Lista de películas de la distribuidora Vértigo

La vida interconectada. Viena, Bratislava, París, Londres, Denver. La trayectoria de múltiples personajes en la sociedad global más desarrollada. Afectados por el amor y el desamor, el compromiso y la infidelidad; las oportunidades, la libertad, la toma de decisiones, el pasar página, el deseo de cambiar. Existencias circulares, donde tienen un peso decisivo las ideas que se tienen sobre el matrimonio, y las creencias religiosas. El brasileño Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El jardinero fiel) maneja en 360. Cruce de destinos un guión de Peter Morgan (La reina, The Damned United) que sigue el planteamiento de filmes corales -de esos en los que Robert Altman demostró ser un maestro-, inspirado en “La ronda” de Arthur Schnitzler, que ya dio pie a una obra maestra de Max Ophüls. Uno de los grandes méritos de la película es la suavidad con lo que se pasa de unos a otros personajes y sus circunstancias, no tiene uno la sensación de que sus cuitas estén artificialmente trenzadas. Los actores, grandísimo reparto, logran además componer bien a sus personajes, con apenas unos pocos trazos proporcionados por el guión de Morgan. Meirelles y Morgan evitan juzgar en 360. Cruce de destinos. En tal sentido, y aunque los temas abordados sean graves, el tono es ligero, el sentido moral pesa poco, asoma un poquito el cinismo, así es la vida y tal. Ya sean las hermanas eslovacas, una recién introducida a la prostitución, la otra testigo muda de su decisión; el esposo que ve frustrado el uso de sus servicios; la modelo que rompe su relación con un fotógrafo, que ve también que su novia le ha dejado; el padre que no ha encajado la desaparición de su hija; el agresor sexual en libertad condicional; el matón de un gángster ruso, y su esposa enamorada un dentista musulmán. Estos personajes parecen como “fichas” del gran “tablero” del mundo, y vistos en perspectiva tal vez se pierde la importancia primordial de cada uno, que no deja de ser único e irrepetible, como lo son sus libres decisiones.

Una de las pocas películas paraguayas –junto con La hamaca paraguaya, de 2006– que han logrado repercusión internacional. 7 cajas ganó el premio Cine en Construcción en el Festival de San Sebastián y obtuvo una candidatura al Goya a la mejor película extranjera de habla hispana. Víctor, joven que sobrevive a duras penas como carretillero en un mercado de Asunción, recibe un inesperado encargo de un carnicero. Le ofrece cien dólares a cambio de transportar siete cajas de contenido misterioso. Pero la tarea no será fácil porque a Víctor le persigue un competidor que siente envidia porque no le han ofrecido el trabajo a él, y la policía vigila estrechamente la zona. Supone el segundo largometraje de Juan Carlos Maneglia y Tania Schémbori tras Candida, de 2004 y algún corto. 7 cajas describe con pelos y señales un gigantesco mercado de los que abundan en diversos países de América Latina, donde se juntan a diario multitudes de individuos de la más baja extracción social, así como todo tipo de marginales y delincuentes, para comprar prácticamente cualquier cosa, sobre todo comida pero también últimas tecnologías (el film ilustra sobre la irresistible atracción de personas sin recursos por los más sofisticados modelos de móviles). Se trata de un thriller –mezclado con mucho humor–. Los directores consiguen que pese a los diversos giros de la historia, y a que algún personaje no desentonaría en un film de Guy Ritchie, todo resulte muy natural. Igual ocurre con las interpretaciones del reparto, encabezado por el espontáneo Celso Franco, debutante como la práctica totalidad de sus compañeros. Los personajes hablan poco en español, y casi siempre en guaraní, por lo que se exhibe en versión original con subtítulos.

Desasosegante film que transcurre en el Belfast de principios de los 70 del siglo XX, en pleno conflicto entre el IRA, los grupos protestantes irlandeses y el ejército británico. Sigue las tribulaciones del soldado Gary Hook, recién llegado a la zona, y que participa con otros compañeros en un registro en varias viviendas de un barrio conflictivo. La situación se le va de las manos al poco avezado teniente que está al mando, la masa furiosa arroja piedras, y en la confusión, un soldado es asesinado y Hook queda aislado, su vida corre serio riesgo. Y la ayuda que recibe de algunos es poco nítida, no en balde se encuentra en un lugar donde impera el odio, muy parecido al infierno, allí las lealtades valen más bien poco. El televisivo y desconocido Yann Demange entrega su primer largometraje para el cine, y desde luego apunta maneras. '71 es una película-experiencia con un sólido guión del también televisivo Gregory Burke, que sumerge al espectador en la misma angustia que le toca vivir al protagonista –un Jack O'Connell que ha protagonizado casi a la vez Invencible, el film bélico de Angelina Jolie–, y muchos pasajes rezuman energía y vitalidad, las persecuciones por las callejuelas o los momentos de acoso en que uno se juega la vida. El verismo documental puede hacer pensar en el cine de Paul Greengrass, y dentro de su acción e intriga trepidantes, ofrece una "foto" de la espiral de odio que existió en Irlanda del Norte, donde la violencia convoca más violencia, con un batiburrillo de protestantes paramilitares, católicos veteranos y jóvenes deseosos de acción y dubitativos, confidentes infiltrados, o soldados a modo de "extraterrestres", que no se enteran de la mitad de la "fiesta" (por llamarla de algún modo), en que la posible justicia de la causa que se defiende queda completamente desdibujada por el recurso al asesinato. Aunque el film contiene a múltiples personajes bien perfilados, domina el punto de vista del soldado Hook, la estructura del film es la clásica de descenso a los infiernos de un personaje medianamente inocente, que queda marcado para siempre. La estructura circular de la historia –los pasajes del final son un eco de los iniciales, con los cambios que aporta una terrible experiencia– acentúa con acierto dicho planteamiento.

Ariane es una estricta jueza, muy profesional, que ha tomado la drástica decisión de nunca formar una familia, o sea nada de casarse y tener niños. Como le gusta aparentar ser alguien “normal”, acepta participar en la fiesta de Nochevieja en el Palacio de Justicia de París, y hasta se toma alguna copita de más, hasta el punto de no recordar nada de esa celebración. Seis meses después descubre que está embarazada, lo que le lleva a indagar, como si se tratara de una investigación judicial, cara a averiguar quién es el padre. Todo apunta a que se trata de un pobre diablo, a quien se acusa de los crímenes del “globófago”, un horripilante asesino que se zampa los globos oculares de sus víctimas. Alocada comedia, que juega al contraste, auténtica guerra suave de sexos, entre los personajes de magistrada y delincuente, bien caracterizados por Sandrine Kiberlain y Albert Dupontel, éste último también guionista y director de la cinta. En menos de hora y media se nos sirve una idea audaz, con extremos como algunos pasajes gore delirantes, y que a la vez aboga por salir del caparazón del personal egoísmo para pensar un poquito en los demás, incluido el propio hijo. Francamente divertida. Para los supercinéfilos, advertir que Jean Dujardin y Terry Gilliam se han prestado a hacer sendos cameos. Curiosamente Dupontel se ha inspirado en un documental titulado 10ª habitación, instantes de audiencia, de Raymond Depardon, que sigue los pasos de una auténtica jueza.

Segundo largometraje del bilbaíno Mikel Rueda, responsable del tenebroso film sobre la Guerra Civil Estrellas que alcanzar. Compitió en la sección oficial en el Festival de Málaga. A escondidas transcurre en la ciudad natal del realizador, donde Rafa, quinceañero que estudia en el instituto, se siente desorientado, especialmente porque sus compañeros empiezan a interesarse por las chicas, mientras que él está incómodo cuando se convierte en el objeto de atención de una compañera. Por contra, empezará a manifestar sentimientos hacia Ibrahim, un inmigrante marroquí que reside en un centro de menores. En su retrato del despertar homosexual de un adolescente recuerda hasta cierto punto a la francesa La vida de Adèle, Palma de Oro a la mejor película en Cannes, en variante masculina. Aunque en este caso prescinde de las imágenes gráficas de sexo, mientras que el origen étnico de uno de los dos protagonistas da pie a añadir un alegato contra la discriminación de los extranjeros. Sus pretensiones de realismo resultan torpes, sobre todo en lo que se refiere a las interpretaciones de los jóvenes protagonistas, excesivamente artificiales cuando intentan aparentar cotidianeidad. Los veteranos Ana Wagener y Álex Ángulo (que rodó esta película poco antes de su prematuro fallecimiento en accidente de tráfico), intentan subir el listón con sus esforzados trabajos como asistentes sociales, pero sus personajes son muy secundarios y maniqueos. No ayudan tampoco los diálogos, excesivamente pobres, ni la poco imaginativa puesta en escena. Además, al autor de A Escondidas ya no le queda mucho por contar a partir de la segunda mitad del film, por lo que abusa de secuencias con largos silencios de los protagonistas, lo que llega a resultar bastante tedioso. Al montaje le falta inspiración, hasta el punto de que al principio un flash-forward adelanta por dónde va a transcurrir la trama, sin que esto contribuya a nada, salvo a reforzar la sensación de tedio.

La familia de Tom y Julia, con sus hijos pequeños Lison y Noé, y con la inclusión a última hora de Ben, el padre de Tom, se dispone ha pasar unos días de vacaciones lejos de París. Tom está especialmente ilusionado con su nueva furgoneta Medusa, un vehículo inteligente en donde todo está informatizado. Pero al poco de comenzar el viaje, la electrónica de la furgoneta se bloquea y Tom comprueba con horror que no puede frenar ni bajar la velocidad de 130 km/h. Alocada y ligera comedia francesa escrita y dirigida por Nicolas Benamou, que halló cierta repercusión con su anterior film, Se nos fue de las manos, aunque tampoco fuera la séptima maravilla del mundo. En A fondo ofrece una trama amable y más o menos divertida protagonizada por una esperpéntica familia que sufre todo tipo de calamidades, al hilo de la premisa que ya disfrutamos con la movidita Speed. También aquí la acción –esa furgoneta que no puede frenar– está igualmente muy presente, pero el tono es tan paródico, con acumulación de pasajes de humor tan absurdo que puede agotar. Los personajes caen bien, pero les falta entidad y un poco de mesura. En este sentido el abuelo, bien interpretado por el veterano André Dussollier, está demasiado salido de madre y parece excesivamente tontorrón, y algo similar ocurre con la pasajera invitada o con la ridícula inspectora de policía obsesionada con el ping-pong. Y al trabajo esforzado del competente José Garcia le falta gracia. En general, el espectador se sonreirá en unas cuantas ocasiones, pero apenas asomará una carcajada. Seguramente lo más divertido sean las catástrofes que le suceden al perseguidor de la familia, un gitano con una inusual cualidad para atraer todo tipo de desgracias.

Una película de Jean-Luc Godard no puede ser una película convencional. Y escribir una reseña sobre una película como Adiós al lenguaje tampoco puede despacharse con unas líneas convencionales. Porque el lenguaje resulta insuficiente para describir de qué se trata, más allá de hablar de exploración y experimentos acerca del audiovisual. No hay más que leer la sinopsis oficial del film y ver la película –antes o después– para que uno se pregunte si habremos visto lo mismo. El último hombre vivo (o casi) de la nouvelle vague, filosofa o algo así sobre la vida, el lenguaje, el amor, las relaciones de pareja. Con distintos formatos de película, jugando con el sonido interrumpido de música clásica o de la naturaleza, descomponiendo los colores de la imagen, con frases lacónicas y sugerentes que parecen pedir al espectador que las complete. La pareja protagonista pasea desnuda, un perro nos habla de los derechos animales, se sugiere que una forma de acabar con el paro es acabar con la gente. Godard juega a la provocación, y unos, pocos, espectadores, jugarán con él.

Rodada en 2012, Ahora y siempre llega a las carteleras españolas a la vez que la cinta de dos años después Bajo la misma estrella, de temática muy similar, que ha obtenido un gran éxito en Estados Unidos. Ambas acercan la temática del dolor al público adolescente y se basan en material literario previo, en este caso la novela "Before I Die", de Jenny Downham. En Ahora y siempre, Tessa una chica de 17 años que padece leucemia terminal, para desesperación de sus padres divorciados, decide vivir sus últimos años haciendo realidad la lista de todas las cosas que no ha podido hacer, casi todas locuras adolescentes como probar las drogas o perder la virginidad. Aunque tiene una mala experiencia con un chico que parece interesado sólo en el sexo, poco después conoce a Adam, un joven vecino atractivo que demostrará una mayor sensibilidad. Por un lado Ahora y siempre tiene un tono optimista de afirmación de la vida, sin esconder el dolor de las enfermedades mortales. Además, Dakota Fanning reafirma el inmenso talento que ya había demostrado cuando era una niña prodigio vista en cintas como La guerra de los mundos, y está bien acompañada por Jeremy Irvine, Paddy Considine y Olivia Wilde. Pero el desarrollo de Ahora y siempre es tan tópico que incluso los diálogos se pueden predecir sin gran dificultad. Además, resulta demasiado aséptica al tratar la muerte sin ninguna mínima mirada a lo trascendente de la protagonista, pese a que le quede poco tiempo de vida. Y su historia de amor adolescente, aunque enganchará al público juvenil, parece una versión 'teenager' de las historias de Nicholas Sparks, y acaba resultando sensiblera y acaramelada.

Matthias Le Goff, prestigioso nadador profesional francés que busca presentarse a los mundiales de natación, es sorprendido en una entrevista con unas declaraciones despectivas sobre los homosexuales. El comité deportivo decide imponerle entonces una sanción ejemplar: deberá entrenar a un equipo de waterpolo integrado por homosexuales, en vistas a que puedan acudir todos a Croacia, en donde tendrán lugar los Gay Games, evento multideportivo de la comunidad gay. Comedia francesa, ligerita y frívola, en torno a la inclusión social del colectivo LGTBI etc. Los directores y guionistas, Maxime Govare y Cédric Le Gallo, no se estrujan demasiado la cabeza a la hora de pergeñar una historia amable y más o menos previsible que mira con ternura a los homosexuales, aunque los personajes de la película no sean precisamente el colmo del equilibrio. De hecho, se incide en la pose gay exagerada, a veces estilo loca, que conduce a un modo despreocupado de vivir la vida, con actitudes revoltosas, tontas e infantiles, a veces desvergonzadas. Pero en su intención pedagógica sobre la ideología de género los cineastas evitan desviarse del tono cordial, y cuidan correctamente los diferentes tipologías, comenzando por el entrenador despectivo y siguiendo con los diferentes miembros del equipo de las Gambas Purpurina. Qué duda cabe que el film persigue hacer reír con numerosas situaciones y chistes, y aunque se evitan las groserías excesivas sí hay imágenes soeces y procacidades varias que pueden resultar molestas. Por lo demás está clara la intención de fondo de mostrar el arco de evolución del entrenador Matthias y de tocar la fibra sensible del espectador con algún conflicto dramático de entidad. Entre el reparto destacan algunos actores más conocidos, como Alban Lenoir y Michaël Abiteboul.

Alibi.com es la empresa que la gente necesita cuando tiene que arreglar situaciones incómodas. Ellos –con el jefe Grégory Van Huffel a la cabeza– te crean la coartada perfecta para que puedas salir de cualquier lío. Por supuesto, casi todos los clientes necesitan Alibi.com para ocultar sus infidelidades matrimoniales, como le ocurre a Gerard, quien desea pasar un fin de semana con su amante y necesita que su familia no sospeche. El lío llega cuando Grégory descubre que Gerard es el padre de la chica de la que se ha enamorado. Tercera película como director del francés Philippe Lacheau. Como en la película que le hizo célebre en Francia –Se nos fue de las manos– vuelve a entregar una comedia ligera y tontorrona cuyo planteamiento general tiene su gracia. Recuerda de alguna manera a la superior Los seductores –profesionales que ayudan en la vida emocional de los demás–, pero en el caso de Alibi.com Agencia de engaños hay una total falta de seriedad, los personajes son totalmente estrambóticos, la trama es mucho más alocada y el guión es casi una consecución de gags sin interrupción. Algunos chistes son muy divertidos, claro está –la narcolepsia, el campamento gitano, etc.–, pero se tiende demasiado al humor nada sutil, con acumulación de pasajes groseros, no por poco explícitos menos soeces. Lo mejor de la película es su ritmo narrativo y la clara falta de pretensiones, más allá de provocar las consabidas risas. Por el contrario tiene un desacertado aire televisivo. Cuenta con un reparto eficiente, en donde sobresalen el propio Philippe Lacheau y su cliente Didier Bourdon.

Raphaël y Olivia se enamoran en el instituto. Él aspira a ser novelista y ella está dando sus primeros pasos como concertista de piano. El tiempo pasa y se convierten en inseparables, se hacen novios, se casan… Pero tras la publicación de su primera novela, Raphaël se convertirá pronto en una celebridad e irá dejando de lado a su mujer, hasta el punto de que la situación se vuelve crítica. Tras una discusión nocturna, el mundo cambiará completamente para Raphaël, quien tendrá que poner todo su empeño para recuperar el amor de Olivia. “Para venir a lo que no posees, has de ir por donde no posees / Para venir a lo que no eres, has de ir por donde no eres.” Estos versos de San Juan de la Cruz bien podrían glosar esta agradable comedia francesa, una fábula romántica con toque mágico y reminiscencias caprianas que, a pesar de que abusa de vocablos, digamos, poco elegantes que pretenden “modernizar” una historia de hechuras clásicas, optimista y positiva, indaga en cuestiones de fondo de toda la vida: las dificultades de mantener el amor, el peligro del éxito, el egoísmo y la vanidad como enemigos de la vida en común, el valioso apoyo de la amistad, los sufrimientos por recuperar el amor perdido, la renuncia en favor de lo que amamos, etc. Funciona muy bien ese arranque de aventura de acción distópica, para luego trasladarnos a la mente de un joven de instituto que sueña con ser novelista. Y es formidable el prólogo, donde se narra la historia de amor entre los protagonistas durante los títulos de crédito. A partir de ese punto, la creación, los sueños y el amor se mezclarán con la dura realidad y aunque el giro clave llegue algo por sorpresa el espectador acepta encantado y rápidamente el arriesgado planteamiento del guión, un libreto magníficamente trabajado por el equipo de guionistas. Por lo demás, el director Hugo Gélin (Mañana empieza todo) no pierde el ritmo en ningún momento y cuida convenientemente a sus personajes, que se hacen cercanos gracias también a unos actores que siempre están a la altura, tanto los protagonistas François Civil y Josephine Japy, como el amigo interpretado por Benjamin Lavernhe. Amor a segunda vista es siempre agradable y ofrece algunos momentos especialmente cómicos, tan divertidos como disparatados, como la conversación del amigo de Raphäel con el editor.

Exploración de la trayectoria de la malograda cantante británica Amy Winehouse (1983-2011), de las más dotadas de su generación, que no llegó a cumplir los 30 años, los excesos asociados a la fama acabaron pasándole factura con su prematura muerte. No es fácil dar con la respuesta a cómo pudo suceder, pero algo de eso se intenta en el film. El gran mérito de Asif Kapadia, director de otro valioso documental de corte biográfico, Senna, es ofrecer un retrato del artista, donde introduce material inédito de Amy Winehouse detrás de los escenarios con gran naturalidad, logrando que conozcamos a la persona y que apreciemos su talento musical, ha logrado que hablen prácticamente todos los que la conocieron, desde amigos de la infancia a gente del mundillo musical. Y al tiempo, describir el descenso a los infiernos de la protagonista, describiendo su entorno familiar y profesional: no hay ensañamiento ni se busca culpabilizar a nadie con nombre y apellidos, pero sin duda que al concluir el film el espectador saldrá con la idea de que muchos de los que trataron a Amy tienen una responsabilidad en los problemas de ella, ya sea por acción o por omisión. De modo que admiramos la personalidad de Amy Winehouse y su prodigiosa voz, la forma en que logra plasmar en sus canciones su estado anímico –"Rehab", "Back to Black"...–, la proximidad de su música con el jazz, la emoción de su dueto con el veterano y para ella ídolo Tony Bennett, "Body and Soul"... Y el conjunto conforma una especie de fábula moral sobre la vaciedad de la sociedad contemporánea, la búsqueda de la fama a toda costa, los excesos de los papparazzi que colman el morbo del público por conocer la vida privada de los famosos, la frivolidad con que programas de conocidas estrellas de la televisión abordan los problemas de adicción de los cantantes... Desfilan por el film problemas como la bulimia, el alcohol y las drogas, queda plasmada la inmadurez de quien se queda atrapada en la burbuja de la celebridad de la noche a la mañana, y se plantean paradojas como la de unos seres queridos que no se enteran de los problemas de Amy, y de personajes como un guardaespaldas a los que toca ejercer como una suerte de figura paterna. Queda bien reflejado el contraste entre el antes –una Amy llena de vida, ingeniosa...– y el después –alguien con frecuencia en estado cataléptico, con destellos de genio, pero frágil, muy frágil...–. Aunque algunas imágenes tengan calidad de vídeo doméstico, su valor de acercamiento íntimo a la cantante hace que el espectador olvide tal circunstancia, e incluso Kapadia logra tratarlas de un modo que desprenden una inefable belleza. Lo mismo ocurre con la sensación agobiante de los flashes de los fotógrafos acosadores. También resulta eficaz que los testimonios posteriores a la muerte de Amy se presenten sólo con audio sobre las imágenes que encajan con lo que se está diciendo.

Primavera, verano, otoño, invierno. Un año más, un año menos. Al ritmo estacional seguimos en las cercanías de Londres al feliz matrimonio que componen Tom, ingeniero geólogo, y Gerri, terapista ocupacional, y sus alrededores: el hijo que no acaba de encontrar novia, la inestable compañera de trabajo de Gerri, el amigo maduro y algo tosco, el hermano que acaba de enviudar. Historias corrientes sobre la familia y la amistad que tienen la virtud de cobrar un valor extraordinario. Con su parte tierna, su regusto de amargura, e inconfundibles señas de autenticidad. El británico Mike Leigh es un auténtico poeta de lo cotidiano, sabe pintar a la gente de la calle, y mostrar sin estridencias sus cualidades y defectos. Aquí tenemos a un reparto maravilloso, que sabe componer bien a un matrimonio bondadoso, aunque a veces se les empuje hasta el límite de su paciencia, estupendos Jim Broadbent y Ruth Sheen. Formidable se muestra también Lesley Manville, su Mary se prestaba al histrionismo, y ella la dota de un equilibrio maravilloso en su desequilibrio. Podríamos jugar a repasar uno a uno cada personaje y de todos extraeríamos valiosas lecciones humanas y de interpretación; bastan unos instantes en pantalla a Karina Fernandez para que la veamos como la nuera ideal, o a Imelda Staunton para saber que la vida acarrea muchas veces toneladas de sufrimiento que nos empeñamos en deglutir en soledad. Hay también acierto en la dirección artística, la paleta de colores que corresponde a cada época del año, y en especial los grises desoladores del invierno que corresponden a la historia luctuosa, donde se atan bien los cabos para indicarnos que, pasado un año, la vida continúa, prometedora e incierta.

Ouyang Feng es un espadachín que decidió recluirse en el desierto después de un desengaño amoroso. Muchos años atrás amó a una mujer, pero ésta acabó casándose con su hermano mayor. Desde entonces Feng vive en soledad y acepta encargos de gente necesitada de mercenarios. Para ejecutarlos tiene a su servicio a valientes guerreros, que también tienen problemas de soledad. Cuarto trabajo de Wong Kar Wai que empezaba a hacerse un nombre con títulos como Chungking Express. Mucho antes de su redonda Deseando amar (In the Mood For Love), Kar Wai era un joven apasionado por la estética, que logró en este film impactantes imágenes, junto al director de fotografía, su colaborador habitual Christopher Doyle. Algunas secuencias son muy espectaculares, sobre todo los combates, si bien a nivel narrativo éstos resultan bastante confusos, lo que decepcionará a los seguidores del género en el que se encuadra, el 'wuxia', las películas de acción y artes marciales al estilo Tigre & Dragón. También resulta bastante críptico el guión, lleno de continuos saltos en la narración que acaban degenerando en una especie de rompecabezas, difícil de componer. No ayudan los monólogos del personaje central, que cuenta lo que les ha pasado a los personajes, en parrafadas agotadoras. Muy alejada de la calidad de Deseando amar, ya estaba presente en esta obra la obsesión del autor por los amores imposibles y los desengaños amorosos. También a veces se intuye el lirismo que iría perfeccionando después. Y cuenta con sus actores habituales, Maggie Cheung y Tony Leung, jovencísimos por aquel entonces. La versión Redux es un nuevo montaje del film, porque Kar Wai nunca estuvo contento con él tal y como se estrenó en 1994. Entonces fue muy manipulado por los productores, que obligaron al director a meter demasiadas secuencias de acción. Kar Wai las ha suprimido, por lo que este montaje dura unos minutos menos que el original. Al parecer también ha llegado a rodar algún plano nuevo. 

Lydia Link se ve obligada a disparar contra su novio, para impedir que mate a una mujer a sangre fría, durante un atraco a los miembros de un cartel de la droga. En su huida desesperada, la muchacha pedirá ayuda a su padre, John, que en libertad condicional trata de salir adelante con un honrado trabajo como tatuador. Mel Gibson no protagonizaba un film desde Vacaciones en el infierno, de 2012, aunque ha intervenido después como secundario en Los mercenarios 3 y Machete Kills. Mientras preparaba su retorno a la realización, también tras un largo paréntesis, Hacksaw Ridge, ha aceptado ponerse a las órdenes del francés Jean-François Richet (Asalto al distrito 13) en un papel que tiene algo de autobiográfico, al tratarse de un delincuente en busca de redención, el actor y realizador parece estar pidiendo perdón por los errores del pasado que dieron al traste con su carrera. El actor realiza un digno trabajo, en un personaje bien construido sobre el papel, delincuente que intenta regenerarse, y que por amor a su hija será capaz de todo. Están a su altura compañeros de reparto tan ilustres como William H. Macy y Diego Luna. Gracias a esto, y a una realización eficaz que huye del efectismo, sobre todo en unas secuencias de acción muy bien resueltas, se puede pasar por alto que el guión sea previsible y carezca por completo de originalidad.

Cuatro amigas de edad madura se reúnen habitualmente en su particular club de lectura para charlar sobre el último libro que han leído. Diane (Diane Keaton) se ha quedado viuda recientemente y debe lidiar con la excesiva preocupación de sus hijas por ella. Vivian (Jane Fonda) regenta un hotel y está orgullosa de sus conquistas sexuales sin compromiso. Sharon (Candice Bergen) es una jueza separada de su marido que lleva mucho años sin una relación amorosa. Carol (Mary Steenburgen) está felizmente casada pero últimamente está sufriendo una leve crisis con su marido. Las cosas empezarán a cambiar para ellas cuando decidan leer la trilogía de “50 sombras de Grey”. Comedia superficial, a ratos divertida, pero decididamente disparatada sobre cuatro mujeres adultas (bastante adultas, por cierto) que de repente empiezan a comportarse como adolescentes en celo. Bien es verdad que cada una tiene su particular situación, no todas usan el lenguaje procaz de Vivian ni están a priori obsesionadas con el sexo, pero Christian Grey se encargará de poner sus mundos patas arriba. De todas formas, como era de esperar, lo que realmente busca cada una es el amor de toda la vida, y con sus vaivenes y trompicones lo irán encontrando. Mientras tanto, hay chistes y gags picantes por doquier. El director Bill Holderman dedica a cada personaje su tiempo y su historia de amor; el resultado es pasable, buenista y previsible, y lógicamente algunas historias funcionan mejor, como la de Diane y el piloto interpretado por Andy García. Lo mejor, claro, es el cuarteto de actrices protagonistas. Aunque rondan los setenta años por abajo y por arriba (alguna pasa de los ochenta), tienen aún carisma en la pantalla y mantienen el tipo pese a los muy discutibles arreglos estéticos.

Amor. Amor apasionado, romántico, espiritual, total, que lleva a tener al amado en la cabeza las 24 horas del día. Donde la distinta sensibilidad no impide el deseo de comunión, y donde lo principal no es consumar el amor físicamente, cuanto antes. Este tipo de amor es el que unió al genial poeta inglés del siglo XIX John Keats con Fanny Brawne, una joven brillante, que vive una vida apacible de alterne y bordados de costura junto a su madre viuda y sus dos hermanos pequeños, como si de una auténtica heroína de Jane Austen se tratara. De una relación inicial donde se marcan más las diferencias -el alma de artista de él frente a la mente pragmática y ajena a la poesía de ella-, acentuadas por la amistad de Keats con Charles Brown, quien desprecia sin disimulos a Brawne, se pasará a un progresivo acercamiento. A Keats le agrada la familia de Fanny, y los esfuerzos de ella por crecer en aprecio por la poesía; y a la joven incansablemente enamorada le conmueven los cuidados de John a su hermano enfermo. Cuando los sentimientos mutuos se clarifican, también parecen más imponentes los obstáculos para un posible matrimonio: él no es un escritor reconocido, sin posición social le carcomen las deudas y su salud es quebradiza.La directora neozelandesa Jane Campion, que describió muy gráficamente unos amores decimonónicos en El piano, aborda aquí una historia romántica de corte visual parecido -vestuario y fotografía aproximan uno y otro film-, pero con enfoque moral completamente diverso. Coinciden las películas en la pasión, pero en Bright Star hay fidelidad amorosa, atención a la conciencia, respeto al otro. Y esto concede al amor de Keats y Brawne un aura hermosa, que hasta supera las limitaciones de una Campion algo reiterativa, que en cierto momento se estanca -cansa un poco, por ejemplo, el Brown burlón-, aunque sea para abundar en ese amor grande que no sabe de obstáculos. La pareja protagonista -Abbie Cornish, Ben Whishaw-, poco conocidos, están muy bien, así como los otros actores, que en sus pequeños papeles -hermanos, madre, amigo...- componen su atractivo cortejo. La directora hace un uso razonable y hermoso de las poesías de Keats, incluida la que acompaña a los títulos de crédito finales, que resulta obligatorio escuchar en su lengua original.