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Lista de cine

Las películas más destacadas de pintores y arte pictórico

El cine le ha sacado mucho partido tanto a los grandes maestros de la pintura (Modigliani, Miguel Ángel, Picasso) como a otros artistas ficticios surgidos de la mente de los guionistas. Recopilamos los títulos más destacados en los que han aparecido grandes cuadros o sus autores.

Y es que muchos cineastas se ven reflejados en las tribulaciones de los artistas para dar rienda suelta a su creatividad, superando obstáculos.

Las películas más destacadas de pintores y arte pictórico
(2018) | 96 min. | Animación | Thriller Tráiler
Imaginativa película animada húngara del pintor y artista multimedia Milorad Krstic, nacido en 1952, que debuta en el largometraje y coescribe el guión con la también recién llegada Radmila Roczkov. Sigue las vicisitudes de Ruben Brandt, psicoterapeuta que trata a sus pacientes con originales métodos basados en al arte. Pero él mismo parece estar necesitando urgente atención psiquiátrica, pues desde niño sufre pesadillas y alucinaciones relacionadas con célebres cuadros, que han ido "in crescendo". Cuatro agradecidos pacientes, encabezados por la cleptómana Mimi, deciden ayudarle de una forma muy singular: robando los cuadros protagonistas de sus malos sueños, que se exhiben en museos repartidos por todo el mundo. Resultan ser muy eficientes a la hora de ejecutar los robos, pero les pisa los talones el policía Mike Kowalski, que además se siente fuertemente atraído por Mimi. Una de las grandes virtudes del film es saber combinar la entrega de una entretenida y dinámica trama, con muchos pasajes de acción, incluidas vertiginosas persecuciones, con una atrevida mezcla de géneros, y al mismo tiempo, dar una lección de arte con las numerosas referencias a estilos pictóricos y clásicos del cine, cuyo reconocimiento hará las delicias del espectador. Cuando Krstic describe la película como "una enciclopedia continua del arte y del cine" no está exagerando un ápice. Porque con un estilo visual dominante influido por Dalí y Picasso, hay además referencias a numerosos pintores, Velázquez, Botticelli, Magritte, etcétera, e incluso hay espacio para la performance improvisada, genial el pasaje del robo en el museo de Tokio. Mientras que lejos de convertirse en mezcolanza indigesta de géneros variopintos, conviven muy bien la acción, la intriga con un punto de comedia que remite a títulos como Charada y Con la muerte en los talones, las referencias al psicoanálisis, las convenciones del subgénero de las películas de robos, o las teorías de la conspiración de la Guerra Fría; también hay una deuda, por supuesto, con el surrealismo de Luis Buñuel. Merece aplauso el logrado ritmo, con una descripción mínima de los personajes y sus traumas de infancia, que tratan de superar conformando un equipo, nunca mejor dicho, "por amor al arte". Los diseños son originales, con mención especial para el protagonista Ruben, pero también la esbelta Mimi. o el personaje bidimensional, los surrealistas rasgos, dos corbatas o tres ojos, se aceptan con total naturalidad, forman parte del atractivo juego urdido por el artista total Krstic.
8/10
(2016) | 98 min. | Biográfico | Drama Tráiler
Auténtico testamento fílmico de Andrzej Wajda, un auténtico canto a la libertad, quizá el maestro polaco intuía que ésta sería, como así ha sido, su última película. Firma el guión de Afterimage: El sueño del artista Andrzej Mularczyk, quien ya había colaborado antes con Wajda en Katyn, otro film muy personal, donde dirigía la mirada a la matanza de oficiales polacos a cargo de los ruso durante la Segunda Guerra Mundial, hecho en que perdió la vida su padre. Aquí, de algún modo, a través del artista vanguardista Wladyslaw Strzeminski, traza un paralelismo con su propia trayectoria como cineasta, desarrollada en su mayor parte bajo la bota de la tutela que los soviéticos ejercían sobre la Europa del Este. El film sigue los últimos años de Strzeminski en la ciudad de Lodz, cuando está trazando el fundamento teórico de su visión artística en un manual que se titulará “La teoría de la visión”. Sus alumnos en la universidad le adoran, pero las autoridades propugnan en a comienzos de los 50 el realismo socialista aplicado al arte, las pinturas y cualquier otra manifestación creativa debe estar al servicio del ideal comunista. Un planteamiento que no comparte en absoluto Strzeminski, quien cree que ningún factor externo debería convertirse en factor de presión para manipular al artista. Su rechazo a secundar la voluntad oficial convierte a nuestro pintor en un paria, en un momento delicado: está separado de su esposa, y nota que le cuesta conectar con su hija adolescente, obligada a madurar demasiado pronto; y al tiempo, le falta el mínimo para subsistir, el acceso a alimentos y enseres de primera necesidad, e incluso a lo que necesita para poder expresarse pintando. El gran mérito de Wajda es entregar un film sobre la creación en los regímenes totalitarios sin ira ni rencores, tremendamente objetivo, y que llega directo al corazón del espectador. El protagonista, maravillosamente encarnado por Boguslaw Linda, no es perfecto y lo sabe, pero encaja sin aspavientos su situación, y de algún modo intuye que ha de saber enfrentarse a su declive con el alma en paz, la admisión de aquello que ha hecho mal. El director rueda sin caer en peligros experimentales, no trata de imitar el estilo pictórico de Strzeminski en la recreación de lo que cuenta, sino que opta por una paleta de colores grises, adecuada a la represión vivida en la época, y concibe escenas y encuadres de gran belleza, un clasicismo de gusto intachable; y utiliza una música perfecta para la historia. La escena del artista trabajando en el escaparate de una tienda, ya hacia el final de film, sin palabras, es puro cine, que resume muy bien el esfuerzo por mantener la dignidad sin convertirse nunca en muñeco al servicio de intereses espurios.
7/10
(1956) | 122 min. | Biográfico | Drama
Biopic del pintor holandés que nos cautivó con los girasoles. La historia de Vincent Van Gogh es de las que apuntalan que genio y locura van a menudo de la mano, con el sufrimiento moral que ello conlleva. Basado en la novela de Irving Stone, el film de Vincente Minnelli describe la maestría del artista y el apoyo de su hermano Theo, que no impiden el dolor mental, la incapacidad de conectar con la gente y la falta de reconocimiento público. Anthony Quinn ganó el Oscar por su papel de Gauguin, pero un excelente Kirk Douglas hubo de conformarse con la nominación, al igual que el guionista Norman Corwin.
7/10
(2014) | 175 min. | Documental Tráiler
Apasionante documental sobre la National Gallery londinense, es de esos trabajos que ayudan a que el espectador aprenda a amar aún más el arte pictórico, y a comprender la ingente labor de divulgación y preservación que hacen los museos, para que sus obras sean mejor conocidas y apreciadas por el gran público. Su director, Frederick Wiseman, cambia La danza de su trabajo de 2006 por la pintura, aunque no se resiste a incluir un bello número ejecutado por una pareja de bailarines en una de las salas de la galería. A lo largo de su metraje, casi tres horas, disfrutamos por supuesto de las pinturas, Da Vinci, Tiziano, Velázquez, Turner, etcétera, etcétera, pero sobre todo se nos invita a sumergirnos en todo lo que gira alrededor de un museo. Y así tenemos guías que explican con talento las obras a público real, y que lo hacen pedagógicamente teniendo en cuenta a quien tienen delante, ya sean adultos cultivados, público general, niños, expertos... Reuniones internas del equipo director de la National Gallery, donde hablan de cuestiones presupuestarias, o de si resulta apropiado unir la institución a un acontecimiento deportivo. El modo en que se preparan las exposiciones temporales, con el acondicionamiento de los espacios. La restauración de cuadros. Las inauguraciones con cócteles 'ad hoc'. Las conferencias. Las sesiones para pintar desnudos al natural. Y hasta activistas ecologistas desplegando una lona delante del museo donde asegura que el vertido de crudo al océano ('oil'), no da como resultado una bonita pintura 'al óleo'. Gran mérito de Wiseman es que el conjunto del film no transmita en ningún momento sensación de dispersión, antes al contrario el espectador tendrá la sensación de que se le entregan todas las piezas de un puzzle con las que se acaba componiendo una imagen muy precisa –un cuadro, una película que también es una obra de arte– del meritorio trabajo de los profesionales de los museos, y de cómo un público heterogéneo puede gozar de la belleza de las pinturas de grandes maestros de todos los tiempos.
7/10
(2003) | 95 min. | Drama
Adaptación de la novela homónima de Tracy Chevalier, que imagina el posible origen del cuadro “La chica de la perla” de Vermeer. El film transcurre en la Holanda del siglo XVI, cuando la joven Griet (Scarlett Johansson) deja la casa paterna para servir en casa del pintor (Colin Firth). Es una chica educada en un estricto protestantismo, espabilada (p. ej. al regatear en el mercado), recatada y celosa de su virtud. Dentro de su escasa educación admira los cuadros del maestro, y se le adivina una sensibilidad. El mismo maestro queda cautivado por ella cuando la ve iluminada en su estudio, garabateando en una ventana empañada. Vermeer deberá conciliar los deseos de su suegra para que pinte un cuadro inspirado en la joven, para un potentado y vicioso cliente, con los celos de la esposa, que no debe saber que está trabajando en ese cuadro. Entretanto, la sirvienta empieza a salir con el hijo del carnicero. Hermosa película, pelín académica y preciosista, pero de maravillosa fotografía de Eduard Serra, que reproduce muchos cuadros de Vermeer de modo asombroso, sin caer en el empalago. Narrada a modo de cuento, con trama mínima, el film responde al enigma de por qué una joven de baja extracción social llevaría unos prociosos pendientes de perlas. El film habla del modo en que surge la inspiración, y de la tragedia íntima de Vermeer, que ya casado, encuentra un alma gemela, capaz de entender su arte, en su criada. Ella es una verdadera musa, que transmite una intensa vida interior, aunque al tiempo Vermeer es consciente de la imposibilidad de su amor por Griet. Y en ese drama se debate, como muestra bien el muy expresivo Colin Firth.
7/10
(1992) | 133 min. | Documental
Antonio López es un artista que pinta el cuadro de un árbol, en concreto, un membrillero que él mismo plantó hace años. Con paciencia va dibujando los trazos del árbol, pero las semanas y las estaciones pasan y hacen que vaya cambiando la apariencia del árbol. Víctor Erice (El espíritu de la colmena) realiza un lento documental –sólo apto para cinéfilos– que parece un poema; poema que habla del paso del tiempo, de aquello que es pasajero y no se detiene, a pesar del ansia del artista por captar y detener para siempre un sólo instante. Utiliza para ello el símbolo del árbol que crece, madura, y da frutos. Cine exigente y metáfora preciosa, con una fotografía excelente de Javier Aguirresarobe (El bosque animado, Mar adentro).
6/10
(1952) | 123 min. | Biográfico | Drama
Etapa de la vida del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrecc; un artista, que sufrió una minusvalía física de niño y que le atormentó toda su vida. Regentaba el Moulin Rouge, un cabaret de París, donde los bailes que allí tenían lugar, le sirvieron de inspiración para muchos de sus cuadros, como 'Dos mujeres bailando' o 'Baile en el Moulin Rouge'. Pero su soledad y la falta de estabilidad, autoestima y amor le hicieron caer en el alcohol y otros vicios, llegando incluso al deseo de acabar con su vida. John Huston llevó al cine la vida del atormentado pintor, que fue interpretado por José Ferrer (El motín del Caine, El barco de los locos, La historia más grande jamás contada). La película fue nominada siete veces a los Oscar, incluyendo mejor película, pero sólo el diseño de vestuario y la dirección de actores se llevaron el galardón. El film cuenta con una realización impecable y una preciosa fotografía de las calles de París.
7/10
(1958) | 108 min. | Biográfico | Drama
Melancólica biografía del pintor Amedeo Modigliani, pintor italiano de finales del siglo XIX que vivió en el barrio de Montparnasse en París desde 1906. Allí no solo explotó todo su talento, sino también tuvo que hacer frente a su adicción a la bebida y vivió una apasionada historia de amor con Jeanne. Finalmente, el artista fallecería de tuberculosis en 1920 con tan sólo 35 años. La película iba a ser dirigida en un principio por Max Ophüls, aunque éste se encontraba bastante enfermo y no pudo hacerse cargo del proyecto. En su lugar se escogió a Jaques Becker, que completa un gran trabajo. Especialmente brillante resulta la ambientación de París, que va modificando su aspecto en consonancia con los acontecimientos vividos por el personaje central: su mejor etapa creativa se define con alegres cafés y vida bohemia; en su declive todo se vuelve más tenebroso y las sombras parecen acechar en cada callejuela. Lino Ventura realiza una creíble interpretación de un personaje que volvería a encarnar Andy García en Modigliani (2004).
8/10
(2000) | 118 min. | Biográfico | Drama
Debut en la dirección del actor Ed Harris, que asimismo se reserva el papel protagonista. El film aborda la vida del pintor Jackson Pollock, desde que conoce a la que sería su esposa –la también pintora, aunque menos conocida, Lee Krasner–, hasta el fatal accidente que segó su vida. Por el modo de discurrir la historia, vemos un amor sincero por ambas partes, aunque más generoso desde el lado de ella. Él se agarra con más facilidad a todos los tics que se le suponen a un genio, para hacer y deshacer a su antojo, dejándose llevar por el estado de ánimo y las actuaciones excéntricas. E incluso se deja arrastrar por la infidelidad, zahiriendo innecesariamente a su mujer. El debutante Harris evita caer en un estilo autocomplaciente, o en el lugar común. Su estilo narrativo es seco, y no suaviza las asperezas del personaje protagonista. Y describe bien esos círculos seudointelectuales, en que se trata de todo frívolamente, sin llegar al meollo de las grandes cuestiones. El director logra además acercarnos a los momentos creativos del artista. Quizá los mejores pasajes del film son aquellos en que Pollock, después de contemplar la tela vacía durante largos minutos, se deja llevar por la inspiración para componer su obra. El film, que inexplicablemente ha tardado varios años en llegar a España, le valió a Marcia Gay Harden el Oscar por su magnífica composición de Lee Krasner.
6/10
(1965) | 136 min. | Histórico | Drama | Biográfico
Cuidadosa reproducción histórica de las conflictivas relaciones entre Miguel Angel (Charlton Heston) y el Papa Julio II (Rex Harrison), encarnados ambos por los intérpretes idóneos. A principios del siglo XVI el Papa le pide a Miguel Angel que pinte el techo de la Capilla Sixtina, lo que inicialmente rehusa. Cuando se ve obligado a hacer el trabajo, lo destruye y huye de Roma. Al final, el Papa le convence para que reanude el trabajo, lo que se convierte en una batalla ideológica por las diferentes formas de pensar de ambos personajes. El resultado será una de las indiscutibles obras maestras de la pintura. El excelente realizador Carol Reed (El tercer hombre) firma uno de los grandes clásicos del cine histórico, interpretado por Heston, que salió tan airoso en esta ocasión como de la interpretación de personajes como Moisés.
6/10
(1969) | 186 min. | Histórico | Drama Tráiler
Hermosa película, que va más allá del género biográfico a la hora de seguir la pista al monje pintor de iconos Andrei Rublev, que vivió a caballo entre los siglos XIV y XV. Tarkovsky –con la colaboración en el guión de Andrei Konchalovsky– se propuso que el personaje cobrara para el espectador actualidad, que su esfuerzo por atrapar la belleza y la trascendencia con sus pinceles afectara profundamente al público. Aseguraba compartir la idea de Engels de que “una obra de arte es tanto más valiosa cuanto más enterrada y escondida permanece su idea principal”, y que ése era el camino que había seguido en este film. De modo que emprendió una “biografía imaginaria” en gran parte, con once retazos inspirados en episodios de su vida, donde vemos al artista trabajando aquí y allá, alternando con el pueblo (véase el bufón), acudiendo a la llamada para decorar la catedral de la Asunción en Moscú, viviendo una particular `noche oscura´ o disertando sobre la Pasión. Y vemos a otro artista, su maestro, el monje Kyril: el experto Rafael Llano compara su relación a la célebre de los compositores Salieri y Mozart. Casi todo el metraje está rodado en blanco y negro pero bien avanzada la trama, de modo inesperado, surge el color a la hora de mostrar la obra artística de Rublev; es un estallido cromático que funciona muy eficazmente. Y hay audacias de belleza increíble, como la escena inicial del vuelo. Para interpretar al protagonista, el escogido fue un joven poco conocido, Anatoli Solonitsyn. Tarkovsky explicaba su elección porque imaginaba a Rublev “como un hombre de gran fuerza moral, con mucho nervio, de recio temperamento, aunque exteriormente reservado, silencioso, dado a la meditación. Para nosotros, eran totalmente inadmisibles el sentimentalismo y el carácter empalagoso.” Y el actor se ajustaba perfectamente a esa imagen. El lanzamiento de la película fue accidentado. Una primera proyección tuvo lugar en diciembre de 1966, pero las autoridades soviéticas exigieron cambios. Y no les hizo gracia saber que una copia del film se había pasado en Cannes en 1967. De modo que su estreno oficial no tuvo lugar hasta 1969 en San Petersburgo, lo que aseguraba, al fin, su distribución internacional.
8/10
(1946) | 105 min. | Drama
Utamaro es un pintor de éxito que se inspira en el universo femenino para sus retratos, por ello acude con asiduidad a burdeles para dibujar a sus mujeres. Pero tarde o temprano se encontrará con ciertos sectores que no apreciarán este arte. Kenji Mizoguchi (Mujeres de la noche) lleva la batuta de este drama.
4/10
(2002) | 118 min. | Biográfico | Drama
Biopic de la célebre pintora mexicana Frida Kahlo, que se basa sobre todo en la monografía de Hayden Herrera, y que trata de hacer válido el tópico de que los genios son raros por definición. El film es un amplio fresco, que narra muchos de los hechos que marcaron su agitada vida artística y sentimental. Desde el tremendo accidente que estuvo a punto de dejarla paralítica (le dejó secuelas de por vida, incluida su incapacidad de tener hijos), hasta y sobre todo su historia de amor con el también pintor Diego Rivera. Resulta imposible abarcarlo todo, de modo que la directora, Julie Taymor, opta por simplificar todo lo que se refiere a las ideas políticas. Así, aunque aparece la figura decisiva de Trotsky, se hace más hincapié en la rápida aventura amorosa de éste con Frida, que en sus convicciones ideológicas. También la bisexualidad de la artista es apuntada sólo fugazmente. Lo más llamativo del film es el modo, visualmente brillante, de abordar el mundo pictórico de Frida. Taymor, que ha demostrado su enorme fuerza visual en el film shakespeariano Titus, resuelve muy bien los momentos de inspiración de la pintora, o algunos pasajes de transición, como la estancia en Nueva York. El apoyo de un maquillaje que convierte a Salma Hayek casi en la hermana gemela de la pintora, y la brillante partitura, ayudan mucho, y fueron premiados con sendos Oscar.
7/10
(1936) | 85 min. | Biográfico | Drama
Tras morir su esposa, la pintura del artista Rembrandt van Rijn se vuelve oscura y pesimista. Después del éxito de La vida privada de Enrique VIII, los Korda y Charles Laughton volvieron a unir esfuerzos en otro film biográfico, sobre los altibajos sentimentales del genial pintor holandés a partir de 1642. Su falta de ánimo afecta a los cuadros, que no gustan a los clientes del pintor, lo que le hunde en la pobreza. Por otra parte, volverá a encontrar intereses amorosos, aunque la muerte seguirá acechando. La recreación de Amsterdam es sublime. Supone además una de las muchas colaboraciones entre Laughton y su esposa en la vida real, Elsa Lanchester.
6/10
(1991) | 158 min. | Biográfico | Drama
Mirada a los últimos días de Vincent Van Gogh, cuando el genial pintor holandés viajó a Auvers-sur-Oise, por recomendación de su hermano Theo, marchante de arte. La idea era que el idílico entorno rural, que inspiraba a otros artistas, le serviría para descansar; además, allí podría visitar al doctor Gachet, cliente de Theo, y una posible ayuda en lo referente a sus crisis nerviosas. El film describe esos días que debían ser tranquilos, pero en los que Vincent desarrolló una intensa actividad pictórica. Al tiempo, el pintor sería requerida amorosamente por Marguerite, la joven hija de Gachet, lo que afectará a la relación entre éste y Van Gogh. Maurice Pialat tiene bastantes aciertos en esta introspección al final de la vida de Van Gogh, que se vio acelerado por el disparo que él mismo se infligió. Por un lado, sabe hacer planear con sutileza la idea del suicidio sobre el personaje protagonista, quien se siente una carga para su hermano, y al que pesan las acusaciones que los otros le hacen de egoísta, en las que ve una parte de verdad. Los tramos campestres de Auvers-sur-Oise tienen un adecuado contrapunto en los pasajes parisinos, de tono festivo -ese baile que podía figurar en una película de John Ford-, pero sólo aparente, pues los placeres de la carne a los que Vincent se abandona ocasionalmente no le llenan, y lo sabe. Lo relativo a la creación artística y la inspiración se sugiere hábilmente, con esos campos de trigo mecidos por el viento, que Vincent contempla, o la obligada parsimonia con que debe aceptar el pintor la incomprensión de tantos -incluida Marguerite- ante su obra. El reparto se revela atinadísimo, pero es de justicia subrayar la interpretación de Jacques Dutronc, verdaderamente transfigurado en el artista, que lleva dentro lo que el propio Van Gogh definía como "ese algo que se llama alma, que al parecer no muere jamás, y vive siempre, y busca".
7/10
(1974) | 85 min. | Documental
Apasionante e inclasificable documental de Orson Welles, que se fija en falsificadores de arte como el pintor Elmyr D’Hory, cuyo admirable perfeccionismo lleva a cuestionar qué entendemos por arte; el propio cineasta viene a definirse como un embaucador.
6/10
(1948) | 86 min. | Romántico Tráiler
Un artista busca inspiración, y encuentra el tema perfecto en una chica que descansa en un banco del parque. William Dieterle logra un film exacerbadamente romántico, que va directo al corazón.
7/10
(1996) | 108 min. | Biográfico | Drama
En 1987 el pintor Jean-Michel Basquiat se convirtió en el pintor de moda de Nueva York. Sus coloristas cuadros eran la comidilla de la intelectualidad de la Gran Manzana. Pero el éxito no duró mucho, al menos para él, que murió al año siguiente, con apenas 27 años. Su amigo y compañero de profesión Julian Schnabel debutó en el cine con este film, que quiere ser un homenaje a su memoria y a la creatividad del artista. Y aunque Schnabel consigue algunos pasajes vigorosos, bien apoyado en la dirección artística y musical, el conjunto sabe a caos y vacío, tal vez porque la connivencia de Basquiat con la droga y la frivolidad tampoco daban para más.
4/10
(1992) | 100 min. | Tragicomedia
Adaptación de la novela de Henri Murger "Scenes de la vie de bohème", acerca de tres bohemios artistas, cuya amistad nace en París. Ellos son un pintor, un autor de teatro y un compositor musical, que no logran que sus obras obtengan reconocimiento. El primero, inmigrante albanés, se enamora de una parisina, pero muy a su pesar es deportado. Cuando vuelve a por su amada, ella está con otro. Aki Kaurismäki demuestra una vez más la curiosa capacidad hipnótica de su cine, donde la no-acción y los lacónicos diálogos no impiden el despliegue de toda una catarata de sentimientos inefables, esta vez a cuento de la dura vida del artista comprometido.
6/10
(2004) | 128 min. | Biográfico | Drama
La vida de Amedeo Modigliani (1884-1920) fue llevada al cine con éxito por Jacques Becker con el título de Los amantes de Montparnasse, con Gérard Philipe y Anouk Aimée como protagonistas. Ahora, el inglés Mick Davis (El partido) escribe y dirige este nuevo biopic sobre el genial pintor italiano afincado en el París de principios del siglo XX. El film recoge principalmente el último año de la trágica vida del pintor, marcado por su rivalidad artística con Picasso, por su amor por la joven Jeanne y por la enfermedad que le llevaría a la tumba. De buenas a primeras hay dos cosas que sorprenden en el film: la primera es ver a Andy García en el papel protagonista (algo no encaja bien: es como imaginarse a Brad Pitt haciendo de Mozart), pese a que el actor cubano se esfuerza por ser convincente; la segunda es una especie de frecuente anacronismo en la ambientación y la atmósfera creadas por Davis (la limpieza de las calles, el vestuario, el papel de la mujer en la sociedad, etc.). Pero son sólo objeciones de relativa importancia para una película correcta, hecha con esmero y dirigida con eficacia, con alguna secuencia brillante (la noche de trabajo previa al concurso) y ciertos momentos intensos (Jeanne contemplando el cuadro). Por lo demás, aparte del gran romanticismo de la historia, inevitablemente trágica, destaca la oposición-admiración de Picasso con respecto a la integridad artística de Modigliani. Ayuda al resultado el gran trabajo de la semidesconocida actriz Elsa Zylberstein y la emotiva música de Guy Farley.
6/10