo propio con Liz, hermana del primero, a la que pretende pedir en matrimonio aprovechando la celebración de las bodas de plata de los padres de ella, sus futuros suegros. Pero una revelación del pasado está a punto de dar al traste con el matrimonio de estos últimos. Como en otros musicales, el argumento acaba resultando muy sencillo, y sirve de enlace entre las diferentes canciones, en este caso muy bien integradas. Amanece en Edimburgo despierta la nostalgia del público más veterano, que reconocerá los éxitos más pegadizos del conjunto escocés, compuesto por los gemelos Charlie y Craig Reid, entre los que se lleva la palma el legendario "I'm Gonna Be (500 Miles)", con uno de los estribillos más tarareados de la historia: "I would walk five hundred miles". El veterano Peter Mullan (que se permite hasta cantar un tema con su voz grave) destaca en un reparto bastante ajustado. El film está rodado con frescura, con coreografías sencillas pero eficaces, y cierto aire a cine social británico a lo Ken Loach, en la descripción de personajes humildes, pero con un tono amable, sólo roto por algún detalle 'gamberro'. Gira en torno a la dificultad para mantener el amor, lo que resulta complicado en un mundo globalizado en el que los traslados laborales son cada vez más frecuentes.

Álex –muchacha que se autolesiona con brutalidad a diario– está muy unida a Abraham, su vecino, desde la infancia de ambos. Pero éste acaba de iniciar una relación con Anchi, una compañera del instituto, por lo que empiezan a distanciarse. Además, el chico no puede evitar comportarse de forma extraña, pues vive una situación muy dura en casa, ya que su progenitor tiene problemas económicos que podrían hacerle cerrar la tienda que regenta, mientras que su madre parece ausente. Segundo trabajo del tándem formado por Laura Alvea y José F. Ortuño, tras la desconocida The Extraordinary Tale of the Times Table. Estos realizadores y guionistas demuestran cierta imaginación a la hora de componer imágenes potentes, y un exceso de devoción al cine que les hace abusar de homenajes más o menos explícitos, por ejemplo a la escena de la ducha de Psicosis, al surrealismo de David Lynch y a las atmósferas de terror de John Carpenter. No se distinguen como buenos directores de actores. Ni los jóvenes Clare Durant (Centro médico) e Iván Pellicer (Fugitiva) consiguen hacer creíbles unos personajes un poco acartonados, ni acaban de convencer los veteranos Luis Bermejo y Ángela Molina. Todo se agrava porque hasta que se entiende lo que está ocurriendo en un giro a mitad de la película, el espectador contemplará lo que ocurre desde fuera, sin involucrarse en la acción. Sobran los sustos efectistas.

Asher, de 17 años, es hijo de padres separados. Vive con su padre, de edad avanzada, dueño de un pequeño negocio de andamios. Asher ayuda a su padre en el trabajo, al tiempo que acude a un instituto. Allí, a pesar de ser muy mal estudiante, recibe el apoyo de un profesor. Pesarosa película israelí, debut de Matan Yair como director y guionista de ficción. Yair plantea un film interesante –a priori– sobre las dificultades para salir adelante de las personas con menos oportunidades para prosperar en la sociedad. Sin embargo, la sensación es que se le va la mano con su personaje protagonista. Individualista, asocial, maleducado, corto de miras, da muestras de un déficit de atención llamativo, lo cual pudiera ser simple indisciplina. Asher se comporta en todo momento como un niño pequeño, es incapaz de mantener una conversación con un mínimo de respeto por los demás, no acepta que se le contradigan, no escucha. Tan sólo su padre parece tener autoridad sobre él, pero es una ascendencia áspera, que parece distar bastante del cariño. Es posible que Yair haya sido empujado por un afán de ser realista y no dejarse llevar por sentimentalismos, pero el hecho es que sus personajes no atraen y Aprendiendo a vivir no consigue empatizar con el espectador. Aunque hay un giro importante en el guión que supuestamente debería agitar la historia considerablemente, Yair no la hace progresar lo suficiente y el conjunto, pese a ser sugerente (las consecuencias de una infancia sin amor), promete más de lo que da y acaba resultando demasiado monótono. Y, por cierto, el título original, “Andamio”, respondería más a la sequedad y realidad del film, también por su contenido metafórico de ascender paso a paso en la vida, con extrema dificultad.

El joven estudiante Francisco Garralda debe dinero a un mafioso que le echará de su casa si no paga. Por suerte está a punto de terminar su carrera universitaria y se podrá buscar una ocupación. Pero a la hora de las notas se ha quedado en un cuatro en psicología, por lo que acude a hablar con el profesor. Éste le propone un inquietante trato: le aprobará a cambio de acabar con su vida. De esta forma, su esposa inválida cobrará su seguro de vida y se podrá someter a una esperanzadora operación. Desde luego, semejante punto de partida tiene una ventaja, pues a diferencia de la gran mayoría del cine español, despierta la curiosidad del espectador. Se esfuerza notablemente por dosificar la intriga y mantener este interés el sevillano Gonzalo Bendala, que debuta como director y coguionista de largometrajes, tras una larga carrera como cortometrajista y productor de títulos como Los niños salvajes, de Patricia Ferreira. Ya el mero hecho de confeccionar un film de género que distraiga al respetable tiene su mérito en el panorama del cine español. Pero sus giros son completamente incoherentes (el profesor no colabora en su asesinato y se esfuerza por salvarse, le cuenta todo innecesariamente a la novia de su ejecutor, etc.). Resultan especialmente increíbles las sorpresas del tramo final, que conviene no desvelar, pero donde la casualidad juega un papel demasiado grande. Por otro lado, cuenta con un reparto irregular. Mientras que el veterano Miguel Ángel Solá da el tipo como profesor en una situación límite, al televisivo Maxi Iglesias no parece que le afecte nada. Por otro lado se desaprovechan a dos grandes actores, la simpar Aura Garrido (la novia, que aporta poco o nada a la trama) y Carlos Álvarez-Novoa (resulta innecesario reclutar al gran abuelo adoptivo de Solas para unas cuantas apariciones poco significativas).

¡Atraco! es una comedia que se inserta en la tradición de películas de robos más o menos sofisticados, donde tienen gran importancia los preparativos previos, y donde siempre hay algún elemento que no se ha tenido en cuenta para la ejecución del golpe, y que complica las cosas. El film parte de un atraco auténtico a una joyería, sucedido en la España de los años 50. Tal suceso se relaciona con la ficción de que el general Perón, exiliado en Panamá, hubiera empeñado las joyas de Evita para obtener algo de liquidez, depositándolas precisamente en esa joyería. Carmen Polo de Franco, la esposa del Generalísimo, tras visitar el establecimiento, se habría encaprichado con las joyas. De modo que hombres leales a Perón fingirían un robo para escamotear a la “primera dama” el “botín”, y volver a entregarlo al joyero. Eduard Cortés parece haberse aficionado a películas sobre la simulación y el engaño, piénsese en La vida de nadie y The Pelayos. Aquí entrega una entretenida película con vocación popular, a la que curiosamente le falla un tanto el arranque panameño, y un inesperado desenlace que rompe con el tono amable del film, y que se diría el típico ajuste de cuentas con el franquismo que no puede evitar acometer con demasiada frecuencia el cine español; en ¡Atraco! esto es un error, sobre todo porque la película no va por ahí, en tal sentido sería más eficaz la crítica de pasada a la posible afición de doña Carmen por las joyas gratis total, por otra parte no tan diferente de la que tienen tantos personajes cercanos al poder. El cuerpo central de ¡Atraco! es lo que mejor funciona, las dos parejas masculinas, de ladrones y policías, estupendos Guillermo Francella y Nicolás Cabré, Óscar Jaenada y Jordi Martínez, con su distinta mirada generacional y el progresivo estrechamiento de los lazos que les unen. Y el interés romántico de la encantadora enfermera, Amaia Salamanca, y la caballerosidad de Daniel Fanego que a la postre lo complica todo, del hombre leal al peronismo en una causa sin causa.

Georges Duroy, veterano soldado de la guerra de Argelia, sin un céntimo en París, arriba a París en busca de fortuna. Se encuentra con un antiguo compañero de armas, Charles Forestier, periodista, que le introduce en su círculo de amistades. Ello le permite debuta como articulista, a pesar de que escribe fatal, gracias a la ayuda de Madeleine, la esposa de Charles. Su atractivo físico e innegable ambición, le permiten saltar de alcoba en alcoba, ya sea en el nidito de amor que comparte con Clotilde, a la cama todavía caliente de una viuda, o al lecho compartido con une mujer casada. Tosca adaptación de la novela “Bel Ami”, de Guy de Maupassant, perpetrada por dos hombres de teatro, Declan Donnellan y Nick Ormerod. Lo que en el autor francés era un retrato despiadado y cínico de la ambición contado de modo fascinante, en Bel ami, historia de un seductor se transmuta en pálido reflejo del original, falta espacio para la evolución de los personajes, y a Robert Pattinson el “Bel ami” George Duroy le viene grande, muy grande. De entre los actores se puede destacar a Uma Thurman, pero el personaje de Christina Ricci es muy plano, mientras que el Kristin Scott Thomas, el más difícil, requería una sutileza de la que el guión carece. Uno de los grandes problemas de Bel ami, historia de un seductor es que Duroy presenta un rostro canallesco y depravado desde el principio hasta el final de la historia; por supuesto que así es el alma de nuestro “Bel ami”, pero lo que la interpretación de Pattinson demandaba es que desplegara un verdadero encanto y atractivo, que explique que las mujeres caigan rendidas a sus pies, o sus triunfos sociales. Por otro lado, la solución facilona de desplegar aquí y allá varias escenas de sexo muy poco sutiles, no logra enmascarar los problemas de guion y de definición de caracteres. De modo que al final tenemos en Bel ami, historia de un seductor una película de salón, que se puede ver si uno no es demasiado exigente y desconoce por completo la astuta novela de Maupassant. La torpeza del film de Donnellan y Ormerod recuerda a otras adaptaciones literarias recientes fallidas, El retrato de Dorian Gray (Oliver Parker, 2009) y Retorno a Brideshead (Julian Jarrold, 2008), se diría que algunos cineastas contemporáneos son incapaces de abarcar la grandeza de ciertas novelas que tienen ya vitola de clásicos, quizá porque están en otra onda que los autores a los que tratan de versionar.

Kenny y Betty Anne Waters son dos hermanos que a pesar de criarse en un hogar desestructurado, han estado siempre estrechamente unidos. Él, casado y con una hija, es un poco tarambana, y con facilidad tiene problemas con la policía. Pero nada tan fuerte como la acusación de asesinar una mujer, hecho por el que es condenado, ante la incredulidad de los dos hermanos, a cadena perpetua. Pasarán los años con distintas apelaciones que se van perdiendo. Advirtiendo que poca ayuda le cabe esperar de unos abogados que creen a Kenny culpable, Betty Anne toma la determinación de estudiar la carrera de derecho, para ocuparse personalmente de la defensa de su hermano. Casada y con dos hijos, su matrimonio se va a resentir, pero ella piensa que es su deber lograr la libertad de Kenny. El actor Tony Goldwyn se ha ido labrando poco a poco una carrera como director, que incluye la realización de muchos episodios de series televisivas. Aquí maneja un guión de Pamela Grey (Música del corazón), basado en una aleccionadora historia real, sobre el amor fraternal y la confianza mutua mantenidos a lo largo del tiempo, que lleva a la protagonista a sobreponerse con constancia a mil y un obstáculos para demostrar una inocencia en la que cree firmemente. Lo que le da pie a entregar una película de corte clásico, no demasiado innovadora, pero que funciona. Es cierto que este drama judicial tiene numerosos elementos vistos en tantas películas, aquí se puede aplicar con toda propiedad aquello de que 'no hay nada nuevo bajo el sol'. Pero el guión de Grey es sólido, y presenta una sólida galería de personajes, en la que brillan las interpretaciones de Hilary Swank, Sam Rockwell y Minnie Driver, pero también, en roles más breves, Melissa Leo, Juliette Lewis, Peter Gallagher y Clea Duvall. Y junto a momentos de genuino suspense -la búsqueda de las pruebas desaparecidas-, destacan los momentos en que se despiertan las emociones -las conversaciones entre los hermanos, la amiga leal, los hijos de Betty Anne preguntándose si harían lo mismo que su madre por el otro hermano...

Segundo trabajo en la realización del tándem formado por los israelíes Aharon Keshales y Navot Papushado, tras el film de terror Kalevet. El film había pasado inadvertido hasta que recibió un empujón por parte de Quentin Tarantino cuando en 2013 declaró que era el mejor film que había visto en todo el año. En Big Bad Wolves, el poco ortodoxo policía Micky se obsesiona con Dror, un profesor de instituto al que cree culpable de una serie de brutales secuestros y asesinatos de niñas que tienen lugar en la zona. Por su parte, el padre de una de las víctimas decide tomarse la justicia por su mano. No resulta extraño que el realizador de Reservoir Dogs alabe este trabajo que tiene puntos en común con su ópera prima: bajo presupuesto, violentas secuencias de tortura, el hecho de que gran parte de la acción transcurra en un recinto cerrado, etc. También conecta en cierta medida con Prisioneros, sin el tono dramático del film de Denis Villeneuve. Pero quizás por su procedencia judía, los autores de Big Bad Wolves recuerdan mucho más a los hermanos Coen, por sus personajes cotidianos y aparentemente sencillos que resultan ser capaces de cometer actos atroces, y también por un sentido del humor a veces negro y otras surrealista (atención al 'coeniano' árabe que aparece de forma secundaria). Keshales y Papushado dirigen con precisión, logran mantener la atención y demuestran buena mano con los desconocidos actores. Pero la etiqueta de película del año le viene grande, pues carece de pretensiones, su atmósfera resulta demasiado retorcida, tarda en arrancar y sus excesos violentos acaban resultando agotadores.  

La bici de montaña Speedy vive despreocupado en la idílica ciudad de Villaradios, rodeado de sus amigos, la bicicleta urbana Tread, la bomba de aire que regenta un taller Gassy y la bici femenina Montana. Un día los hermanos Rómulo y Remo, propietarios del banco de Villaradios y, su protegido y campeón local Rock Engranaje Rockson, presentan una inquietante novedad, el motor de gasolina, que permite a los usuarios moverse más rápido. Pero este resulta ser decepcionante, por lo que Speedy se convierte en el líder de un grupo de activistas a favor del medio ambiente. Producción hispano-chino-argentina, que se vende subrayando en su cartel que ha sido nominada al Goya y al premio del CEC al mejor largometraje de animación, lo que no supone una hazaña, ya que España sólo dio cuatro títulos que puedan figurar en este apartado en 2018, éste y sus competidores (Un día más con vida, Memorias de un hombre en pijama y Azahar). Parece una imitación pobre de Cars, de Pixar, pero cambiando bicicletas por coches, sin aportar ninguna novedad, y con personajes extremadamente menos atractivos. Está al frente el experimentado animador Manuel J. García, que ha intervenido en diversos largometrajes de Astérix, y ha dirigido títulos como Marco Antonio, rescate en Hong Kong. Al menos cuenta con una animación de calidad aceptable, y tiene un tono positivo, por lo que resulta adecuado para los más peques, a pesar de que su mensaje ecológico resulta un tanto obvio y simplón.

Después de que una editorial rechace su libro, el joven de 27 años Boi se siente desnortado, por lo que su novia le abandona. Mientras trata de recuperarla, comienza a trabajar como conductor privado, en una compañía de VTC, que le asigna como primeros clientes a Michael y Gordon, dos empresarios de Singapur, que han llegado a Barcelona para cerrar un acuerdo comercial, pero que sin embargo van a precisar que su chófer les preste ayuda más allá de sus obligaciones profesionales. Esperanzadora opera prima en el largometraje del barcelonés Jorge M. Fontana, prolífico cortometrajista, que compone un film de cine negro urbano, que en principio parece que va a ir en la línea de Taxi Driver, de Martin Scorsese, aunque conforme se desarrolla va recordando más a los filmes líricos de conductores Noche en la Tierra, y Paterson, de Jim Jarmusch, por su factura propia del cine ‘indie’, y a los trabajos de David Lynch, por su tono surrealista. No se trata ni de lejos de un film redondo, pues promete más al principio de lo que después ofrece, y se alarga en demasía, pero retrata la insolidaridad urbana, y ofrece un retrato convincente del artista que transforma la gris realidad en arte. El director ha contado como protagonista con Bernat Quintana, conocido en Cataluña por diversas series de TV3, que demuestra su talento componiendo al típico chico que al borde de la treintena siente vértigo a la hora de madurar. Está rodeado de actores creíbles, mientras que el veterano José Sacristán pone la voz al jefe del personaje central.

Jordi es un adolescente que se muda con su madre a una nueva ciudad después de fallecer su padre. La idea de ambos es la de empezar una nueva vida y dejar atrás los fantasmas del pasado. El problema es que Jordi tendrá un compañero en el instituto decidido a hacerle la vida imposible cueste lo que cueste. Película dramática y angustiosa que tiene como protagonista indiscutible al “bullying”, tecnicismo de lo también conocido como acoso escolar, un tema que, desgraciadamente, resulta de mucha actualidad.

Rhiannon es la segunda hija de una familia. Sus padres están distanciados y no reina lo que se dice una perfecta armonía familiar, aunque Rhiannon se lleva bien con su hermana mayor. Además, Nathan, su novio del instituto, no parece hacerle demasiado caso. Sin embargo, un día cualquiera deciden hacer una escapada y pasan unas horas maravillosas. Desde ese momento la vida de la joven cambia rotundamente porque empieza a conocer a alumnos con los que establece una especial conexión. Pronto se enterará de que, en realidad, sus nuevas amistades son una misma persona, A., que cada día despierta en un cuerpo distinto. Adaptación de la novela de David Levithan a cargo de Michael Sucsy, un director que gusta de contar historias de amor nada convencionales, como mostró por ejemplo con su anterior film, Todos los días de mi vida. Seis años después estrena Cada día, de similar aire romántico pero donde se riza el rizo con un argumento absolutamente peregrino y fantasioso. De hecho, el gran problema de este film es que difícilmente el espectador aceptará la premisa sobre la que se asienta la historia. Podría objetarse que, bueno, el elemento fantástico está presente en otras muchas películas románticas y que no pasa nada. Es posible. Quizá todo dependa del enfoque que se adopte. El problema es que aquí Sucsy narra con un tono romántico estándar, emotivo y sensiblero, y justo ahí es donde las cosas no cuadran. Es imposible tomarse en serio el absurdo e incoherente argumento. Probablemente sólo hubiera colado con un tono muy cómico, mágico y disparatado. Con tal lastre es difícil salir adelante. Qué la trama dé lugar de pasada a visiones buenistas y postmodernas acerca de la ideología de género (lo importante es el interior y no el cuerpo en que se viva y bla bla bla) no dejan en el fondo de ser anecdóticas. Pero además el guión abusa de situaciones reiterativas (según el huésped en donde se despierte A.) y apenas hay avance en la historia, cuyo desenlace resulta poco original. Se desaprovechan de este modo posibles derivas secundarias, como la de la relación con los padres, sobre los que se pasa de refilón, con la interesante hermana mayor Jolene o con la amiga Megan. La actriz Angourie Rice (Dos buenos tipos) parece poca cosa, aunque justo reconocer que es expresiva y pone empeño en hacer creíble las reacciones de la protagonista.

Comedieta española, muy pero que muy "española", que aprovecha el tirón mediático del asunto gay y ambienta la acción en el madrileño barrio de Chueca, centro del mundo homosexual de la capital de España. La trama, escrita y dirigida por Juan Flahn se inspira en el cómic de “Rafa”, célebre entre los ambientes que amablemente retrata. Leo y Rey son dos gays simpáticos y sencillos, buena gente, que se ven envueltos por casualidad en una turbia trama de asesinatos de ancianas que están teniendo lugar en el barrio. Sin embargo, lo más difícil para ambos será lidiar con la madre de Rey, Antonia, una mujer que es un verdadero terremoto y que se ha propuesto separar a Leo de su hijo. Mientras tanto, la agente de policía Mila y su palurdo hijo Luis van detrás del asesino. Éste es un agente inmobiliario obsesionado con crear de Chueca un barrio perfecto, limpio, lleno de juventud y modernidad. Algo así como el paraíso de la “metrosexualidad”. Juan Flahn, guionista de Insomnio (1998) o de series como Ana y los 7, debuta en el largometraje y hace notar cierto oficio para que el decidido tono de comedia, muy ligerita y frívola lógicamente, no se desequilibre demasiado hacia lo desagradable o grotesco. Hay momentos divertidos y los personajes tienen entidad. Esto no quita que se cargue la mano en la explicitud de alguna escena y en los diálogos verduleros y procaces, sobre todo en los pronunciados por Concha Velasco. El desparpajo de la actriz es divertido, pero también impactante: parece una metralleta de insultos, palabras malsonantes y guarrerías. Pero a la postre, quizá su exagerado personaje sea lo mejor del film, junto con la candidez de Pepón Nieto y el leve papel de Rosa Maria Sardà (es original que base su investigación en el perfume del asesino en serie, como un trasunto del Grenouille de Süskind). Por lo demás, Flahn parece no poder contenerse en algún ridículo y despectivo comentario hacia el “papa Wojtyla” o en el brindis por el concejal socialista Pedro Zerolo.

Barcelona, 1966. Una cría de gorila blanco va incorporarse como animal estelar en el zoo de Barcelona, tras pasar unos días con una familia, la niña Paula y sus padres. Una vez en compañía de sus iguales gorilas, Copito de Nieve encuentra cierta hostilidad por el color de su pelaje, sobre todo por parte de un gorila adulto. Con la complicidad de otros animales tratará de recabar la ayuda de la Bruja del Norte, que seguramente puede dar a su pelo el color negro deseado. Pero en el camino deben enfrentarse con el malvado Luc de Sac, un gafe nato que para conjurar su mala suerte necesita como amuleto el corazón de un gorila blanco. Ambiciosa película familiar española, producida por Julio Fernández, a quien se deben Pérez, el ratoncito de tus sueños y secuela, filmes cortados por el mismo patrón –de hecho Andrés G. Schaer, director de la cinta, firmó el segundo–, también porque combinan actores reales y animación con ordenador. Aunque la trama es algo elemental, y en algunas escenas la simbiosis de personajes de carne y hueso con los animados no está del todo lograda, se trata de un producto amable y correcto, con algunos gags al estilo “cartoon” de Solo en casa, y moralejas sencillas como la de no discriminar a los demás por su aspecto y aprender a ser uno mismo. También, ya de paso, sirve para promocionar la ciudad de Barcelona, mostrando su zoo y el Parque Güell de Gaudí.

Primera película como director de Ingmar Bergman. Una adolescente que vive con su madre adoptivale, escribe a su madre biológica, Jenny, para que le pague un vestido para su primer baile. Jenny aprovecha la ocasión para ver a su hija y va acompañada de su amante Jack.

Debut en la dirección de Xavi Giménez, director de fotografía de películas como Los sin nombre, Intacto, El maquinista o Ágora. En este proyecto ha contado con el solvente Marcel Borràs como protagonista, quien en 2010 ha presentado tres películas: Bruc, Cruzando el límite y El diario de Carlota. Fran es un adolescente díscolo que ha dejado de estudiar y que pasa las horas saliendo con sus amigos y su novia, bebiendo y consumiendo drogas. Su padre está desquiciado y cuando siente que ha “cruzado el límite”, lo interna en un centro similar a un reformatorio. Pero no lo es, sus gestores dicen que es un lugar donde se corrige la conducta, se cambia, se reeduca. Para conseguirlo ponen en práctica unos métodos más propios de un campo de concentración.

Una de esas películas sobre buena persona sobrepasada por las circunstancias, en la que acaba asomando su lado más oscuro. Al estilo de Un día de furia, seguimos a un urbanita, buen trabajador, comercial, con familia, sometido a una dura prueba, que le obliga a sacar de su interior el puro instinto de supervivencia y de preservación de su estatus. Germán trabaja en una compañía de seguros. Casado y con una hijita, es el típico buenazo que se pliega a lo que le piden. Pero con ocasión del cumpleaños de su pequeña, se encuentra entre dos fuegos. Por un lado, una importante reunión de trabajo con importantes clientes; y por el otro, su imprescindible presencia en la fiesta de la niña, con su fantástico regalo. Perderá el avión que debía llevarle a casa, así que toca viajar en coche de alquiler. Pero anochece, tiene sueño, y conduciendo por una carretera de poca circulación, en un abrir y cerrar de ojos algo ocurre. Puede que haya atropellado a Rosa, una jovencita que andaba de juerga por ahí, con una amiga, Silvia, y otros dos “maromos” que las han dejado tiradas en medio de la nada. Buena muestra de cine de género a cargo de Gonzalo Bendala, director y guionista, que apuntaba maneras en la parcialmente fallida Asesinos inocentes, que iba en la misma línea intrigante. Aquí mantiene el pulso, salvo en algún pasaje más exagerado, a la hora de mostrar los instintos más primitivos que pueden mover a personas supuestamente normales y civilizadas. Con el formato de “noche loca en que las cosas se complican”, y el efecto “bola de nieve”, Bendala logra crear una atmósfera desasosegante, y un equilibrio entre personajes y escenarios: Germán, Silvia, los amigos, la guardia civil, el servicio 112 de emergencias, la esposa, la niña, el vecino. No hay grandes lecciones moralizantes, si acaso cierto cinismo a la hora de señalar cómo, a la hora de defender lo que se considera más importante, se está dispuesto a pasar por alto cualquier referente ético. Julián Villagrán encarna bien el prototipo de persona que cumple las normas, pero que cuando éstas le fallan, se atiene a otras nuevas.