Las 100 mejores adaptaciones al cine de clásicos literarios infantiles (2020)

Adaptación del clásico literario de Johanna Spyri, que ha conocido numerosas versiones tanto para el cine como para la pequeña pantalla, las más célebres la serie japonesa de 1974 y quizá la película dirigida por Paul Marcus en 2005, con Sarah Bolger de protagonista. Como se sabe, narra las peripecias de la pequeña Heidi, una chavalilla de ocho años la mar de salada, cuyo optimismo insaciable es puesto a prueba. Huérfana y desamparada, primero tendrá que ir a vivir a las montañas alpinas con su huraño abuelo, al que acabará derritiendo el corazón, pero más tarde será enviada lejos de sus queridos Alpes, a Frankfurt, en donde conocerá a Clara, una niña impedida en silla de ruedas. La película se ve con gusto pero lógicamente no sorprenderá a gran parte del público. Los niños sin embargo gozarán especialmente de la dulce Heidi, una tierna chiquilla capaz de animarle la vida a cualquiera. Quizá ése es el aspecto más sobresaliente del film, que capta perfectamente la esencia de la historia: mirar la vida con ojos de niño, saber gozar de la maravilla de la naturaleza y ser capaces de poner amor donde no hay amor para sacar amor. Lo cierto es que es un cuento precioso. De producción germano-suiza, el film está dirigido con gusto por el helvético Alain Gsponer, interesado en historias infantiles como ya mostró en Las aventuras del pequeño fantasma. Aunque con los simplismos correspondientes, sabe entregar bellas e idílicas imágenes alpinas para después contrastarlas con la vida urbana, más triste y opaca, en donde la planificación y el acabado fotográfico de Matthias Fleischer están muy cuidados. El conjunto gana enteros con las interpretaciones: la expresiva niña Anuk Steffen compone una Heidi muy simpática, llena de vitalidad y dulzura, mientras que el genial Bruno Ganz logra dotar de mucha intensidad a su personaje del abuelo, hombre rudo con corazón de oro. También resulta entrañable Hannelore Hoger, en su papel de abuela de Clara.

Hay historias que parecen existir para ser llevadas a la gran pantalla por Tim Burton, y eso ocurre con las aventuras de Charlie Bucket, un chaval cuya vida gris se convierte de un día para otro en algo muy, muy dulce… Y es que la familia de Charlie es tan pobre que ni siquiera tiene algo para comer. Viven en una casucha que se cae materialmente a trozos (la habitación de Charlie no tiene techo), aunque eso no quita que todos los miembros de la familia –el abuelo Joe y la abuela Josephine, el abuelo George y la abuela Giorgina, y el señor y la señora Bucket– estén muy unidos y vivan una existencia feliz. Pero todos sufren por el pequeño Charlie, y es que un chico de su edad necesita un lugar de recreo, amigos con quienes pasarlo bien y sobre todo comida abundante. Se entiende, por tanto, que la gran atracción de Charlie sea la enorme fábrica de chocolate que domina la ciudad. Para él ese lugar es como el cielo, todo lleno de caramelo, azúcar glass, chocolate con miles de sabores... Y quizá el sueño de visitar la fábrica –cerrada al público desde hace mucho tiempo– se haga realidad si le toca una de las cinco invitaciones que el extraño dueño de la fábrica, Willy Wonka, ha escondido en forma de billetes dorados entre las chocolatinas repartidas por todo el mundo. La historia de Charlie tiene el aire de cuento fantástico y algo siniestro que le gusta a Tim Burton, y eso por no hablar de Willy Wonka, uno de los personajes más genuinamente burtonianos que ha dado el cine. La fidelidad al texto hace que el film sea un alarde de imaginación, pleno de colorido y con brillantes efectos especiales en la reproducción de las estancias de la fábrica, los ríos de chocolate y los diferentes destinos de los compañeros de Charlie. Burton ha contado con dos de sus actores fetiche: Johnny Depp es el solitario y travieso Willy Wonka, y Helena Bonham Carter la Señora Bucket. Aunque quien se lleva la palma es el chico Freddie Highmore, cuya natural expresividad ya nos dejo pasmados en Descubriendo Nunca Jamás.

Willy Wonka es un excéntrico chocolatero que tiene una gran fábrica de dulces y caramelos. Sus chocolatinas son apreciadas en todo el planeta y sobre todo por los niños que desean recibir cuanto antes su paga semanal para ir a comprar una tableta de su adorado chocolate. Un día, Willy Wonka propone un concurso para todos los niños del mundo: Esconderá 5 billetes dorados en cinco tabletas de chocolate, y los niños afortunados que den con cada una de ellas podrán visitar la fábrica. Charlie, un muchaho bueno y humilde que vive con sus padres y sus cuatro abuelos, tiene la suerte de encontrar uno de los billetes dorados, y compartirá el día en la fábrica con otros cuatro chavales, muy egoístas y caprichosos, por cierto. Adaptación en el cine de la novela de Roald Dahl, y dirigida por Mel Stuart. En el papel del extraño Wonka, encontramos al desternillante Gene Wilder (El jovencito Frankenstein) en esta colorida película llena de imaginación, buenos efectos visuales y entretenimiento para toda la familia. Tim Burton realizó su peculiar versión en 2005 con Johnny Depp a la cabeza.

Matilda (Mara Wilson) es una extraordinaria niña, de una inteligencia prodigiosa. Desgraciadamente, sus padres, Harry y Zinnia Wormwood (Danny DeVito y Rhea Perlman) no se dan cuenta de este hecho. Están demasiado acupados en sus pequeños quehaceres cotidianos e ignoran que su pequeña hija está completamente enamorada de los libros y la cultura, y de que tiene inmensos deseos de aprender cosas nuevas. Cuando los Wormwood conceden por fin a su hija el deseo de ir al colegio, la envían a una inhóspita escuela-prisión donde todos sus alumnos viven atemorizados bajo el látigo de una horrible directora, Agatha Truncbull (Pam Ferris). Deliciosa comedia familiar que ofrece algunas magníficas dosis de valores familiares, como el cariño y la generosidad. Danny DeVito demuestra que además de ser un gran actor es un fantástico y original realizador.

Un niño huérfano huye de sus malvadas tías en un melocotón que ha crecido espectacularmente. Durante su viaje se hace amigo de un ciempiés, una mariquita, un saltamontes y una araña coqueta.  Magnífica adaptación del clásico homónimo de la literatura infantil escrito por Roald Dahl. Tras el éxito de la espectacular Pesadilla antes de Navidad, Henry Selick como realizador volvió a colaborar con Tim Burton como productor.

La mejor adaptación –junto con la de Victor Fleming de 1934– de la clásica novela de Robert Louis Stevenson. Un viejo marinero enfermo llega a la posada de la madre de Jim Hawkins y, antes de morir, le entrega al pequeño un mapa que conduce a un tesoro escondido en una isla. Jim se lo cuenta todo al Sr. Trelawney y al Dr. Livesy, que organizarán una expedición para buscar el tesoro. Se trata de una producción de la Disney rodada en Inglaterra, que modifica el final original. El realizador Perce Pearce supera con gran profesionalidad el gran obstáculo que supone adaptar un texto de tanto peso en la historia de la literatura, lo que podría dar lugar a comparaciones. Robert Newton es el perfecto malvado, John Silver. El pequeño Bobby Driscoll está genial como el pequeño Jim Hawkins.

El joven Jim Hawkins encuentra un mapa de un tesoro, que ha dejado un viejo marinero asesinado, en la posada que regenta su madre. La adaptación más recordada de la clásica novela de aventuras de Robert Louis Stevenson, con Jackie Cooper interpretando a Jim Hawkins, y nuevamente unido al actor Wallace Beery (genial Long John Silver), con quien rodó Champ, su película más famosa.

Siglo XIX. Un explorador británico y sus ayudantes, exploran una remota región africana, que sobrevuelan en globo. Producción de aventuras que versiona muy libremente la célebre novela de Julio Verne.

La obra quizá más célebre y conocida del visionario escritor francés Jules Verne fue llevada a la pantalla con gran acierto por Richard Fleischer y con un reparto de actores espectacular. Narra la famosísima historia del arponero (Kirk Douglas) y sus dos compañeros que, tras haber sobrevivido milagrosamente a un naufragio, son recogidos por la fascinante y fantasmagórica nave submarina comandada por el atormentado Capitán Nemo (James Mason), el Nautilus. Bajo los oceános marinos, los tripulantes del Nautilus vivirán impresionantes aventuras y se tendrán que enfrentar a numerosos monstruos de las profundidades abisales, tales como el célebre pulpo gigante, símbolo de la fuerza maligna de los mares. Mención especial hay que darle a James Mason en su encarnación de Nemo, el capitán desequilibrado que planea destruir el mundo. La Academia de Hollywood premió los efectos especiales de este imponente film con un Oscar.

La vuelta al mundo en 80 días es una gran superproducción puesta al servicio del maravilloso relato de Julio Verne. Phileas Fogg (David Niven) es un desocupado noble británico que apuesta con los miembros de su club londinense que es capaz de dar la vuelta al mundo en exactamente ochenta días. Acompañado de su fiel criado Passepartout (Mario Moreno, Cantinflas), vivirán toda clase de aventuras para ganar tan singular apuesta. En torno a esta trama argumental Michael Anderson elabora un magnífico espectáculo, y así veremos en este film maravillosos exteriores rodados en los lugares más recónditos del mundo, toda clase de animales exóticos, estupendos decorados y un esmerado vestuario, todo ello bajo la excelente banda sonora de Victor Young. La película cuenta también con un reparto a la altura de las circunstancias y así, junto al dúo protagonista, aparecen Marlene Dietrich, Charles Boyer, Shirley MacLaine, Buster Keaton, Ronald Colman, Peter Lorre, Frank Sinatra... La película obtuvo un total de cinco Oscar en las categorías de mejor película, mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora. Todo un clásico.

Conmovedora aventura salida de la imaginación de Jules Verne, sobre la búsqueda infatigable de dos chicos, que creen que su padre ha sobrevivido a un naufragio. El director especialista de Disney en filmes familiares Robert Stevenson (Mary Poppins) firma la cinta. Quizá con el tiempo haya perdido algo de esplendor, pero se trata sin duda de una película de aventuras inolvidable, con personajes entrañables y muy bien narrado.

El millonario Arthur Lempereur intenta salir de una grave depresión que le ha llevado a intentar suicidarse en varias ocasiones. Peor se ponen las cosas cuando descubre que está arruinado, no viendo otra salida que hacer un trato con su contable Mr. Goh: asegurar su muerte en un millón de dólares, dejarse asesinar por Goh y hacer así que su novia pueda cobrar el dinero. Sin embargo, a medida que va saliendo ileso de todas las trampas que acechan su vida comienza a sentirse más feliz que nunca y ya no quiere morir. Nueva colaboración entre Belmondo y de Broca tras Cartouche (1962) y El hombre de Río (1964). En esta ocasión se tomó como punto de partida (modificada en numerosos aspectos) una novela de Julio Verne. La estética de cómic y la influencia de las películas de James Bond (no es casualidad que Ursula Andress sea la coprotagonista), la convierte en un espectáculo burlesco digno de ser tenido en cuenta y que puede ser considerada hilarante o irritante a partes iguales.

Una niña se prepara para ingresar en la prestigiosa Academia Werth, conforme a los dictados de su madre, obsesionada con que se convierta lo más pronto posible en una adulta de provecho. Pero los planes de ésta se verán alterados cuando la pequeña entable amistad con un excéntrico vecino, al que le cambió la vida su encuentro con un entrañable personaje llegado del espacio exterior. “El principito”, uno de los grandes clásicos de la literatura infantil de todos los tiempos, ha dado lugar a numerosas adaptaciones al cine, y a varias series animadas. Se conoce sobre todo la versión filmada por Stanley Donen en imagen real en 1974, con algún hallazgo valioso. Mark Osborne, responsable de Kung Fu Panda está al frente de esta ambiciosa coproducción franco-canadiense, de cuidada (aunque quizás no sorprendente) animación digital. El guión de Irena Brignull (Los Boxtrolls) y Bob Persichetti (hasta ahora animador en títulos como Mulan) acierta al no pretender ni mucho menos adaptar un texto imposible de llevar al cine. Han compuesto una historia complementaria alternativa, donde se hace referencia a lo ocurrido en el libro de Antoine de Saint-Exupéry, y está muy presente su espíritu. Mantiene su impagable reivindicación del original de la sensibilidad como instrumento valioso a la hora de contemplar el mundo, y añade otras reflexiones, por ejemplo sobre la deshumanización en el trabajo, o la educación obsesiva, que cuadran bien con la inmortal obra. Las imágenes del film están llenas de elementos imaginativos, como las estrellas sostenidas por hilos, o el peluche del zorro, uno de los personajes más recordados. Resulta conmovedora la licencia de sacar como personaje a un aviador que bien podría ser el autor francés, dado por desaparecido durante una misión de reconocimiento, en la Segunda Guerra Mundial. Quizás se alargue demasiado el tramo final, y la presencia del Principito adulto no acaba de funcionar, pero todo esto no enturbia un homenaje sentido a un libro mágico.

La soñadora Alicia se topa con un conejo blanco que tiene mucha prisa. Cuando le sigue hacia el interior de un árbol, es trasladada por arte de magia al mundo fantástico del País de las maravillas. Adaptación de la novelas de Lewis Carroll, todo un clásico de la literatura infantil y juvenil. Por su imaginativo recurso al surrealismo, es quizás el largometraje de animación de Walt Disney que más se aparta de su fórmula tradicional. Como es habitual en las películas clásicas de esta productora, tanto la animación como la música son de una excepcional calidad.

Creado en 1902 por el novelista escocés James Barrie, el niño que no quería crecer ha cumplido cien años, pero no ha envejecido, y sus aventuras siguen fascinando a las nuevas generaciones. El niño del País de Nunca Jamás aparecía fundamentalmente en una obra teatral, clásico de las funciones escolares anglosajonas, y en la novela “Peter Pan y Wendy”. Hubo dos lectores que se sintieron especialmente identificados con el personaje, los hermanos Walt y Roy Disney, durante su infancia en Misouri, mucho antes de dedicarse al cine. A principios de los 30, cuando Walt Disney se consagró como el pionero más destacado del campo de la animación, empezó a pensar en una adaptación cinematográfica del personaje, pero aún no se veía capaz de producir un largometraje. Cuando logró estrenar Blancanieves y los siete enanitos, en el 39, compró inmediatamente los derechos de las obras de Barrie. En los 50, la situación era bastante diferente. Walt Disney había fracasado notablemente con Alicia en el país de las maravillas, y comenzaba a acusar la competencia de otros estudios. Probablemente el mago de la animación pensó que Peter Pan era una apuesta sobre seguro, y todavía más si colocaba al frente del proyecto a los tres directores de La cenicienta, que había sido un gran éxito en 1950. El guionista Milt Banta (La bella durmiente), se encontró con que el texto era un magnífico material, pero demasiado extenso (sobre todo en cuanto a los temas que se tratan) para adaptarlo en su totalidad, por lo que su trabajo consistió más que nada en dejar lo esencial. La fascinación que despierta este clásico de la animación en niños y mayores proviene de que muestra algunos de los sueños del ser humano, pero a la vez está presente su lado más oscuro. ¿Qué adulto no ha deseado haberse quedado en la infancia, y qué niño no ha querido vivir sin sus padres y volar? Sin embargo, todos ellos saben que eso no puede ser, tanto como la protagonista femenina, que por cierto se llama Wendy (nombre inventado por Barrie a partir del verbo “to wend” (irse), es decir, la que se irá del País de Nunca jamás. En suma, la que crecerá). Su principal pasión consiste en contarles cuentos de Peter Pan a sus dos hermanos, hasta que un día viene a visitarles en persona, y les propone que le acompañen a su mundo, situado en la “segunda estrella a la derecha”.

Un niño humano abandonado en la selva es adoptado por una loba que le lleva a su guarida, lo cría junto a sus lobatos y decide llamarle Mowgli. En la selva, Mowgli es aconsejado por Akela, el lobo gris, Bagheera, la pantera negra y el oso Baloo, que le enseña los secretos del mundo animal. Pero Shere Khan, un tigre que odia a los humanos, promete que se comerá al niño en un descuido. Esta adaptación de la legendaria obra de Rudyard Kipling es sin duda uno de los filmes de animación más redondos de la factoría Disney. Supuso el último trabajo de la productora, en vida de su fundador, que debió de intuir que le quedaba poco tiempo y decidió cuidar todos los detalles. Los personajes bailan al ritmo de estilos diferentes , como la samba o el swing que suena en una de las secuencias más conocidas, que presenta a Louis, el rey de los monos. Destaca "Lo más vital", del oso Baloo, unas de las canciones de referencia de Disney.

Mowgli es un “cachorro humano” que vive en la selva, encontrado cuando era casi un bebé por Bagheera, una pantera. El niño fue llevado por ella a la manada de lobos liderada por Akela, donde llegó a ser un hijo más de la cama de la bondadosa Rakha. Sin embargo, Mowgli tiene un enemigo mortal, el tigre Shere Khan, obsesionado con matarle. Sabedor del peligro que corren los suyos por su culpa, Mowgli decide marcharse con los humanos. Numerosas aventuras le esperan. Notabilísima película de la factoría Disney que actualiza con alta tecnología visual una de las aventuras clásicas más conocidas y mejor recibidas por el público, adaptación de la novela de Rudyard Kipling. En la retina siempre permanecerán los trazos entrañables de los personajes y la haraganería divertida que reinaba continuamente en la versión animada de 1967. Cincuenta años después puede decirse que el nivel se mantiene y aun se supera en esta asombrosa y extraordinaria versión que mezcla imagen real y creación digital. Sin duda, lo más llamativo con respecto a otras versiones cinematográficas es el tono realista –e incluso sombrío en algunos momentos– de las aventuras que viven Mowgli y sus amigos. Aunque hay escenas de relax –no faltan claro está los gags protagonizados por Baloo, entre ellos la interpretación de su célebre canción “The Bare Necessities”–, el guionista Justin Marks ha puesto todo el énfasis en generar seriedad a la trama, a los conflictos entre los personajes, a las dudas que sufren. Y las apariciones del tigre Shere Khan producen verdadera inquietud y, si alguien tiene dudas de su maldad, su percepción cambiará tras la llegada del felino al poblado de lobos. Tanto es el realismo transmitido que cuesta acostumbrarse al habla antropomorfa de los animales. Detrás de El libro de la selva está Jon Favreu (Iron Man), quien película a película se está convirtiendo en un seguro de vida con respecto a la excelencia de sus superproducciones, porque no olvida nunca a los personajes, los mima. Aquí todos tienen peso por igual: Mowgli –hasta el aspecto del actor Neel Sethi copia el de los dibujos–; el oso Baloo, holgazán, vividor, deseoso de saltarse las reglas; la fiel pantera Bagheera, cumplidora y noble; la loba Raksha, madre amorosa; y hasta la sibilina serpiente Kaa, cuya engatusadora cháchara está a punto de acabar con el protagonista. Estamos ante una película de aventuras de formidable calidad, entretenida de principio a fin, que habla de amor, de sentirse parte de una comunidad, de sacrificio y armonía, y de la prometeica relación del hombre con el fuego. Y aunque el guión discurra por los terrenos conocidos de la versión de dibujos animados, por lo que la narración no deja de ser sencilla, está servido con imágenes de una epatante belleza, con un subyugante colorido fotográfico de Bill Pope, y filmado con un virtuosismo tan espectacular que sobrecoge –el 3D tiene aquí algo que decir–, con ritmo muy equilibrado, acorde con cada momento, siempre bien acompañado por la música de John Debney. Hay numerosas secuencias verdaderamente impresionantes –el inicio, el primer ataque de Shere Khan, etc.–, aunque probablemente se lleva la palma la que tiene lugar en la ciudad de Loui, el rey de los monos, donde los efectos especiales alcanzan cotas desorbitadas.

Con la mejor adaptación de la inmortal obra de Collodi, Disney ganó los merecidos Oscar (mejor música y canción) en 1940. El Hada Azul influya vida a una marioneta, Pinocho, creada por el anciano carpintero Gepetto, deseoso de tener un hijo. Cuando Pinocho dice una mentira, le crece la nariz, y su mayor deseo es convertirse en un niño de carne y hueso, como los demás. Sengundo largo de Disney, rodado en 1940 tras Blancanieves y los siete enanitos. Era un proyecto más arriesgado, porque se basaba en una obra poco conocida: aunque Collodi había tenido mucho éxito a finales del siglo XIX, la gente se había olvidado de ella. Fue el desbordante éxito del film de Disney el fenómeno que acabó convirtiendo la novela original en un clásico, retomado recientemente ppor Spielberg en Inteligencia artificial. El reconocimiento del público tardó porque se estrenó al comienzo de la II Guerra Mundial, por lo que no llegó a Europa hasta 1947.

Desde que inició su carrera como animador, a principios de los años 20, y mucho antes de Blancanieves y los siete enanitos, su primer largo, Walt Disney barajaba llevar a la pantalla uno de sus cuentos favoritos, La Cenicienta, el clásico de Charles Perrault. El relato había ilusionado a generaciones enteras, con su mensaje de esperanza sobre sueños que se hacen realidad. Incluso en circunstancias adversas, como las de la protagonista, Cenicienta, que a la muerte de su padre –como es sobradamente conocido–, queda bajo la tutela de su despiadada madrastra, que la obliga a limpiar, fregar platos y hasta hacer la comida para ella y sus hijas –hermanastras de Cenicienta–. En esta versión, Cenicienta cuenta con unos pequeños amigos, Gus y Jaq, dos simpáticos ratones que tratan de consolarla cuando sus hermanas se van al baile que organiza el príncipe para encontrar esposa, y a ella la dejan en casa. Cuando todo se diría perdido, aparece inesperadamente el Hada Madrina de la Cenicienta, una adorable ancianita que a golpe de varita es capaz de crear mágicamente un vestido inigualable para el baile. El propio Walt Disney declaró que se trataba de su favorita entre las numerosas películas que produjo, y que incluía la mejor secuencia que había rodado en su vida: cuando el Hada Madrina entrega el vestido para el baile a la Cenicienta. Por lo visto, Disney se sentía identificado con el personaje, porque había empezado desde cero, vendiendo periódicos en plena calle, y aún así había logrado fundar un imperio. Se trata de una de sus creaciones más universales. De esta adaptación proviene el famoso ‘zapatito de cristal’, que era de cuero en el cuento original. Dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske –responsables de títulos como Peter Pan–, en su elaboración participaron los famosos Nine Old Men (Nueve Sabios) el equipo de animadores de la época dorada de Disney. Estos pusieron en marcha una técnica novedosa que hoy día se usa habitualmente. Contrataron actores para que interpretaran a los personajes y filmaron todas las escenas en imagen real. Este material sirvió para inspirar a los dibujantes, que tomaban bocetos sobre el movimiento real y hasta los gestos de los intérpretes. El personaje central fue supervisado por dos de los mejores artistas de la compañía, Eric Larson y Marc Davis, que la concebían de forma distinta. Para Larson tenía que tener una apariencia de muchacha humilde, mientras que Davis la imaginaba más sofisticada. Entre los dos acabaron llegando a un acuerdo y crearon a la carismática Cenicienta que conocemos. El film obtuvo tres nominaciones a los Oscar, en las categorías de mejor sonido, banda sonora de musical y canción. Esta última candidatura fue para la canción ‘Bibidi-Bobidi-Bu’, en la que el Hada Madrina recita sus famosas palabras mágicas.

Se debe tener sumo cuidado con las listas de invitados a eventos, no se nos vaya a olvidar alguien importante. Es lo que le ocurrió al rey Huberto, que no invitó al bautizo de su hija a la hechicera Maléfica, que por venganza lanza una maldición: la princesa morirá cuando cumpla los dieciséis años. Las mágicas madrinas de Aurora, que así se llama la joven, encuentran el medio de solucionar el asunto: no morirá, permanecerá dormida. Esta adaptación del clásico cuento de Charles Perrault se convirtió en uno de los mayores éxitos de Disney en los 50. Inolvidable la música, adaptada de la célebre partitura homónima de Tchaikovsky.