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Lista de cine

Lista de películas distribuidas en DVD por Bteam Pictures

(2013) | 102 min. | Thriller
(2016) | 90 min. | Drama Tráiler
Una película sencilla y agradable, de humor suave y con encanto, en la que se diría que no ocurre nada y que demuestra que la vida corriente sigue incluso en los puntos más calientes del Globo, como puede ser el caso del siempre delicado Israel, Nazaret y Ramalla, donde los roces entre judíos y palestinos son casi inevitables, y al que se suma en la lejanía Estocolmo. Sin aspavientos ni alharacas, inspirada en vivencias personales del entorno cercano, la directora y guionista palestina Maha Haj sabe describir las andanzas del día a día de una familia: la abuela que empieza a tener demencia senil, el matrimonio de edad madura que se enfrenta a la rutina, la hija que está a punto de dar a luz con un marido que no le presta toda la atención debida, el hijo eterno soltero que no se toma en serio a su novia, el hijo que dejó atrás Palestina... Con la excusa de pequeñas anécdotas –el que trabaja de chófer y al que una cineasta extranjera le ve perfecto para su nueva película, la idea de sugerir unas vacaciones suecas al matrimonio mayor, la lección de tango en comisaría...–, Haj sabe recordar al espectador con una suerte de melancolía la belleza de las pequeñas cosas que ocurren en la cotidianeidad, que hay que saber encarar con humor, sin convertirlas en tragedias cuando lo parecen, y ello por elevación.
6/10
(2019) | 106 min. | Comedia Tráiler
Henri Mohen es un escritor que alcanzó la gloria con su primera novela, y que recuerda con nostalgia su etapa italiana, en que rebosaba creatividad y talento. Pero luego se casó con Cécile, tuvo cuatro hijos, y su obra posterior no tuvo la misma repercusión, aunque ha seguido publicando. Con los cuatro hijos ya adultos, y una esposa insatisfecha de vivir en una casa en la campiña junto al mar, lejos de París, en la vida de todos reina una suerte de descontento. Una noche lluviosa, un enorme perrazo se cuela en la finca, y aunque al principio quieren echarlo, acaba cayéndoles en gracia, al tiempo que le bautizan como Stupid, o sea, Estúpido. El can combina una serie de cualidades –no es ruidoso ni ladrador, pero parece continuamente en celo, y es un poco “destroyer”–, acaba convertido en símbolo de la frecuente estupidez humana. Adaptación de un relato del escritor y guionista hollywoodiense John Fante (1909-1983), cuya trama ha sido trasladada y adaptada a la idiosincrasia francesa, está detrás de ella, como realizador y también como coguionista, Yvan Attal, quien además se ha reservado el papel protagonista, concediendo el segundo rol principal a Charlotte Gainsbourg, que es además su esposa en la vida real y madre de sus tres hijos. No alcanza las cotas de brillantez que sí mostraba en la precisamente titulada Una razón brillante, quizá hay un error de casting en estos dos personajes centrales, a pesar de ser buenos actores y ser auténtica pareja, pues resultan antipáticos en exceso, con su existencia gris y el desencanto vital que parecen transpirar por todos sus poros. Es cierto que estamos ante la adaptación de un autor asociado al llamado “realismo sucio”, pero falta el punto de emoción y pasión que exige una historia fílmica, acaba imponiéndose una indolencia irritante. La narración está estructurada con los capítulos de la nueva novela que Henri se esfuerza en escribir, y sirve para explorar temas como la crisis de la mediana edad, la paternidad no demasiado bien ejercida, o el modo en que se permite que el amor matrimonial envejezca y se marchite. En algún momento puntual asoma lo que quizá se busca, una luz que brille en la oscuridad, la catarsis a través del arte literario, pero no se logra que tales ocasiones eleven el conjunto entero, como debiera ser.
5/10
(2015) | 85 min. | Deportivo | Documental | Drama
Increíble historia real de comienzos del siglo XXI, en que una mujer de un pueblecito de Gales, en una zona eminentemente marina, toma la decisión de preparar un caballo para las carreras, sin contar con ninguna experiencia en dicho terreno, y sin contar personalmente con dinero para invertir en tal aventura. Janet Vokes, que trabaja en la barra del pub del pueblo, convence primero a su marido chatarrero, y luego a varios lugareños, que deben aportar 10 libras semanales para poder preparar a un hermoso animal para las competiciones, fichar a un preparador, contratar a un jinete, etc. Contra pronóstico, Dream Alliance –la Alianza del Sueño, el nombre que dan al animal– empieza a descollar enseguida. Louise Osmond entrega de modo eficaz un documental que habla de la posibiidad de hacer realidad los sueños si uno cree en ellos y pone empeño suficiente para materializarlos. Lo que tiene más fuerza cuando se trata de una especialidad que se asocia habitualmente con las élites, y así tiene gracia ver en el film el contraste entre los típicos y adinerados propietarios de caballos, y los sencillos propietarios de Dram Alliance. Además, destaca la humanidad con que es tratado el caballo –el animal no es reducido a la categoría de cosa prescindible–, también en las etapas en que las posibilidades de que pueda llegar a ser un campeón son remotas.
6/10
(2018) | 108 min. | Comedia Tráiler
"Todo debe cambiar, para que todo siga igual". La cita de Tomasi de Lampedusa en "El gatopardo" se ha convertido en algo cercano al cliché, se nos recuerda en Dobles vidas, pero recurrir con frecuencia a ella prueba su vigencia, y como se remacha en el film, viene como anillo al dedo, más en unas épocas que en otras. Y en tiempos de cambios tecnológicos, en que con facilidad tenemos cargando 3 ó 4 dispositivos electrónicos, y donde se discute si el libro en papel camina a su extinción, la cultura de lo gratis, y si los caminos de la ficción empiezan a encontrarse agotados, la frase viene sin duda al pelo. Porque a pesar de todo, los seres humanos no hemos cambiado tanto, seguimos buscando la felicidad, pero nos engañamos y engañamos a los otros, aunque a lo postre lo que anhelamos es el equilibrio, la paz, en algo que podamos llamar hogar y familia. Sorprende la capacidad de Olivier Assayas, director y guionista, para imbricar con naturalidad en su relato la reflexión, en forma de conversación continua entre los personajes, de adónde nos lleva la revolución tecnológica, con sus altibajos sentimentales y existenciales. Alain Danielson es el director de una editorial venerable, que se plantea cómo encarar un futuro digital que ya es presente. Está casado con una actriz, Selena, a la que cansa llevar ya tres temporadas actuando en una popular serie policíaca, y ambos tienen un niño. Uno de los autores de la casa, Léonard Spiegel, le ha entregado su última novela, como todas las anteriores con muchos elementos autobiográficos. Pero no acaba de convencerle. Léonard está con la jefa de prensa de un político, pero desde hace tiempo tiene una aventura con Selena. A su vez, Laure, la asesora en cuestiones digitales de Alain, es algo más que eso. En su particular coctelera, Assayas sabe introducir y agitar muchos elementos, y servir una bebida con sabor genuino. Somos capaces de empatizar con unos personajes humanos, del mundo intelectual, que disfrutan con las ficciones escritas o audiovisuales, pero que a la vez atraviesan crisis personales hondas, una suerte de aburrimiento vital de ir tirando, del que no hablan abiertamente. Es una suave angustia, a veces atemperada con algo parecido al amor, que pasaba antaño y que no cambia en tiempos digitales y de "fake news"; los engaños, políticos o personales, siempre han existido, y siempre existirán, nos dice el cineasta francés; como también el "mirar a otro lado", la aceptación de ser engañados, por miedo a que la confrontación genere una pérdida mayor de la que ya se padece. Por la película pululan muchos personajes, presentes en veladas de diverso corte, que sirven para crear esa atmósfera en que se habla de lo divino y de lo humano. Pero el peso recae sobre todo en las dos parejas protagonistas del adulterio, pasiva o activamente, con buenas interpretaciones de Guillaume Canet, Juliette Binoche, Christa Théret, Vincent Macaigne y Nora Hamzawi.
7/10
(2016) | 98 min. | Drama Tráiler
Mathieu, ejecutivo treintañero en una empresa neoyorquina de comida para animales, nunca ha conocido a su progenitor, pues su madre se ha limitado siempre a asegurarle que fue fruto de la aventura de una noche. Pero recibe la llamada de un desconocido desde Canadá, que le informa de que su padre ha fallecido, dejándole un paquete como herencia. Decide viajar a Montreal, para acudir al funeral, aunque su verdadera motivación consiste en conocer a sus hermanos y al resto de su familia… La adaptación de una novela de Jean-Paul Dubois supone el nuevo trabajo del ingeniero de sonido Philippe Lioret, que reconvertido en realizador ha sorprendido con títulos como Welcome, emotivo drama sobre los refugiados y la necesidad de vínculos familiares. En su nuevo drama intimista recupera el segundo tema, pues habla con un enorme optimismo de la inquietud de cada persona por conocer sus orígenes, de la importancia de perdonar errores del pasado de los allegados, y de la soledad insoportable que conlleva estar lejos de ellos, en un mundo duro. Aunque no esconde los grandes problemas de la vida, no tiene un tono de drama exagerado, sin llegar tampoco a la comedia, y acaba introduciendo elementos propios del thriller. Las imágenes cobran fuerza sobre todo por la labor de Pierre Deladonchamps, protagonista de El desconocido del lago, que se consagra como un sólido actor, muy contenido en un personaje cuyo rostro manifiesta que sufre, pero que mantiene la ilusión. Le acompañan capacitados intérpretes, sobre todo canadienses.
6/10
(2013) | 98 min. | Aventuras
Mariah Mundi, un jovencito, ve cómo de la noche a la mañana son secuestrados sus padres, afamados arqueólogos expertos en objetos míticos, y su hermano Félix, por unos enigmáticos individuos liderados por el malvado Luger, que quieren dar con el cofre del rey Midas, fuente de la vida y con capacidad para convertir todas las cosas en oro. El chico contará con la ayuda del intrépido Charity para rescatar a su familia y dar con el cofre, pero debe viajar al hotel Prince Regent, situado en una isla, donde se asociará con la guapa doncella Sacha. Ambiciosa coproducción juvenil española, con Reino Unidos y Estados Unidos, se basa en una saga novelística aventurera a lo Indiana Jones de G.P. Taylor, antiguo motero rockero, reconvertido en pastor anglicano. Tiene un reparto internacional de caras conocidas con gran oficio, donde destacan Michael Sheen, Sam Neill, Lena Headey y Ioan Gruffudd. Pero el protagonismo recae sobre los hombros de Aneurin Barnard, que ofrece una interpretación algo plana, y los rasgos de los personajes encarnados por los veteranos resultan muy esquemáticos. Se trata de un agradable “divertimento” familiar, donde se nota un importante esfuerzo en diseño de producción y efectos visuales, aunque las aventuras que se nos acaban entregando no tienen demasiada fuerza, todo resulta previsible y las frases sobre lo mucho que está en juego suenan algo huecas en su grandilocuencia. Dirige el poco conocido Jonathan Newman, que parece haberse decantado por el cine familiar.
5/10
(2018) | 96 min. | Documental Tráiler
Almudena Carracedo y Robert Bahar lograron un Emmy a la mejor cobertura de una noticia con Made in L.A., que retrataba el día a día de tres inmigrantes latinas trabajando en Estados Unidos. Para su siguiente trabajo conjunto han contado con el apadrinamiento del mismísimo Pedro Almodóvar, como productor ejecutivo. Sin esconder su posicionamiento de izquierdas, los autores reivindican en esta ocasión la memoria histórica, y documentan la búsqueda de desaparecidos del bando republicano, y los intentos por parte de víctimas del franquismo de llevar a la justicia al policía apodado Billy el Niño y a otros presuntos torturadores, responsables de encarcelamientos, y ladrones de bebés recién nacidos. Han sido galardonados con el Premio de la Paz, de la politizada Fundación Heinrich Böll (afín al partido de Los Verdes), y el Premio del Público de los documentales de la Sección Panorama, en el Festival de Berlín. Bien narrado, y técnicamente correcto, sigue el periplo de varios de los protagonistas, como José María Galante, apodado “el Chato”, represaliado por la policía política en Madrid, María Martín, fallecida poco después de ser entrevistada para este largometraje, que luchaba para recuperar los huesos de su madre, ejecutada durante la Guerra Civil en Pedro Bernardo (Ávila), o Ascensión Mendieta, que a los 91 años pudo comprobar que se habían desenterrado los restos de su progenitor en Guadalajara. Gran parte del metraje se centra en la odisea de la juez María Romilda Servini, que tomó en Argentina el relevo de Baltasar Garzón instruyendo estas causas, y que ha tratado de procesar a figuras como Rodolfo Martín Villa, ex ministro de Relaciones Sindicales y posteriormente vicepresidente tras la Transición. En sintonía con el título se busca El silencio de otros, pues quienes no están de acuerdo con la postura de los retratados no tendrían espacio para hablar, se tiene la sensación de que cualquier “pero” denota una adscripción al fascismo. Se argumenta, por ejemplo que si los diputados y dirigentes de UCD (las imágenes muestran nada menos que a Adolfo Suárez) avalaron la Ley de Amnistía de 1977, que deroga un amplio espectro de delitos (de ambos bandos), fue únicamente para protegerse a ellos mismos, ya que todos procedían de las instituciones preconstitucionales. El espíritu de consenso que hizo posible pasar página y salir adelante inspirado por Adolfo Suárez sería, de esta forma, una mera excusa. Y por supuesto, presenta como grandes villanos de la película a los representantes del PP, retratados como monstruos empeñados en obstaculizar o impedir que se revise el pasado por pura afinidad con Franco. Por el contrario, presenta como auténticos héroes a Manuela Carmena, y a los concejales de Ahora Madrid, que siguiendo la Ley de Memoria Histórica aprobaron el cambio de nombre de calles dedicadas a figuras destacadas del franquismo, y en un ejercicio de ciencia-ficción también a Pedro Sánchez, que tras la moción de censura que acabó con el ‘malvado’ Mariano Rajoy ha prometido que las cosas van a cambiar. De esta forma, queda una obra para convencidos, bastante discutible, que desatará indignación en el resto de la ciudadanía. Además, dejando aparte interpretaciones y teorías, no se puede afirmar sin rubor que Garzón fue apartado de la carrera judicial por investigar las desapariciones del franquismo; revisando la hemeroteca se podrá comprobar que se le inhabilitó por las escuchas ilegales del caso Gurtel.
4/10
(2013) | 112 min. | Aventuras | Biográfico | Drama Tráiler
La aventura protagonizada por la tozuda Robyn Davidson, que en 1977 emprendió un viaje imposible por el desierto australiano en compañía de tres camellos, y fue objeto de un popular artículo en National Geographic y dio pie al best-seller "Tracks", escrito por ella. John Curran demostró que le van las historias en ambientes exóticos de naturaleza hostil en El velo pintado, pero ahí tenía una base literaria y de fuertes conflictos entre personajes gracias a W. Somerset Maugham. Aquí se arriesga con una narración inevitablemente más árida, y donde las razones del insólito viaje debe plantearlas sutilmente. El cineasta tiene capacidad de sugerir, y algunas escenas invitan cinematográficamente a pensar en los traumas familiares de infancia, en la soledad de Robyn, y en su especial unión con los camellos. Pero también puede agotar un poco al público una trama a priori con pocos alicientes, parafraseando el Evangelio podríamos decir que es más fácil que un camello pase por el ojo de una aguja, que un espectador pague sue entrada por ver esta historia. De todos modos, el film no deja de tener interés, y se enmarca en ese tipo de filmes de tipo solitario en busca de sí mismo, que ha dado pie a títulos como Las aventuras de Jeremiah Johnson, Hacia rutas salvajes y Burt Munro: Un sueño, una leyenda. Al igual que en los ejemplos citados, el intérpreta protagonista es decisivo, y aquí Mia Wasikowska hace un buen trabajo, de mujer resistente, susceptible y frágil al mismo tiempo. Algo más inconsistente, con pocos registros, es el fotógrafo de Adam Driver, que tiene más paciencia que el santo Job con la poco amistosa Robyn. La película presenta una hermosa fotografía y no se anda con paños calientes cuando toca mostrar la necesidad de matar a algún animal, en tal sentido quizá no sea el film que amarán los ecologistas radicales. Como nota curiosa señalar que tarda más de una hora en salir un canguro, frente a la presencia inesperada para el neófito de los camellos, abundantes en estado salvaje en Australia, aunque no sean autóctonos, fueron traidos como animales de carga, y muchos se han criado en libertad.
6/10
(2019) | 102 min. | Drama Tráiler
La historia de una familia en descomposición, y la peculiar e incendiaria manera de volver a armarla con piezas nuevas, centrada en el personaje de Ema. Ella y Gastón están casados, ella es bailarina, especializada en regatón, él su temperamental coreógrafo. No han podido tener niños, y adoptaron a Polo, pero el imprudente chaval, jugando con fuego, quemó el rostro de la hermana de Ema. El traumático hecho les llevó a “devolver” al pequeño, y desde entonces todo se ha vuelto disfuncional. Ema se queda sin el trabajo de profesora en un colegio, y se centra en los pasos de baile con otras compañeras, y en establecer extrañas relaciones, aparentemente inmotivadas más allá de su creciente desequilibrio, con un bombero casado y con una mujer. Lo que deja el campo abierto a Gastón para que también busca satisfacer sus necesidades sexuales y afectivas. El cineasta chileno Pablo Larraín entrega una historia insana y decididamente incómoda, de amplia carga sexual. Su puesta en escena está muy cuidada, y demuestra poderío visual en las imágenes. La mirada al mundo de la danza puede interesar a los conocedores de esta disciplina, aunque la consideración de que forman una gran familia, no encuentra correlato con lo que se nos cuenta. Llaman la atención sus retorcidos y desnortados personajes, chamuscados incluso, con los que resulta difícil empatizar, y que se asemejan a juguetes rotos, que usan al otro egocéntricamente para servir a sus ocultos intereses, de un modo que puede sorprender pero no emocionar. Amor, sacrificio y compromiso, no son palabras que formen parte del vocabulario de Ema y alrededores, y el desenlace quizá alguno lo vea como ingenioso, pero a otros nos suena a tomadura de pelo en torno a la nueva "ingeniería familiar". Lleva el peso del film, como puede imaginarse, Mariana Di Girolamo, que interpreta a la protagonista. Sorprende un contenido Gael García Bernal como su hermético marido, un papel claramente secundario.
3/10
(2017) | 105 min. | Drama Tráiler
Principios de la década de los 60. Los jóvenes y enamorados Florence y Edward se han casado y se disponen a ser felices para siempre. Alojados en un hotel junto a la playa de Beach, para disfrutar de su luna de miel, la noche de bodas no transcurre con la dicha y normalidad deseadas. A través de sucesivos flash-backs se nos informa de cómo se conocieron y de su “background” familiar. Los padres de ellas son estirados y de buena posición. Los de él, de más modesta condición, a lo que se suma la demencia materna, tras un accidente. Pero palpamos sobre todo su absoluto desconocimiento de la sexualidad, lo que podría dificultar su vida conyugal. Adaptación de la novela homónima de Ian McEwan, a cargo del propio autor. Quizá sobre el papel el novelista lograra crear la atmósfera adecuada, y las idas y venidas temporales contribuyeran a dibujar una situación inconcebible en el año, 2017, en que se ha rodado el film, pero que se podría haber dado en una Inglaterra puritana que veía el sexo como un tabú. En cualquier caso el desconocido director de la cinta, Dominic Cooke, se ha atrevido con una película demasiado compleja y entrega un producto aquejado de arritmia, demasiado académico y premioso a pesar de su estructura narrativa, lo lastran las las reiteraciones, y el modo en que se entrega la información parece caprichoso y no ayuda a la credibilidad de la propuesta. La pareja protagonista, Saoirse Ronan y Billy Howle, son quizá lo mejor de la cinta, aunque desconcierta un poco el contraste de su atractivo entusiasmo juvenil con el modo algo timorato en que afrontan lo que no conocen, incluido su actitud provinciana ante los paletos camareros del hotel. Los secundarios están bastante desdibujados, sobre todo los progenitores de una y otra parte, que en el caso de los de ella rozan la caricatura del rico pedante.
5/10
(2013) | 90 min. | Drama Tráiler
Un pueblecito de Texas. Los hermanos Muldoon, Bob y Freddie, y la mujer de Bob, Ruth Guthrie, cometen un robo que sale mal. Tras un tiroteo, Freedie muere y Bob y Ruth, que está embarazada, son capturados. Bob será encarcelado mientras que Ruth queda en libertad y durante cuatro años cuidará sola de su hija. Cuando llega la noticia de que Bob ha escapado, la policía del pueblo se pondrá alerta ante la inminente llegada de Bob. Al frente estará el agente Wheeler, quien se siente atraído por Ruth. Cine poderoso, de mundos interiores, de personajes recios, de vidas duras, de presentimientos trágicos. El director  David Lowery (de amplia trayectoria como cortometrista y con dos largometrajes en su haber) ofrece una historia que engancha, también porque narra siempre al filo de la navaja, sin explayarse un ápice, huyendo de la explicitud, echando mano de los mínimos puntos de apoyo para edificar su historia. Los detalles parecen ser lo de menos para él, de modo que las elipsis son constantes y sólo parecen contar dos momentos: ése en el Bob y Ruth se separan y ése en el que pretenden reencontrarse. En medio, algunos personajes que pululan por ahí: el sheriff enamorado de ella, el sufriente padre del fugitivo, los hombres que buscan venganza, el amigo. Este excesivo laconismo narrativo resta también algo de contundencia al resultado, que seguramente podría haber sido más emocionante, más equilibrado y completo. Porque este quedarse a medio camino se debe también a que los personajes suelen mantenerse a cierta distancia emocional del espectador, les conocemos mínimamente, verdaderamente sabemos poco de su corazón, de sus reacciones. El espectador tiene siempre una leve e incómoda sensación de que se ha perdido algo. Y que con esa implicitud general al director no se le vaya de las manos la película se debe principalmente a la perfección formal. La atmósfera que genera Lowery es impresionante, tanto es así que el amor entre Bob y Ruth adquiere ciertos tintes épicos, arquetípicos. La Texas de Lowery es la de los sesenta del pasado siglo y la puesta en escena –con su preciosa fotografía y sus minimalistas acordes musicales- recuerda a ciertos pasajes contemplativos de El árbol de la vida, mientras que la perpetua violencia latente que invade toda la cinta remite a la subyugante El asesinato de Jesse James por el cobarde Rober Ford. Por otro lado, Lowery ha contado con actores de primerísimo orden, intérpretes capaces de mostrar mundos interiores sin cruzar más de tres palabras y a la vez con un talento innato para esconder sus más íntimas intenciones: es el caso de Casey Affleck, Rooney Mara y Ben Foster. Y a ellos se suma un perfecto Keith Carradine.
6/10
(2013) | 90 min. | Thriller | Drama Tráiler
Coproducción española, en la que ha intervenido Televisión Española, y que cuenta con un guión de Javier Gullón (El rey de la montaña, Invasor), que adapta la novela del Nobel portugués José Saramago “El hombre duplicado”. El hombre duplicado al que sigue Denis Villeneuve en Enemy tiene el rostro de Jake Gyllenhaal. Un anodino profesor de universidad, que convive sin grandes ilusiones con una mujer de la que espera un niño, y que se deja llevar por sus pulsiones sexuales, descubre en una película de vídeo, El que la sigue, la consigue, que uno de los actores con un minúsculo papel de botones es idéntico a él. Aquello acrecienta su ya habitual angustia vital, y trata de contactar con el otro, que también se agobia bastante con la insólita situación. Película difícil y críptica, se supone que se trata de una exploración de la identidad humana y los mecanismos del subconsciente, los enfrentamientos de corte esquizofrénico que experimentamos contra nosotros mismos, aquello que apuntaba san Pablo de que hay una ley en mis miembros por la que hago lo que no quiero, de modo que queremos ser nosotros mismos, pero de otra manera, nunca estamos satisfechos en la situación actual. Lo cierto es que la trama de que somos nuestro peor enemigo, no parece conducir a ninguna parte, con la idea de aproximar de algún modo orden y caos. Como el director de Incendies y Prisioneros es un auténtico especialista en la creación de atmósferas opresivas, sí que consigue transmitir incomodidad, el ambiente de la ciudad con unos edificios que parecen aprisionarte. Uno puede pensar un poco en Enemy, al enfrentarse a determinados elementos surrealistas, en el David Lynch más delirante. Pero todo esto no basta para entregar una película suficientemente sólida, queda la sensación de arriesgado experimento no satisfactorio.
5/10
(2018) | 136 min. | Documental | Drama Tráiler
Isaki Lacuesta acomete un nuevo documental de creación, de alto calado dramático en su naturalismo, que recupera a personajes de La leyenda del tiempo, rodada doce años atrás. Se trata concretamente de los dos hermanos gitanos de San Fernando, Isra y Cheíto, ahora adultos, y que se reencuentran cuando el primero sale de prisión, y el otro regresa de una misión en la Armada, donde sirve en un barco en la cocina. Ambos son padres de familia, con niños. Y se nos describe su entrañable fraternidad, y los esfuerzos por llevar una vida familiar normal, lo que no resulta nada fácil, especialmente en el caso de Isra. Pues al regresar a casa, su esposa no le recibe precisamente con los brazos abiertos, no quiere acogerle hasta que tenga un trabajo y demuestre que puede cuidar de ellos. La dignificación que supone un empleo cuesta conseguirla en una zona de alta tasa de paro, donde delinquir con el tráfico de drogas para obtener dinero rápido supone una tentación demasiado fuerte. La narración, con guión de Lacuesta, Fran Araújo e Isa Campo es morosa, se toma las cosas con calma, de modo que deviene en documento antropológico no apto para paladares impacientes. Se logra captar en cualquier caso la idea a que se alude en el título, de la existencia de quien nada entre dos aguas, la que corresponde a tratar de llevar una vida normal y feliz, como una persona honrada, y la de la aventura y el trapicheo, impelida por el deseo de libertad y de depender de uno mismo. Al atraparse un retazo de vida, a veces con un hiperrealismo innecesario –el parto inicial, las escenas de alcoba–, puede uno imaginarse que la historia se muestra inconclusa, como la vida misma, aquello “continuará”, los protagonistas seguirán tomando sus decisiones, en medio de los inevitables condicionamientos sociales. Es de suponer que algunas escenas se habrán rodado varias veces, están escenificadas, aunque se ciñan a la realidad. Los protagonistas se muestran naturales, y sorprende que a pesar de su deje y jerga peculiares se les entienda bien, verdaderamente vocalizan, o eso parece.
6/10
(2015) | 95 min. | Terror Tráiler
Melanie sufrió un trauma cuando de niña fue testigo de la conversión de sus padres en zombis. Años después, la pandemia que causó esta tragedia e hizo estragos entre la población está controlada, por lo que Melanie acude a un parque temático donde adinerados turistas pueden pasear entre muertos vivientes y disparar contra ellos. Se ha sobreexplotado tanto en los últimos años el subgénero zombi que después de transformarlos en hiperveloces (28 dias después), usarlos como metáfora política (La tierra de los muertos vivientes) o convertirlos en objeto de parodia (Zombies Party), ya resulta difícil sorprender a los espectadores con nuevas ideas. Pero este pastiche que viene a ser Parque Jurásico con zombis, pero sin el talento de Steven Spielberg, ni siquiera se esfuerza por introducir algún elemento con un mínimo de frescura. Steve Barker, autor de la poco conocida Avance del más allá, está al frente de esta coproducción hispano-belga-inglesa cuyas pretensiones de crítica social y su intrínseca reflexión sobre la futilidad de la venganza quedan diluidas por un guión bastante mediocre y previsible. El británico Dougray Scott se esfuerza por dar algo de lustre a un reparto de segunda fila, que por otro lado lo tenía bastante difícil para sacar adelante a unos personajes tópicos.
4/10
(2016) | 110 min. | Histórico | Bélico | Drama Tráiler
A punto de cumplirse el 80 aniversario del bombardeo de Guernica (Gernika en euskera), durante la guerra civil española, llega esta película para recordar que aquella fue una de las primeras ocasiones en que se arrojaron bombas sobre la población civil. Aunque las víctimas no fueron numerosas –unas 160, lejos de las alcanzadas posteriormente en la Segunda Guerra Mundial, con los trágicos récords de Hiroshima y Nagasaki–, el ataque se convirtió en emblemático de cómo el horror bélico podía cebarse sobre los no combatientes, en acciones que no tenían interés táctico o estratégico, sino que se dirigían únicamente a minar la moral de enemigo. De hecho el film incide en que los bandos contendientes se convirtieron en poco menos que marionetas en manos de los totalitarismos –nazi y fascista de un lado, soviético del otro–, que ensayaron en España sus nuevas armas. Esto podía haber servido un poco para superar el habitual maniqueísmo del subgénero bélico de la guerra civil española, aunque no se acaba de lograr del todo este objetivo, la ideología sigue pesando lo suyo. Estamos ante un notable esfuerzo de producción, manejado por Koldo Serra con ciertos medios y rodado en inglés, sin duda con la sana intención de hablar de modo didáctico del bombardeo a un público internacional amplio. Pero desgraciadamente el film acaba convertido en un encadenado de clichés, por culpa de unas situaciones demasiado folletinescas y estereotipadas, por las que pululan unos personajes de cartón piedra. Todo transcurre alrededor de la oficina de prensa en Bilbao durante la guerra, donde ejerce Henry, un periodista que fue una especie de Hemingway en su día, pero que se ha convertido en un cínico que inventa sus crónicas; por ahí también anda una fotógrafa que se juega la vida cada vez que toma una instantánea. A la idealista Teresa le toca la ingrata tarea de manejar la censura informativa, aunque a la vez desea que el mundo conozca la verdad de la contienda. Un comisario político ruso la pretende románticamente, pero ella se verá atraído por Henry. Como cabe imaginar, la peripecia periodística y romántica es una excusa que debe llevarnos a las escenas del bombardeo, lo mejor del film. Pero entretanto hay momentos obvios de promoción turística, como el publirreportaje –no se nos ocurre una descripción mejor– de las escenas del País Vasco y la vida rural, con la excusa de que la oficina de prensa se lleva a los chicos de la prensa a hacer un tour: de modo que ven el árbol de Guernica, y puede disfrutar del aurresku.
3/10
(2017) | 101 min. | Drama Tráiler
Misako se gana la vida escribiendo audioguías para películas que describen la acción para invidentes, pero le pone una enorme pasión a su trabajo, escoge con sumo cuidado cada palabra con la que explica cada movimiento, gesto o color que aparece en pantalla. Sin embargo un grupo de compañeros evalúa su trabajo, recriminándole sobre todo que se excede en frialdad, olvida los sentimientos. Se muestra más crítico que nadie con su labor Nakamori, fotógrafo a punto de quedarse ciego. Tras pasar toda su vida en el campo del documental, la veterana realizadora japonesa Naomi Kawase se ha dado a conocer en la última década al público occidental con títulos como El bosque del luto, Aguas tranquilas y sobre todo Una pastelería en Tokio, su mejor trabajo. Con el siguiente, en el que repite como protagonista masculino el cocinero de dorayakis de aquél, Masatoshi Nagase, participó en la sección oficial del Festival de Cannes, donde se hizo con el premio del Jurado Ecuménico. También guionista, la cineasta vuelve abordar un encuentro entre personajes solitarios, haciendo gala de su personalísimo estilo, basado en la sugerencia, apenas ofrece datos de sus personajes, casi no ocurren cosas… No llega al nivel de su film inmediatamente anterior, el nuevo resulta más evocador que redondo, a veces el exceso de voz en off agota, algún subrayado en momentos emotivos sobra… Pero Hacia la luz da que pensar, sobre todo parece estar reflexionando sobre su propio oficio pues, ¿de qué sirve la imagen en el Séptimo Arte si no conmueve al espectador? Se diría también que compara el arte fílmico con la fugacidad de la vida, los largometrajes pasan rápidamente ante nosotros, pero tienen el objetivo de dejar poso, de permanecer en la memoria del espectador. Incluso aunque éste acabe olvidando un día, como la madre con alzheimer de la protagonista, y pese a la certeza de la muerte… “Lo más bello es aquello que desaparece ante nuestros ojos”, explica el personaje central. Meticuloso trabajo del reparto, en especial de Ayame Misaki (Misako), prolífica actriz de títulos como Ataque a los Titanes, que en esta ocasión tiene entre manos a un personaje que reprime sus sentimientos, mientras que el citado Nagase borda el extremo contrario, el hombre desbordado por la fatalidad. En suma, estamos ante una propuesta minoritaria, pero con interés.
5/10
(2014) | 87 min. | Drama | Comedia

Harold y su mujer Marny son propietarios de una tienda de muebles. Durante más de 40 años, el negocio les ha funcionado muy bien y ya están pensando en una cómoda jubilación. Hasta que IKEA decide abrir una tienda al lado. Las ventas de la pareja caen en picado y se ven abocados a la ruina y el estrés hace que Marny empiece a perder la memoria. Harold, desesperado y furioso, decide tomar la justicia por su mano. Armado con cinta adhesiva, envoltura de burbujas y una pistola, se dirige a secuestrar a su mayor rival: el fundador del gigante del mueble IKEA.

(2015) | 112 min. | Acción | Ciencia ficción | Drama Tráiler
Ahora que las distopías juveniles están tan de moda, con las sagas de Los juegos del hambre y compañía, llega una cinta adulta de ese corte, High-Rise, que adapta una novela del británico J.G. Ballard. Pero son más interesantes los recuerdos autobiográficos de infancia de ese autor, plasmados en la pantalla por Steven Spielberg en El imperio del sol, que su mirada a una sociedad enfermiza de un corte futurista que a veces ya es presente, y que ha dado pie a obras como el Crash de David Cronenberg. El tiempo en que transcurre la acción de High-Rise se diría indeterminado, quizá un futuro muy parecido a la actualidad, donde la sociedad se ha degradado hasta el extremo. El doctor Robert Laing, que aún llora la reciente muerte de su hermana, se acaba de mudar a un enorme edificio de apartamentos, donde en los pisos bajos habitan personas de inferior condición social, mientras que en los altos vive la élite. Precisamente en la azotea habita el arquitecto, Royal, aunque el gobierno del rascacielos –que cuenta con piscina, gimnasio y supermercado, entre otras comodidades, aún mayores para él, su esposa ha montado una suerte de parque con animales arriba del todo–, no es sencillo. “Sexo y paranoia”, diagnostica uno de los personajes en un momento dado, a modo de resumen de las obsesiones de una sociedad decadente. Y es que los habitantes conforman un auténtico zoo humano, con personas animalescas, promiscuas, chismosas y superficiales, con obsesiones de todo tipo, ya sean más o menos famosetes. Los suministros de luz, agua y alimentos empiezan a fallar, y la locura se desata, mientras se sucede la violencia y las fiestas orgiásticas. Todo se sirve con una cuidada imaginería alucinada, e irritante casi siempre, que hace pensar en el cine de Terry Gilliam: el film de Ben Wheatley querría ser algo así como Brazil y 12 monos, pero su demencial locura que agota al espectador más paciente se aproxima más a Miedo y asco en Las Vegas o The Zero Theorem. Da pena que un reparto con Jeremy Irons o Sienna Miller sirva para esto.
4/10
(2016) | 85 min. | Drama
Sarajevo, 2016. Un siglo después del asesinato del heredero al trono austrohúngaro, el archiduque Francisco Fernando de Austria, por parte del joven nacionalista bosnio Gavrilo Princip, se preparan una serie de actos oficiales conmemorativos en el Hotel Europa, a pocos metros del lugar del atentado del 28 de junio de 1914, que propició la Primera Guerra Mundial. En el edificio están teniendo lugar diversas entrevistas televisivas, preparación de discursos, ensayos diversos, por lo que la seguridad ha sido reforzada. El director del hotel vela porque todo salga perfectamente. Los empleados, sin embargo, tienen otros planes: han elegido ese día para ir a la huelga, pues no cobran desde hace meses y saben que ése es el mejor día para que su protesta sea escuchada. La carrera de Danis Tanovic alcanzó su cénit cuando dirigió su primer film de ficción, En tierra de nadie, con el que se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. El director y guionista presentaba, a modo de comedia negra, una esperpéntica y angustiosa situación en el frente durante la Guerra de los Balcanes. Quince años después –tras una filmografía siempre interesante– llega Hotel Europa, en donde vuelve a poner la mirada en la difícil convivencia social que hay en su país, siempre en equilibrio inestable, en donde la palabra paz puede no ser más que el simple eslogan que esgrimen los políticos en connivencia con los intereses internacionales. Porque, como una gran metáfora del avispero balcánico, Hotel Europa viene a decir que no hay paz en Bosnia-Herzegovina, que a la vuelta de un siglo permanecen los odios ancestrales entre países vecinos, la corrupción campea a sus anchas, los problemas sociales y la precariedad laboral se multiplican, no hay paz en el corazón de las personas, incapaces de perdonar, de asumir errores propios, de construir juntos. Y mientras de modo oficial se preparan discursos y homenajes, cualquier detalle puede causar un imprevisible estallido de violencia entre ciudadanos, un foco de injusticia, de dolor y sufrimiento, y vuelta a empezar. Con habilidad hiperrealista Tanovic nos mete dentro de su hotel-avispero y nos va llevando como seres invisibles por diversos vericuetos de un personaje a otro (el jefe, una recepcionista, una limpiadora, un policía, un actor), con cámara en movimiento, desde la azotea a los sótanos, por pasillos interminables y salas de juego, por habitaciones y comedores, por la recepción y los despachos, de modo que parece que estamos ante una gran colmena con jefes y empleados llenos de inseguridades y nervios. El resultado es un film coral que hace pensar acerca de la inextricable situación en los Balcanes, pero que también es algo frío, tanto por la distancia generada hacia los personajes como por la seca y desoladora resolución provocada por la mirada crítica del director, demasiado desesperanzada.
5/10

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