Lista de películas distribuidas en DVD por Emon

Norte de los Estados Unidos. Solomon Northup es un hombre negro, casado y con dos hijos, que goza de una buena posición. Con la excusa de ofrecerle un atractivo trabajo, y aprovechando la ausencia de su familia, dos desalmados le secuestran y es vendido como esclavo. A lo largo de 12 años pasará por distintas plantaciones sureñas, sirviendo a distintos amos. No perderá la esperanza de recobrar la libertad, pero la supervivencia pasa por no mostrarse como alguien con educación, y por el dilema moral de cuál debe ser su reacción ante tremendas injusticias de las que es testigo. Formidable película, quizá el mejor drama que se ha filmado en cine sobre la esclavitud en Estados Unidos, destinado a tener el impacto que sobre el holocausto tuvo La lista de Schindler. Se basa en una historia real, que contó el propio Solomon Northup en un libro publicado en 1853. Steve McQueen (II) ha probado sobradamente sus capacidades como cineasta en Hunger –las huelgas de hambre de terroristas del IRA– y Shame –las adicciones sexuales–. Aquí se aplica con realismo en describir las penalidades de un hombre libre reducido al estado de esclavitud sin que pueda hacer nada por impedirlo, lo que supone una inmersión en el infierno de algo socialmente aceptado, disponer de las personas como si pudieran ser propiedad de alguien. Hay innegable crudeza en varios pasajes –las flagelaciones, el impuesto despojo de la intimidad...–, pero justificable y medianamente elegante. Lejos del director y de su guionista John Ridley caer en la sensiblería, o en el trazo caricaturesco del hombre blanco. Hay un esfuerzo claro por la objetividad, se procura penetrar en el punto de vista de la época sin condenas explícitas, ya sea el del propietario buena persona pero con problemas económicos, que no considera que sea labor suya cambiar las cosas; el capataz pendenciero de enorme ego; el depravado dueño de una plantación, y su no menos depravada esposa, por los celos que alimenta hacia una esclava de la que abusa el otro; los que usan del engaño para servir a sus propios fines; y los que tienen claro que no existen diferencias reales entre los blancos y los negros. Mientras que entre los esclavos las actitudes oscilan entre el extremo de la desesperación y el intento de la huida, y el de aceptación de lo que hay. McQueen demuestra maestría en la composición de muchos planos -repite colaboración con su operador habitual Sean Bobbitt-, verdaderos cuadros “pintados” con talento, podemos citar dos ejemplos sorprendentes, el de la carta que arde quedando reducida a unos rescoldos, y finalmente llevando a la oscuridad, algo en lo que casi coincide el estado anímico de su autor; o el del esclavo semiahorcado, sosteniéndose de puntillas para no ahogarse, mientras alrededor sus demás compañeros, despojados de la libertad, despliegan una inusitada actividad. El completo reparto hace un trabajo extraordinario. Incluido Brad Pitt, a quien hay que felicitar aún más por ser productor de la película, o sea, uno de los responsables de su existencia. Pero puestos a destacar a alguien, es obligado mencionar al protagonista, formidable Chiwetel Ejiofor, y Michael Fassbender, que compone a un sádico al que te puedes creer.

Shane es un joven fascinado por 54, la "disco" de moda a finales de los 70 en Manhattan. Allí acuden todos los famosos en busca de música marchosa, sexo, alcohol y drogas. El día que intenta colarse comienza, de modo inesperado, su carrera como barman en el local. Su aspecto apuesto le hace muy apropiado. El chico perderá su ingenuidad, y descubrirá lo difícil que es dar con el amor. Parece que "54" fue un local muy famoso en la vida nocturna neoyorquina. Este marco real sirve para contar una historia donde una voz en off, la de Shane, ayuda a dar el adecuado tono nostálgico sobre el ritmo salvaje y escabroso de aquella discoteca. Entre los actores, Salma Hayek, y un irreconocible Mike Myers.

El cineasta catalán Ventura Pons cierra su personal trilogía basada en las novelas de su amigo Lluís-Anton Baulenas, tras las desiguales Anita no pierde el tren y Amor idiota. Lamentablemente esta tercera colaboración se parece más a la segunda de estas películas, si bien ahora se trata de una drama en toda regla con personajes totalmente desubicados, con vidas muy desordenadas y un futuro falto de sentido. Tras dos años trabajando en una ONG en África, Anna (María Molins) regresa a Barcelona traumatizada con la violencia, la miseria y la muerte que ha visto allí, y sobre todo muy escéptica en cuanto a la eficacia de la labor asistencial que se realiza. Al cabo de los meses, se pone a trabajar de guardia nocturno en una residencia sanitaria de lujo a las afueras de la ciudad y decide abandonar a su marido. Apenas se habla con su hermana, la única de su familia con la que tiene trato. Su único amigo es un compañero de trabajo, Carducci (Albert Pérez), un homosexual que le regala su caravana para que viva en ella y además le anima a seguir luchando con su vida, le entiende, le escucha... Porque Anna, como dice el título, va realmente a la deriva. Durante el día duerme y por las noches trabaja. Todo es monótono hasta que se encapricha de un interno de la residencia, de quien ni siquiera sabe su nombre, con el que practicará sexo todas las noches y cuando haga falta. La película transmite la tristeza de los personajes, zarandeados hacia no se sabe dónde y sin ningún ideal que seguir. Lo único que merece la pena es pasarlo bien, dice uno de ellos, pero si eso no es posible –como parece ocurrirle a la protagonista– no queda sino desahogarse con el sexo, da igual con quién, da igual cuándo, da igual la postura. El film habla de la decepción de esas personas que han gastado su vida en ideales que finalmente les han dejado vacíos (en este caso, las ONG). Y de la amargura que les invade cuando todo su mundo supuestamente solidario se viene abajo como un castillo de naipes. No hay asidero entonces, solo abismo vital. Aunque el propio Ventura es aún más crítico al decir que en esta película África es "una metáfora de los sueños de unos seres que quieren huir de su realidad inmediata". El director rueda bien y cuenta con la competencia de su equipo técnico y artístico habitual, con intérpretes como Roger Coma, Marc Cartes o Mercé Pons.

Steh (George Clooney) y Richard (Quentin Tarantino) son dos atracadores de bancos perseguidos por la justicia. Con el FBI a sus espaldas toman como rehenes a la familia Fuller (Harvey Keitel y Juliette Lewis). Con ellos atraviesan la frontera mejicana; una vez en Méjico deciden pasar la noche en un local de carretera. Los acontecimientos toman un brusco giro, cuando al llegar la medianoche los demás clientes del garito se transformen en unos espeluznantes "zombies" ávidos de sangre humana. Robert Rodriguez dirige este film, que mezcla bruscamente ingredientes de distintos géneros cinematográficos: thiller, cine de terror..., todo ello aderezado de la peculiar estética de Tarantino (Pulp Fiction), tan proclive a mezclar la violencia más salvaje con un ácido humor tirando a cutre.

El temible forajido Johnny Madrid escapa de prisión pocos días antes de ser ejecutado. Con ayuda de Reece, una compinche, secuestra a Esmeralda, la hija de su verdugo, y se refugia con su banda en una posada. Los extraños inquilinos del lugar piensan que Esmeralda es la mujer que según una profecía está destinada a convertirse en una princesa. Esta tercera entrega de la saga iniciada por Robert Rodriguez es una precuela de la cinta original. El film cuenta el origen de los temibles vampiros que aterrorizaban a los protagonistas. Para ello, nos retrotrae al México de 1900, lo que le da pie a mezclar el género de terror con el western, en una cinta repleta de secuencias de acción al estilo de Desperado. Toma el relevo como director P.J. Pesce (Beckett. Sombras del pasado).

La pequeña Amanda ha desaparecido. Nadie conoce su paradero. Se produce un gran revuelo entre la opinión pública, la ola mediática no para de crecer. La ciudad de Boston está conmocionada. Una tía de la niña pide ayuda a una pareja de detectives para que investiguen en el barrio, con idea de aprovechar que son vecinos del barrio, por lo que la gente será menos reacia a hablar con ellos que con la policía. Al principio Patrick y Angie son reacios a aceptar el caso; temen cómo les puede afectar el acabar encontrando el cadáver de la niña o, peor aún, no averiguar nunca qué ocurrió y cargar con ello en su conciencia. Ben Affleck ganó un Oscar con su amigo Matt Damon en 1998 gracias a su guión de El indomable Will Hunting. Desde entonces ambos han optado por cultivar más su faceta de actores. Pero una década después Ben Affleck vuelve a coescribir un guión –esta vez con Aaron Stockard, a partir de la novela de Dennis Lehane–, y además debuta en la dirección, con su hermano Cassey como protagonista. Como el lector avezado habrá notado, la trama tiene puntos comunes con un caso real de rabiosa actualidad, el de la desaparición de la niña Madeleine McCann. De hecho, se retrasó el estreno del film en Gran Bretaña por no herir susceptibilidades. Y algo que se preguntaban todos los expertos era si el flujo continuo de noticias sobre el caso McCannn ayudaría o perjudicaría cara a la taquilla. La impresión es que no fue un apoyo, la gente no quería un caso de ficción después de desayunarse todos los días con un caso de verdad. Pero independientemente de esto, Ben Affleck logra entregar una historia desasosegante, que procura huir de lo convencional, y que depara alguna que otra sorpresa. Una de las cuestiones planteadas son los dilemas morales a que se enfrenta el protagonista, de formación católica, algo que se introduce desde el principio con una cita evangélica, la de los enviados como ovejas en medio de lobos: en efecto, en el desenlace, Patrick debe optar por lo que le dicta su conciencia o por una solución acomodaticia y pragmática; y su decisión final le deja un regusto amargo.

Carlos es El Capi (Lucho Fernández), protagonista de una serie televisiva de éxito llamada Campamento misterio. El Capi cuenta con un rendido grupo de fans, sobre todo de chicas jóvenes y adolescentes que le adoran, y que él se liga sin ton ni son. A punto de fichar para una producción estadounidense, acudirá una noche a una fiesta en una gran mansión. Allí, tras una orgía de alcohol y de sexo, se levantará al día siguiente y se dará cuenta de que está encerrado junto a tres chicas y otro chico. Las puertas y contraventanas están selladas, la casa es como un búnker, sus móviles han desaparecido… Pronto empezarán a morir uno por uno. Más que discreto producto de terror español, que quiere sacar partido a la moda de las series televisivas y sobre todo a la desenfrenada locura de los fans por los actores, especialmente por parte de jovencitas impresionables. La película, que supone el debut en el largometraje de Miguel Larraya, sigue el esquema de otros filmes de escaso presupuesto y gran acogida, de las que [REC] es el mejor botón de muestra. Así pues, asistimos entre gritos, jadeos y escenas sangrientas, a correrías a oscuras dentro de una enorme casa, en donde todo son pasillos y escaleras, mientras la cámara en mano va siguiendo todos los movimientos de los personajes, con encuadres poco preparados, con luz de linterna, etc. El conjunto sin embargo tiene poca entidad y un insuficiente aire amateur. A las baratas producción y puesta en escena se suma un guión bastante tópico y lineal –aunque se quiera enmascarar su simpleza con algún giro tramposillo–, en donde se incluyen varias imágenes de desenfreno sexual a golpe de videoclip alucinado y algún pasaje escasamente verosímil, si es que el conjunto no cojea por todos lados. Los actores, desconocidos, cumplen sin más.

Cuando Beverly Weston muere, los miembros de su familia se darán cita para darle el último adiós en el funeral. En la gran casa situada en las llanuras de Oklahoma se reunirán las tres hijas mayores –Barbara, meticulosa, seria, con problemas matrimoniales; Ivy, solícita, servicial, harta de su vida sin alicientes; y Karen, alocada y superficial–, junto a sus acompañantes, tíos y primos. El centro de la reunión será la madre de familia, Violet, una mujer enferma, enganchada a las pastillas y que sufre un completo desequilibrio emocional, con una crueldad verborreica difícil de controlar. Con el amparo de George Clooney como productor, el actor, guionista y dramaturgo Tracy Letts adapta para el cine su propia obra de teatro, en donde se pone detrás de las cámaras John Wells, que dirigió con buen tino The Company Men y cuenta con amplia experiencia televisiva. El resultado es un drama familiar de alto voltaje, con puntos tragicómicos, en donde saldrá a la luz un maremágnum de secretos, mentiras y sorprendentes verdades del que ninguno –madre, hermanas, cónyuges, primos– saldrá ileso. Muy turbia es la visión de Letts sobre el matrimonio y la familia, un estado de convivencia imposible, donde la paz brilla por su ausencia y donde reina un imperial cinismo respecto al amor y la comprensión hacia los demás. Los lazos familiares no son nada, dice Letts, “unas células al azar” sin significado, y no merecen el esfuerzo por conservarlos. Agosto bebe indudablemente de la tradición dramatúrgica del sur norteamericano. Hay momentos en que la sombra de Tennessee Williams es alargada, como en esa comida de funeral, en donde la disputa dialógica será exasperante y se producirá una desenfrenada catarsis que afectará especialmente a la madre de familia, pero que acusarán cada uno de los convidados. Tras la explosión ya nada será lo mismo, sólo restará que cada uno vaya asumiendo en su propia carne el fracaso familiar y vital, hasta llegar a la más ciega amargura, al completo desafecto. Porque aquí, paradójicamente, sólo se apoyan quienes no comparten la sangre. La mayor parte de la película sucede en un solo día, en una enorme casa, aislada en el inmenso y desértico páramo de Oklahoma (la familia, ése mundo infernal que te separa del mundo). Fiel a su origen teatral, se trata, pues, de un film de personajes, de diálogos, de enfrentamientos cara a cara. Hay por tanto un enorme espacio para el brillo interpretativo, y vaya si lo hay. Resulta cansino citar el talento de Meryl Streep, pero aquí vuelve a generar un personaje único, neurótico, cruel, desconcertante, que bien podría valer un Oscar. Pero todo el elenco acompañante está magnífico, comenzando por una muy convincente Julia Roberts hasta llegar a la ya no tan joven Abigail Breslin y pasando por Juliette Lewis, Ewan McGregor, Chris Cooper, Dermot Mulroney, o por la menos conocida aunque igualmente estupenda Julianne Nicholson.

Lorena ha sido elegida para participar en el "reality" Gran hermano, toda una bomba de relojería para el resto de personajes de la serie. Mientras, Soraya sigue siendo el objeto del amor de Mauricio y Chema, que ya no saben qué hacer para conquistarla. Nueva temporada de la exitosa serie de Tele 5 que triunfa la noche de los domingos. Esta temporada es la primera donde no aparece Carmen Machi, la actriz que, con su personaje, daba nombre a la serie.

Paz se va a Miami y deja a Luisma. La vida de Mauricio podría cambiar tras conocer a su media naranja. Nueva entrega de las peripecias de los vecinos de Esperanza Sur, que experimentan cambios a lo largo de los episodios. Destaca la aparición de la ultrafamosa Belén Esteban.

Años 70. Tras ser humillada en la aduana que separa el Berlín oriental del occidental, Nelly logra pasar con su hijo Alexej al lado de la libertad y la democracia. Pero no es oro todo lo que reluce. Ambos irán a una colonia de refugiados, y conseguir trabajo acorde a su formación puede constituir un largo camino para Nelly. Porque los distintos países que mandan en Berlín occidental, empezando por Estados Unidos, quieren saber más acerca de los motivos por los que Nelly ha cruzado la frontera, y de la supuesta muerte accidental del padre de Alexej, un científico. Christian y Heide Schwochow adaptan una novela de Julia Franck, que tiene el mérito de sacar a la luz las penalidades que debían sufrir los alemanes orientales que pasaban al otro lado, en los tiempos de la guerra fría. Sus problemas no terminaban en el "paraíso", sino que a veces empezaban de un modo nuevo. El film muestra en Nelly una fuerte crisis de identidad y una dificultad seria a la hora de confiar en los demás, que se acentúan de modo paranoico cuando recibe información desconocida acerca del padre de su hijo. También tiene su interés el personaje de Hans, que ayuda a madre e hijo desinteresadamente, pero que en una atmósfera de sospecha tiene adherida la etiqueta de confidente de la Stasi. Es una lástima que el conjunto no esté suficientemente equilibrado, las piezas no encajan con toda la suavidad debida, especialmente en el caso de John Bird, funcionario de la embajada americana que interroga a Nelly, y que en el proceso estrecha lazos con ella. En cualquier caso, West ofrece una interesante mirada a los aspectos menos conocidos de las tensiones entre Oriente y Occidente en Alemania. Y son meritorios los trabajos interpretativos de Jördis Triebel y Alexander Scheer.

Moon Blake es un chaval que siempre ha vivido con su padre, en plena naturaleza. Los dos enterraron a su madre, y a él le toca hacer lo propio con su padre, tras sufrir un fatal accidente. Las autoridades le llevan a un orfanato, pero ahí no está a gusto, con lo que organiza una fuga en autobús con sus otros compañeros. Al final tres de ellos logran huir, pero un agente de la policía les sigue la pista. El director de El secreto de los McCann, y guionista de El gigante de hierro, Tim McCanlies, ofrece una simpática película de aventuras, donde destaca la camaradería de los chavales. No se pretende contar una historia realista -aunque sorprende la crudeza con que se muestra el accidente del padre del protagonista-, y en tal sentido el villano se acerca demasiado a personaje de opereta. Pero cumple con creces la intención de mostrar a unos chicos ingeniosos y necesitados de afecto.

Una historia concebida por el novelista John Bainville, la propia protagonista Glenn Close ha coescrito el guión y produce la cinta. Curiosamente como autor del argumento figura el húngaro István Szabó, con el que Close hizo hace 20 años Cita con Venus. Mueve la cámara el colombiano Rodrigo García, alejándose de las historias corales contemporáneas a las que nos tenía acostumbrados. La película sigue en la Irlanda del siglo XIX al personaje del título, perfecto y meticuloso camarero en un hotelito, y que resulta ser una mujer que oculta su sexo en una sociedad donde ellas no lo tienen fácil para salir adelante. Aunque la pinta es la de una de esas historias que describen las cuitas del personal de servicio de una gran casa, al estilo de las series Arriba y abajo, o Downton Abbey, estamos ante otra cosa, y tal cosa no se sabe muy bien qué es. A pesar del esfuerzo actoral, cuesta creerse que alguien pueda tomar a Glenn Close por un hombre; lo mismo pasa con otro personaje que simula el sexo que no es, algo que se ve a la legua, y en este caso no se puede aducir que sea alguien conocido, como Close, que te distrae al respecto porque sabes que es una mujer. En cualquier caso, cuesta entender y creer las razones que han conducido a Albert Nobbs a ser Albert Nobbs. También se nos antoja el personaje de una ingenuidad difícil de aceptar, con su utopía de poner en marcha un pequeño negocio, y sus esfuerzos por cortejar a una doncella. Late en el film una ideología muy contemporánea y discutible, la de la construcción personal del propio género, uno es quien decide ser, hombre o mujer.

Andrew Largeman es un joven de veintitantos años que un día recibe la llamada de su padre para comunicarle que su madre ha muerto. Andrew abandonó el hogar familiar hace mucho tiempo y la tirantez con su padre se ha acentuado con los años. La vida de Andrew es triste, y él mismo se hunde más y más a base de fármacos que le mantienen lejos de un pasado que le atenaza. Así las cosas, llega a su antiguo hogar en New Jersey para acudir al entierro de su madre. Allí se verá con su viejo amigo Mark, que ahora trabaja de enterrador, y sobre todo conocerá a la extraña Sam, una chica con tantas rarezas como encanto y de la que se hará inseparable durante unos días. Zach Braff es uno de esos extraños talentos que surgen de vez en cuando, capaces de decir algo con calado y de contarlo con originalidad. Hasta el momento había participado en comedias como Scrubs o El club de los corazones rotos, pero ahora debuta como director y guionista en la gran pantalla. Y recuerda de algún modo a Woody Allen en el modo de componer a su protagonista, un tipo traumatizado, patético por momentos, que se siente un espécimen en medio de un mundo cada vez más extraño, con una existencia sin sentido, sin Dios, y sin un motivo para vivir sino es el del encuentro del amor. Algunas imágenes son lúcidas, divertidas, emotivas, y, aunque arriesgado, el uso de la cámara lenta logra su propósito de modo muy sugestivo, acentuado también por una banda sonora excelente. La película trata de quitar hierro a una concepción trágica de la existencia por medio de situaciones surrealistas, cotidianas y sencillas, a su modo entrañables, y todo con un aire local de historia pequeña, de creación independiente. El éxito del resultado se debe sobre todo al trío protagonista –Braff, Portman, Sarsgaard–, que hace un trabajo excelente con sus personajes.

Barry Levinson reclutó a Robert De Niro en 1997, para convertirle en uno de los protagonistas de La cortina de humo, ácida disección del mundo de la política, sobre un cineasta contratado por el presidente estadounidense para inventar una inexistente guerra con Albania. De nuevo un hombre de cine es el protagonista de esta nueva colaboración del actor con Levinson, un film de tono sarcástico muy similar. En este caso el personaje de De Niro se basa en un personaje real, Art Linson, reputado productor de Hollywood, cuya mano está detrás de títulos tan memorables como Hacia rutas salvajes, Heat y Los intocables de Eliot Ness. El guión de Linson,se inspira en sus propias memorias para seguir a Ben, productor de Hollywood que se la juega con su nuevo trabajo, que protagoniza el mismísimo Sean Penn, y que ha obtenido malos resultados en las pruebas con público por culpa de una secuencia en que un perro muere acribillado, lo que genera auténtica repulsión. El director del film, un “genio” bastante descontrolado e inestable, se niega a cortar la escena, a pesar de las exigencias de Lou, la jefa de los estudios. Ben tiene que lidiar con este problema, al tiempo que trata de recuperar a su esposa, de la que se acaba de separar, e intenta que el popular Bruce Willis se afeite la barba que se acaba de dejar, pues en caso contrario no darán luz verde a la película que va a rodar con él. La película remite a otros títulos de cine dentro del cine como la magistral El juego de Hollywood, de Robert Altman o la injustamente olvidada Gente de Sunset Boulevard, también protagonizada por De Niro. Aporta detalles poco conocidos por los espectadores, como lo crueles que pueden ser los espectadores que opinan en los pases de evaluación, o las presiones a las que se ve sometido un productor, una especie de “apagafuegos”, que tiene que conciliar intereses muy dispares. El protagonista da pie a De Niro a realizar un gran trabajo. Le acompañan grandes actores, como Catherine Keener, John Turturro, Robin Wright Penn y hasta Kristen Stewart, la protagonista de Crepúsculo. Destaca el enorme sentido del humor de dos actores que se interpretan a sí mismos, Sean Penn, y sobre todo de Bruce Willis, que da una imagen suya muy alejada de la realidad. La presencia de todas estas figuras denota que el biografiado, que es el productor de este film, ha hecho muy bien su trabajo, y que además, se le tiene cariño y respeto, puesto que todos han debido renunciar a su caché habitual.

Thomas es un seminarista que decide abandonar la Iglesia en el mismo altar en el que iva a ser consagrado sacerdote. Años más tarde lo vemos transformado en detective del departamento de homicidios. Durante la investigacion de un caso, al practicarsele la autopsia a la víctima se descubre un hecho inquietante, la no pertencia de la misma a la naturaleza humana. Una serie de pistas conducen a Thomas a Gabriel (Christopher Walken) y Simon (Eric Stoltz) que encarnan dos fuerzas sobrenaturales venidas del más allá Gregory Widen dirige esta película que mezcla hábilmente los generos policíacos y de terror, pero que parece especialmente reservada a los incondicionales del género y del siempre inquietante Christopher Walken.

Si la ciencia ficción hay que entenderla como ficción con envoltorio más o menos científico, el film que se comenta pertenece a la religión ficción. Cuenta la supuesta rebelión del arcángel Gabriel, envidioso del amor que Dios muestra a los hombres. Ello ha provocado una batalla entre ángeles; los buenos piensan que la solución es que uno de ellos, Daniel, engendre un hijo de una humana. Atmósfera maligna, con un algún detalle de humor. Acción y estilo un poco en línea con El cuervo. Es la oferta de esta segunda entrega de Ángeles y demonios donde Christopher Walken repite su papel de Gabriel.

Que el bien y el mal luchen perpetuamente es cosa sabida. Pero en esta película ambos conceptos llevan el nombre de ángeles y demonios. Pyrel es un brutal ángel decidido a acabar con la humanidad. El único capaz de luchar contra él y de desbaratar sus planes es Danyael, hijo de un ángel y una mujer. Sin embargo, Danyael desconoce sus poderes contra el mal. Será Gabriel, un ángel caído, el que le haga descubrir su destino. Tercera entrega de la serie, tiene el don de enganchar desde el comienzo, gracias a un actor de la talla de Christopher Walken. Junto a momentos de gran intensidad, hay que notar que el guión a veces hace aguas. Para incondicionales del terror.